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Control Machete: En la cima del Hip Hop latinoamericano?

2007-05-19T20:40:00.000-07:00

Por Juan Data (publicada originalmente en Moshpit Posse #8, Julio de 1998, Buenos Aires)

Cuando el año pasado nos propusimos entrevistar a los mexicanos de Control Machete, las cosas no nos habían salido de la manera más oportuna; sin grabador y sin fotógrafo piloteamos la situación como pudimos para sacar la nota. Cuando en abril pasaron por Buenos Aires para presentarse junto al Sindicato Argentino del Hip Hop, 9 Milímetros y los uruguayos de Plátano Macho, los encontramos en una posición algo más cómoda y tranquila; y a pesar de el cansancio de haber terminado minutos antes un show extenuante, tuvimos tiempo suficiente para hacerles un par de preguntas en los camarines y sacarnos algunas dudas que nos habían quedado colgadas.
"La raza estuvo demasiado prendida" constató Fermín al referirse al recital que los había obligado a compartir el escenario con casi 200 fanáticos saltando y haciendo mosh "cumplió con nuestras expectativas, totalmente. La otra vez que vinimos estuvo llenísimo el lugar. Ahora yo creo que vino la gente que necesitaba venir, la gente que realmente sigue a Control Machete."
Todavía no salía del asombre de la noche anterior, cuando se habían presentado en Paraguay por primera vez junto al Sindicato, en un concierto que superó ampliamente lo que se esperaban ambos grupos: "fue impresionante... más de mil gentes, saltando, cantando las canciones." Pero sin embargo aseguran que la fama no se les subió a la cabeza y siguen siendo las mismas personas "vivimos en las mismas casas, con los papás y todo"
- En qué cambió la banda desde el año pasado hasta ahora?
- Cambió mucho en vivo, porque adquirimos mucha experiencia, tocamos muchísimo. Hicimos un gira con Molotov por todo el interior de México, tocamos en Guatemala, Costa Rica, vinimos acá, después nos vamos a Chile y a Bolivia, de ahí pegamos el salto hacia Estados Unidos donde vamos a hacer una gira...
- Que impresión se llevaron del Hip Hop latinoamericano en general, después de tanto viajar?
- Va madurando poco a poco, lentamente, porque así debe ser en principio. El Hip Hop en Latinoamérica, para nuestro gusto, todavía está en pañales. Hay que darle de comer para que siga creciendo. A mi me impresionó Sindicato, no los había oído nunca, sólo había visto el video en Monterrey. Plátano Macho también me pareció buenísimo. Tiro de Gracia, en Chile, hicieron un disco de Hip Hop-G Funk buenísimo. Quiero decir que sí hay calidad en Latinoamérica para hacer Hip Hop. Ahora a nosotros nos compromete en cierta forma a hacer un disco de nivel, un disco totalmente "Pure Hip Hop" y fuertísimo.
- Esa responsabilidad los hace sentirse un poco como a la cabeza del Hip Hop latinoamericano, no es asÌ?
- No a la cabeza sino junto con todos, pero por ejemplo, oyendo el disco de Tiro de Gracia, que es muy bueno, digo: órale! yo también quiero estar a ese nivel!
- Y en Brasil estuvieron?
- No, vamos a ir a São Paulo para septiembre u octubre, ya con el disco nuevo.
- Qué tuvieron la oportunidad de conocer del movimiento argentino.
- Bueno, a Actitud MarÌa Marta ya las conocíamos de hace tiempo, a Encontra del Hombre que me han dicho que no existe más, a Bola 8 lo vimos la vez pasada que estuvimos aquí...
- Para cuando el nuevo disco?
- Lo vamos a grabar al regresar de la gira por Estados Unidos, más o menos por agosto, como para que salga a la calle en Octubre.
- No es extraño que detrás del monumental éxito de Control Machete no haya germinado un movimiento de Hip Hop mexicano, más allá de Molotov y esas cosas que no son del todo Hip Hop?
- Ya existía desde antes que nosotros, pero lo que allí pasó es muy diferente de lo que ocurrió acá en Argentina, porque allí los grupos en su mayoría rappeaban sobre bases instrumentales de otros grupos y hay poca gente que esté produciendo su propia música. En México hay como 8 o 9 grupos de Hip Hop, en Monterrey hay como 4 y ya existían. Ahora hay que ayudarlos a ellos para que puedan subir y que toda la gente los conozca.
- La cultura Hip Hop en México ha explotado sólo a nivel Rap o también surgieron el Break Dance y el Graffiti?
- En Monterrey lo que sucedió fue que el Rap pegó primero, el Breakdance había como pasado de largo, al contrario de la mayorÌa de los lugares. En la ciudad de México sin embargo si pegó mucho el Break y todavía hay mucho movimiento de Breakers y Graffiteros.
- El año pasado cuando los entrevisté, estaban muy cebados con el último disco de Wu-Tang Clan, ahora con qué se están dando?
- Psycho Realm, Gravediggaz, The Firm, Magoo & Timbaland, todo lo de No Limit, Missy Elliot, Lil Kim...
- Consideran que hay alguna posibilidad de que el Hip Hop latinoamericano pueda emerger de las fronteras del continente y llegar a pegar en Europa o Estados Unidos?
- Lo va a hacer, pero falta madurar mucho, hay que trabajar, trabajar, trabajar... sacar muchos discos y que lleguen a todos lados. Se hace muy buen Hip Hop aquÌ en Latinoamérica y hay muchos buenos rapperos. un ejemplo de eso es Tiro de Gracia.

Mangaka

Santiago Zona Bruta (de como el rap español triunfó en Sudamérica)

2007-05-19T14:28:00.000-07:00

Por Juan Data (originalmente publicado en Hip Hop Nation #05, España, 2000)

Imagínate estar en una ciudad que no conoces, a la que llegaste hace sólo unas horas, es de noche, hace algo de frío, estás sólo, no conoces a nadie. Acabas de salir de un recital y te chocas con una barrera de policías con cara de pocos amigos. Recién entonces caes en la cuenta de que has perdido tu equipaje, no tienes documentos, tarjetas de crédito, abrigo ni pasajes de vuelta. En tu bolsillo sólo llevas algo de cambio, como para viajar en metro y comer un Hot Dog. Ni siquiera tienes un número de teléfono al que llamar porque también perdiste tu agenda.
Momento crítico. Pasar la noche en la calle pareciera ser la solución más viable... si no fuera porque estás en Chile y los “pacos” no son lo que se dice gente cordial con la que uno pueda dialogar civilizadamente.
Ya sé lo que estás pensando: “ja, a mí eso nunca me pasaría porque yo soy demasiado listo”, pero bueno, haz un esfuerzo intelectual e imagina que no eres tan listo y que te tienes que arreglar escribiendo para Hip Hop Nation porque no eres tan buen MC como para forrarte con tus skills. “Ah, bueno en ese caso...”
Entonces, ¿qué harías ante esa situación? ¿que no sabes? Pues, déjame que te cuente lo que hice yo.

El Preludio
Antes que nada, vamos a hacer un relevamiento geográfico del terreno y pongamos al lector en situación. Chile: país sudamericano que disfruta de una democracia demasiado joven. De escasa población repartida en escaso territorio (para lo que son las dimensiones en esa parte del continente), donde la sociedad se jacta de ser ordenada, patriota, religiosa y conservadora. Cómo todo país del tercer mundo sufre la marginalidad y el desempleo en carne propia, pero parece sobrellevarlo mejor que sus vecinos, ahogados en la corrupción.
¿Es este un panorama propicio para generar una escena Hip Hop con identidad propia y bien consolidada? A primera vista uno diría que no, y sin embargo, no hace falta internarse mucho en las calles de Santiago para descubrir en esa ciudad a una digna contendiente de São Paulo para la “Capital Sudamericana del Hip Hop”.
Así rezaba el flyer del evento al que me dirigía. El primer “Festival Hispanoamericano de Hip Hop”. Era mi primer incursión en tierras chilenas así que estaba muy emocionado con la idea de viajar para cubrir el concierto. Mi único contacto hasta entonces con la escena Hip Hop de Chile había sido entrevistando, años atrás, a los Tiro de Gracia y los Panteras Negras para algún fanzine apócrifo porteño, o cubriendo las visitas a Argentina de los graffiteros de la crew DVE o los b-boys transandinos que se hicieron presentes en el campeonato de Rosario (ver Hip Hop Nation Nº3).
Pero lo cierto, era que el Hip Hop de Chile era todo un enigma para mí, y es que a pesar de estar a menos de dos horas de avión, las ciudades de Santiago y Buenos Aires tienen muy poca comunicación entre sí.
Me disponía entonces a pasar un fin de semana recorriendo las tierras por las que Pinochet todavía camina libremente. Pero mi misión, que quede claro, no era rastrear el mapa del Hip Hop local (lo cual me llevaría mucho más que un fin de semana y por lo tanto quedará pendiente para alguna ocasión futura), sino más bien, analizar el desembarco aplastante del Hip Hop ibérico en esa ciudad, tomando como punto de referencia el mencionado festival.

La Llegada
Habiendo arribado a Santiago al mediodía, me disponía a recorrer tranquilo la ciudad y sacar unas fotos, antes incluso de buscar alojamiento. Es que el recital era por la noche, y entonces tenía toda la tarde libre por delante. Así llegué a Otra Vida, el único Hip Hop Shop de la ciudad, y uno de los pocos de Sudamérica (allí, me dijeron, habían estado Ari y Jotamayúscula la tarde anterior), la tienda es la única en todo Chile que vende discos de rap españoles originales, mientras la piratería es moneda corriente en la ciudad. Enseguida conocí a un grupo de ganjamanes acompañados de unas adolescentes de amplios escotes que se ofrecieron a acompañarme hasta el lugar del evento. Pero, ¿que no es a la noche?
No. Dos días antes habían cambiado el horario. Todos los flyers indicaban que las puertas se abrirían a las 19 y sin embargo, en sólo 48hs se había corrido el rumor de que el recital se había adelantado para las 15.
Dos conclusiones saqué de lo anterior, a priori: me queda menos de una hora para resolver mi problema de alojamiento, y a posteriori: vaya que si corren rápido los rumores en esta ciudad. Decidí dejar de lado lo del alojamiento, ya conocería a alguien que me quisiera hospedar por una noche y en todo caso, tenía algo de dinero como para pagar por una habitación. Mi problema pasaba más bien por el equipaje. Venía cargado con una mochila repleta de ropa, discos, revistas y demás cosas que la hacían tremendamente incómoda para asistir a una jam de semejantes dimensiones.
Uno de los fumetas que recién había conocido tenía una tienda ahí cerca y me propuso dejar mis cosas dentro. Iríamos al recital juntos y a la vuelta pasaríamos a recogerla. Me pareció buena idea y accedí. Hasta dejé allí todo el grueso de mi dinero pensando en el riesgo que corría si me llegaban a robar en las adyacencias del lugar. Santiago es muy reconocida por los robos y arrebatos en las calles.

Los Chilenos
Estadio Chile. El metro nos dejó a dos manzanas. Las calles abarrotadas de jóvenes b-boys. Advertí con admiración que no había alcohol en las manos de los que esperaban para entrar, ni latas de cerveza ni vino en tetra-brick, como se acostumbra en mis pagos. Casi por instinto me pedí un Hot Dog y una cerveza en un bar (los Hot Dog chilenos son muy buenos), salí a la calle y entonces me enteré de la situación. En Chile está prohibido tomar alcohol en la vía pública. ¿Reminiscencias de tiempos oscuros? “Si te ven los pacos te llevan” me dijeron mis amigos. Tomé un trago apresurado y la escondí. Al instante vi pasar uno de esos uniformados de verde, casi como militares nazis.
Hora de entrar y segunda aproximación al “orden” reinante en la idiosincrasia chilena. En Argentina, tierra de chantas y ventajeros, entrar a un evento sin pagar es casi un deporte nacional. Decir, “soy periodista, vengo a cubrir el show” suele ser suficiente para que se abran las puertas del cielo. Ahí, en Chile, no sólo no me dejaron pasar, me pidieron documentos, carnet de periodista, referencias del medio para el que trabajaba... ¡y todo eso a pesar de que mi nombre estaba en la lista de invitados!
Logré transponer el primer vallado pero todavía no podía entrar al estadio. Había dos puertas, en una me pedían el ticket de la entrada y en la otra una acreditación de invitado. No tenía ninguna de las dos cosas. Desde el interior del local emergía una densa nube de humo verde dulzón y se dejaban oír los primeros beats. Finalmente, después de haberle llorado a más de media docena de guardias de seguridad, pude entrar al estadio y aquí me llevé la mayor sorpresa de mi viaje.
De repente me encontraba inmerso en una maraña infinita de gente, un estadio enorme repleto hasta más no poder, tanto las gradas como el campo, y todo para ver un show de rap. ¡Mierda, y en Buenos Aires a duras penas juntamos trescientas personas! Pensé. De las casi cinco mil personas que se amontonaban para ver a Ari, un porcentaje importante (me atrevería a decir el 30%) eran mujeres y eso no hacía más que asombrarme aún más. Eso sí, el promedio de edad de las b-girls a duras penas rozaba los quince años. Las había muy pequeñas, todas vestiditas con sus ropitas de homies, dispuestas en primera fila cual fans de algún cantante romántico carilindo salido del Top 40... ¡pero estaban allí para ver un show de rap! Yo sabía que el éxito de Tiro de Gracia había acercado a muchas jovencitas al Hip Hop en Chile, pero no me imaginé nunca que estas se iban a prender a la cultura con tanta fuerza.
En el escenario estaba Savia Nueva, una especie de grupo paralelo de Makiza, con varios integrantes cada uno presentándose como un solista con el apoyo del resto. Era su primera vez en vivo y no les fue nada mal. Makiza es el grupo del momento en Chile, con miles de copias de su álbum, editado por una multi, acercaron el rap a un público más maduro e intelectual sin perder el respeto del grueso de la audiencia rappera de estirpe callejera. Entendí la fascinación de las niñas chilenas por el rap cuando vi subir a las tarimas a la incomparable Anita, de quién hasta ese entonces sólo había oído hablar maravillas, y no me defraudó en lo más mínimo. Anita (voz femenina de Makiza) tiene el talento suficiente para enfrentar a cualquier mujer MC del mundo, tanto en sus letras como en sus fabulosos freestyles. Es el secreto mejor guardado del rap chileno. Y así, como en secreto, subió y cogió el micro, escondida tras una capucha que no dejaba distinguirla. La capucha voló tras el segundo verso y la tribuna se vino literalmente abajo en una ovación unánime. Tendríais que haber visto entonces, a todas esas rapperitas de catorce primaveras coreando las rimas de la Anita.
Aún no salía de mi asombro cuando pude ver a toda la masa de gente pidiendo a gritos la presencia de Vico C, MC puertorriqueño que había prometido su visita a Chile y la había cancelado a último momento ya que los organizadores no accedieron a sus pretenciosas exigencias. Supe que en los camarines la gente de la organización del evento estaba super nerviosa con el tema y no se atrevían a salir a decir que Vico C no había venido, entonces un rappero chileno invitado de los grupos que teloneaban a Ari se ofreció para enfrentar a la muchedumbre, que no paraba de gritar “¡Vico C, Vico C!” Se asomó como tímidamente, cogió el micro y pidió la palabra: “Vico C no es verdadero... pidió una limusina para venir a Chile, así no es el Hip Hop y bla-bla-bla...” De repente, la misma gente que aclamaba a Vico C, dejó de hacerlo y cambió sus gritos por silbidos, silbidos que se fueron transformando en un cántico de guerra generalizado como los entonados por los fanáticos del fútbol: “¡Somos del Hip Hop, Somos del Hip Hop!”
A Savia Nueva le siguió Conexxión, un combo joven de rap, más denso y callejero, con sietes MC’s (seis chicos y una niña). Antes dije que los chilenos eran nacionalistas, y si lo serán que estos colgaron una bandera de su país frente a la mesa de los platos. Durante toda la tarde no paré de oír la palabra Chile en las letras, los estribillos y las arengas de los maestros de ceremonia, hasta había uno flameando la bandera patria en medio del público. Más tarde le tocó el turno a los Panteras Negras, uno de los grupos que han sobrevivido desde la vieja escuela, su Rap enteramente politizado no despierta fanatismos en la gente pero son bien respetados en la escena por su notable trayectoria. A continuación, subieron al escenario los B-Boys de Gravedad Cero que dejaron absorto al público con sus acrobacias y principalmente con la incursión de un bailarín de escasos ocho años que cerró el show con un impecable headspin. Le siguieron los muchachos de Rezonancia un dúo de rap bien hard core y marihuanero que arrastra mucho público pesado, pero también tiene a sus groupies que se agolpaban contra el vallado para sacarles fotos. Como invitado de Rezonancia en un par de temas subió su eminencia el Jimmy de la Pozze Latina, el grupo que dio el puntapié inicial del Hip Hop Chileno hace más de una década.

Los Españoles
Hasta ahí los chilenos. Afuera ya empezaba a anochecer y el público estaba cada vez más ansioso por ver a la estrella de la noche: Ari. Fue entonces cuando me di cuenta de lo grave de mi situación, había perdido de vista a los que habían ido conmigo y la oscuridad no me ayudaba a encontrarlos. Distinguir la cara de alguien a quién conociste hace unas horas -y apenas sabes su apodo- no es cosa sencilla entre una aglomeración de cinco mil personas.
“¿Qué pasa Chile?” Gritó Jotamayúscula apenas se acomodó detrás de los platos y una vez más la ovación colmó el estadio. Por fin alguien de España subía a escena, recién entonces comprendí las dimensiones del fanatismo que tiene la escena chilena con los artistas del Hip Hop ibérico. El desempeño de Jota no fue el mejor ya que estaba en pleno estado gripal y transpiraba de fiebre, pero eso no le impidió dar un buen show y mover un poco a la gente cada vez más ansiosa por ver a la chica de Gerona.
El show de Jota en los platos llegaba ya a su fin cuando anunciaron la gran sorpresa de la noche: “¡CPV estaba en la casa!” Sí, sí, como habéis leído, sin anticipos ni nada, Mr Rango se coló en el escenario secundado por Kamikaze y Supernafamacho y empezó el show sorpresa del Club, que por lo que supe es el grupo español que más fanatismo ha causado en el público chileno después de 7 Notas 7 Colores (Nota: el Mu y su gente se habían presentado un mes antes ante similar cantidad de gente y había así inaugurado oficialmente la invasión española a tierras sudamericanas). Fue el Nafa quién dijo ante la enfervorizada muchedumbre que lamentable no contaban con la presencia de Paco y Meswy, pero contentó a los fans con una promesa: “En Octubre volvemos con CPV completo”.
Finalmente llegó la hora tan esperada, se apagaron los focos en las tarimas y el Jota dejó su lugar al DJ de Ari. De repente las luces se encendieron y dejaron apreciar la figura menuda de la MC en cuestión que con más fuerza que nunca gritó nuevamente “¡¿Qué pasa Chile?!” dando así comienzo al show más prendido de la noche. Imaginaos la sorpresa de la morena de Cataluña cuando advirtió la gran cantidad de público femenino que no sólo la idolatraban sino que coreaban sus letras de punta a punta. Y atención, el disco de Ari no está editado en Chile y las ventas de la única tienda que lo ofrece original no son tan abundantes, pero todos los cinco mil presentes parecían conocer a la muchacha como si fuera una más del barrio. Creedme, la impresión que se ha llevado esta chica ha sido de lo más fuerte, pagaría por haber estado un minuto en sus pantalones.
Pero las sorpresas no se terminan aquí, como corista suplente, Ari llevó a su compañero de aventuras el Payo Malo, que también era bien reconocido en Chile aunque no tanto como solista, sino como invitado de Sólo los Solo (otro de los que han causado furor en tierras mapuches). También tuvo el Payo oportunidad de demostrar algo de lo suyo en medio del show de Ari.
Se aproximaba ya el final del festival y después de haber dado varias vueltas por el estadio me había resignado, había perdido a mis amigos y se me iba a complicar recuperar mi equipaje. Lo que más nervioso me ponía era que el domingo (o sea, al día siguiente) la tienda estaría cerrada y el lunes siguiente era feriado nacional. En fin... perdí todo lo que traje, pensé, así que me dediqué a disfrutar del show que llegaba a su punto de apogeo cuando Ari entonó su himno “Arriba los buscavidas”. El público alcanzó prácticamente el éxtasis con esta canción cuya letra reflejaba mejor que nada la situación marginal, de pobreza y violencia extrema en la que viven la mayoría de los b-boys chilenos.

Después del Show
El siguiente capítulo de mis aventuras se desarrolla intentando encontrar a alguien conocido a la salida del evento, alguien que me quisiera alojar por al menos una noche hasta que pudiera recuperar mi dinero y mis pertenencias. No conseguí encontrar a nadie así que me metí en los camarines, al menos conocía a Nieves de Zona Bruta, con quién había tenido contacto por e-mail únicamente y habíamos acordado reunirnos aquel día. Ahí los conocí personalmente a Kamikaze y a Ari que andaba de lo más contenta tras terminar el show y se paseaba con una bandeja de galletas ofreciéndole a todo el mundo. Vi con mis propios ojos, como una fan chilena de Ari cogía una galleta y la guardaba como recuerdo “por más hambre que tenga no la voy a comer... me la dio Ari” y agradecía al cielo como si hubiese recibido una bendición.
Terminé en un hotel del centro de Santiago, en una habitación con toda la troupe de Zona Bruta que no dejaban de asombrarse del público chileno. “¿Cómo puede ser que habiendo tanta gente no hayan salido sellos de Hip Hop?” le oí decir a Nieves “¿Cómo puede ser que en Argentina, que tiene el triple de población, el Hip Hop aún no haya pegado?” Enigmas sin respuestas. Escuché las anécdotas del Kami que solito, apenas llegó a Santiago, incursionó en los barrios bajos dominados por las pandillas de rapperos más peligrosas y apenas lo reconocieron salieron a recibirlo como una verdadera estrella. Me contaron de cuando había venido Mucho Muchacho y la policía había tenido que hacer todo un cordón para que pudiese llegar al estadio, escapando del acoso de los fans. Me enteré también de que, en una especie de tour, habían llevado a Ari, Payo Malo y los CPV a conocer la Guamachuco, una de las poblaciones marginales de Chile de donde más grupos de rap habían surgido y que los recibieron con una fiesta en un centro cultural indígena donde los pusieron al tanto de la situación de los descendientes de aborígenes y el racismo. Pude apreciar con asombro a las groupies de escasos catorce abriles esperando en la puerta del hotel para pedirles autógrafos a los MC’s madrileños, regalarles muñecos y llevarse algún recuerdo de sus ídolos...

La Conclusión
Yo de mi mochila ya ni me acordaba. La daba por perdida. Recién a las 11:30 de la noche conseguí lugar donde quedarme: ocupé la cama que había dejado libre Kamikaze en el departamento de la gente que organizaba el festival, que me acogieron con singular hospitalidad. Me tranquilicé y me puse a ordenar en mi cabeza todas las ideas para escribir este artículo a mi regreso a Buenos Aires, ya que también había perdido mi grabadora y no había podido hacer ni una entrevista como tenía planeado. Todavía me faltaba resolver el problema de cómo regresar a mi país sin los tickets del avión ni dinero para comprar unos nuevos, pero eso era para mí ya un inconveniente menor. Estaba satisfecho. Había presenciado uno de los shows de Hip Hop más importantes de mi vida y tenía la certeza absoluta de que esto era sólo el comienzo. Que no tardarían en llegar al cono sur tantos otros artistas españoles del rap. Ya que claro... no van a querer perdérselo, ¿o acaso a ti no te han dado ganas de probar el fruto de la fama internacional, los hoteles, los fans y los estadios repletos de niñas que corean tus letras?

Makiza: Volando bien alto

2007-05-19T14:10:00.000-07:00

Por Juan Data (publicado originalmente en Hip Hop Nation #08, España 2000)

Bienvenidos a bordo de este vuelo, Aerolíneas Makiza les agradece por haber escogido sus servicios. Nuestra tripulación, encabezada por Seo2 y su copiloto Anita, los saludan atentamente y les desean un feliz viaje. Estaremos arribando al aeropuerto internacional de Santiago de Chile, en aproximadamente 180 líneas, así que le pedimos que se relajen, reclinen su asiento y observen con atención las indicaciones de nuestras azafatas para casos de emergencia. En minutos más se proyectará la película “Vida Salvaje” que esperamos sea de su agrado... Gracias nuevamente y buen viaje.

Despegue
La historia de Makiza no comienza en Chile sino mucho más lejos. Eran las épocas trágicas de Pinochet y Cristián Bórquez (Seo2) debía abandonar su tierra natal, la isla de Chiloé, para radicarse por tiempo indeterminado en Suiza. No muy lejos de allí, en Francia, nacía Ana María Tijoux, quién hasta su pubertad sólo conoció Chile por las referencias de su madre, una profesora de sociología. En Canadá le tocó criarse a Gastón Gabarró (Cenzi, el productor) y bien lejos de ahí, en la Isla Mauricio –Océano Indico- llegó al mundo el cuarto miembro de la banda, Jean Paul Hourton (actualmente conocido como DJ Squat).
Así de remotos son sus orígenes. Así de heterogéneas sus influencias. “Los países donde he vivido han unido sus matices” dice Seo2 en “La rosa de los vientos”, su primer gran éxito. Pero por más melange cultural que confluya en Makiza, todos tienen en común el ser hijos del exilio y el ser parte de una generación de chilenos marcada a fuego por la dictadura, el desarraigo... y sí, el Hip Hop. Porque el Hip Hop entró a Chile, con más fuerza que nunca tras la caída de Pinochet y se instaló en su juventud, con raíces tan fuertes como para, en pocos años, hacer de Santiago el epicentro del Hip Hop de habla hispana más importante del continente, ¿del mundo?.
Para 1997 el Hip Hop ya era en Chile moneda corriente en la juventud y se expandía por los suburbios a velocidades increíbles. Panteras Negras, Los Tetas, La Pozze Latina... todos habían tenido su momento de gloria, pero ninguno había alcanzado aún el éxito comercial masivo.
Seo2 - Yo en esa época tenía un grupo, a diferencia de los otros. Con Gastón y Squat ya hacíamos cosas juntos. La idea nació de Squat, que estaba en África, me mandó un fax donde decía “podríamos hacer un grupo con Gastón”. Paralelamente la Anita estaba trabajando en ese tiempo con Zaturno y hacía bases con Gastón. Y como eso no funcionó mucho, Zaturno se fue para Tiro de Gracia y nosotros la conocimos en esa época a ella, que estaba organizando fiestas Hip Hop. Había hecho una fiesta donde había contratado a Squat y ahí me la presentaron. Un día fui a la casa de Gastón y estaba Anita y dije “¡hagamos un tema!”. Rappeó la Anita y me dejó asombrado. Yo quedé con ganas de hacer temas con ella. Después de eso, que ya habíamos hecho una canción con Anita...
Anita - Yo hacía relaciones públicas y me conseguía muchísimos recitales mostrando a todos ese tema.
Seo 2 - ...llegó un día en que nos tuvimos que reunir los tres que ya estábamos en el grupo para discutir si la admitíamos a Anita o no y todos estuvimos de acuerdo, así que ahí empezamos a buscar un nombre y a Squat se le ocurrió Makiza.
Los comienzos de Makiza fueron dentro de la crew Demo Sapiens, de la que también formaban parte los, en ese entonces incipientes, Tiro de Gracia. Al poco tiempo Tiro de Gracia firmaría contrato con la multinacional EMI y desde ese entonces la historia del rap chileno nunca volvería a ser la misma. Tiro de Gracia logró lo que nunca nadie antes había logrado, llevó el rap a los sitios más recónditos de Chile, atrajo al movimiento a toda una generación de adolescentes y niñas, y puso la palabra Hip Hop en boca del público más plural y diverso.

Altitud: 10.000 m
Esa era la situación del campo de batalla cuando Makiza salió a la cancha y comenzó a hacer carrera en las tarimas.
Instantáneamente captaron la atención del público con su rap tranquilo, refinado, de bases melódicas con arreglos sutiles y la voz cálida, suave y bien femenina de Anita. Las letras concienzudas, de rimas inteligentes, terminaron por atraer un público cada vez mayor: “siempre hemos tenido el interés de que nos escuche todo tipo de gente, nunca tuvimos prejuicios contra gente que no es Hip Hop. El público de Makiza es súper mezclado, tiene niños, pero también hay papás de niños y estudiantes y mucha gente que no escucha Hip Hop pero les gusta Makiza”.
Luego, para 1998, les llegó la hora de grabar y con sus propios ahorros sustentaron toda la producción y edición de su cinta “Vida Salvaje” de la que sólo hicieron quinientas copias. “Algunos no tenían mucha fe... –bromea Seo2- algunas, no vamos a decir quién. Pero yo tenía mucha fe, porque siempre que tocábamos, llenábamos”.
El éxito de aquella maketa fue instantáneo. No sólo Makiza se convirtió en el fenómeno underground del momento (si bien Anita aclara: “no sé si existe el underground”), mucha gente de la industria de la música se les empezó a acercar. Las compañías discográficas vieron, tal vez, en Makiza la posibilidad de multiplicar el éxito abrumador que Tiro de Gracia estaba teniendo en ese entonces (con 70 mil copias vendidas de su primer disco y giras internacionales), “ahí conocimos a nuestro manager actual, que nos ayudó mucho, hasta que llegamos a firmar contrato con la Sony y sacar nuestro disco”.
Anita – Siempre se nos cuestionó el haber firmado con una multinacional, pero no te lo dicen en la cara. Mucha gente se quejó, como que nos habíamos vendido. Hay músicos que para mí son buenísimos y están en multinacionales, están en un negocio, no sé... pienso en Manu Chao, en muchos grupos que están en multinacionales pero igual siguen diciendo lo que quieren.
DJ Squat - Es que hemos hecho siempre lo que hemos querido, entonces no nos importa lo que digan o piensen. Siempre hemos estado bien libres.
“Aerolíneas Makiza” fue el título de su segundo trabajo discográfico editado, y era, a su vez, un refrito de muchos de los tracks de “Vida Salvaje” más otros nuevos. Mejoró notablemente la calidad de sonido y presentación, como era de esperarse, y desaparecieron las letras rappeadas en francés, que tan bien quedaban en boca de Anita. Otro punto a destacar fue la agudización de la crítica política y social, que desembocó en la censura en las radios de su segundo corte de difusión “El paro”.
Anita - Yo creo que el Hip Hop en cada lugar tiene que tener una identidad cultural relacionada con el país donde se encuentre. Acá en Chile, como en Argentina, hay una historia política bastante fuerte y por eso creo que hay una gran influencia política en nuestras evocaciones... lo que no significa que tengamos una corriente dogmática, o de un partido, porque tampoco creo en los partidos. Pero sí creo en la justicia. Obviamente tenemos diferencias, porque si fuéramos todos iguales sería patético, Gastón, por ejemplo está inscripto para votar. Tenemos algunas diferencias, pero igual, dentro de los valores somos lo mismo. Y las letras son un reflejo de todo eso.
Seo2 - Nuestro mensaje en general, es aprender a focalizar la energía de una forma positiva, para mejorar lo que está alrededor tuyo. Nosotros criticamos pero siempre con fundamentos. La juventud tiene mucha energía y no sabe a donde tirarla, pelean entre ellos, van a fútbol... Hemos dicho muchas cosas y seguiremos diciendo muchas cosas, pero en resumen yo creo que esa es como la esencia.
Con 20 mil copias vendidas y un disco de oro, Makiza quedó tranquilo a la cabeza del movimiento Hip Hop chileno, tras la pérdida de prestigio y consiguiente separación de Tiro de Gracia. Así y todo, el éxito económico aún no ha golpeado a sus puertas. Anita dejó sus estudios universitarios y trabaja de lunes a viernes como camarera en un restaurante del centro. Seo2 trabaja en una oficina haciendo diseño gráfico y mantenimiento de redes. Sqaut asiste a la universidad, donde cursa la carrera de Publicidad y Cenzi abandonó Diseño Gráfico por la mitad.
Cenzi - Siempre hemos pensado que sería bacán poder vivir de esto. Pero mira... tenemos disco de oro pero igual tengo que andar en bici, tenemos que trabajar. Puedes vivir de la música... pero mal. Tenés que conformarte con poco.

Aterrizaje
¿Cuál será el nuevo escenario a conquistar? ¿A dónde se dirige desde ahora en más el avión de Aerolíneas Makiza? Todo parece indicar que la compañía apunta a trascender los límites locales y convertir a Makiza en un fenómeno a nivel latinoamericano.
Sin embargo, el aterrizaje se presenta con inconvenientes inesperados, los rumores de una posible separación son cada vez más insistentes entorno a Makiza, el alejamiento de Anita sería de una probabilidad bastante elevada, mientras tanto, todos mantienen sus carreras en paralelo con otros grupos y justo cuando el avión está ya dispuesto para dejar de hacer sólo vuelos de cabotaje, las posibilidades de un cambio de rumbo son cada vez más factibles. ¿Será este su último vuelo?

PRIMER JAM ARGENTINO

2007-05-19T14:00:00.000-07:00

Por Juan Data (publicado originalmente en laturma.com circa 1999)

Sólo seis días antes del evento me enteré de su existencia y mi primera impresión sincera fue que estaba destinado al irremediable fracaso. ¿Como van a organizar una joda de esas magnitudes y avisarle al público con sólo una semana de anticipación, sin prensa, sin publicidad, sin afiches, sin flyers...? Pensé. Pero claro, quienes lo organizaban, no eran otros que La Organización, (vaya paradoja!), y todos conocemos el poder de convocatoria incomparable que tiene esta gente.
Yo había visto eventos similares colapsar después de meses de promoción, miles de flyers a color en papel ilustración y avisos pagos en el Sí de Clarín. Los había visto, vivido y sufrido. Tal vez por eso, no tuve demasiadas expectativas cuando salí aquel mediodía rumbo al microcentro porteño, con la mochila cargada de revista y una cámara de fotos. Al llegar, vi la gente esperando en la puerta y me di cuenta de que estaba equivocado.
Camino a “La Reina” tuve que desviar mi rumbo para hacer una posta en el Hotel Plaza donde se alojaban mis entrañables amigos chilenos, con quienes había acordado encontrarme a las tres de la tarde para llevarlos hasta el lugar. Se me complicó un poco porque los muchachos había salido en otro de sus tours promocionales, esta vez con destino a la radio Energy, así que no pude más que dejarles una notita en la conserjería con la dirección y el horario del “1° Jam Argentino, 101% Hip Hop”.
En la puerta de la Reina me encontré con Mr Sur a quién le encomendé el sacar las fotos; poco a poco, vi caer a los chicos de La Plata, Taiz & Cray, Pato & Roy, Tortuga, Is Real vestida como una señorita (“can´t I dress like a girl sometimes?”) y demás galería de personajes (y super MC´s...). Una hora más tarde llegó la Traffic y en su interior estaban Juan Sativo, Lengua Dura y Zaturno, abrieron la puerta, pero quedaron adentro, y desde el interior de la camioneta fluían con notable sincronía el sonido del grabador de Zaturno y el olor dulzón y penetrante de la “melaza”.
Llegó la hora de entrar y ya casi todo el mundo estaba en su asunto, o sea, los graffiteros pintaban y los b-boys bailaban mientras desde la cabina Tortuga deleitaba a la feligresía con rimas ibéricas. El aire era denso como un caldo, producto obvio de la pintura en spray condensada, multiplicada por la deficiente ventilación del local. Taiz & Cray se quedaron con el paredón más grande, el más iluminado y el mejor ubicado, los demás se repartieron salomónicamente por los costados de la pista.
Mientras me divertía viendo cómo los Tiro de Gracia querían encarar (y transarse) a cuanto ser con más de un agujero entre las piernas caminase por ahí, Apolo me llamó a la cabina donde mi informó de mi trágico destino: tenía que ser jurado (ouch!).
Los b-boys seguían practicando sus piruetas cuando vi asomarse a muchos personajes de la escena, cuya presencia no me imaginaba en ese lugar, como los chicos de 9 Milímetros (hace tanto que no se los veía en la escena) o los de Comunidad que venían acompañados de adivinen quién?... Mr. Almada! Qué hacía ahí?, no me lo pregunten a mi.
Empezó el campeonato de baile y se presentaron cuatro grupos de 7 integrantes cada uno, cual rezaba el improvisado reglamento que habían escrito en una pizarra blanca. Los New Breakers abrieron juego, una cofradía de ignotos danzarines novatos, con buen estilo y destreza pero escasa experiencia en las pistas. Pelotón de Vuelo le siguió, allí confluían B-boys de distintas edades y estilos entre los que se destacaba el inquieto Willow, con su estilo extra expresivo que se ganó al jurado.
El turno le tocó a los Air Monsters y de entrada supe que estaban destinados a combatir por el podio. Abrieron con coreografías teatrales de la mano del inigualable Black Freak, un b-boy que, como pocos, sabe ganarse la simpatía de los concurrentes con un par de sus eclécticos movimientos de electro boogie. Robertón y el Colo también formaban parte de esta coalición y demostraron un tremendo avance en ambos casos, pero se guardaron lo mejor para el final. A su turno Robertón asombró a los desprevenidos leyendo el diario mientras hacía su giro de cabeza.
El postre del banquete era Aniquilación, algo así como las ligas mayores del b-boying argentino; si yo fuera director técnico y tuviese que armar un equipo para que represente al país bailado en el campeonato mundial de Alemania, sería algo muy parecido a Aniquilación. De entrada me incomodó un poco la situación, porque se sabía que podían (o debían) ganar por afano y me pareció casi una injusticia que se tuviesen que enfrentar con los grupos chicos. Aniquilación, además jugaba de local y tenía a todo el público de su lado. En sus filas contaban con el superoriginal Fresh con su estilo cada vez más complejo y exhibicionista (se sacó los lienzos mientras bailaba!); Mugre, el artífice máximo de los giros de cabeza; Jaime, la sorpresa del equipo; Davo y el Mendo, los marplatences, las armas secretas para tener la victoria asegurada; y Apolo, el personaje más carismático de la escena, líder de La Organización, tremendo MC y uno de los b-boys con más destreza que pude ver en mi vida (aunque hay que aceptar que le faltaba entrenamiento y en otras oportunidades se lo había visto lucirse con más maestría).
Por un momento deseé que Aniquilación cometiesen algún error imperdonable, o que los Air Monsters saltasen con alguna acrobacia asombrosa, y es que está en mi sangre el ponerme del lado de los más débiles, y como dije, la situación de “afano” me ponía muy incómoda, más sabiendo que yo iba a tener que tomar el micrófono y coronar a la troupe ganadora.
Fue en vano todo intento de inclinar la balanza para el otro lado, la precisión absoluta del Mendo en sus movimientos certeros, no dejó dudas de que el premio iba para él y su equipo. Pero lo que rescaté de la noche no fue el campeonato en sí ni sus ganadores, sino el espíritu de Hip Hop que se respiraba en el ambiente, la buena onda de los b-boys, que dieron todo de sí y se esforzaron por llegar a la cima (además no arrugaron aunque sabían contra quienes se iban a enfrentar), el público atento que aplaudió a todos como correspondía y la buena organización de La Organización (valga, de nuevo, la redundancia).
La noche terminó con una serie de rappeadas de micrófono libre donde tomaron la palabra Apolo y Mugre, Los Delincuentes del Sur, Comunidad, El Ejército Milenario (gran sorpresa gran), Tortuga, Is Real y la delegación de Senegal. Los de Tiro de Gracia que habían venido con la idea de tirarse una rimas en el micro, abandonaron el recinto minutos antes de la final.
Me volví a mi casa a las 11 de la noche con el estómago vacío y los bolsillos llenos (por las ventas de la revista), aunque claro, no podía usar esa guita para comer porque tenía deudas pendientes con la imprenta así que me tuve que aguantar hasta llegar a casa. Esa noche se hacía en la Tribu la fiesta regreso de las gloriosas “Hip Hop Reggae Party” del 98 y tenía la intención de ir pero el sueño me lo impidió.

TIRO DE GRACIA: Crónica de su visita a Argentina

2007-05-19T13:33:00.000-07:00

Por Juan Data (originalmente publicado en laturma.com en julio de 1999)

Me levanté esa mañana preocupado porque no me acordaba exactamente dónde era la cita. Dos semanas atrás me había enterado de la sorpresiva visita de Tiro de Gracia gracias a su mánager con quién había arreglado telefónicamente una entrevista para algún momento de ese 9 de junio.
Siendo que me acuesto normalmente a las 2 o 3 de la mañana, estar levantado, cambiado, bañado y listo para salir a las 10 era todo una demostración de mi habilidad de madrugador. Desde el lunes que llamaba por teléfono a la compañía para verificar la dirección del hotel donde iban a estar, pero allí nadie me atendía. Desesperado y sobre la hora ese miércoles llamé a EMI y haciendo uso de subterfugios y estratagemas conseguí que me diesen el número de teléfono del hotel, con eso en mano, conseguir la dirección era pan comido.
Me aventuré al céntrico hospedaje suponiendo que la cita era allí, o con el deseo, al menos, de encontrarlos antes de que saliesen en su gira diaria por radios, canales y revistas.... promoción. Así llegué vestido de homie con capucha y pantalones baggy hasta el lujoso edificio de fachada blanca e interior dorado, donde me sentí un extraterrestre. Ingresé al salón principal de el hotel, con una idea clara, no iba a tener que acercarme a la recepción para hacer las preguntas, apenas me viesen vestido así me iban a mandar un mono que gentilmente me hiciese saber que estaba en el lugar equivocado, con un frío e irónico “buscaba a alguien, caballero?” (irónico por lo de caballero).
Tuve la suerte de que mientras pronunciaba el “llero” de caballero apareció tras las espaldas del mencionado simio un tipo con más pinta de chileno que de b-boy y supe que era mi salvación: “tu eres de la Moshpit?” me dijo y me sentí plenamente aliviado.
Me condujo hasta el restaurante del hotel donde “pronto los chicos bajarán a desayunar, se están levantando” y me senté a esperar con un pedido de café mediante a la bella camarera (la casa invitaba).
Apenas me puse a relojear mi entorno, lleno de enormes espejos, cuadros de marcos dorados, alfombras azules y obviamente los clásicos “yuppies” haciendo “lobby”, vi descender del ascensor a Lengua Dura y Juan Sativo que con una efusivo abrazo me recibieron “Cómo estás, tanto tiempo, bla, bla, bla...”.
La mesa se tuvo que fusionar con dos mesas más cuando siguieron cayendo el resto de la banda, mánagers incluidos. El desayuno, generoso en proteínas, constaba de huevos revueltos, jugos y ensaladas de fruta, café y tostadas. “Este lugar es una mierda” diría más tarde Zaturno, el último en despegarse de la almohada y el más escandaloso de los tres: bajó al restaurante con un grabador colgando de su brazo con la música sonando al tope.
Entre recuerdos, y preguntas del tipo “cómo anda todo por acá ?”, la conversación derivó, como era de esperarse en el nuevo disco que justamente tenían allí y “en exclusiva” me lo hicieron escuchar de punta a punta entes de editarse. El resultado no fue menos esperado, entre el volumen de la conversación que cada vez subía más y la música que salía del grabador intentando superar a las voces, el ruido de la mesa se tornó insoportable para el resto del hotel y no dudaron en mandarnos en dos oportunidades consecutivas a un mozo para que, con buenos modales, nos rogase nuestra ausencia.
Una vez ya en la calle la música volvió a subir de volumen, y sacamos unas fotos mientras esperamos que llegase la camioneta Traffic que los acompañaría durante su gira promocional diaria. Le comenté a Lengua sobre los embates graffiteros de las crews porteñas que cada vez abarcaban más terreno y el me dijo “allá en chile a los graffiteros ya los reconocen los pacos (carabineros) por su forma de vestir, con solo ir con pantalones anchos ya sos sospechoso y te pueden revisar, si te encuentran un tubo te tiran pintura en la cabeza”. Acá todavía se puede pintar tranquilo, todavía la policía no relaciona pantalones anchos con aerosol y eso es un alivio, no solo para nosotros, sino para los graffiteros extranjeros, que sabiendo de esto, visitan las costas argentinas como el caso de Zekis y su crew, los DVE, de Santiago.
Ellos estaban enterados de la visita de los DVE a Buenos Aires, los rumores se corren pronto en las escenas hip hopperas de todo el mundo. Cambiamos de tema, porque parece que con Zekis y su gente no estaban las cosas del todo bien, y es que, bueno, la popularidad y la sobreexposición mediática había colocado a los Tiro de Gracia en una posición, al menos incómoda, producto del recelo del mucha otra gente. Como pasa siempre. Sin embargo, esto parecía no molestarles mucho, “nosotros tocamos en todo el país, tenemos nuestro público” y claro, el éxito a demás de envidias les había traído viajes por el mundo entre los que cuentan a España.
España! Obviamente la conversación derivó en hablar del rap español que tanto estaba pegando en Chile y por estos lados empezaba a hacer estragos. Se enumeraron nombres como Frank T, La Gota Que Colma, Los Verdaderos Kreyentes De La Religión Del Hip Hop, Ari y CPV. Ya estábamos en la camioneta y segíamos hablando de las comparaciones de la lírica de Geronación cuando la mánager me miró y dijo “¿a dónde vamos?”
“Caballito!” fue mi respuesta instantánea. Camino al barrio de los graffitis, Lengua Dura y yo hablábamos de Rawkus y comentábamos los últimos lanzamientos, ellos habían escuchado ya el Soundbombing 2 antes de que saliese gracias a una amigo norteamericano, el editor de Stress. Yo me moría de ganas de escucharlo así que se me hacía agua la boca. Juan Sativo, mientras, asomaba la cabeza por la ventanilla de atrás e intercalaba entre sus aullidos y onomatopeyas, casi constantes, algún que otro “erótica!” dirigido a casi cualquier cosa con forma de mujer que caminase cerca de la camioneta.
Parada a mitad de camino. Compraron pilas para el grabador de Zaturno, que no dudó en pelar la clásica bolsita a penas tuvo oportunidad. Una vez en Caballito, nos dirigimos hacia los paredones de la convención de graffiti donde observaron el arte con atención y admiración. No les explico lo orgulloso que sentí cuando en plena recorrida por el lugar, pasó a pocos metros nuestros el vagón del tren Sarmiento que fue bendecido por los sprays de Lyte & Escher poco tiempo atrás, con un formidable “top to bottom” en plateado y negro.
De ahí nos fuimos a La Tribu, estación de FM porteña símbolo del underground y de fiestas Hip Hop Reggae. Allí respondieron, con admirable paciencia las preguntas poco originales de un periodista poco avezado en la materia. Son profesionales ya en el arte de responder...
Antes de la nota nos comimos unas empanadas de carne, que no venían mal, cuando el estómago empezaba a protestar alrededor de las 2 de la tarde. Mientras tanto, contemplábamos atónitos las tremendas redondeces pectorales de una señorita fotografiada por váyase a saber qué dichoso ser y en exposición en las paredes del recinto y recitábamos en castellano estrofas enteras del maestro KRS-1.
De regreso al hotel, pasamos por la puerta de uno de esos tenedores libres coreanos de la calle Corrientes a los que nadie en su sano juicio se entregaría por más hambre que tuviese. Nadie menos ellos, que obnubilados por la palabra “libre” hincharon como nenes caprichosos para que los llevasen a comer ahí (después me explicaron que en Chile no son comunes es tipo de restaurantes y entendí).
Antes tenían que ir al hotel. Les faltaba otra entrevista, esta era con un canal de televisión por cable que yo desconocía totalmente. Mientras esperaban que los representantes de dicho canal se hiciesen presentes en el lugar, cada uno se fue para su habitación y yo por una cuestión meramente azarosa terminé en la habitación de Zaturno, donde este me dejó escuchar las bases que él mismo había armado para una banda nueva que producía. Me comí medio paquete de galletitas Rex que tenía Zaturno en su cuarto mientras la mucama le hacía la cama y de fondo sonaba la música.
Pasó la entrevista (en la que se mofaron abiertamente de la ignorancia del periodista, tomándole el pelo e ironizando en sus respuestas... pero el chabón ni se dio cuenta) y pintó ir a comer al tenedor libre. Ya eran las cuatro de la tarde y mi estómago rezongaba como nunca, pero la comida ya fría del restaurante me espantó un poco así que comí lo mínimo indispensable para tirar hasta la 1 de la mañana (horario en que volví a mi casa), ellos en cambio se morfaron la vida y se levantaron para repetir, al menos tres veces cada uno. Terminado el almuerzo, me despedí porque ya se me había hecho la hora de entrar al laburo, y quedé en verlos al día siguiente en su recital de Buenos Aires News.

Casi cancelo mi visita “al news” como le dice la gente “bien”, debido a mi malestar estomacal, producto de aquella comilona. Pero, eso de salir de laburar a las 12 de la noche un jueves y tener un recital en un boliche lleno de perras, me tentó. Habiendo comido en el camino sólo una hamburguesa de las más baratas que venden en Mc’ Dollars, me mandé hacia el Paseo de la Infanta y como supuse que el recital empezaría tipo dos de la mañana, me fui caminando, para hacer tiempo.
Llegué cansado y resignado, con la calentura de no haber tenido un puto marcador o aerosol para decorar esa parte de la ciudad, tan pulcra que se me ofrecía generosamente sin policías a la vista. Una vez en la puerta debí enfrentar la pedantería de los patovas que, obviamente al verme vestido de pantalones anchos poca bola me iban a dar. Me acerqué a la entrada de los VIP’s donde un tipo armario con cara (inexpresiva, por cierto) me ignoró abiertamente durante largo rato, mientras canchereaba con unas cachorras de jugosos escotes. De adentro se escuchaba a Tiro de Gracia sonando y me avivé de que había llegado tarde por lo que me impacientó más el cinismo de esa bola de músculos. Le toqué el brazo, tímidamente y con cara de lástima, le pregunté por la chica esta, la mánager argentina del grupo, quién me había invitado. Se hizo el que no me escuchó, miró para otro lado, se quedó sin responder y al rato se dio vuelta y se puso a hablar con otro de su raza.
Resignación. A esperar. Mi paciencia de monje tibetano fue puesta a prueba nuevamente, mientras seguía escuchando como los temas pasaban y yo me estaba cagando de frío en la puerta. Se volvió hacia mi, se detuvo en mi vestimenta, y advirtió que me había sacado el pasamontañas que ocultaba mi verdadera identidad, ahí parece que me vio la cara de nene bueno (o boludo) y le pintó la compasión: “Vos buscabas a... ?”, “Sí, sí” me apresuré a decir, volvió a mirarme dudando y dijo: “está adentro, pasá y fijate si la encontrás”.
Regio. Una vez adentro me zambullí entre la maraña impenetrable de yuppies con cama solar y pelo con gel, y gatas de curvas generosas con toda la mercadería en vidriera.
Pensé, soy el único gil que vino a ver a TDG, nadie más tenía pinta de estar interesado en el Hip Hop. Me planté a unos metros del escenario y disfruté de los tres últimos temas del show, que dicho sea de pasa, fue uno de los mejores que les vi.
Empecé a recorrer al público con la mirada, algo impaciente, en busca de alguna cara conocida y ahí descubrí a tres fans (y/o grupies) del grupo coreando los temas y sacándoles fotos. Se distinguían muy bien del resto de las féminas presentes en el lugar, tenían unos cuantos centímetros menos de altura, unos cuantos más de circunferencia y varios colores no naturales en sus cabellos.
Al rato, a mis espaldas se me aparecen dos esbeltas siluetas de equipos deportivos Pumas y me saludan antes de que los reconozca, eran los Geo Ramma, ¿quién más?. Al toque los perdí de vista, pero minutos más tarde los volví a encontrar detrás del escenario, en la puerta de camarín, esperando por los tres MC´s chilenos. Ahí también estaban las tres damiselas.
Sonaba Dr Dre de fondo, esa era la pista “alternativa” del boliche. Lengua Dura fue el primero en asomar la cabeza y se mandó a bailar en seguida ante la mirada curiosa de toda la muchachada que rara vez habría visto como se baila el rap.
Fueron cayendo los demás, Valentino peló una botella de alto contenido etílico (y alto costo) y el Lengua se entró a encarar una morocha de suculenta figura sin éxito. Juan y Zaturno me invitaron a seguirlos cuando salieron por un rato del boliche para ir a escaviar afuera. Yo los seguí, pero me desvié cuando advertí que en la pista principal había un desfile de modas donde supuestamente podría ver porcentajes de epidermis femenina expuesta, mayores a los que me rodeaban.
Fue un fiasco, el desfile era de ropa “otoño/invierno” así que lo se llegó a pelar ni una transparencia que dejase adivinar las escarapelas de alguna de esas delgadas blondas. Volví a buscar al resto, pero ya los había perdido. Lengua se había ido con DJ Raf y los demás no habían regresado aún. Esperando reencontrarlos, me planté cerca de la puerta mientras me castigaba la vista contemplando a una negra hermosa bailando con un pantalón blanco tan ajustado que se notaba cómo el tremendo culazo que portaba hacía fuerza por emerger.
Al rato regresaron algo más alcoholizados y mientras discutían si nos íbamos o nos quedábamos, se prendieron en la autoflagelación psicológica de mirar bailar a la mulata. Eso fue hasta que encontraron un blanco mejor aún, una de esas promotoras que uno dice “de dónde las sacan?” vestida con mini-mini-minifalda y medias de red, estaba impunemente apoyada, unos metros más arriba que nosotros, sobre una baranda de acrílico transparente que desde nuestro ángulo de percepción, dejaba al descubierto toda la carga de altísimo voltaje erótico.
La misma Traffic, nos esperaba a la salida del boliche con el conductor -como corresponde- durmiendo. Subimos todos y nos fuimos, sin despedirnos de los Geo Ramma (no sé por qué) camino al Hotel. Zaturno, haciendo su papel de niño mimado de la banda, empezó a escandalizar el interior de la camioneta con sus agudos alaridos caprichosos, productos del hambre: “vamos a un mardonals (sic.)!”, “mánager conchetumadre cómprame una hamburguesina, sí?, consígueme un auspicio de una hamburguesina!”. Entre el chofer y quién les habla, los únicos dos que jugábamos de locales, tratamos de hacerlo entrar en razón explicándole gentilmente que en Buenos Aires no se podía ir a los fast food a las tres de la mañana. Sus gritos continuaron y a ellos se sumaron los de Juan Sativo que desde la última hilera de asientos profería insultos irreproducibles a su compañero de equipo y se reía, él mismo, de lo que salía de su boca.
Con excesos de “che, boludo” y “dale San Lorenzo” Juan intentaba, en vano, imitar la tonada argentina. Pato y yo estábamos en el medio y soportamos los chirridos de ambos hasta llegar al hotel. Momento en el que nuestros destinos se volvieron a distanciar ya que la siguiente -obvia- parada, era la cama.
Otra vez caminé por la ciudad de noche y otra vez me lamenté de no tener entre mis posesiones ni un aerosol.

No los volví a ver hasta el día del Jam en la reina, para lo que tendrán que leer la nota respectiva. El domingo, en La Diabla tocaron en un recital repleto de gente de hábitos saltarines y groupies de ropa interior humedecida. Una vez terminado el show me los reencontré en el improvisado V.I .P. donde no me dieron mucha bola ya que cada uno había pegado minita y estaban en plena etapa de flirteo mientras comían algún que otro chegusán de miga. Así llegó la hora de la despedida final y las promesas (siempre incumplidas) de viajes y visitas mutuas. Las despedidas son siempre tristes.

Nación Hip Hop II - Eh! Discos

2007-05-19T13:24:00.000-07:00

Por Juan Data (publicado originalmente en laturma.com circa 1999)

Almada contraataca. Y parecía que esta vez se venía con todo...
Nación Hip Hop 2 se queda a mitad de camino en todo. Las intenciones individuales de quienes participaron no las conozco, pero sÈ que muchos de los que ahí figuran pueden dar mucho más de lo que dieron. Empezando por el arte de tapa que es realmente vomitivo, hasta el peor graffiti de Cray es mil veces mejor que lo que hizo en esa tapa tan sobrecargada de clichés pintada para el orto en photoshop y dibujada en menos de dos horas. Por lo menos de algo sirve la tapa: ahuyenta a los verdaderos amantes del Hip Hop para no ser embaucados vilmente por un producto tan pero tan mediocre.
El contenido en la mayoría de los casos refleja la misma situación del arte. Natural Rap, por ejemplo se manda con un tema que no es, ni en pedo el mejor de su arsenal; bien podrían haber incluido alguno de los temitas más afrancesados con los que nos deleitaban últimamente pero no, se mandaron con un viejazo a la jump-jump lleno de puteadas... Algo parecido pasa con Alianza Latina que mandó un tema que ya es muy viejo, lo venían tocando desde hace más de un año y despuÈs de ese habían presentado temas mucho mejores y más atractivos musicalmente que ese monótono zumbido (ojo, me gustó la intro de Pizza Birra Faso). El tema de Alfa suena mejor en el cassette independiente que autoeditó que en este CD. Situación similar la de Impala que registra mejor sonido en grabaciones que le escuché caseras que en este disco. De los Comunidad y los Libres Bajo Palabra esperaba mucho más, sé que dan para más que eso. Con todos la situación, más o menos se repite... no voy a entrar en cada caso porque sería infinito.
La calidad de la grabación y presentación es peor que la del primer Nación Hip Hop y no es porque aquel haya sido bueno, pero por lo menos se le perdonaban los errores por ser un debut.
Lo que más rescaté? La base de Mike Dee sampleando Star Wars (a quién no le gustaría rappear sobre ella?), la letra de Alfa (aunque no sea nueva, es la única de todo el disco que vale la pena escuchar de punta a punta), los arreglos de Impala y las bandejas de Acido y la producción musical de Omega. Tengo que admitir que me sorprendieron los Delincuentes del Sur, sobre todo por la voz de chiquito que es espectacular y super clara.
Otra cosa. La pista de CD-Rom: Vieron alguna vez algo más al pedo que eso? Alguien me puede explicar de qué cabeza puede salir el incluir los agradecimientos en una pista virtual? Dios.... cuanta mediocridad.
Ahora entiendo por qué no salió por una compañía grande como el primer disco (iba a salir por DBN, decían...) ¿quién se iba a jugar a editar eso?
Para terminar, el tema de las promesas incumplidas. Un clásico del señor Almada. Supuestamente en septiembre tendrían que haber salido tres discos que ahí se anticipan y en octubre otro. Los que estamos en esto hace tiempo ya sabemos que esas son promesas hechas al viento y no nos ilusionamos, pero ¿Por qué jugar así con la esperanza de los pibes nuevos? Y la página de Internet, ¿alguien la encontró? No, no existe. En fin...
PD: Agradezco a Alfa, Golpe Bajo y Alianza Latina por acordarse de mí y la revista... y a Almada por dejarlos que me nombren.

MustaFastApolo: La Santísima Trinidad

2007-05-19T13:03:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en Moshpit Posse #10, Buenos Aires, Noviembre 1998)

Caballito es el marco perfecto para reunir a estos tres luchadores del Hip Hop original. Los grafittis que quedaron de la convención que Rasta en parte promovió y organizó son el telón de fondo de sus cotidianas reuniones. Reuniones de "amigos que se preocupan por el Hip Hop" y buscan ser el germen de toda una movida de Hip Hop consciente en Argentina.

Son tres puristas. Nueva York es su punto de referencia inmediata a la hora de enumerar cualquier inspiración. A los tres les gusta además el raggamuffin y el rap francés. Aborrecen lo comercial y se mofan del gangsterismo y las pandillas. No son una banda, ni una posse, ellos prefieren que se los catalogue como una "Organización". Son Mustafá, Rasta y Apolo tres representativas figuras del undergroud porteño que se vislumbran como la esperanza nacional del Hip Hop verdadero.

Un punto en común los une: los tres afirman haberse iniciado de la mano de Hollywood y la gente de la vieja escuela refugiada en Caballito, aunque Rasta arriesga: "a mí nadie me enseñó nada, que no me vengan con eso, ellos me mostraron cómo era, me abrieron las puertas pero yo me esforcé sólo por averiguar las cosas".

Rasta es reconocido a nivel nacional como uno de los pioneros del Graffiti y uno de los escritores de paredes más activos de Buenos Aires. Se confiesa admirador de Os Gemeos y graffiteros norteamericanos como Twister. Con orgullo rememora las épocas en que tuvo la oportunidad de viajar a New York y graffitear con los grandes de la cuna del Hip Hop. Firmó paredes con el nombre de Sygs, Fasta, Fas y Rasta entre otros y en las crews de las que formó parte estuvieron Caverna, Tony y Joni.
En Buenos Aires se pueden ver sus obras a lo largo de la línea del tren Sarmiento y en boliches como La Negra y La Meka, en este último además pasa música y organiza las noches de pleno Hip Hop junto a Mustafá y Apolo. A nivel musical se dio a conocer primeramente junto a los Libres Bajo Palabra y se lo relacionó durante un tiempo con la gente de Zona Sur Clan una de las dos pandillas del lado sur del Conurbano Bonaerense, sin embargo hoy por hoy no se hace cargo para nada de la pose de gángster y dispara "Los gángsters son todos unos salames"

Mustafá es uno de los MC's más feroces y crudos del underground, purista hasta la médula, no admite ni por asomo nada de rap comercial, gangsteril, funky, ni fusionado; ni siquiera el Old School es de su agrado, obviamente tampoco le agradan las bandas nacionales. Bajo el título de "enviado de Alá" deja sus rimas con fuerza y lucidez sobre en micrófono en cuanto freestyle se le presente. A pesar de su agresividad y aparente falta de compasián es el más tranquilo y humilde de los tres y se preocupa realmente por la consciencia del Hip Hop. Entre sus anécdotas recurrentes se encuentra la de haber graffiteado un vagón del Sarmiento mientras este se había parado lejos de la estación... los guardas desde arriba del tren lo vieron y terminó en una comisaría por un día entero. El graffiti todavía se puede ver, aunque inconcluso...

El tercer miembro de la "organización" es Apolo, según muchos el mejor B-Boy de la nueva escuela. Se ganó su fama gracias a una tremenda agilidad y elasticidad demostrada en cuanto piso lustrado le permitió. Junto a Alfa parecÌan formar un dúo inseparable que dominaba toda la movida breaker de Buenos Aires. A comienzos de este año comenzaron a incursionar juntos en el rap formando el grupo "Guerreros Ancestrales" una mezcla de mística medieval y cultura old school que no llegó más allá de las fiestas underground. Sin embargo la mística se perdió y la unión se disolvió.
Un par de accidentes lo obligaron a abandonar el baile por imposibilidad física y no le quedó otra que dedicarse a pleno a perfeccionar sus cualidades líricas y su estilo vocal hasta llegar a ser hoy en día uno de los MC's más prometedores de la nueva camada con un excelente potencial lírico. Actualmente se está reincorporando a sus prácticas cotidianas de B-Boying aunque acepta que su estado y su nivel ya no es el que lo hizo famoso.

- Viéndolos desde afuera, ustedes parecen la encarnación de las distintas ramas del Hip Hop, un breaker, un MC y un graffitero... cualquiera diría que les falta un DJ nada más.
Apolo- A mí me gustaría ser DJ pero no tengo tiempo para dedicarme a eso también... soy DJ en la Meka pero sólo para pasar música... si pudiera me gustarÌa cubrir los cuatro elementos del Hip Hop.

- ¿Cómo grupo musical que pretenciones tienen?
Mustafá- Me gustaría llegar a la masividad pero nunca caer en lo comercial.
Apolo- Sería inútil salir ahora en la Argentina a hacer Hip Hop verdadero como hacemos nosotros, porque habría muy poca gente que lo entendería.
Rasta- Tendríamos que hacer algo comercial... y eso no nos importa.

- Durante la vieja escuela se dio mucho el elitismo en la escena Hip Hop argentina, la gente que tenía el conocimiento cierto de lo que era el Hip Hop se lo quedaba para sí mismo y sus amigos en vez de salir a difundirlo y fomentarlo. ¿Les parece que esto se revirtió y que ahora está todo un poco más abierto?
Apolo- Sigue habiendo mucha gente que sólo escucha rap dentro de sus casas y se quedan encerrados ahí y eso no es Hip Hop. Nosotros luchamos por el Hip Hop y nos preocupamos por imponer el movimiento y mostrar los cuatro elementos siempre.
Mustafá- Desde La Meka que es nuestro lugar, educamos a mucha gente.
Rasta- Hay mucha gente que se queda con la versión errónea de lo que es el Hip Hop, la que muestran las películas y los medios, y no se rompen el culo para saber realmente cómo es, si son reales se tendrÌan que preocupar, investigar, preguntar... así es como empezamos nosotros, yo una vez vi un graffiti que abajo decía Hip Hop, me gustó y desde entonces me rompí el culo por averiguar qué es el Hip Hop.

- Escuchándolos hablar cualquiera diría que ustedes están seguros de ser los que más saben de Hip Hop.
Rasta- Hay gente que sabe más de Hip Hop que nosotros y de la que me gustaría aprender... pero en otros países, acá me parece que más que yo...
Apolo- Yo no creo que nos las sepamos todas ni que tengamos la razón, pero sé que estamos bien encaminados, se que estamos en la posición correcta.

- ¿Cómo se toman el carácter competitivo del Hip Hop?
Rasta- Yo no compito con nadie, compito conmigo mismo, la competencia está en la autosuperación. Si hay estilos diferentes y personales es imposible decir que uno es mejor que otro. Si veo a alguien mejor que yo, voy a intentar aprender de él, no superarlo ni humillarlo.

- ¿Son bastante cerrados en cuanto a gustos musicales, no?
Rasta- Todos los que hacemos Hip Hop somos medio cerrados, escuchamos Hip Hop y nada más, por ahí algo de música negra como el Reggae, el Soul o el Funk. Pero lo que no me cabe ni ahÌ es la fusión del Rap con otros ritmos que no tienen nada que ver como el Metal, eso me parece una porquería.

- ¿Qué es lo más importante que hay que hacer por la escena local?
Rasta- A los que les interesa realmente el Hip Hop que se rompan el culo en serio, que se esfuercen y si no que no rompan las pelotas.
Apolo- El Hip Hop lo hace la gente que es Hip Hop, y Hip Hop son los que luchan, los que hacen algo por el Hip Hop, los demás son moda.
Mustafá- Acá nadie se esfuerza por mejorar el Hip Hop. Las bandas que están arriba no tienen un mensaje que enseñe, y la gente se conforma con eso, les exige poco.
Rasta- Tendría que haber un punto de encuentro de toda la escena, donde todos los que hacemos algo por el Hip Hop nos podamos reunir una vez por semana a conocernos, intercambiar ideas, debatir sobre el Hip Hop y organizar cosas. Eso es lo principal de lo que faltaría ahora.

Entrevista a Quique Alcatena

2007-05-19T12:47:00.000-07:00

Por Juan Data (originalmente publicada en el número 11 de la revista Ultimate Reports, Málaga, España, 2000)

Entrar al mundo de Quique Alcatena es entrar a una dimensión donde la magia y la mitología conviven entre los sueños y la realidad. Es encontrarse con un dibujante excepcional y por demás creativo.
Su obra, lejos de hacernos imaginar a un delirante con la percepción perturbada por los ácidos, nos hace sentir que estamos frente a una inagotable usina de conocimientos milenarios, como uno de esos viejos centenarios de barbas kilométricas que en los cuentos de hadas son el refugio del conocimiento ancestral.
Así es el verdadero Quique Alcatena (aunque le faltan muchos años para ser viejo y su barba sólo se mide en centímetros), una persona real de carne y hueso, que sin embargo parece salido del país de las maravillas de Alicia. Una mezcla de genttleman inglés con artista vanguardista de underground de quién uno imagina, debe vivir sólo como un ermitaño en un castillo medieval apartado de la ciudad. Y nos sorprende encontrarnos con un hombre casado, padre de familia tipo, que vive en un barrio céntrico de Buenos Aires. Así de contradictoria es su imagen y así de heterogéneo es su mundo interno.
Tal vez por eso sea un artista tan versátil como para trabajar al mismo tiempo para Italia, Francia y Estados Unidos sin dejar de lado nunca sus constantes emprendimientos para publicar en Argentina. Tal vez por eso genera la fascinación que genera en el mundillo del cómic vernáculo, pues uno puede tranquilamente esperar encontrarse con un soberbio rey de la historieta y se encuentra con un, por demás humilde y correcto caballero que, a pesar de su éxito mundial, no se sonroja por publicar una revistilla fotocopiada con cien ejemplares de tirada o colaborar ad honorem para cuanto fanzine le ofrezcan.
- ¿Cómo haces para tener éxito en un mercado tan estandarizado como el norteamericano, con un estilo tan poco convencional como el tuyo?
- Es que lo que hice para Estados Unidos, en general, no es tan poco convencional. Me adapto, primero porque los guiones no se prestan a hacer el delirio por el delirio mismo, entonces me atengo a dibujar lo que contribuye a la narración. Entonces, una historia muy puntual, de acción, con super-héroes que ya están muy fijados en la consciencia de la gente... me concentro en eso. La cosa más delirante y más imaginativa la vuelco más en los trabajos más personales.
- ¿Tienes que modificar tu estilo?
- No, el estilo es el mío. Un estilo mío pero más clásico. Nunca me dijeron que dibuje de alguna manera en especial. Siempre me dejaron hacer lo que yo quisiera, y dentro de los parámetros de cada guión, hice lo que yo quería.
- ¿Te sientes cómodo dibujando personajes de otros?
- Obvio que me gusta más hacer lo mío. Me divierte y me gusta dibujar los personajes que siempre me alucinaron de chico, pero una vez pasado el deslumbre inicial de decir “¡voy a dibujar a Flash!”, una vez que pasó ese gusto, ya está. No es que lo desprecie ese trabajo, o lo considere menor. Pero no es mío. No siento que Batman o Flash sean míos. Yo tengo más la consciencia de la historieta de autor. El trabajar con franquicias que no son propias...
- ¿Te pone límites creativos?
- Vos solo te los autoimponés inconscientemente. Quizás suene mezquino esto, quizás suene mal, pero se debe a que capaz, tuve una desilusión en su momento: poner mucha cosa personal en algo que, en última instancia, no es tuyo, es un poco bajoneante. Poner toda tu alma en algo que lo van a guardar otros, le van a sacar el jugo otros. No digo que haya que escatimar, pero tampoco regalar alegremente cosas que es mejor volcarlas en trabajos que te salieron de adentro.
- En un par de trabajos que hiciste para Estados Unidos sí tuviste la libertad de crear personajes, como aquel Elseworld de Linterna Verde o el Flash que estás haciendo ahora...
- Sí es cierto, te digo eso pero al mismo tiempo me contradigo. Para este número de Flash pude crear todo un panteón de personajes, pero bueno, yo se los regalé a DC, o se los vendí por un precio bastante irrisorio comparativamente. Por un lado estaba contento de crearlos, pero al mismo tiempo digo “los creé y nunca más voy a poder hacer una aventura de estos personajes, porque ya no son míos”. En este anual de Flash, la primera aventura es de Flash con estos personajes, pero en la segunda están los míos solos, o sea que la idea es mía, los personajes son míos y Dixon armó el guión, sobre un plot mío. Pero nunca más los voy a poder volver a usar libremente, salvo que a la DC se le ocurra hacer una continuación. Me di el gusto, pero al mismo tiempo decís “son buenas ideas y las tirás”.
- Por ahí pasa como con el Batman Pirata, que después de un par de años hicieron una nueva aventura.
- Puede ser, pero esto es más raro. Porque Batman es Batman.
- En esa obra también tuviste muchas posibilidades de crear y meter cosas bien tuyas.
- Sí, ese es un trabajo mío, totalmente de cero, es más, surgió a partir de un dibujo mío que yo le había mandado a Dixon. Yo le había hecho un dibujo de John Silver, el pirata de La Isla Del Tesoro y de ahí salió la idea de hacer algo ambientado en el caribe.
- Hubo intentos de continuarlo o hacerlo serie, ¿no?
- Sí, había una serie. Iba a estar el Pingüino, iba a estar Bane que era una especie de Hombre de la Máscara de Hierro. Batman volvía a Ingraterra a reclamar su título noviliario que se lo había robado el Pingüino y Bane era su ayudante. Pero bueno... quedó en el limbo. Tantas cosas quedaron en el limbo...
- ¿Qué otro trabajo te acuerdas que hayas hecho para Estados Unidos que te haya hecho sentir satisfecho?
- Los de Conan me gustaron bastante. Sin embargo, parece que mucho no gustaron allá. Pero hay que tener en cuenta que fueron muy mal impresos.
- Sobre todo los que salieron en color.
- Los de color eran imposibles de ver. Pero a los de blanco y negro también, les metían esos grises mal puestos que no ayudaban a hacer el trabajo lindo.
- Tienes un problema histórico con los coloristas...
- Porque yo trabajo para blanco y negro, no hay nada que hacer... Creo que la primera vez que hice un trabajo piola para color fue este Flash. Porque el original está bastante despojado en negros plenos y tramas, tengo la esperanza de que sea bien coloreado.
- Cuando hiciste la miniserie de los 4 Fantásticos para Marvel, la colorearon bastante bien.
- No estaba mal. Fue un lindo trabajo. Pero en general el resultado final, coloreado no se luce, no sé cómo la verá alguien que no conoce mis trabajos en blanco y negro... En Inglaterra por ejemplo han coloreado muchos trabajos míos, pero con colores planos y yo creo que es mucho más efectivo para mi tipo de dibujo. En Italia también algunas cosas las pintaron bien.
- Merlín, por ejemplo
- No lo de Merlín no, pero El Mago lo pintaron bien. Y después, bueno, están los trabajos que yo pinté que esos sí quedan bien, porque ya los hago pensando en cómo los voy a pintar y con qué colores. Es el caso de los trabajos que hice para Anteojito (revista infantil argentina en la que trabajó durante los 80’s) y ahora hice uno para Italia también coloreado, con guión de Robin Wood. Pero si me dan a elegir, prefiero blanco y negro, toda la vida. Me encanta. Para mi es irremplazable la fuerza, la sutileza y la subjetividad del blanco y negro.
- ¿A que adjudicas la preferencia especial que tiene el cómic under argentino por tí y por tu obra?
- Creo que más que nada por una cuestión afectiva. Porque creo que se dan cuenta que tengo pasión por la historieta como ellos. A lo mejor en gente de mi edad o más grande que yo, no es tan común. Acá era muy común trabajar de historietista. Era gente a la que le gustaba el dibujo por ahí, y hacía historieta como un trabajo. Pero a mi me gusta la historieta. El dibujo por el dibujo mismo mucho no me interesa. Dibujo siempre en función de los cuadros. Además tuve una relación muy cercana con el underground con las revistas Atiza y Hacha, de siempre estar en las convenciones... a mi me encanta eso. Yo creo que pasa más por una pasión compartida que por una predilección por mi obra desde lo artístico. Pasa por una cuestión de actitud. Es muy conmovedor ver a los pibes que con esfuerzo sacan sus fanzines y yo pienso que si estuviera en la situación de ellos haría lo mismo. Si yo hubiera nacido veinte años después sería un artista de fanzine. Yo agarré la última etapa de la historieta argentina que podías dedicarte a esto y vivir de la historieta. Los chicos de ahora no pueden darse ese lujo.
- ¿Cómo surgió lo de Atiza? ¿Cómo llega un dibujante profesional de renombre mundial a trabajar en un fanzine fotocopiado en 1997?
- Fue un intento medio trunco de continuar la revista Hacha (publicación independiente que había surgido de la unión de varios dibujantes argentinos entre los que también se encontraban Horacio Lalia y Leonardo Manco). Pero igual fue muy efímero, duró sólo dos números. No funcionó porque había muchos artistas con intereses incompatibles.
- ¿Pero no te parece que el hecho de que hayas tenido que trabajar en un fanzine, es un poco una radiografía de la crisis de la historieta tradicional argentina?
- Es probable. Es que por más que tenga trabajo para Europa o Estados Unidos, para mi es fundamental el lazo con el lector argentino. Yo, desde que no está la Skorpio en la calle, me siento como que no sé muy bien para qué público estoy trabajando. Para mi es muy importante trabajar para mi medio. A mi me gusta pasar por el kiosco y ver mi revista.
- ¿Ves alguna posibilidad de que vuelva a surgir una nueva explosión de la historieta nacional?
- Yo no sé si la historieta va a volver a ser masiva como fue una vez. No creo. En esa época, una editorial como Columba vendía 250 mil ejemplares de todas sus revistas, mensuales...Yo no sé bien donde se produjo el quiebre. Por un lado vos pensás “los chicos de ahora no se interesan tanto en la historieta” pero al mismo tiempo decís “pero los que leían masivamente las revistas de Columba no eran chicos, no dejaron la historietas por los juegos de computadora”. Es un público que se perdió en la nebulosa. Quizás porque no sabíamos darle cosas que lo retuviera...
- ¿La crisis, es de la historieta argentina en general, o de la historieta de autor en particular?
- Hay una crisis mundial de la historieta que es innegable, pero es inevitable también. Antes la historieta no tenía que competir con tantas propuestas diferentes como ahora. La historieta perdió mundialmente a su público consumidor masivo. Ahora está mucho más segmentizado. La pegan nada más los que hacen un comic que se aferra a un público en específico.
- Con esa teoría, los super-héroes clásicos tarde o temprano irían decantándose hasta quedarse sólo con el público fanático seguidor del personaje.
- Es lo que está pasando. Yo creo que a muchas revistas de super-héroes las siguen sacando nada más que para mantener la licencia abierta, para poder hacer merchandising, muñecos, video juegos... Yo he leído super-héroes de todas las épocas y antes tenían un encanto, una ingenuidad que ahora perdieron. No eran tan pretensiosas como ahora. Cuando se metieron con la continuidad y todo eso, dejaron la comprensión de la historia sólo para el seguidor fanático del título. Yo agarro una revista hoy de la JLA y no entiendo nada, y eso que estoy familiarizado con los personajes.
- ¿Cómo leíste el éxito masivo que tuvo el Cazador? Era una historieta de super-héroes exitosa hecha en argentina, cuando tanto la historieta argentina como la de super-héroes estaban en crisis.
- Era la excepción a la regla. Al público del Cazador ni le interesaba mucho la historieta, no era lector de historieta, era lector exclusivamente del Cazador. Fue un fenómeno interesante, pero de ningún modo yo lo pondría como uno de los hitos de la historieta nacional.
- ¿Hay algún super-héroe que te gustaría dibujar y que todavía no te ha tocado nunca?
- Sí, por ejemplo el Detective Marciano... Pero es como que ya se me pasó ese fetichismo por el personaje. Mis metas pasan por otro lado, por hacer historias propias, de autor.

El despertar de las larvas

2007-05-19T12:39:00.000-07:00

Por Juan Data (publicado originalmente en el fanzine punk Tiempo de Cambio, circa 2000, Buenos Aires)

Ocurrió así. El Hip Hop en Argentina no se desarrolló como debía. A eso se debe, tal vez, su falta de prestigio. Si bien hoy el rap, como expresión musical, está mucho más respetado y mejor considerado que en las épocas de Jazzy Mel y el Hip Hop se hizo su lugarcito en el under, todavía debe enfrentar prejuicios varios, no siempre injustificados. Y no voy a saltar a refutar esos prejuicios ni voy a intentar convencerlos de convertirse al Hip Hop. Para nada.
Al contrario, voy a criticar al Hip Hop y contarles un poco, el por qué de su fracaso como escena under. O sea: ¿por qué el Hard Core o el Punk existen como escenas consolidadas y el Hip Hop no? ¿Por qué el Hip Hop como movimiento no tiene la credibilidad que se merece?
Bueno, yo todo lo que les voy a contar lo experimenté en carne propia. Yo edité un fanzine de Hip Hop entre 1996 y 99 e hice varias otras obras más para apoyar a un movimiento que nacía y crecía con fuerza (hice un video documental, monté una distro, edité material indepdentiente...). Yo creía en ese movimiento, y yo, que había seguido de cerca el surgimiento, apogeo y caída de la Buenos Aires Hard Core estaba convencido de que el Hip Hop como escena naciente a mediado de los 90’s (siempre tarde... el Hip Hop ya existía desde hacía veinte años) debía aprender de la experiencia de nuestros primos hermanos jarcors (¿y por qué no también de sus errores?) para llegar a fundar un movimiento sustentado en la autenticidad, la unión, el compañerismo y el impulso de la autogestión.
Nada. El Hip Hop en Argentina, como escena, resultó ser una farsa. Al toque me di cuenta de que había más actuación que realismo y que muchos que en el escenario se hacían los guachos malos gángsters después no tenían ni los huevos para enfrentarse a un mánager chupasangre que les manejaba la carrera a gusto e piaccere. Todos agachaban la cabeza. ¿O alguien se cree que Nación Hip Hop surgió de la iniciativa de las bandas que se propusieron unirse para salir adelante? Ni a palos. Fue toda una ficción pergeñada por una mentalidad comerciante marketinera, de un tipo que no tenía absolutamente nada que ver con el Hip Hop y que a costa de talento ajeno lucraba para beneficio propio y tomaba por idiotas a los músicos vendiéndoles chamuyos imposibles.
El Hip Hop que en otros países se había desarrollado a fuerza de empuje colectivo y que se caracterizaba por el activismo y compromiso de sus seguidores, en Argentina resultó ser una puesta en escena de lo más fantasiosa.
Yo pensé en ese entonces que tarde o temprano iban a abrir los ojos y se iban a poner las pilas y salir del estado larval dominante. Creí que así como yo había salido a hacer el primer fanzine del género, pronto iban a aparecer otros y luego saldrían sellos independientes, distros, ferias, radios barriales, centros culturales... todo lo que es habitual en una escena Hip Hop ya sea de Brasil, España, Italia o Chile, por nombrar algunos ejemplos.
Mis ilusiones a la larga se desvanecieron, me di cuenta que en realidad no era “el malo de la película” aquel tipo que congregaba a los grupos para tocar, grabar y llenarse sus bolsillos. El en realidad era un avivado que la estaba haciendo bien a la argentina y no tenía la culpa de la enfermiza situación. La culpa era de los mismos rapperos, y grupos que durmieron en los laureles dejándose manejar de la manera más vil y maquiavélica y nunca quisieron romper el cascarón para armarse una carrera en la música por su cuenta.
Tan acostumbrados estaban a sentarse en un sillón y fumarse un caño esperando que los llamasen para tocar en tal o cual lugar o dar una nota a algún medio, que les daba miedo cortar ese cordón umbilical y salir a la realidad. No sabían manejarse solos. No sabían armar una fecha, hacer volantes para promocionarla, llamar a los diarios para que figure, grabar un demo y venderlo. No sabían ni querían aprender, así que se quedaron cómodos en su sillón esperando que el teléfono vuelva a sonar... y si el teléfono en un año no sonaba, bueno, estaban un año sin tocar.
Semejante desencanto me llevó a dejar de sacar el fanzine, porque consideré que era gastar pólvora en chimangos. Un par de números antes del cierre apareció en el mundo del Hip Hop toda una nueva escena paralela a la de Nación Hip Hop, encabezada por un grupo conocido como La Organización, y vi en ellos la esperanza de una revolución hacia la independencia. Expresé mi claro favoritismo hacia esta nueva escuela en las páginas de mi revista que arengaban a las bandas a revelarse y optar por la autogestión y lo único que eso me trajo fueron problemas personales, amenazas y odio por parte de ciertas personas que estaban cómodas con las cosas como estaban.
En definitiva, las cosas no cambiaron mucho desde entonces. Pero por lo menos apareció gente nueva con ganas de hacer cosas y de moverse. Con ganas de organizar sus propios eventos y manejar sus propias carreras. Ahora estamos presenciando el despertar de las larvas y mi pronóstico es favorable. El Hip Hop en Argentina llegará pronto a establecerse y consolidarse como una escena auténtica y respetable. Tal vez entonces yo me ponga las pilas de nuevo y vuelva a sacar un fanizne...

EL ANTICIPADO DEBUT DE LOS ABANDONED

2006-11-20T11:27:00.000-08:00

Por Juan Data (originalmente publicado en LBEDigital.com)

Desde sus más tempranas apariciones en los escenarios del underground hispanoparlante angelino, Los Abandoned se han sabido distinguir del resto por su inimitable frescura y sorprendente originalidad. Cuatro años pasaron desde que la prensa especializada y la industria disquera los catalogase como la nueva gran promesa del rock en español made-in-usa. Ahora, después de dos exitosas producciones independientes y un single en vinilo, les llegó la hora de la verdad, la hora dar el gran paso y confirmar, con su anticipadísimo álbum debut, que son una de las mejores bandas bilingües que jamás hayan salido de aquella escena y la única con calidad de exportación.
Los Abandoned no es sólo, como se ha dicho, un grupo de art-school-post-punk que encandila por igual a music snobs y adolescentes aplaudidores de hits radiables, tampoco es simplemente la versión latina de una fusión entre Blondie y Talking Heads, Los Abandoned es ante todo, un grupo salido de Los Angeles, que a diferencia de la gran mayoría del resto de la escena, representa y le canta a Los Angeles, como ninguna otra banda lo había hecho desde los Red Hot Chili Peppers.
Luego de arrasar con en público mexicano en el festival Vive Latino por dos años consecutivos, darse el gusto de publicar su disco en Chile y girar por los escenarios más importantes de Los Estados Unidos teloneando a artistas de primera línea como Molotov y Café Tacvba, a Los Abandoned les quedaba sólo la deuda pendiente con su público de publicar su disco a nivel nacional y después de analizar propuestas de varios sellos -incluso multinacionales- optaron por Vapor Records, el sello de Neil Young.
“En el 2004 tocamos en South By Southwest y en ese festival fue cuando ellos nos vieron tocar en vivo,” recuerda Lady P. la chilena vocalista del grupo “y después de eso fueron a varios shows que tuvimos en The Echo durante todo ese verano, pero nunca se presentaron a nosotros, sólo nos estaban mirando y no fue sino hasta el final de ese verano que se nos acercaron a hablar y nos pidieron los datos de nuestra manager y desde ahí empezó. Luego la llamaron y le dijeron que querían firmarnos y eso. Tomó mucho tiempo después de ese primer encuentro porque empezamos a girar, así que lo dejamos en stand-by por un tiempo para poder ir a México”.
Mixtape es el título del que quedará para la posteridad como su primer trabajo oficial de estudio y continúa con la estética naif-minimalista y la línea de títulos genéricos anti-descriptivos de sus dos trabajos anteriores: Demotape (2002) y Self-Titled EP (2004). Aunque en este caso preciso, según Lady P., el título cobra mayor sentido por ser justamente un mix entre nuevas versiones de algunos clásicos de aquellos dos CD’s y varios nuevos: “mi opinión personal del disco es que está basado en el pasado, presente y futuro del grupo. Hay canciones que nosotros tocábamos mucho en vivo pero nunca las grabamos y después hay canciones completamente nuevas y también tenemos muchas canciones que no entraron. Pero el concepto inicial es porque se trata de un mix de canciones de diferentes estilos. Todas grabadas de maneras diferentes. En un momento yo dije: “you know guys? It’s like a mix-tape! It’s like a different band for every song.” Y ahí quedó el título.”
Aunque rebosante de satisfacción por la edición del tan esperado disco, Lady P. asegura que ya está “lista para la próxima”. Sea cual sea la próxima movida de este impredecible cuarteto multicultural (¿se titulará Second Album?) lo cierto es que Los Abandoned ya han hecho historia y para los que todavía no los han descubierto, Mixtape es un excelente portal para sumergirse en el maravilloso, surrealista y siempre bilingüe mundo de Los Abandoned.

ONCE PEGADITAS, NO CORRIDOS
MIX TAPE: CANCION POR CANCION

Stalk You: “Stalk You” y “Me quieren en Chile” son las únicas dos canciones que sobrevivieron de aquel primer Demotape, que los dio a conocer en la escena de Los Angeles allá por 2002. Buscando el contraste del efecto mixtape, Los Abandoned comienzan su disco con “la primera canción que yo escribí junto a Don Verde” y pegadita detrás viene...

A La Mode: “La última canción que escribimos y mi favorita del disco,” comenta Lady P. “Esas letras son muy surreales, pero más que nada se trata de uno tratando de encajar, no sólo por estar a la moda, sino también desde el punto de vista de la inmigración, uno necesita papeles para encajar”.

Conquistarte Bien: Otra de las nuevas, “Yo siempre estoy mucho con los chicos del grupo, tengo muy poco tiempo con mis amigas. Finalmente tuve una posibilidad de pasar un tiempo con mis amigas y yo tengo muchas amigas feministas, y yo las escuchaba hablar de política y dije: sería increíble poder tomar nuestros poderes femeninos que tenemos naturalmente y pode usar esa femenidad para resolver lo terrible que está pasando en el mundo ahora. No se trata de una mujer conquistando a un hombre, sino la mujer conquistando el lado oscuro de lo que pasa en el mundo”.

Van Nuys (Es Very Nice): Uno de los hits más pegajosamente irresistibles del disco es abiertamente “agridulce” e irónico (a nadie en su sano juicio se le ocurriría comparar a Van Nuys con el paraíso). “Cuando yo era súper pequeña fue ahí donde me crié,” comenta la cantante, “y es nice porque mi papá pudo tener un trabajo bueno, una casa con piscina, pero si lo comparas a lo que ellos tuvieron que dejar, Los Andes, Machu Pichu... eso es lo que hice con esa canción, mostrar ese contraste y lo que uno como latino tiene que dejar detrás para poder seguir acá en los Estados Unidos”.

Nada Mío Es Fake: El guitarrista Don Verde todavía tocaba con su banda anterior, Los Tijuana Bibles y allí estaba junto a Alex Flores (cantante de aquella agrupación) y Lady P. al finalizar un show, cuando una chica que se les acercó se presentó como Pam. “Ah, como Pam Anderson!” dijo Alex, a lo que ella replicó: “Sí, pero nada mío es fake” y el spanglish de la afirmación la transformó en una cita célebre que con el tiempo tomó forma de canción. “Ellos la habían grabado en un demo con la voz de Alex, pero yo les dije, algún día yo voy a cantar esa canción”. Y así fue.

Office Xmas Party: Fue el primer anticipo de lo que sería el álbum debut de Los Abandoned cuando para la navidad del 2005 salió junto al clásico “Electricidad” en un single de tirada reducida publicado en vinilo de siete pulgadas. “Esa canción la escribí yo en ukulele. Yo estaba viendo la película Cry Baby de John Waters y yo ya tenía la idea de hacer una canción sobre un amor que no puede existir y la película me inspiró mucho. De ahí surgió lo del romance de oficina”. El sonido se distancia tangencialmente del resto del álbum por ser la primera vez en que Los Abandoned, siguiendo el consejo del productor David Trunfio, dejaron los arreglos finales de la canción (cuerdas y violines) en manos de sesionistas.

Panic-Oh: Originalmente incluída en aquel Self-Titled EP del 2004, “Panic-Oh” es “básicamente un ataque de pánico. Un reflejo de lo que es la vida cotidiana en Los Angeles. El ritmo de vida acelerado de la ciudad, el tener que estar manejando todo el día de un lado al otro hasta que de repente el cuerpo ya no quiere más y entra en un estado de pánico”.

Heavy: Una de las composiciones más bellas del álbum, donde se transluce un nivel de sensibilidad poética inédito para el grupo. “Esa letra tomó tiempo, le tuve que dar mucho amor. Se trata de una relación que ha tenído mucho tiempo, que ha tenido mucha vida, pero que en un momento empieza a cambiar y uno piensa, ¿seguimos o terminamos porque el fuego ya se acabó? Es una experiencia común por la que casi todos pasamos en algún momento”.

Pantalón: Por primera vez, desde la fundación del grupo, Don Verde se anima a dar un paso al frente y agarrar el micrófono. “Lo tuvimos que dejar sólo para la grabación. Él tiene como su onda. Tenía que estar confortable,” comenta la vocalista chilena y agrega, “Escribimos esa canción hace tanto tiempo atrás, que ya ni me acuerdo cómo surgió la letra”

Me Quieren En Chile: Este reggae-punk-andino dejó marcado desde sus comienzos (aparecía en Canción Sampler, un demo inédito anterior a Demotape) el camino del eclecticismo e imprevisibilidad que el grupo tomaría de ahí en adelante. “La letra original fue un peoma de una amiga (Barbara Matas) que ella originalmente había escrito para un corto. Yo lo adapté a la forma de canción”.

State Of Affairs: “Es una canción de amor y de política,” explica Lady P. refiriendose a la composición de Don Verde que cierra la colección. “La idea surgió de un amigo personal del grupo que es alguien con mucho compromiso político y que una vez hizo un comentario sobre lo difícil que era conocer a alguien que compartiese sus ideales”.

Rico Pabón: Rap Boricua, Del Bueno.

2006-09-21T22:23:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en LBEDigital.com, Estados Unidos, 2006)

Lo primero que se nos viene a la mente al pensar en raperos portorriqueños es el fenómeno global contemporáneo del reggaetón. Quizás los más aventurados en el hip hop piensen en Big Punisher, Fat Joe o algún otro MC de la gran manzana. A muy pocos, sin embargo, se les pasará por la cabeza considerar a la progresiva escena de hip hop underground de la Bahía de San Francisco como hogar de uno de los mejores nuevos talentos de la rima boricua.
A sus 32 años, Rico Pabón, está presentando su disco debut como rimador solista, Louder Than Fiction (Hard Knock Records, ’06), pero no es ningún novato en la matería. Asegura llevar más de 17 años en el hip hop y cuatro discos anteriores a este, que confirman su trayectoria en el under. Pero todos sus trabajos previos fueron con otras formaciones, ya sea con su grupo de rap Prophets of Rage o con la banda de jazz-funk-fusión-latina conocida actualmente como Agua Libre, pero antes llamada Omaya.
Rico nació en Queens, NY, hijo de una familia de salseros, pero se crió en Oakland California, ciudad cuya escena de hip hop ha parido a muchos de los mejores grupos de rap políticamente consciente de la actualidad (Blackalicious, Zion I, The Coup). Allí, junto a su hermano, manejan Sofrito, el único restaurante de comida tradicional portorriqueña en el este de la bahía. “cocinar y hacer música, eso es lo que hago”.

- ¿Cómo fue que te involucraste en el movimiento hip hop?
- La música es parte de mi vida desde siempre. Desde chico mis tíos me agarraban y me enseñaban a tocar en el clave ritmos tradicionales de conga, mambo, guaguancó... Así que la música estuvo siempre ahí. Pero por haber crecido en los Estados Unidos, siempre estuve en contacto con la música americana. Mi tía me introdujo desde chico a la música funk, Rick James, Prince... así fue como fui descubriendo esa música desde muy chico, creo que tenía cinco años cuando escuché hip hop por primera vez. A los nueve o diez ya me empecé a meter más, a través del break dance. Para mí, involucrarme en el hip hop fue algo muy natural porque el hip hop es el folklore de este país.

- ¿Dirías que tus influencias en cuanto a rap van más por el estilo de la costa este?
- Sí, por que a pesar de que me crié más en California que en New York, mis orígenes están en la costa este. Y en esa época, en los comienzos, era todo New York, no había mucho de west coast todavía. Entonces mis influencias primarias fueron definitivamente de artistas como Public Enemy, Big Daddy Kane, EPMD, aunque mi máxima inspiración fue KRS-One. Yo ya estaba familarizado con KRS One desde el ‘86, Criminal Minded, en esa época yo estaba en el Bronx, así que ese fue un clásico fundamental. Pero unos cuantos años más tarde, yo tendría quince o dieciseis años y escuché a KRS en la radio haciendo un freestyle y decía: “el hombre jamaiquino es africano, el hombre protorriqueños es también africano” y yo nunca había escuchado a nadie decir eso antes. Nunca había pensado en las raíces africanas de los portorriqueños. Así que agarré la enciclopedia y me puse a leer sobre la historia de mi gente y eso me abrió la cabeza y me obligó a ver todo desde otra perspectiva. Yo sabía tocar el clave, sabía de la salsa, el adobo y sasón, conocía la bandera de Puerto Rico, pero no sabía nada de quiénes éramos y por qué somos lo que somos. Eso me cambió en otra persona totalmente. Mi estilo, mi manera de vestir y de ver a la gente, todo cambió. Por eso soy muy consciente del poder que tiene el hip hop para cambiar la vida de la gente: ¡yo soy un ejemplo viviente de ese poder!

- ¿Reconoces como influencia a algún MC latino?
- Para mí fue siempre muy difícil encontrar un MC latino con el que me identificase. Había muy pocos y los que había... Me gusta Big Pun, por cómo usaba su voz a modo de instrumento de percusión. Pero yo lo que busco es MC’s que rimen con una visión más positiva de la vida, que tengan un mensaje que valga la pena escuchar. No me importa de qué nacionalidad son o el estilo que tienen. Si no tienen nada bueno para aportar no me llaman la atención.

- ¿Qué te parece el fenómeno actual del reggaetón?
- El reggaetón es enorme ahora. Pero en Puerto Rico el reggaetón ya está desde hace mucho más de diez años. Yo empecé a visitar Puerto Rico hace trece o catorce años, una vez al año, y desde entonces ya había reggaetón. No tengo mucha conexión con lo que pasa en en hip hop portorriqueño actualmente, pero lo que recuerdo de todas las veces que estuve allí, es que los raperos de hip hop estaban en una confrontación constante con la gente del reggaetón. Muchos artistas de hip hop defienden que lo que hacen es hip hop puro y rechazan el reggaetón, pero otros se debieron adaptar al reggaetón para poder hacer un poco de dinero y pagar sus cuentas, porque el hip hop no vende tanto como el reggaetón.

- ¿Cómo afecta el fenómeno del reggaetón a los raperos latinos en los Estados Unidos?
- Desde el crossover del reggaetón, mucha gente se está interesando en eso. Clubes, productores, me contactan y me piden hacer cosas de reggaetón. Me llama un productor y me dice, tengo un nuevo beat y tiene un poco de reggaetón, ¿quieres rimar sobre el? O me llama un organizador de eventos y me pide, canta esa canción que tienes que suena como reggaetón. Porque yo tengo canciones con mi prupo Agua Libre que tienen ritmo de dancehall y el reggaetón no es más que instrumentación de música house sobre un ritmo de dancehall. Entonces como suena parecido y como soy boricua y rapeo un poco en español dicen reggaetón.

- ¿Te parece que el éxito másivo del reggaetón puede ayudar de alguna manera al rap latino?
- Mi respuesta puede ser tanto afirmativa como negativa. Sí, creo que desde un punto de vista optimista puede ser que genere más interés en los artistas latinos. Si la gente está buscando reggaetón y llega hasta mi música, para mí es mejor porque puede que se interesen en mi hip hop. No voy a hacer un disco entero de reggaetón sólo porque eso es lo que vende ahora. Yo voy a seguir haciendo mi hip hop real de raíces old school. Pero el lado mío que te quiere contestar que no, es el lado que sabe que rítmicamente y líricamente el reggaetón es muy diferente del hip hop. Por lo que he visto hasta ahora de reggaetón, y no digo que sea un experto en este género, no hay mucha conciencia en las letras del reggaetón. Creo que si los artistas quiciesen, podrían hacer letras un poco más conscientes pero su única meta es hacer a la gente bailar y punto y cumplen con esa funsión. Pero el contenido es hueco. No te deja pensando en nada. En mucho del hip hop comercial de hoy en día pasa lo mismo. Es sólo para sacudir el culo y no pensar en lo que está sucediendo en el mundo. Así que no estoy diciendo que el hip hop sea totalmente puro y esté libre de culpas, porque también está lleno de vicios.

Sidestepper Anticipa Su Nuevo Disco

2006-09-21T22:21:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en LBEDigital.com, Estados Unidos, 2006)

La historia de Sidestepppers es la de un inglés y su descubrimiento y apasionamiento por la música latina. En 1992, Richard Blair se desempeñaba como ingeniero de grabación de Peter Gabriel en los estudios de Real World. Allí fue que conoció a la cantante de cumbia tradicional colombiana Totó La Momposina “y ella, bien hospitalaria como buena colombiana, me invitó a pasear por Colombia en 1993. Yo fui con planes de quedarme un mes o dos y acabé quedándome tres años y así fue como comenzó la historia...”
La historia continúa con un disco debut en 1997 del cual se imprimieron sólo mil copias. “Ni yo tengo una,” bromea Blair. More Grip, publicado en el año 2000 fue el álbum que impulsó a Sidestepper internacionalmente y tres años más tarde, su 3am (In Beats We Trust) los confirmó como líderes de la avanzada latintrónica.
El nuevo capítulo de su historia ya fue inaugurado en Colombia. Continental es el título de su más reciente trabajo, del cual aquí, por ahora, sólo se consiguen sus singles por internet. El disco no se publicará por estos lados sino hasta octubre próximo, “todavía estoy trabajando en él,” explica el londinense, “el disco será mezclado de manera diferente para el mercado americano”. Mientras tanto, Richard Blair y su banda de colombianos siguen arrasando con los escenarios californianos en sus recurrentes visitas y anticipándonos la irresistible fiesta que se viene.

- Por lo visto este nuevo disco viene con grandes cambios para Sidestepper.
- Sí. Esta banda con la que nos estamos presentando se formó en 2003. Llevamos tres años tocando juntos. Y por primera ves tenemos tocando en el escenario a la misma banda que grabó el disco en el estudio. Esa es una diferencia enorme con respecto a los trabajos anteriores. Todos los músicos con los que estamos tocando ahora aparecen en el disco nuevo y sus personalidades se dejan ver. Es un proceso diferente, lleva mucho más tiempo de compartir y conocer a las personas, ver qué estilo les va mejor para su voz...

- ¿De qué manera afectó esto a la composición?
- Bueno, esta vez hasta escribimos canciones para un vocalista en específico, lo cual nunca habíamos hecho antes. Yo me dedico básicamente a la música e Iván Benavides escribe las letras de las canciones. Este álbum está mucho más basado en las canciones, casi por accidente. Tuvimos problemas trayendo el Protools a Colombia y eso nos retrasó por cuatro meses, pero nos impulsó a componer de una manera mucho más analógica. Como resultado, el disco es mucho más orgánico. Yo también quería transportar parte de la experiencia de tocar con la banda en vivo al disco. Los discos anteriores fueron discos de estudio que luego se adaptaron para ser tocados en vivo.

- En sus comienzos Sidestepper iba más por el lado del drum & bass, luego pasó a ser más chill-out. ¿Hacia dónde va ahora el sonido de Sidestepper?
- Más hacia el afrobeat, afrocolombiano. Las armonías de las canciones estuvieron está vez a cargo del guitarrista que está muy metido en lo que es la música africana así que eso influenció mucho el sonido.

- ¿Cómo se formó esta nueva banda?
- El cantante, Janio, está desde 2000. Agregamos a dos chicas, Erika y Gloria. Erika salió salió de Popstars, la versión colombiana de American Idol, donde Iván era uno de los jueces. Ella quedó entre los diez finalistas. Gracias a dios no ganó porque las chicas que ganaron sacaron un disco que anduvo más o menos y después no pasó nada. Su premio no oficial fue formar parte de Sidestepper. Gloria es de la costa pacífica de Colombia y tiene su propia banda, ella rapea y esbribe sus propios raps. La encontraron a través de una audicion que hicieron para reemplazar al cantente anterior, que se había alejado para seguir con su carrera en solitario. Tiene mucho carisma y personalidad.

- ¿A qué crees que se debe la fascinación de tantos músicos británicos por la música latina?
- Alguien dijo una vez que cuando la gente se dedica a hacer música dance, se olvidan de ponerle la música. Es puro ritmo electrónico. Y lo que aprendí en Colombia, y que todavía estoy aprendiendo, es el fáctor diversión y la presencia humana en la fiesta. La forma en la que tocan en Colombia, deja entrever que los músicos se están divirtiendo al hacerlo y eso es algo que naturalmente te levanta el ánimo al escucharlo. Esa es la sensación que tratamos de reproducir con Sidestepper y a eso agregarle por debajo una base electrónica fuerte y sólida. Eso es lo que la música dance debería ser.

- ¿De dónde surgió la idea de repartir instrumentos musicales entre el público durante sus shows?
- Eso es algo que le vi hacer a Andrea Echeverri, una gran amiga. Yo mezclé su primer disco y fuimos amigos por muchos años. Yo era el sonidista de Aterciopelados en Bogotá antes de que se hiciesen famosos y vi lo que Andrea estaba haciendo, repartiendo instrumentos entre el público y eso se me hizo como la cosa más maravillosa, porque rompe con la barrera entre el público y la banda. Especialmente con los silbatos, hay algo como tribal en ese isntrumento, como de shamán. Además es como el mensaje de decirle a la gente que realmente estamos felices de estar ahí tocando para ellos, nos estamos divirtiendo realmente al tocar. La fiesta empieza en el escenario y desde ahí pal público. Es como una cosa de buenos modales casi, uno va a una casa ajena y trae algo, un postre, un alguito para regalar a la gente. Eso ayuda a romper el hielo y es un momento de verdad muy bonito.

SKA CUBANO: Dando clase de historia

2006-09-21T22:20:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en LBEDigital.com, Estados Unidos, 2006)

Los latinos estamos más que familiarizados con la música ska. Desde Los Fabulosos Cadillacs en adelante, pasando por Maldita Vecindad, Los De Abajo, Desorden Público, La Vela Puerca, hasta King Changó, la fusión de ska con ritmos tradicionales centro y sudamericanos ha sido prácticamente una constante por casi dos décadas. Por eso es que de entrada no nos sorprende un grupo que se propone mostrarnos una versión cubana del ska.
La sorpresa llega más tarde, cuando nos enteramos que dicho grupo es en realidad originario de Inglaterra y que, paradógicamente, nos invita a un paseo por la historia de esta música caribeña desde sus orígenes en Jamaica, buscando el eslabón perdido de la conexión Jamaica-Cuba. Su intención es escribir una versión alternativa de la historia, en una línea de tiempo improbablemente paralela, en la que Cuba no sufrió el aislamiento del resto de las islas del Caribe y aquel intercambio que existía entre músicos de una y otra isla hasta los años cincuenta se mantuvo intacto. En otras palabras: ¿Cómo sonaría la música ska si se hubiese desarrollado en Cuba?
Esa es la premisa inicial de Ska Cubano, un grupo que surgió como un proyecto experimental paralelo de Natty Bo, reconocido historiador de la música ska y cantante del grupo TopCats (uno de los nombres principales de la escena ska londinense contemporánea) quién invitado por el productor Peter A. Scott, se aventuró hasta Santiago De Cuba en una exploración musical-arqueológica.
A diferencia de la mayoría de la escena de ska británico, Natty Bo se interesó desde siempre más por las raíces originales del género que por la versión popularizada en los finales de los 70’s y comienzos de los 80’s por lo que se dio en llamar la segunda ola del ska, con grupos como Madness y The Specials (la tercera ola fue en los 90’s en Estados Unidos con Mighty Mighty Boostones, Rancid, No Doubt...).
Eso es justamente lo que distancia enormemente a Ska Cubano del sin fin de grupos de ska latinoamericano, ya que estos últimos en su mayoría se sumaron al ska a partir de la segunda ola, influenciados por los grupos londinenses que fusinaban el género con el punk de la época y luego le agregaron sobre eso el elemento latino a su música. Natty Bo recorrió el camino a la inversa y partiendo del ska original de los 60’s, invitó a músicos cubanos y al cantante sonero Beny Billy a tocar ska -un ritmo para ellos desconocido- como si el ska hubiese continuado su desarrollo natural en cuba, de la mano del son, la rumba, el mambo y el cha-cha-cha. “Yo me imaginé cómo sería el ska si se tocase en Cuba y a partir de ahí creamos el concepto de un grupo cubano de ska”.
“Desde que era muy chico, crecí escuchando mucho blues y jazz,” recuerda Natty Bo, un londinense de 40 años de edad y origen judío al que cuesta imaginarse interesado en la música latina, “luego reggae y de ahí al ska, el ska original jamaiquino, como The Skatalites. Cuando era adolescente escuché por un tiempo el ska inglés que estaba de moda en esa época, el two-tone influenciado por el punk, pero después volví a enfocarme en el ska original y a investigar su historia.”
El interés por el elemento latino en el ska, llegó más tarde, buscando las influencias originales de los primeros músicos de ska jamaiquinos. “Donde yo crecí no se escuchaba, ni se conocía prácticamente nada de música cubana, conocía quizás un poco de cha-cha-cha, Pérez Prado, el mambo... No era la música cubana lo que me interesaba particularmente, sino su historia, las conexiones con otros estilos musicales, en especial africanos, en sus orígenes. En algunas cosas de los Skatalites se podían advertir ciertas influencias cubanas, por ejemplo, tienen temas con ritmo de mambo. Yo siempre fui un coleccionista de discos viejos y así que empecé a buscar discos que se pareciesen a eso. Así llegué a Benny Moré, la cumbia colombiana...”
¡Ay Caramba! Es el título de su primer trabajo en publicarse en los Estados Unidos, a través del sello Cumbancha y fue grabado en su totalidad en un estudio análogo en Cuba, con músicos invitados locales, por lo que si bien la apuesta es innovadora, es sonido es clásico y hasta retro, combinando composiciones propias con covers de temas populares. “Ensayamos mucho allá cuando fuimos a grabar el disco y nos juntábamos a tocar en las calles con músicos locales y la gente se reunía a vernos improvisar,” comenta Natty quién asegura que su mayor deseo es ir de gira a Cuba a presentarse formalmente en un escenario con Ska Cubano.
- ¿Eres conciente de que el ska es uno de los ritmos más populares en Latinoamérica y que hay cientos de bandas que vienen desde hace años fusionando el género con ritmos latinos?
- Sí, sí, hay muchísimas bandas de ska latino, lo sé. Me viene a la mente ahora Desorden Público, de hace un tiempo. No he visto mucho, pero sí sé de su existencia. En su mayoría combinan el ska con ritmos latinos pero desde otra perspectiva, porque sus influencias primarias de ska son del ska-punk inglés que es mucho más rápido que el ska
original. Entonces suenan totalmente distintas a lo que intentamos hacer nosotros.

MANU CHAO: Vocero de los inmigrantes ilegales.

2006-09-21T22:18:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en El Mensajero, San Francisco, 2006)

Allí por el año 1992, conmemorando el quinto centenario del descubrimiento Europeo de América, un barco repleto de artistas franceses se lanzó a las aguas del Atlántico con una misión, que los latinoamericanos descubriesen la música y las artes de Francia. El proyecto se llamó Cargo 92 y dentro de los músicos que allí se embarcaron estaba la banda Mano Negra.
El impacto que Mano Negra tuvo en la música latinoamericana fue brutal y sus consecuencias siguen siendo evidentes hasta nuestros días. La agrupación, liderada por este simpático francés de padres españoles llamado Manu Chao, fue esencial en el proceso de emancipación del rock latino, que hasta entonces no era más que una copia traducida del rock angloparlante. Manu Chao y los suyos cambiaron de una vez y para siempre la manera de hacer y entender el rock latino al enseñarle a las nuevas generaciones de músicos a no avergonzarse de sus raíces y explorar su folklore en busca de influencias auténticas y originales.
Actualmente Manu Chao, convertido en solista, es uno de los músicos más reconocidos del planeta. Con su banda, Radio Bemba, ha recorrido los confines de este mundo y recolectado infintas sonoridades, melodías y experiencias que hacen a su identidad musical tan única, revolucionaria y global. Desde el año 2001 que Manu Chao no visitaba los Estados Unidos y hacían por lo menos quince años que no se presentaba en la Bahía de San Francisco, por eso, su show del pasado 28 de Julio en Berkeley fue uno de los más esperados de los últimos tiempos.
“A donde sea que voy siempre me preguntan lo mismo: ¿por qué me tarde tanto tiempo en regresar?” comentó Manu en la conferencia de prensa previa a su show, “y es que lamentablemente no puedo estar en todos los lugares que quiciera al mismo tiempo. Tampoco nos gusta hacer giras interminables de un año o dos, como hacen otros artistas. Nosotros giramos por un mes, un mes y medio y luego descansamos. El peor enemigo del rock es la rutina” .
Conocido como el vocero mundial de los nómadas e inmigrantes clandestinos, la opinión de este incansable trotamundos con respecto a tema de la imigración es más que oportuna en un momento como el actual: “No es un fenómeno de aquí únicamente. En Europa está sucediendo exactamente lo mismo con los africanos. Es algo que se está dando simultáneamente en todo el mundo. Todos los días mueren personas ahogadas cruzando el Mediterráneo. Los políticos se llenan la boca diciendo que se debe acabar con la inmigración clandestina, pero no hacen nada, porque los que mandan no son los políticos sino la economía y la economía del primer mundo se nutre de la mano de obra barata de los clandestinos. A la economía le conviene que sigan siendo clandestinos para poder seguir explotándolos”.
Manu Chao es también famoso por su dedicación a las causas sociales y su abierto apoyo a grupos revolucionarios como el EZLN de México, de quienes flameó una bandera durante la mitad de su show. Preguntado sobre su visión de la situación política que se vive actualmente en Sudamérica, donde gobiernos de varios países se inclinan cada vez más hacia la izquierda, comentó: “Es una luz. Lo que se está viendo ahora en Latinoamérica es una señal positiva sin duda, pero los cambios son lentos, no se van a ver en un año o dos, hay que esperar al menos diez años. Además el poder que tienen los políticos para hacer cambios reales es cada vez más limitado. Los que marcan las reglas del juego son las grandes coporaciones económicas multinacionales. Los políticos sólo pueden hacer pequeños cambios aquí y allá mientras no afecten a la economía global que viene impuesta desde arriba”.
Por último se refirió al mundial de fútbol pasado: “A mí me gusta el buen fútbol. El juego bonito. Más allá de las banderas y las nacionalidades. El mundial me da un poco de miedo por esa cosa de enfrentamiento fanático entre naciones. Tengo pasaporte Francés y pasaporte Español, pero no le voy a ningún país,” dijo el músico que siempre se presenta en vivo con camisetas de equipos de fútbol del tecer mundo y hasta le ha dedicado una canción a Diego Maradona, “tuve la oportunidad de conocerlo el año pasado. El director de cine Emir Kusturica está trabajando en un proyecto de una película sobre él y me invitó a colaborar con una canción y ya la hice, veremos si queda. Yo soy un gran admirador de los dos, Maradona y Kusturica”.

KINKY- LOS REYES DE LA FIESTA

2006-09-21T22:17:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en LBEDigital.com, Estados Unidos, 2006)

Si el segundo disco después de un debut exitoso, es el disco más difícil en la evolución de una banda, el tercero ha de ser la reafirmación definitiva del estilo y la personalidad del grupo.
Kinky nació como una propuesta original y exitosa y se expandió a la velocidad de la luz, llegando a sitios donde ninguna otra agrupación de música con base en Latinoamérica había llegado anteriormente (bandas de sonido de películas de Hollywoods, programas de televisión, anuncios comerciales...). Su segundo trabajo de estudio, Atlas, pegó un giro quizás demasiado abrupto y por muchos incomprendido: los que esperaban más música electrónica bailable con arreglos norteños, se encontraron en cambio un disco de canciones con estructura más rockera. Ahora les llegó la hora del tercero y es su deber confirmarse como lo que en esencia son, una de lás mejores party-bands que jamás hayan salido de México y, obviamente, el mejor producto de exportación de la música latina para la audiencia anglosajona.
Reina, tal el nombre de este nuevo disco, logra sus dos cometidos y a nivel sonoro, se ubica sabiamente a mitad de camino entre Kinky y Atlas. “Nosotros teníamos como la intención de retomar un poco la raíz electrónica y dance sobre todo,” comenta Gil Cerezo, el vocalista del grupo, “y pues el amor también por hacer canciones en la estructura que hicimos en Atlas. Entonces creo que surgió una conjugación conveniente de lo que eran los dos discos y como que no pierde nunca la identidad de Kinky. Atlas, a algunos le pareció bueno, a otros malo. A lo mejor el cambio fue muy radical para un segundo disco. En este tercero como que ya se asentó todo lo que era Kinky”.
A diferencia de sus dos álbumes anteriores, registrados para el sello inglés Sonic 360 bajo la producción de Chris Allison, Reina fue grabado de manera independiente, con la producción a cargo del mismo grupo y en su estudio propio en Los Angeles, California. Esto les dio más tiempo y espacio para experimentar con nuevas técnicas e invitar a músicos amigos que pasaban de visita: Ely Guerra (a quién la prensa del corazón relacionó con el cantante de Kinky en su momento) hace coros en una canción y también se cuelan Colin Hay, líder de Men At Work y Rick Muñoz, acordeonista de los norteños Los Intocables (a quienes Kinky ya se habían dado el lujo de remixar).
El regreso a la predominancia del sonido del acoredeón fue una de las claves de Reina. Fue gracias a esa fusión de acordeón con beats de house, que Kinky sorprendió a miles cuando hace cinco años atrás debutó con “Cornman”. Atlas, sin embargo, no tenía ni un tema que ocupase el lugar de aquel primer hit y quizás por eso, en Reina se lo despacharon en la primera canción, “Sister Twisted”. “Ulises se compró uno de los rancheros,” comenta Gil en relación al Ulises Lozano, tecladista y acordeonista del grupo, “es diferente a los acordeones más tangueros, los de rancheros son de botones en vez de teclas de piano y tienen otro sonido. Como estuvimos ahí un año sin tourear, Ulises se dedicó a aprender a tocar el acoredeón norteño. Y por eso salió más ahí a relucir”.
También, en este nuevo disco, se luce más al bajo, con sus grooves de funk, como los que escuchamos en “Más” otro de sus primeros hits. “Siempre ha sido una parte importante dentro del sonido de Kinky,” explica Carlos Chairez. guitarrista. “La composición se basa mucho en grooves. En este disco se siente mucho. No sólo es el bajo en sí sino también muchos sintetizadores análogos”. La única ausencia notable, a comparación del primer trabajo, es la de las tornamesas, que, a cargo de Gilberto Cerezo, le habían aportado al Kinky primigenio un guiño de originalidad inesperado, “es algo que fue quedando en el pasado y ya no es parte fundamental en el sonido de Kinky”.
Reina, cuyo nombre hace referencia a las fiestas de quinceañeras (“en México las fiestas de quinceañera son una exageración total en todos los sentidos y nosotros queríamos mostrar un poco esa idea”), sale a la venta casi en simultáneo con un disco de “rarities” publicado en tirada limitada por Sonic 360, sello con el que rompieron relaciones después de su segundo trabajo. “Son temas que habían quedado descartados de los discos anteriores y remezclas que quedaron en el catálogo de Sonic 360”. Pero ellos parecen no tenerle miedo a tener que competir con sí mismos, con su nuevo disco oficial que lanzaron a través de su propio sello, Kin-Kon y distribuirán en los Estados Unidos a través de Netwerk.
Así y todo, la clave del éxito de Kinky, estará siempre en sus impecables presentaciones en vivo, donde derrochan energía y eso, según nos explica Gil, no ha cambiado ni va a cambiar, sino que por el contrario, con el tiempo “nos estamos volviendo cada vez mas punk, cuando destruímos las cosas (risas). Nos gusta mucho el descontrol, el ruido. En vivo es mucho más noisy que el disco.” Y se nota. Kinky es una banda que vale la pena experimentar en sus dos versiones.

GUSTAVO CERATI DE GIRA POR LOS ESTADOS UNIDOS

2006-09-21T22:15:00.000-07:00

Por Juan Data (originalmente publicado en El Mensajero, San Francisco, 2006)

Hablar de Gustavo Cerati es hablar de uno de los pilares fundamentales sobre los que se ha construido el rock de toda Latinoamérica durante las últimas dos décadas. Estando al frente de Soda Stereo, fue el responsable principal de la expansión del género por países donde o era un fenómeno subterráneo o directamente no existía.
A partir de la ruptura del trío original de Buenos Aires en 1997, Gustavo se embarcó en una carrera solista que tuvo su apogeo dos años más tarde con la edición del insuperable Bocanada. Luego vino Siempre Es Hoy (recibido con críticas dispares por la prensa y los fans) y ahora es el turno de Ahí Vamos. Entre medio, y también en paralelo con esos tres álbumes, Cerati se mantuvo ocupado produciendo a otros artistas (Shakira fue la más reciente), elaborando oscuros proyectos de música electrónica (Ocio y Plan V), diseñando la banda de sonido de una película (+ Bien) y hasta se dio el gusto de grabar versiones de sus mejores composiciones con una orquesta sinfónica.
Actualmente se encuentra de gira por los Estados Unidos, presentando su último trabajo oficial de estudio. La semana pasada se presentó en el Central Park de New York frente a una colorida multitud de latinos de todas partes que le corearon al unísono su ya clásico estribillo “gracias por venir” de la canción “Puente”. Pero antes de eso se sentó unos miuntos a charlar en exclusiva con El Mensajero y esto es lo que nos contó.

EM- En tu nuevo disco, Ahí Vamos, hay como un regreso al sonido tradicional de Soda Stereo. ¿A qué se debe este mirar hacia atrás, después de haber estado en la vanguardia con Bocanada?
GC- Yo siempre dije que no era vanguardia, yo creo que se creyeron un cuento que nunca fue. Lo que pasa es que en relación a otras músicas que suenan por ahí, parece que lo mío fuera vanguardia. Pero a mí me parece que es como faltarle el respeto a los que realmente hacen vanguardia, gente que expande los límites de la música con cosas insospechadas. Gente que ni siquiera está dentro de la esfera del pop como estoy yo. Pero me gusta incorporar un poco de esos elementos en mi música. Lo que pasa que en este disco lo que quice, más que un regreso, que no lo siento tan así aunque hay algo de eso también, lo que quice fue tratar de simplificar todo. De alguna manera lograr un disco clásico de rock. Eso es lo que buscaba. Eso me parece conciliatorio con muchas épocas mías anteriores, pero también tiene que ver con una evolución. Cuando grabé Bocanada, yo me estaba tratando de alejar del sonido de Soda Stereo después de la separación. Es como cuando rompiste con una novia que era rubia y estás buscando una morocha. Y era la posibilidad para mí de bucear en otros océanos. En este disco me liberé un poco de todos esos prejuicios, dije ¿por qué no?

EM- ¿Quedó atrás tu fascinación con la música electrónica?
GC- No, no hay nada que yo sienta que haya dejado atrás definitivamente. Es como cuando la gente me pregunta por Soda Stereo, es muy difícil ponerse en esa actitud de decir “ya fue, no hay más nada”, no sabés a dónde te va a llevar la vida. Todo eso convive en mí. No es que ahora reniegue de la electrónica porque hice un disco de rock. También hay una parte mía que explora por esos lugares y que va a seguir haciéndolo seguro.

EM- ¿Cómo fue tu experiencia como productor de artistas como Leo García, Nicole y Shakira?
GC- Es como un aprendizaje, ¿no? Especialmente lo que hice con Leo García, que es un artista al que admiro muchísimo. Lo de Nicole fue en una época en la que yo intentaba escaparme de Soda Stereo. En ese momento estaba viviendo en Chile y... ¡la culpa de todo la tienen mis hijos, la verdad es esa! Tanto Nicole como Shakira, a mis hijos les gustaban mucho, entonces es un mandato muy ferte que tus hijos te digan eso. Te llama Shakira y te dice ¿querés producir un disco? Y tus hijos están “dale, dale”. Si bien son músicas muy diferentes y a lo mejor parecen mundos no muy conciliables, yo aprendo mucho de eso. Shakira me resultó, además, una persona muy dulce, muy agradable y me dio toda la libertad.

EM- Es innegable la influencia que ha tenido Soda Stereo sobre casi todo el rock latino. ¿Crees que esa influencia sigue expandiéndose con tu carrera solista?
GC- No sé si se da de la misma manera, porque Soda Stereo desencadenó un impacto masivo muy poderoso y despertó mucho los deseos de adolescentes de Latinoamérica de hacer música. En ese sentido, Soda Stereo funcionó realmente como un disparador. Yo me acuerdo de llegar a Colombia, a Venezuela o a México, donde si bien ya había música de rock, no tenía la preponderancia que tenía en Argentina. Había rock, pero como escondido detrás de un velo de lo poco popular. Soda Stereo movió toda esa cosa. Es mucha la gente que todavía hoy me dice, yo gracias a Soda Stereo me dediqué a la música. Supongo que también pasará conmigo en algún aspecto pero no lo sé muy bien. Me gusta que lo que yo haga inspire. Hay artistas realmente importantes que me dicen lo importante que fue para ellos la influencia de Soda y eso para mí está buenísimo.

EM- Nuevamente estás de gira por los Estados Unidos y otra vez San Francisco quedó fuera del mapa del tour.
GC- No tengo idea por qué. Yo también me pregunto eso y no entiendo muy bien por qué. San Francisco es una ciudad que me encanta y donde hay muchos latinos también. Pero obviamente no depende de que yo diga vamos a tocar en San Francisco, tiene que haber un productor interesado, así que si conocen a uno díganle...

Babasónicos: Tan Freaks y Tan Populares

2006-07-11T22:54:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente Publicado en LBEDigital.com, 2006)

Babasónicos han sido siempre una rareza en el bestiario del rock latino. Lo más inexplicable del fenómeno, sin embargo, quizás sea la manera en que alcanzaron el éxito masivo. ¿Cómo una banda que se caracterizó históricamente por ser los bichos raros, inclasificables, de la vanguardia underground argentina, llegó a convertirse en una de las más populares del país sin cambiar radicalmente su fórmula ni “normalizar” su rareza?
Si analizamos su discografía, veremos que entre Miami (uno de sus discos más injustamente pasados por alto en su momento) y Jessico (el que los consagró y les abrió las puertas del mainstream) no hubo ningún abismal cambio en cuanto a la propuesta estilística. Queda entonces la teoría de que ellos no cambiaron, pero sí cambió el público que, repentinamente empezó a entenderlos y apreciarlos y quedará para futuros estudios sociológicos la explicación de tan peculiar fenómeno.
Sin duda adelantados a su tiempo, los Babasónicos dicen ser los mismos excéntricos de hace quince años y que la fórmula para seguir sorprendiendo con cada disco está en sorprenderse a sí mismos. De eso hablamos con Diego Rodríguez, mejor conocido como Uma-T, guitarristas y hermano de Adrián Dárgelos, la voz y la cara de la rareza babasónica

- ¿Cómo analizas la evolución que hubo entre Jessico y su disco más reciente, Anoche?
- En realidad es una evolución más o menos natural. La banda, cambia disco a disco, de una manera radical, porque lo que intentamos es sorprendernos a nosotros mismos. Después de estar constantemente haciendo canciones desde hace tantos años, lo que más nos cuesta es lograr la sorpresa con nosotros mismos. Eso nos da el indicio de que evolucionamos porque la verdad que cuando el artista se queda estancado en un ritmo, un tipo de canción o melodía, se empieza a aburrir. Yo creo que lo más difícil de estos últimos tres discos es que después de haber hecho tantos, lograr hacer uno diferente y que sea bueno, que sea lindo de escuchar para nosostros es muy difícil.

- ¿A qué se debe que se hayan decidido por un sonido, si se quiere, más rockero?
- Anoche es más rustico y rockero porque lo pensamos así, es un disco que fue pensado o casi diseñado para tocarlo en vivo, nos parecía que lo que mejor estábamos haciendo en vivo era un swing dinámico entre nosotros que no tenía nada que ver con máquinas o sequencers, como a pura sangre. Eso cambia de raíz la forma de componer, termina generando una obra mucho más dinámica y como te decía más rockera.

- ¿No es contradictorio que sea este el camino escogido cuando su mayor éxito alcanzado fue con Jessico, el disco más electrónico y dance de la banda?
- Es algo que se va dando y nos vamos dando cuenta cuando empezamos a tocar el disco en vivo. Por ejemplo, Anoche te hace tocar de una forma diferente y eso después te cambia para la composición del próximo.

- En los 90’s ser Babasónicos era sinónimo de alternatividad, de posmodernidad. ¿Qué significa para ustedes ser Babasónicos en este punto de su carrera, aceptación masiva mediante?
- Yo lo que siento es lo mismo del principio, en cuanto a que nosotros seguimos explorando la mejor canción posible, la que más nos guste, la que más pegue y ahonde en la mentalidad de las personas. Los grandes temas que logran un cambio en los demás, marcan una epoca y cada vez que los escuchás te remiten a toda una época, porque el artista te llevó a ese lugar. Lo que tratamos de hacer es discos que después se tranformen en clásicos. Me encantaría que un disco nuestro sea un clásico del rock nacional. Y poco a poco creo que lo vamos logrando. En nuestro pasado teníamos poca fama, pero nunca nos interesó la fama. Ahora lo que tenemos no es estrictamente fama, sino que somos más populares que es algo mucho más lindo; ser un artista popular. Después de haber pasado por todas las otras situaciones ¿no?, después de haber sido del under, contraculturales, pasar a ser de las bandas más grandes del circuito, a ser una de las más chicas del mainstream y de ahí a ser ahora una banda ya prácticamente masiva...

- ¿Este cambio del underground al mainstream, sienten que los limita de alguna manera, que les infiere alguna clase de responsabilidad extra o los obliga a madurar?
- No, porque como te decía, lo más difícil es sorprenderse a uno mismo que es el juez más difícil de todos y nosotros no claudicamos en eso. Hacer una cosa que no nos gusta, solo por ser vanguardista, es horrible. A veces las bandas después de hacer un disco muy exitoso se tiran a hacer un disco difícil, que no lo entiende nadie y tiene muy pocas ventas. Nosotros ya lo hicimos eso, ya tuvimos nuestro disco difícil, ya experimentamos con todo, los sonidos, los espacios con silencio... Ahora estamos experimentando con melodías que tocan cosas dentro del cuerpo de las personas. Que los obliga a bailar y los obliga a pensar en algo... lograr la hipnosis. Somos una banda que escucha mucha música y lo mismo que nos causa a nosotros la música, es lo que queremos causarle a los demás.

- Hablando de experimentación, en el pasado se les ha dado por experimentar con cuanto género musical se cruzó en su camino, del rap a la bossa nova y del disco al metal. De Jessico en adelante pareciera que esa búsqueda se terminó y encontraron finalmente el estilo babasónico puro. ¿Es así?
- Sí, lo que sucede con estos últimos discos es que tocamos tanta cantidad de shows que sabemos cuales ritmos nos favorecen a la dinámica y dónde podemos lograr esa hipnosis, cuando arriba del escenario más que una persona, somos personajes en trance. Hemos logrado divisar cuáles son los ritmos que nos favorecen a ese punto. Eso fue lo que creo que nos pasó. Fue un cambio muy natural y la forma en que nos fue aceptando el medio también fue muy natural.

- Cada uno de los últimos tres discos fue clasificado por la prensa como el mejor disco de su carrera. ¿Ustedes comparten esa sensación de constante apogeo?
- Nosotros preferiríamos no sacar un disco si no es el mejor que sacamos hasta el momento. En realidad no es el mejor, sino el que más nos gusta. Un disco bueno o un disco malo no lo juzga la ventas o la prensa, lo juzga el que uno lo escuche y le pueda entrar. Es muy difícil, porque hay discos muy bien tocados que son horribles ¿o no?

Bitman & Roban: Ladrones de Guante Blanco

2006-07-11T22:53:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente Publicado en LBEDigital.com, 2006)

Bitman & Roban, no sólo son la banda con el nombre más ingenioso que jamás se le haya ocurrido a un artista de hip hop latinoamericano, también son la avanzada de la escena chilena en cuanto a la introducción de este tipo de música en los Estados Unidos. Gracias al nuevo sello independiente Nacional Records, Bitman y Roban se han convertido en el primer grupo de hip hop chileno en tener su disco publicado en este país, lo cual tiene especial importancia si tenemos en consideración que Chile cuenta con una de las escenas de hip hop más ricas y más aventuradas en cuanto a la exploración musical de toda Latinoamerica.
Ahora bien, cuando hablamos de hip hop aquí para explicar a Bitman & Roban lo hacemos refiriéndonos a la definición tradicional/histórica del hip hop: música compuesta con tornamesas en base al reciclaje de trozos de música ya existente de artistas varios con un groove de funk como eje central y sobre la que, no necesariamente, pero pueden subirse al micrófono MC’s invitados a despachar sus rimas. En otras palabras, Bitman & Roban sí son hip hop, pero absolutamente nada tienen que ver con la concepción contemporánea distorsionada del rap corporativizado (bling-bling, gangsterismo, machismo, etc.) por lo cual es comprensible que a la hora de catalogarlos muchas veces se los haya denominado como música electrónica, lounge, down-tempo, break beat u otros neologísmos de esa clase.
Bitman & Roban surge en Santiago de Chile en el año ‘99 de la unión de DJ Bitman y Christian Powditch. Bitman, también conocido como José Bravo, pero para sus amigos Toto, nació hace 31 años en Arica, la ciudad más al norte de Chile. “Desde chico siempre me había gustado pasar música en las fiestas. Siempre hice música de manera punk, sin estudiar mucho, nada en realidad, aprendiendo de oído. Cuando llegué a Santiago, en el año ‘97, al año siguiente ya tenía mis tornamesas y ya tenía contacto con todos los grupos de hip hop de la escena”.
Christian Powditch, por su parte, venía de la música electrónica, había participado en el proyecto Plan V de Gustavo Cerati pre-Bocanada. “El vivía muy cerca de donde yo tenía mi estudio así que pasaba casi todos los días y empezamos a hacer música de una manera... sampleando, sampleando y después lo empezamos a ordenar. El venía de la vertiente electrónica pura y esa fue un poco la mezcla que en ese momento acá en chile por lo menos llamó mucho la atención porque se sabía algo de electronica y se sabía algo de hip hop, pero las dos cosas juntas era algo que acá no había.”
En el año 2000 sacaron su primer disco “Hurtos” al que le siguió dos años más tarde “Robar Es Natural” el cual fue nominado ese mismo año en los premios de La Banda Elástica dentro de la categoría de mejor disco importado/no publicado en los Estados Unidos (el ganador de esa categoría fue Gotan Project cuyo álbum debut fue finalmente lanzado al mercado un par de meses más tarde). A continuación le tocó a Bitman el turno de lanzarse como solista con su disco Sunset Beats, para luego volver a reunirse con Roban, que ahora ya no era sólo Christian Powditch, sino toda una banda de ladrones profesionales y sacar el tercer disco: “Música Para Después Del Almuerzo”.

-A pesar de los cambios de formación y de que ya dejaron hace rato de ser un simple dúo, siguen manteniendo el nombre de Bitman & Roban.
Bitman- Nosotros dos seguimos siempre a la cabeza, en este disco yo un poco más porque decidí atribuirme la producción del disco. Después de que sacamos “Robar es Natural” yo hice un disco solitario y en ese momento ya estaba trabajando con Roberto Titae Lindl, que es el bajista de Los Tres y con el baterista de Los Tetas para tocar en vivo. Y así fue como empezó a crecer un poco el núcleo y ahí nos dimos cuenta de que en vivo cambiaba mucho la cosa cuando había dos, tres, cuatro personas más arriba del escenario, por lo tanto yo ya no podía volver atrás y así nos converitmos en una orquesta porque esto ya no es una banda, hoy día llegamos a ser diez o doce personas arriba del escenario y es algo demasiado potente, muy bueno.

-Esto, me imagino, debe haber afectado también la manera de componer.
Bitman -Claro, al principio todo era samplers y si faltaba algo lo sampleábamos y lo poníamos. Hoy día dejamos mucho espacio, el sampler es sólo como el eje central nomás, es una guía solamente, pero lo demás está todo tocado. El tema de los samplers se mantiene intacto, la gente logra seguir reconociendo los samplers. Pero todo el color que tiene el disco está dado gracias a cómo están grabados los intrumentos.

- Parte del concepto original de Bitman & Roban era el utilizar sampleos de sonidos bien fáciles de reconocer, de artistas muy populares. ¿Esto les ha traído alguna clase de inconveniente legal por el tema de la violación del copyright?
Bitman -No todavía. No sé hasta que punto van a encontrar a un grupo gracioso y simpático para escuchar y cuándo vamos a cruzar esa linea de llegar a ser ya un grupo peligroso. Hasta ahora no hemos tenido ningún problema. Creo que el hecho de haber sacado el disco “Robar es Natural”, que traía a Lionel Richie cantando en una canción... estoy seguro que la gente que está a cargo de sus derechos no ha escuchado esa canción. Tampoco ha sido editado en otras partes fuera de Chile, o sea, es un trabajo que nos dio a conocer en términos de difusión, pero no creo que sea factible sacarlo afuera. Por eso que el disco este último, claro, tiene algunos samplers, pero son bastante inofensivos, son de grupos conocidos (Kool & The Gang, Kurtis Blow...), pero han sido utilizados de una manera bastante inocente. Y tampoco el tema se nutre al cien por ciento de los samplers. Yo creo que si los mismos artistas que grabaron esos temas escucharan lo que se hizo, aprobarían de todas maneras su uso, porque en el fondo nosotros estamos haciendo algo distinto. No nos estamos colgando de esos samplers para hacer música, lo estamos usando porque es algo que forma parte del patrimonio musical mundial. Nada más que eso. Como un artista gráfico que trabaja con fotografías de distintos autores y hace un collage de tal manera que nadie puede decir nada porque se está haciendo algo nuevo.

- Hiciste varios remixes para diferentes artistas. Quizás el más reconocido sea la versión de “Putita” que hiciste para el disco de remezclas de Babasónicos.
Bitman- Lo de Babasónicos surgió a través del sello de acá, tuve la suerte de conocerlos porque me invitaron a su camarín antes de salir a tocar, ya que estaba por hacerles un remix. También he estado trabajando con los Plastilina Mosh. Estuve haciendo remixes también para gente de acá como Makiza. A Los Tetas siempre les hice remixes de todos sus discos. También remixé a Angel Parra Trío, en un tema que hicieron, Café con Leche, y a Rock Hudson que es otra banda de acá. Hago también bastante música para publicidad, televisión y algunos soundtracks de películas... para poder vivir de la música ¿no? sin tener que convertirme en el Daddy Yankee.

- ¿Cuál es la relación de Bitman & Roban con el hip hop chileno? ¿Se consideran parte de esa escena?
Bitman- Estamos ligados a la escena hip hop pero de una manera bastante especial. Todos saben que Bitman & Roban es un grupo que suena hip hop, pero que no es un grupo de rapperos. Entonces hay un gran respeto en todos los ámbitos de la música porque nosotros tocamos un poco de todo y eso es lo interesante que tiene este grupo. El eje central es el funk, pero usamos samplers de todo tipo, no nos limitamos a eso, sampleamos a José Feliciano, Alberto Cortez, no importa, de todo tipo de música

- ¿Cómo ves al hip hop chileno a nivel de exportación?
Bitman- Hay muy buen hip hop acá. Hay mucho en todos lados... en cada país con su identidad, es un fenómeno global. Hoy puede salir un grupo famoso de hip hop árabe, mañana uno chino y pasado uno chileno. Entonces en el mercado internacional, la entrada es muy pequeña para tanta gente que hay. Los que llegan son los que hacen algo un poco más interesante que se diferencia de la gran mayoría. Muchos que hacen hip hop acá, tratan de sonar como 50 Cents, entonces nunca van a llegar a pegar en Estados Unidos porque de eso ya hay de sobra. Pero yo creo que también hay mucha gente que está haciendo cosas muy interesantes, pero todo basado en la mezcla de cosas, de hacer algo que vaya más allá del hip hop.

GECKO TURNER: Tu Próximo Favorito

2006-07-11T22:52:00.000-07:00

Por Juan Data (originalmente publicado en LBEDigital.com, 2006)

De vez en cuando llega a nuestras manos un disco tan refrescante e innovador que uno se pregunta ¿dónde estaba este artista escondido todo este tiempo? ¿cómo puede ser que no hayamos oído hablar antes de alguien tan bueno?
Gecko Turner no estaba exactamente escondido, sino que en su España natal ya tenía cierto renombre y trayectoria con proyectos anteriores como Perroflauta y The Animal Crackers, pero no fue hasta su reciente debut solista que saltó al mapa de la música internacional.
Original de la provincia de Extremadura, de “un pueblecito que está a unos setenta, ochenta kilómetros de Badajoz. Justito en la frontera con Portugal,” Gecko se crió escuchando música afroamericana, en oposición al flamenco reinante de la zona. El blues y el soul de hecho, forman el esqueleto “afromeño” sobre el que se erige su primer disco, Guapapasea (Quango, 2006) que abre con una sorpresiva reinterpretación traducida de un clásico de Bob Dylan: “Subterrean Homesick Blues”.
Pero a medida que los temas van pasando, el espectro sonoro se va inflitrando de percusiones de samba brasileña, grooves de bajos funky, melodías y atmósferas caribeñas (balanceándose entre Jamaica y Cuba) lo cual, sumado a las letras trilingües (español, portugués e inglés), llenas de guiños ingeniosos, con algo de contenido social y mucho slang acuñado por el propio cantante, nos hacen pensar en un suerte de Manu Chao, aunque un tanto más cool y relajado y mucho menos punk.

- ¿Qué clase de nombre es Gecko Turner para un artista español? Uno se esperaría Manolo García...
- Es un pseudónimo con el que me quedé. Cuando tuve que registrar mi primera canción en la sociedad de autores, rellenando los papelitos, había un hueco a donde te ponían pseudónimo y tal y yo puse Gecko Turner, sin pensar pues que me iba a quedar para siempre. Quizás la idea fue porque yo siempre escribía más canciones en inglés... bueno, en los últimos años me estuve abriendo un poco más a escribir en castellano. Pero por mi formación, derivada del blues, el jazz, el rock, cuando empecé a hacer songwriting lo hacía en inglés. Así que me parecía más adecuado afrontar mi carrera musical con un pseudónimo como Gecko Turner en lugar de mi nombre real que es Fernando Gabriel Echave Peláez. No sé, al final la cosa parece que fue cuajando y aquí estoy.

- Mencionabas que tus principales influencias son anglosajonas, lo cual es evidente al escuchar tu música, también son muy claras las influencias brasileñas, ¿pero qué influencias reconoces de música en español?
- Bueno, yo cuando empecé a tocar, como te dije, mi máxima influencia era el blues y todos sus derivados. Pero con el tiempo tuve ocasión de escuchar y apasionarme con otras músicas que no son de raíz anglosajona como puede ser la música brasileña o cubana. Además he trabajado durante los últimos diez años con muchos músicos brasileños y cubanos que viven aquí y a través de ellos tuve mi principal aprendizaje de esas músicas.

- ¿Pero hay algún artista de habla hispana que te haya influenciado en tu manera de componer las canciones en castellano?
- Seguro que sí... Pero imagínate a un jovencito a las orillas del Mississippi que de repente se le diera por sacar discos de flamenco. Bueno, a mí me pasa un poco al revés. Yo donde vivo es una ciudad muy flamenca, muy relacionada con esa música y a mí fíjate, me acabó capturando el blues, el soul, el funk y bueno...

- ¿Cómo te cae que cataloguen tu música como world music?
- Es un saco tan grande que cabe todo y como todos formamos parte de este “world” de alguna manera somos world music también. Pero yo tampoco es que haga únicamente música soul o funky sino que también tengo inquietudes por rollos de onda cubana, reggae, brasileña... entonces a mucha gente le resulta más fácil ubicarme dentro de lo que se ha dado en llamar world music pero que ahí caben un montón de estilos y de artistas de los más diversos.

- ¿Te sientes parte del movimiento musical que en España se dio en llamar el “mestizaje”?
- También es otra etiqueta con la que me han solido definir, pero yo la verdad que eso del mestizaje... es verdad que es una tendencia que se ha generalizado demasiado últimamente, hasta el punto de que yo creo que hay muchas cosas que se intentan mestizar de una manera artificiosa y no le veo el punto. Pero al mismo tiempo te digo que hay cosas que por su propio peso natural caen bien, como no sé, hay ritmos reggae que tienen un parecido increíble con unos tipos de ritmos de flamenco y tal, ¿no? Entonces te das cuenta de que hay cosas que por su propio peso de pueden mestizar y queda interesante. Pero es como todo, cada uno hace lo que puede y hay gente que tiene más escrúpulos y otros menos.

- Se te ha comparado bastante con Manu Chao, ¿qué sentimientos te despierta dicha comparación?
- Bueno, por un lado me halaga porque es una personalidad dentro de la música de los últimos años en todo el mundo y más allá de lo musical también, es un personaje con mucho carisma dentro de lo social. A mí me parece que tiene que ser un tipo muy interesante pero la verdad es que musicalmente yo creo que no tengo mucho que ver con este hombre. Es como lo que hablábamos antes del world music y el mestizaje, a la gente le gusta agarrarse de referencias, pero yo personalmente nunca me he puesto a escuchar un disco de Manu Chao, ni me atrae especialmente. De todos modos, que me comparen con él no deja de ser positivo.

- En España se acaba de estrenar tu segundo disco, ¿qué nos puedes adelantar de él? - Bueno, supongo que tendré que ir con un delay de un año al menos porque allí ahora recién sale el primer disco que salió aquí hace un par de años. Creo que lo lógico será esperar hasta el año siguiente. Te puedo decir que el título es Chandalismo Ilustrado y que he tenido mucho más tiempo y muchos más medios para hacerlo, porque lo hice ya sabiendo que se iba a editar; cosa que no me ocurrió con el primer álbum, que fue una maqueta que yo me grabé como pude y que hasta que no lo tuve todo terminado no tuve la opción de dar con un sello.

- Para terminar, explícame un poco esas terminologías propias que usas en tus letras. ¿Qué significa, por ejemplo, “guapapasea”?
- Es una palabra que me tomé la licencia de inventar a base de juntar otras dos palabras: guapa y pasea. Entonces cuando estoy trabajando en la canción esta que se llama “$45,000 Guapapasea”, en el estribillo decía “guapa pasea” y se me ocurrió que podría ser una palabra nueva. Es un poco lo que significan las dos palabras: belleza andante.

- ¿Y la expresión “tener un limon en la cabeza” es también de tu autoría?
- Sí. Se me metió en la cabeza esa idea y empecé a escribir como loco un montón de rimas y todas las acababa con que si te pasa tal cosa o tal otra, échate un poquito de limón en la cabeza, si te preocupa tal aspecto de la vida, échate un poquito de limón en la cabeza y si no vives como quieres, pues, échate un poquito de limón en la cabeza. Es como una muletilla que suena simpática y yo la dejo un poco abierta a que cada uno interprete lo que quiera. Echarte limón en la cabeza es como si fuera una solución a cualquier tipo de males, para toda situación. También se puede intepretar como que tengo una manera de pensar un poquito ácida.

Larry Clark: El Eterno Adolescente

2006-07-11T22:50:00.000-07:00

(Entrevista publicada originalmente en LBEDigital.com, 2006)

Un fotógrafo y director de cine, veterano de la guerra de Viet Nam, nacido y criado en Oklahoma, se anima a hacer una película sobre los adolescentes latinos en Los Angeles. Parece la premisa de un chiste, pero no. Larry Clark logró retratar con inédito realismo a un segmento de la juventud latina de los Estados Unidos sobre el que nadie se interesó hasta el momento. Wassup Rockers es una película única en su tipo y representa una visión por demás original de lo que significa ser latino en este país.

- ¿Cómo fue que surgió tu interés en este grupo de adolescentes latinos de Los Angeles?
- Conocí a los chicos en el skate-park de Venice Beach en julio del 2003, hace casi tres años. Kico creo que tenía trece años y Porky tendría catorce o quince. Estaba tomando fotos de skaters para una revista francesa y ellos estaban ahí. Me llamó mucho la atención su estilo, las zapatillas todas gastadas, las camisas cayéndose a pedazos, el pelo largo... definitivamente tenían estilo. Entonces nos pusimos a hablar, les pregunté si podía tomarles fotos y dijeron que sí y los acabé siguiendo hasta South Central, donde conocí a Jonathan y al resto de los chicos y con ellos anduvimos por todo Los Angeles tomando fotos. Un par de meses más tarde me los volví a encontrar y les mostré la revista con sus fotos y ellos querían ir a andar en skate de nuevo así que fuimos y ahí me empecé a enterar realmente cómo era su vida en South Central, lo que me pareció muy interesante. Todo el tema de la presión para seguir los patrones y la moda gangsta que ellos rechazaban. Ellos no fuman, no toman, sólo quieren divertirse. Son sólo chicos. Así fue como empezó todo. Después de eso estuvimos reuniéndonos cada sábado durante un año o más y me fui enterando de sus historias que después terminaron conformando la historia de esta película.

- ¿Tu principal motivación al concevir esta película fue contar una historia o hacer un estudio sociológico?
- El comentario social está siempre presente, obviamente, el hecho de enfocarme en sujetos tan inusuales y recrear sus vidas lo hace casi como un documental. La aventura, la historia, aparece luego, como consecuencia de lo otro. En este caso en particular lo que más me interesaba era capturar la reacción de la gente blanca y rica de Los Angeles frente a estos chicos y creo que logramos mostrarlo de una manera bastante honesta.

- Es una pregunta obligada pero ¿a qué se debe tu fascinación con los adolescentes como personajes constantes en todas tus películas?
- Bueno creo que la adolescencia es una parte tan importante de nuestras vidas, son los años formativos que casi dictan lo que uno será al llegar a la adultez. Empecé a interesarme desde que yo mismo era un adolescente y les tomaba fotos a mis amigos. En 1971 publiqué mi primer libro de fotos, llamado Tulsa, donde recopilaba esas fotos. Y eso se terminó convirtiendo en mi especialidad. Cuando hice mi primera película, Kids, yo quería hacer una película sobre la cultura juvenil de ese momento, no sobre mí y mi interés se concentró en los skaters.

- Habiendo pasado tanto tiempo con estos chicos me imagino que habrás aprendido mucho de su cultura, ¿qué fue lo que más te llamó la atención?
- Sí, todo para mí era una novedad. Desde la manera en que caminan, hablan, o se visten hasta, tu sabes, el desafío que significa para ellos cada día viviendo en ese lugar. Fue un choque cultural muy interesante porque no hay gente blanca en South Central. Son todos negros o latinos. Yo le decía a mis amigos que iba a South Central y me decían que estaba loco que me iban a matar. La mayoría de la gente blanca que vive en Los Angeles nunca estuvo en South Central. Así son las políticas raciales del ghetto. Pero la mayoría de los chicos que nacen y se crían ahí no quieren formar parte de pandillas y sus padres no quieren que formen parte de pandillas, son chicos y sólo quieren ser chicos. Pero es muy difícil.

-¿Qué porcentaje del contenido de la película fue improvisación?
- Hay mucha improvisación pero guiada por mí. Yo tenía la historia ya planeada, basada en cosas que ellos me habían contado o que yo había visto conviviendo con ellos. Pero a la hora de los diálogos yo les decía, hablen de esto o aquellos y ellos lo hacían con sus propias palabras. No son actores así que lo más complicado, mi trabajo, era hacerlos sentirse cómodos y hablar con naturaleza.

-¿Cuál fue la reacción de las familias de estos chicos cuando se enteraron de que alguien quería hacer una película sobre sus vidas?
- Muchas veces no creyeron que la película realmente iba a suceder porque llevó mucho tiempo conseguir el dinero para financiarla, así que no se lo tomaban muy en serio.

- ¿Estuviste involucrado en la selección de la banda de sonido?
-Sí, sí, son todas bandas locales sin contrato, son bandas de garage. Los chicos mismos me las presentaros, me hicieron interesarme en ese estilo de música. Hay bandas muy buenas como South Central Riot Squad, Los Basics, The Remains, The Retaliates y The Revolts que es la banda de Jonathan.

- Kids lanzó a la fama a actrices como Rosario Dawson y Chloë Sevigny, ¿crees que alguno de los chicos de Wassup Rockers tiene oportunidades de convertirse en estrella de cine?
- Sí, estoy trabajando ahora mismo en un guión de una nueva película para Jonathan y Kico y esta vez no va a ser sobre ellos, sino que los va a tener representando papeles.

- El tema del sexo entre menores de edad es un tabú para el cine de Hollywood pero ha estado siempre presente en casi todas tus películas, ¿a qué se debe?
- No lo sé, es un tema que encuentro muy importante porque los chicos están muy presionados para tener sexo cada vez a más temprana edad. Esa es la cultura en la que vivimos. Es parte de la vida real de los adolescentes. Pero las películas de Hollywood... en general no se ocupan de temas que dejen a la gente pensando. Yo veo una película de esas y a los tres días ya me la olvidé por completo. Creo que mucho de lo de Wassup Rockers va a quedar en la memoria de los que la vean.

Blue Scholars: Rindiendo examen

2006-03-02T21:17:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2005)

La ciudad de Seattle, al norte de la costa oeste norteamericana, en el estado de Washignton, se ha hecho célebre en el múndo de la música, durante la primera mitad de los 90’s, por ser la cuna de lo que se dio en llamar el rock alternativo. Con una única excepción, Seattle no ha producido hasta el momento artistas de hip hop de relevancia a nivel nacional ni internacional. Esa única excepción fue Sir Mix-A-Lot, quién en los primeros años de la década pasada y emulando el sonido del rap entonces característico de Miami, Florida, tuvo sus quince minutos de fama con uno de los mayores himnos obligatorios de todos los karaokes de ahí en adelante: “Baby got butt”
Trece años más tarde, la heterogénea escena hip hop de Seattle todavía lucha por quitarse de encima aquel estigma y demostrarle al resto del país –y el mundo- que tiene artistas de calidad para competir mano a mano con los de cualquiera de las otras ciudades tradicionalmente productoras de buen rap. Entre ellos Blue Schollars.
Con una formación básica de grupo de rap, un MC y un DJ, letras inteligentes, ágiles flows y ritmos que apuntan a un sonido clásico pero con técnicas de producción poco convencionales, este dúo formado por dos estudiantes de la Universidad de Seattle se ha propuesto con su debut homónimo, producido de manera independiente, poner definitivamente a su ciudad en el mapa del hip hop. Y tienen con qué, basta con escuchar su primer single: “Freewheelin” .
“Muchos de los de mi generación nos metimos en el hip hop más o menos al mismo tiempo, en los 80’s, cuando el hip hop se empezó a expandir a nivel nacional,” recuerda Geologic, descendiente de filipinos, quién tuvo su paso por el breakdance y las batallas de freestyle. “Pero no fue sino hasta los primeros 90’s que me empecé a enfocar de lleno en el hip hop y a escribir mis primeras letras influenciado principalmente por Nas, KRS One, Rakim, Chuck D, 2 Pac y más tarde Mos Def y Aceyalone”.
Sabzi, DJ y productor de beats de ascendencia iraní, se inició como baterista de punk-rock, de ahí lo variado y poco convencional de sus técnicas de sampleo y uso de la instrumentación en vivo. “Nos conocimos estudiando en la misma universidad en Washington. El estudiaba economía y yo historia. Pero nos conocimos porque formábamos parte de una misma organización que se encargaba de promover shows de hip hop para todas las edades, porque en esa época todos los eventos de hip hop que se llevaban a cabo en Seattle eran para mayores de 21. Entonces organizamos varios shows, muchos con artistas locales, algunos con gente como Mos Def, Jurassic 5. Y bueno, los dos estábamos involucrados en este proyecto pero no nos conocíamos directamente, teníamos un amigo en común, que dicho sea de paso, ahora es nuestro manager. El sabía que yo rimaba y que Sabzi producía bases, así que sugirió que hiciésemos algo juntos. Y así fue como empezamos. Con un estudio casero, rapeando para nuestros amigos, grabando maquetas... y pasó por lo menos un año así hasta que empezamos a trabajar en lo que sería nuestro álbum”.
Así fue como surgió Blue Scholars, cuyo nombre es un juego de palabras entre “blue collar” (cuello azul: término con el que se suele referirse a las clases trabajadoras no clasificadas en oposición a los profesionales de cuello blanco) y “scholars” (estudiantes, escolares). “Grabamos el disco totalmente independiente, con equipos prestados, usando el estudio de grabación de la universidad y la habitación de Sabzi”.
HHN- ¿A qué se debe el que no hayan incluido artistas invitados en el disco?
G- A mí como fan del rap, siempre me molestó cuando escuchas un disco nuevo y está plagado de invitados. En vez de ser un disco del artista es un disco de colaboraciones. Pero todos los discos de rap que a mi me gustan de los comienzos de los 90’s, o la mayoría, eran de un artista solo, sin ninguna colaboración, o quizás una, pero bien justificada, no por razones comerciales. Eso es lo que yo quiero escuchar de un artista, especialmente si se trata de su primer álbum. Quizás en el futuro tengamos alguna colaboración, pero nuestra intención era en este disco mostrar lo que somos y hacemos nosotros, sin colgarnos de la fama de nadie para sustentar la credibilidad.
HHN- ¿Cómo está la escena hip hop de Seattle hoy en día para competir a nivel nacional?
G- Mucha gente no lo sabe, pero Seattle siempre tuvo una escena de hip hop muy fuerte desde los comienzos de los 80’s. Fue la primera ciudad de la costa oeste, no Los Angeles, ni San Francisco, en tener un programa de radio dedicado enteramente al hip hop. Siempre hubo también una escena muy fuerte de breakdance. El problema es que se conoce a Seattle sólo por Sir Mix-A-Lot. Hubo muchos otros artistas muy buenos que sólo se conocen a nivel local porque nunca fueron firmados por una multinacional. A los sellos discográficos lo único que les interesó de Seattle es el punk rock y grunge. Hay muchos artistas de hip hop de Seattle a los que no les cayó muy bien que sea Sir Mix-A-Lot el MC más conocido de esta ciudad. Otros esperaban que a través de su éxito él ayudase a otros artistas locales a salir adelante a nivel nacional y eso nunca pasó. Es una frustración para nosotros que Seattle sólo sea conocida por eso. Hasta el día de hoy, donde sea que viajamos por los Estados Unidos, cuando decimos que somos de Seattle lo único que conocen de nuestra ciudad es la movida de rock alternativo... y Sir Mix-A-Lot.

SHANE: La Realidad Supera La Fricción

2005-12-16T11:59:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Cosa, Buenos Aires, 2005)

Hablamos con la pionera del “Reality Porn,” Shane, la actriz porno convertida en productora y directora que además, nos confesó, tiene un fetiche muy particular... ¡por los petes argentinos!

Las Chicas Sólo Quieren Divertirse
Seymore Butts es un director de porno reconocido tanto entre los aficionados a esta industria como entre el público masivo. Lleva más una década produciendo y dirigiendo sus propias películas desde el Valle de San Fernando, la tierra prometida del porno, al norte de Los Angeles, pero su salto a la fama, sin embargo, no llegó hasta hace un par de años cuando se le ocurrió hacer de su propia vida un reality show para la cadena de cable Showtime. Family Business, durante sus dos temporadas, retrató la intimidad un director de porno y su familia -en especial su madre y su tío- que siguiendo las leyes del “Hágalo Usted Mismo” montó un imperio de la pornografía desde el garage de su casa.
No es de sorprender entonces que Shane, haya seguido los pasos de Seymore, ya que estuvieron formalmente comprometidos por un buen tiempo y fue de la mano del Señor Butts, que la señorita de quién hoy nos ocupamos, descubrió el maravilloso universo de las tres equis en versión “reality”.
“Cuando estaba haciendo películas con Seymore,” nos cuenta la californiana, “me llegaban muchas cartas de fans que me decían que les gustaba mi manera de ser tan espontánea. Porque era yo misma frente a las cámaras. Entonces se me ocurrió filmar una escena donde cada uno sea simplemente uno mismo y hacer cosas divertidas, alejarnos un poco de la vorágine de Los Angeles y simplemente salir de joda, divertirnos...”
Así fue como surgió el revolucionario concepto de Shane’s World: porno sin guión donde las chicas llevan la batuta y la única regla es pasarla bien y divertirse. El mundo de Shane fue una bocanada de aire fresco para una industria porno predominantemente machista donde el papel de las mujeres era siempre el de sometidas. Hasta 1996, cuando salió el primer volumen de la serie, prácticamente no había porno que mostrase a las chicas divirtiéndose a su manera y realmente disfrutando de lo que están haciendo. Shane juntaba un grupo de actrices porno de segunda línea y las llevaba a escenarios no convencionales para el género, la playa, el desierto, la nieve, un boliche... persiguiéndolas todo el tiempo con una cámara para capturar sus reacciones y en especial sus interacciones con extraños agenos al porno: hombres comunes y corrientes que sólo pasaban por ahí y, de rebote, se acabaron llevando una mamada de una pornstar.
La idea no era en un ciento por ciento original, admite Shane, “eso en realidad lo intrudujo John Stagliano, Buttman. Yo cómo que trato de robar ideas de Mtv, pero no les cuentes a ellos... (risas)”. Y es cierto, el mundo de Shane se parece más a The Real World de Mtv que a las series del padre del gonzo, John Stagliano: "Ahora todos hablan de gonzo pero para mi no es gonzo, es reality... ¿Qué es gonzo? ¡Ni idea!”
- ¿Creés que el concepto de Shane’s World sirvió para alentar a las mujeres a liberarse y ver al porno de otra manera?
- Sí, como porductora y directora de mi propia línea creo que inspiré a muchas otras chicas. Hoy, todas lo están haciendo, pero en ese entonces no era tan común. Y también creo que es una clase de porno más amigable para la audiencia femenina porque las actrices básicamente hacen lo que quieren y la pasan bien a su manera.

La Conexión Argentina
Al momento de empezar la entrevista, Shane nos pregunta para que medio es y ante nuestra respuesta, reacciona sorprendida: “¿Argentina? ¡Mi marido es argentino!” A sus treinta y cinco años, Shane está formalmente retirada del porno como actriz y enfocada en su labor de esposa y madre de dos hijos.
Después de casarse vendió la licencia de su innovadora serie a la compañía New Sensations y se retiró por un par de años para dedicarse a su nueva familia. La línea de Shane’s World, en nuevas manos, se convirtió en un éxito arrasador, especialmente después del lanzamiento de College Invasion, la memorable sub-serie donde las actrices porno invaden fiestas de las fraternidades universitarias y acaban teniendo sexo con estudiantes alcoholizados. Shane ya no controla el mundo de Shane y ese mundo ahora incluye también una línea de juguetes sexuales que llevan su nombre. Quizás por eso, viendo el éxito que Shane’s World había conseguido tras su partida, el año pasado se animó a regresar al mundo del entretenimiento para adultos y lanzó una nueva serie: Shane’s TV.
En su primero y hasta ahora único volumen, Shane’s TV sigue mayormente el concepto impuesto por su antecesor aunque se enfoca más en el girl-on-girl. Para esta película Shane convocó a una decena de actrices a jugar en el fondo de una casa con pileta durante una tarde de verano, mientras la anfitriona se mantiene lejos de cualquier contacto sexual en su papel de maestra de ceremonias. Sólo se ve un hombre en toda la película: Shane se queja ante la cámara que desde que está casada no puede andar mamándole la verga a extraños, como solía hacer en sus viejas producciones, así que la manda a su amiga Holly a que levante un surfer de las playas de Malibu y le haga el favor en su nombre. Según nos confesó Shane, el suertudo, a quién no se le ve la cara en toda la escena, no era nada menos que su esposo argentino de quién dice “no es actor porno pero está muy bien dotado”. Después comenta: “Es un músico, por eso no pudimos mostrar su cara... es el baterista de Orgy (grupo industrial que se hizo famoso a mediado de los 90’s con un cover de New Order)”
- ¿Cómo lo conociste?
- En una cita a ciegas... sí, una cita a ciegas, qué vergüenza, ¿no?
- ¿Tu mirado mira las pornos que hiciste en el pasado con otros hombres?
- Solía molestarle. No le gustaba. Ahora que estuvimos casados por un buen rato ya no creo que le importe. Además lo puse a editar mis videos viejos para subirlos a mi nuevo website (shane.tv) y no le molesta, es más, le calienta, ¡está caliente todo el tiempo!
- ¿Ya te llevó a Argentina?
- No, todavía no, pero quiero ir. Ya voy a ir pronto.
- ¿Qué opinás de la nueva serie de Shane’s World despues de tu partida?
- No he visto ni una, así que no te podría decir. El porno te corrompe el cerebro, yo no miro porno, sólo lo hago... (risas)
- ¿Qué es lo que más extrañás de Shane’s World?
- ¡Extraño tener sexo con otras personas que no sean mi esposo! (risas) ¡Se lo recuerdo todo el tiempo! ¿Qué quiero para mi cumpleaños? ¡Una pija! ¡Otra pija! ¡Una de verdad, conectada a un hombre de verdad!
- Contanos una de las anécdotas más locas que te hayan sucedido mientras filmaban Shane’s World.
- En el volumen uno, se nos quedó la casa rodante en el medio del desierto de Mojave, no teníamos duchas así que teníamos que ir por camino de tierra hasta unas duchas públicas y creeme, las pornstars no están felices cuando eso sucede. Todos estaban ahí por tres días, comiéndose mi comida. Pensamos que habíamos encontrado un cuerpo muerto en los arbustos y lo movimos y se despertó de golpe y resultó ser un inmigrante ilegal que había cruzado la frontera de México a pie y se había deshidratado.
- ¿Y le diste una mamada de bienvenida a los Estados Unidos?
- No, de la nada salió el camión de migraciones y se lo llevaron, no sé cómo ni de donde salieron.

PESCOZADA, EL DESPERTAR DEL RAP SALVADOREÑO

2005-12-16T11:58:00.000-08:00

By Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2005)

El rap en castellano ha dado ya ricos frutos a lo largo de casi toda Latinoamérica. Pero cada país que se fue sumando al mapamundi del hip hop, lo hizo a su modo y a su debido tiempo. Chile, Cuba, México, Brasil... cuentan desde hace años con sus escenas maduras y estables, poseedoras de una identidad nacional propia. Ahora, se agrega un país más a la lista: El Salvador acaba de dar a luz su primer disco de rap local con calidad de exportación, se trata de El Teatro Plebeyo, del dúo original de Chalatenango conocido como Pescozada.
Débil Estar y Fat Lui, los dos miembros del grupo (que supo ser un trío en sus orígenes), no son debutantes en este campo. Llevan ya tres discos en su haber (uno bajo el nombre de Dialectos Nativos, un proyecto paralelo bilingüe con la participación de Joaquín Santos, MC hijo de salvadoreños nacido y criado en California), pero es con El Treatro Plebeyo que planean hacer su desembarco oficial a nivel internacional empezando por los Estados Unidos, donde la comunidad de inmigrantes salvadoreños está mucho más familiarizada con la cultura hip hop que sus compatriotas en su tierra natal.
Fat Lui: Hablar de Pescozada en El Salvador, es hablar de ícono principal de hip hop.
Débil Estar: El hip hop en El Salvador, como poryecto serio, no existía antes de Pescozada. Modestia aparte, me atrevería a decir que somos los primeros en este país y en gran parte de Centroamérica. No hay cultura hip hop aquí. Hay algunos b-boys como mucho son unos 50, pero no hay una escena consolidada. Por eso es un desafío bastante grande para nosotros. Además está el fenómeno de las pandillas que vinieron importadas de Estados Unidos en los años 90’s, y trajeron consigo el gangsta rap y de ahí quedó la estigmatización del género que está socialmente mal visto. Así que debimos luchar contra eso y mostrarle a la gente que el hip hop es mucho más complejo y más grande que el gangsta rap.
FL: Hasta hace tres años nos seguían clasificando como pandilleros.
HHN: ¿Qué significa el nombre Pescozada?
FL: Pescozada surgió de una reunión familiar entre amigos. Queríamos darle un toque bien salvadoreño y expresar mucho en una sola palabra.
DE: En nuestro modismo, Pescozada significa un golpe contundente en la cara, un puño cerrado que te impacta. ¿Por qué Pescozada? Porque es algo que tiene que dolerte y quedarte marcado, que no se te olvide. La lírica y la música de Pescozada pegan fuerte.
Las letras de Pescozada no se diferencian demasiado del común de los grupos de rap en español existentes, aunque no abundan demasiado en competición ni los juegos de palabras y sí se enfocan un poco más en la denuncia social y lo festivo (mujeres, alcohol, etc). Fat Lui tiene un marcado estilo old school, con una personalidad fuerte y una voz impactante que se luce más a gusto, sin embargo, cuando se animan a jugar sobre un ritmo de reggaetón, pero en general su labor principal está en dar apoyo logístico a Débil Estar, el verdadero talento detrás de las rimas y el versátil maestro del flow.
FL: Tratamos de darle a la gente experiencias del diario vivir, de la vida urbana.
DE: Por mi parte yo veo al grupo como un rescate de identidad, porque nosotros los centroamericanos no tenemos un hip hop que nos represente, tenemos otros géneros músicales. Así que nosotros estamos luchando por levantar dos culturas, la cultura hip hop y la cultura centroamericana. Son dos retos bien grandes. Nosotros estamos tratando de construir de la nada una escena hip hop con identidad salvadoreña y centroamericana.
Pero lo que llama más la atención de Pescozada no es la parte vocal sino la producción musical. Omnionn es un productor salvadoreño radicado en la Bahía de San Francisco (trabajó en el pasado con Hieroglyphics y comparte estudio actualmente con Zion I) que descubrió el talento en bruto de Pescozada en sus comienzos y se ofreció a darles una mano con la producción, grabación y edición de su material. Los resultados en cuanto a la calidad de la mezcla y el nivel de detallismo en los beats ponen a Pescozada en clara ventaja frente a la gran mayoría de los grupos de rap latinoamericanos que en general no cuentan con las herramientas para alcanzar esa calidad de sonido.
En El Teatro Plebeyo Omnionn produce la mayoría de los beats y superviza la mezcla pero también colaboran otros productores como el boliviano Andino (que había participado en el disco debut del argentino Mustafá) y Sean T (nombre reconocido en el underground de Oakland), entre otros.
También hay varias colaboraciones de diferentes MC’s en este disco. Algunos de origen salvadoreño como Joaquín Santos, Rob West (gangsta rapper del sur de California) y los Reyes del Bajo Mundo (grupo de salvadoreños radicados en New York que encabezan el movimiento de “rap en español” en los Estados Unidos). También aportan su talento los argentinos Frost (del Sindicato Argentino del Hip Hop) y Apolo 11 y desde España mandan sus versos Mic’ky y El As para el tema que da título al disco.
DE: Yo respeto mucho el movimiento español. Nos encantaría poder ir de gira allí y tocar con SFDK y Violadores. Yo creo que la cultura hip hop se ha adaptado de una manera bien característica a la cultura española y eso es lo que nosotros buscamos con nuestro rap salvadoreño.
HHN: ¿Cómo ven desde su lugar el nacimiento de una escena hip hop en El Salvador?
FL: Nosotros le apostamos a un cien por ciento a que eso se va a dar.
DE: Yo creo que la escena se va a formar, quizás no mañana, pero ya tenemos señales, como el website elsalvadorrap.com, gente dentro del Salvador que está haciendo hip hop como Real Academia, Los Caballeros del Tiempo, y otros artistas que nosotros hemos tratado de promover.
HHN: ¿Y qué es lo que caracteriza al rap salvadoreño del resto del rap latino?
FL: El salvadoreño se caracteriza por ser guerrero.
DE: Yo creo que el hip hop centroamericano tiene que ser combativo. Aunque a nuestra gente le gusta divertirse mucho, también tiene características combativas, rebeldes. Nosotros nacimos en el departamento más guerrillero del país, donde la guerrilla entró a la ciudad como Juan por su casa. Y nosotros nos criamos durante la guerra, en especial Fat Lui. Eso nos ha influenciado a nosotros y a toda la sociedad. Salvador es uno de los países más violentos y más armados de Latinoamérica. No podemos hablar de que esto se haya terminado de la noche a la mañana con la firma de un papel.
HHN: ¿Cómo ven al rap salvadoreño a nivel de exportación para el resto de Latinoamerica y España?
FL: Es muy difícil entrar a esos mercados donde la gente está solamente esperando lo que viene de Estados Unidos.
DE: Yo creo que a la vez también tenemos la facilidad de que es algo novedoso, de que nadie escuchó rap salvadoreño antes y los que son fanáticos del hip hop, como yo, siempre estamos abiertos a escuchar cosas de otros países. Yo soy muy abierto y escucho lo mismo un disco de rap francés o chileno. Así que en ese nivel lo veo fácil.

Zion I y el futuro del hip hop

2005-10-21T13:26:00.000-07:00

Por Juan Data (Publicado Originalmente en Hip Hop Nation, España, 2005)

Zion I surgió de la fértil escena de la Bahía de San Francisco cuando ésta se encontraba a punto de ebullición. Hacia finales de los 90’s con la fiebre del hip hop underground en expansión, todo parecía indicar que la Bahía se perfilaba como una fuente inagotable de hip hop progresivo: Hieroglyphics, Quannum Projects, Rasco y Planet Asia, Bahamadia, Automator... marcaban la pauta del hip hop más aventurado artísitcamente. Sin embargo, cinco años después –y con la excepción de Automator gracias a su proyecto Gorillaz- todavía falta que un artista del área de la bahía pegue el gran salto y lleve su éxito de costa a costa de los Estados Unidos.
MC Zion nació hace 32 años en Filadelfia y en palabras suyas “viví por todos lados en los Estados Unidos pero defino al área de la Bahía como mi hogar porque es donde viví más tiempo”. Asistió a la universidad en Atlanta, Georgia y allí fue donde conoció a Amp Live, original de San Antonio, Texas, culpable de los beats del dúo. Los dos empezaron a tocar en el cirtuito universitario y después pasaron a los escenarios locales pero no fue sino hasta que se mudaron a Oakland a finales de la década pasada que se ganaron su merecido reconocimiento en el submundo del hip hop underground.
Su primer single, que incluía las canciones “Rap degreez” y “Inner light” los colocó instantaneamente en el ojo del huracán que se gestaba en ese entonces en esa zona. Los beats infectados de drum & bass y sonidos etéreos y electrónicos hacían que su música sonase a experimental y futurista. La siempre progresiva San Francisco los recibió con los brazos abiertos. En el año 2000 editaron su primer trabajo de estudio, Mind Over Matter que continuaba en aquella línea de exploración hacia el futuro del hip hop por los caminos de la electrónica y no les fue nada mal. Dos años más tarde sacaron su segundo álbum Deep Water Slang 2.0 que desgraciadamente pasó casi inadvertido por el mundo del hip hop, debido a una mediocre campaña de promoción, pero al menos dejó un tema con pasta de himno underground inmortal “Tha Drill”.
Para su tercer disco entonces optaron por el camino de la independencia y cómo tantos otros artistas de su zona que percibieron la pérdida de interés de las disqueras multinacionales por el hip hop generado en en Norte de California (tierra de donde en el pasado han salido artistas exitosos y tan disímiles como Too $Hort, 2Pac y MC Hammer) y fundaron su propio sello: Live Up.

- True & Living es el título del nuevo álbum y lo primero que me llama la atención al escucharlo es la ausencia notoria de ese elemento de experimentación electrónica que abundaba en los beats de sus primeros días y un cambio hacia un sonido de hip hop si se quiere más clásico o convencional. ¿A qué se debe esto?
Amp Live: Yo creo que con Zion I en cada álbum intentamos hacer algo diferente, entonces, ya sabes, en éste quicimos hacer algo más clásico. Pero a mí todavía me mola el drum & bass, acabo de terminar un CD mío que va todo en esa línea (Electrowonderland Vol. 1), pero en términos del grupo creo que avanzamos hacia otra clase de sonido. Además, la escena del drum & bass medio como se que murió. Cuando salimos parecía que estaba en un momento a punto de explotar pero luego se pasó. Todavía sigue teniendo sus fans y todavía hay algunos fans que esperan ese sonido de Zion I, pero en una escala mayor creo que ya pasó.

Para este disco se consiguieron unas cuantas colaboraciones con artistas de primera línea. ¿Cómo surgieron y cómo fue trabajar con ellos?
Zion: A Talib Kweli habíamos intentado invitarlo para nuestro disco anterior pero no funcionó. Su manager era nuestro manager en cuando todavía estábamos en Atlanta así que de ahí surgió la conexión. Así que bueno, para este disco, lo arreglamos con mucho tiempo de anticipación para que sucediese. Con Gift Of Gab fue más fácil porque Blackalicious trabajan en el estudio de aquí al lado así que los vemos todo el tiempo. Para lo de Aesop Rock nos fuimos a New York el verano pasado y nos estábamos quedando en casa de un amigo en común así que nos cruzamos varias veces. Y con Del (The Funky Homosapien) estuvimos de tour por un tiempo juntos a lo largo de toda California. Así que con excepción de Talib, la mayoría salieron espontánemente de gente con la que nos frecuentamos. Pero no grabamos en el mismo estudio con ninguno de ellos. Yo escribí mi verso, grabé mi voz y se los mandé para que ellos hicieran lo suyo. Cada uno tiene sus horarios imposibles entre grabaciones y tours así que es muy difícil combinar para estar en el mismo estudio.

Acaban de regresar de una gira por Japón y sé que anduvieron también por Europa y Brasil. ¿Comparten con otros artistas independientes de aquí la sensación de que el hip hop underground es más aceptado fuera que dentro de los Estados Unidos?
Z: No lo sé, no creo, yo siento que somos muy bien recibidos por el público de aquí. En ciertos lugares hay mucho aprecio para Zion I en otros... no tanto. Pero creo que en general, en Europa están más abiertos a escuchar nuevas propuestas. Aquí la gente viene a verte en posición de “a ver qué tienes para ofrecernos de diferente, ya he visto de todo” es como que están esperando que les pruebes algo. Hay más competencia y tantos artistas y tantos años de hip hop... es como que es imposible salir con algo nuevo. Ya está todo visto. En Europa, en cambio, todavía está esa inocencia refrescante de lo novedoso.

¿Qué tan difícil es hacer algo innovador en el hip hop de nuestros días?
AL: Es bastante difícil porque mucho ya está hecho. Creo que ahora para nosotros se trata más bien de refinar la calidad. Todo está hecho ya. Puedes hacer algo que sea un poquito distinto, pero hoy por hoy el hip hop creo que está en un momento cíclico de estancamiento, donde todo ya está hecho.
Z: Yo creo que aún cuando salgas con algo totalmente nuevo, es igualmente difícil porque no siento que la gente ahora esté dispuesta a escuchar algo que rompa todos los esquemas. Debería ser algo muy excepcional, excelente. Los medios de comunicación como que alimentan a la gente siempre con lo mismo y el público entonces está acostumbrados a esa fórmula. Incluso a nivel underground hay fórmulas que son difíciles de romper. Así que sí, yo creo que es muy difícil salir con algo nuevo, pero no creo que sea totalmente imposible.

En su nuevo disco tienen una canción dedicada a la escena de la Bahía de San Francisco. Ustedes, a pesar de no ser originales de aquí dicen representar a esta escena. Mi pregunta es ¿en cuánto les ha influído la Bahía a la hora de formar lo que Zion I es hoy?
Z: No nos ha influenciado en la formación del grupo, porque Zion I nació en Atlanta en un momento histórico completamente diferente. Pero creo que como grupo independiente, como sello, como show en directo... la Bahía nos ha dado mucho. Además, la comunidad de aquí nos ha recibido muy bien y apoya mucho nuestra música. Entonces, creo que básicamente nos dio un lugar donde plantar nuestras semillas, que traíamos desde Atlanta, pero recién ahora están dando frutos, aquí es donde han echado raíces. Ahora en cuanto a estilos... no creo que nos haya influenciado tanto, creo que mantenemos nuestro estilo desde las épocas en que hacíamos música en la universidad de Atlanta. Hemos evolucionado, claro, pero no creo que mi estilo se haya adaptado a la Bahía.

¿Viajando por los Estados Unidos, han notado alguna diferencia entre la escena de aquí con otras escenas?
Z: Hasta cierto punto sí, porque aquí todavía puedes ser independiente y vivir de tu música y en muchas otras ciudades a las que vamos, vemos a muchos artistas locales que no pueden vivir de lo que hacen. Aquí somos varios los que hemos logrado ese nivel de independencia con éxito, los de Quannum (Blackalicious, Lyrics Born, DJ Shadow), Living Legends, Hieroglyphics... En otros lugares parece que no es tan sencillo como aquí. Tenemos la suerte de estar aquí y ser aceptados como parte de esta escena.

Volviendo al disco nuevo, el primer corte de difusión es “Bird’s Eye View” una canción de amor dedicada no a una mujer sino a la cultura hip hop, un tema bastante recurrente en sus obras. ¿Qué es lo que les hace sentirse tan a gusto con esta cultura?
Z: Yo creo que somos hip hop real. Yo creo que el hip hop real es arte, es necesidad y también provocación y yo creo que todo eso está en Zion I. Lo que más me identifica de esta cultura es la necesidad de siempre ser originales, únicos. No creo que el hip hop se defina real en base a cierto estilo de ritmos o de maneras de rapear. Creo que va más bien por la intención y el espíritu que tu le pones a la música. Hablamos mucho sobre la cultura porque la amo, me fascina y nos ha ayudado mucho. A veces los medios nos llevan a pensar que la cultura hip hop es algo que no es, cadenas de oro, autos... no creo que tenga que ver nada con eso. Lo que succede es que la cultura fue absorvida por el negocio de la sociedad capitalista, pero la realidad es que los chicos lo hacen por amor, porque prefieren estar bailando break o pintando una pared en vez de ir a robar o matar a alguien.

¿Crees que el hablar mucho de hip hop en tus letras pueda limitar tus oyentes a un selecto grupo de fans ortodoxos del genero ya que el público más masivo no se identifica con esa manera de ver la cultura?
Z: No. Yo creo que cualquier persona que ame la música va a sentir ese amor por la cultura del que hablo. Además no sólo hablamos de hip hop en las letras, lo que hacemos es mucho más abarcativo en cuanto a contenidos. El hip hop es sólo un aspecto y está ahí porque eso es lo que somos y eso es lo que hacemos. Pero en general nuestras canciones son sobre emociones humanas con las que cualquiera puede identificarse, no sólo los b-boys. Muchas mujeres que no son necesariamente DJ’s, ni graffiteras, ni b-girls también aprecian nuestra música.

Otro tema presente es el contenido político de sus letras. ¿Cómo llevan lo del compromiso a causas políticas fuera de la música, en la vida cotidiana?
Z: ¿Sabes? Solía considerarme totalmente apolítico, pero no creo que eso tampoco esté bien. A mi sólo me importa la gente, las minorías explotadas, negros, latinos, de aquí y del resto del mundo también. No defiendo los ideales de ningún partido, no me defino demócrata, ni republicano, pero sí sé que no me gusta George Bush. No formo parte de ningún grupo de militancia o activismo político. Pero cada vez que nos invitan a un show a beneficio de una causa justa lo hacemos porque es nuestra manera de ayudar.

Explícame el sentido de la letra de “Stranger in my home”, la canción que haces con Gift of Gab de Blackalicious.
Z: “Stranger in my home” es sobre... bueno la idea básica es... yo sé que a Gift of Gab también le toca el tema personalmente y es por eso que lo invité para esta canción. Habíamos hablado de este tema con él antes, así que pensé que era la persona ideal para la canción. Básicamente se trata de cómo cambió el público del hip hop. Cuando yo era chico a comienzos y mediados de los 80’s, escuchar esta música era cosa de negros y latinos únicamente. Si había algún chico blanco era porque el tío venía del ghetto y estaba afiliado a la vida de pandillas, vivía como negros. Así era el hip hop en donde yo crecí, en la escuela, en la universidad... era sólo cosa de gente de color. A mediado de los 90’s empezó a cambiar, cada vez había más y más chicos blancos de los suburbios acercándose al hip hop. Hoy en día cuando tocamos en directo lo hacemos para una gran mayoría de blancos. Yo diría que entre el sesenta y el setenta por ciento de la gente que nos viene a ver es blanca. Así que la canción de lo que trata es de ese fenómeno que nos deja como ¡wow! ¡Es todo tan diferente!

¿Crees que ese fenómeno sea necesariamente negativo?
Z: No, no digo que esté mal. Sólo que me llama mucho la atención. Lo que yo veo mal, por ejemplo, es cuando Eminem explotó a nivel masivo y de repente todas las compañías discográficas estaban desesperadas buscando al nuevo raper blanco. A nadie le importaba más lo que hacían los negros. Antes ser negro y rapero era cool, ahora es un cliché. Ser un rapero negro es como cualquier cosa, ya está visto, cualquiera puede hacerlo. Pero si eres blanco y sabes rapear bien, eso es lo que está caliente ahora. Eso es lo que la gente está esperando. Así que la canción no hace más que mostrar cómo han cambiado las cosas en ese sentido. Ayer lo que hacíamos era cool, ahora ya no lo es más. Es como sucedió con el rock n’ roll, una vez que triunfó Elvis las compañías dejaron de buscar a músicos de rock negros. Los negros pasaron a ser obsoletos en el rock después de un tiempo. Eso es lo que nos preocupa. Siempre hubo blancos comprando los discos de rap, pero antes no se veía este fenómeno tan de frente, quizás lo escuchaban a escondidas, ahora está más aceptado a nivel masivo y también en el underground, si te fijas los artistas independientes que más discos están vendiendo son Atmosphere, Aesop Rock, El-P... No es nuestra intención alienar a nuestro público, amamos a nuestro público, así que este es un tema que debemos tratar con delicadeza. Es algo que simplemente quería llamar a la atención, sin criticar, ni hacer enojar a nadie.

Blood Of Abraham: La tardía segunda aparición de los profetas

2005-10-21T13:23:00.000-07:00

Por Juan Data (Publicado originalmente en Hip Hop Nation, España, 2005)

Más de diez años pasaron desde la primera aparición de Benyad y Mazik en el panorama del hip hop estadounidense y mucho ha cambiado desde entonces. Future Profists había sido su primero y hasta ahora único disco, lanzado en 1993, para sorpresa de muchos, por nada menos que Ruthless Records, emblema del gangsta rap de la época con Eazy E a la cabeza. Y la sorpresa recaía en que se trataba de dos muchachos blancos, educados y suburbanos que para colmo se confesaban abiertamente judíos, algo que en el globalizado y étnicamente heterogeneo hip hop de hoy en día no asusta a nadie, pero en aquel entonces era toda una novedad.
Después de la muerte de Eazy E y la consiguiente disolución del sello, Blood of Abraham se perdió en el olvido, quedando sólo para los más memoriosos como un buen grupo que podría haber sido mucho más grande si las condiciones hubiesen sido otras.
Benyad, sin embargo, no se alejó por completo del hip hop y desarrolló una interesante carrera como director de videos (entre otros dirigió a Nas y Gangstarr) y en el 2000 se volvió a reunir con su compañero Mazik para un intento fallido de resucitar a Abraham. De aquel intento quedó un disco trunco que recién vio la luz en el 2005, se trata de Eyedollartree (juego de palabras entre “idolatría” y “ojo-dólar-árbol”) publicado por Basement Records y para muchos fans nuevos del hip hop pasará desapercibido, lo cual es una pena porque se trata de un excelente trabajo lleno de originalidad y estilo, cargado de letras inteligentes y con una producción musical memorable. De todo eso y más conversamos con Benyad.

- ¿Cuál es la historia detrás del retraso en la salida de Eyedollartree?
- Lo en el año 2000 y estábamos con esta compañía llamada Atomic Pop, pero poco antes de que el álbum se publicase, nos cambiaron varias condiciones del contrato y nosotros dijimos que o lo hacíamos como estaba acordado o nos íbamos y nos llevábamos nuestro disco para lanzarlo por otra discográfica. Entonces nos dejaron ir y poco tiempo después la compañía quebró y desapareció, así que nos salimos justo a tiempo. Nosotros nos quedamos con los masters y en la búsqueda de alguien que quiciese publicarlo hasta que encontramos a la gente de Basement Records que estaban interesados. Pero en el medio pasaron cinco años, porque estábamos trabajando en otras cosas y ocupados con nuestros proyectos personales. Yo estaba dirigiendo videos y haciendo comerciales para televisión y juntos hacemos música para comerciales también. El tiempo pasó y el álbum seguía ahí durmiendo, pero todavía era un gran disco y era una pena que no saliese. Fue más que nada por amor a la música que decidimos sacarlo, por todo el trabajo que nos costó hacerlo en su momento y porque creemos que es un gran disco y la gente tiene que escucharlo. Definitivamente no fue por dinero que lo hicimos, ya que nuestra carrera trabajando para comerciales es mucho más lucrativa que el hip hop y no necesitábamos de esto.

- Vender un disco que tiene cinco años de viejo, en un movimiento efímero y pasajero como el hip hop, no debe ser cosa fácil. ¿Qué piensas al respecto?
- Creo que mucho ha cambiado en el hip hop hoy. En cuanto al sonido puede que algunos digan que suena un poco pasado de moda en algún que otro tema, pero creo que en general la producción que hicimos es bastante perenne porque no se ata a ningún estilo del momento, sino que va más bien hacia lo clásico. Las letras tampoco perdieron actualidad porque no hablamos de cosas del momento, ni usamos palabras de slang que estaban de moda ese verano y hablamos de asuntos que siguen siendo actuales.

- ¿Se plantearon esto como un regreso formal del grupo o simplemente querían lanzar el disco y basta?
- La idea era sólo sacar el disco y después veremos lo que suceda. Hace tres años que no tocamos en directo y ahora que sale el disco tenemos planeadas algunas presentaciones. En un mes vamos a tocar con De La Soul y Common. La idea básicamente fue: saquemos el disco y si vemos que hay demanda del público, volvemos a tocar. No es que estemos apostando todo a eso porque tenemos muchas otras cosas que nos mantienen ocupados en nuestras vidas. Con un sólo comercial que haga para la televisión gano más dinero que estando de gira con el grupo por cuatro meses.

- ¿Crees que en el hip hop contemporáneo hay lugar para grupos de hace más de diez años para regresar y captar la atención del público?
- No creo que vayamos a tener ninguna clase de éxito a nivel masivo. El público que nos sigue a nosotros es más bien underground, de culto. En realidad es más la gente que nos conoce de nombre que los que realmente escucharon o se acuerdan de nuestra música. Yo creo que nuestro disco musicalmente es mucho mejor que el 99% del rap que está a la venta hoy en día. Todo el tiempo y el trabajo que le dedicamos a la producción... nadie está grabando canciones así ahora, con semejante nivel de detalles en la producción. Entonces, yo no planeo competir con 50 Cents, simplemente darle la oportunidad a gente que nos conoce o tiene curiosidad, de escuchar un buen disco de rap y después veremos qué pasa. Es más bien como un experimento.

- Con respecto a la producción, es algo que me llamó mucho la atención al escuchar el disco, ¿cómo trabajaron y con quienes?
- En general la mayoría de los temas los armamos entre nostros y Will.I.Am de los Black Eyed Peas. Con él ya tenemos una relación de larga data. Antes de ser quienes son hoy, Black Eyed Peas grabó sus primeros dos álbumes en el estudio de mi casa. Así que la cooperación ha sido mutua entre los dos grupos. Empezamos con un MPC 3000 y después lo pasamos a Protools, combinando muchos samples extraños y a eso le agregamos músicos sesionistas en vivo tocando sobre las secuencias programadas, así que el sonido es muy particular, nunca suena como un loop repetido al infinito.

- Además de Will.I.Am también aparece Kool Keith en el álbum. ¿Cómo surgió esa colaboración?
- Siempre fuimos admiradores de él y de casualidad nos lo encontramos un día en una tienda de discos de Hollywood y nos pusimos a hablar y cuando saliamos de la disquería lo vimos en la calle tratando de parar un taxi y le dijimos: “hey, esto es Los Angeles, nadie toma taxis aquí” así que le ofrecimos llevarlo a su hotel en nuestro coche y desde ahí quedamos amigos. En el camino le hicimos escuchar algunas canciones y le gustaron, así que de ahí salió la invitación a participar en el disco.

- Volviendo atrás en la historia de Blood of Abraham, a ustedes les tocó vivir la época de oro del gangsta rap de la mano de Eazy E. Me imagino que deben guardar muchos recuerdos de esa época.
- Oh sí, tenemos muchísimas anécdotas increíbles de esa época. Eazy E era un gran tipo, muy buena onda y gracias a él estuvimos expuestos a cosas que de otra manera jamás hubiesemos experimentado. Fuimos a muchas fiestas con él, tocamos en muchos conciertos con él, imagínate, nosotros dos chicos judios rodeados de todos estos gangsta rappers cuando el gangsta rap estaba en su apogeo. Eazy E siempre se mantuvo muy cercano a nosotros y nos entendía y le gustaba nuestra actitud así que fue una tragedia enorme para nosotros cuando murió de la manera que murió. En muchos shows nos tocó abrir para él y era loquísimo, nosotros dos en el escenario y éramos los únicos dos blancos en todo el lugar... Un par de veces llegamos a una sala de conciertos en un lugar como Texas y donde Eazy E tocaba, atraía a toda la juventud marginal de la zona entonces se formaba un público bastante difícil y un par de veces escuchamos disparos afuera del concierto...

- ¿Es cierto que Mazik vivía en la casa de Eazy E en ese entonces?
- Sí, es totalmente cierto, Eazy tenía creo que dos o tres casas, una de ellas en Calabazas (localidad californiana en los suburbios de Los Angeles) cercana a la casa de Dre, en un barrio cerrado y Mazik en esta época estaba casi recién llegado de Las Vegas y Eazy le ofreció que se quedase ahí, porque prácticamente no usaba esa casa para nada, a veces aparecía los fines de semana para usar la piscina. Así que nos la pasábamos de fiesta en esa casa enorme. Creo que Mazik vivió ahí por casi tres años.

- ¿Cómo ves el hip hop ahora a compración de lo que era en aquella epoca?
- Bueno, para empezar el hip hop ahora es gigante, es mucho más grande de lo que nunca fue. Y en una escala global es la música mayoritaria de la juventud. Ahora en cuanto a la calidad musical, creo que en general lo que se hace ahora no es mejor que lo de antes, es peor incluso. Pero desde un punto de vista comercial es mucho más grande, hay muchos más intereses corporativos en juego. Ya era un fenómeno grande en aquel entonces, estaba empezando a notarse, pero ni nos imaginábamos las dimensiones que iba a alcanzar hoy en día. Hoy por hoy es la cultura juvenil dominante a nivel mundial, yo he viajado por todos lados, Brasil, Cuba, Africa, Francia... todos los países tienen su hip hop ahora.

- A eso justamente iba mi siguiente pregunta, ya que nuestra revista se lee en España y Latinoamérica, ¿Has tenido alguna clase de contacto con el rap latino?
- No creo haber escuchado nada de España, pero definitivamente he eschucado y visto bastante en Latinoamérica. Principalmente en Brasil. Estuve allí varias veces trabajando en videos y cada vez que voy me vuelvo con gran cantidad de música increíble. Ese funk de las favelas, como lo llaman en Río, creo que es lo que se va a venir, todos los DJ’s de aquí están cada vez más interesados en lo que está saliendo de Brasil.

- Cuando salieron con su primer disco captaron mucha atención del mercado por ser blancos y en especial judíos. Ahora el panorama es otro y eso ya no asusta a nadie.
- Sí, creo que en cierto sentido estábamos un poco adelantados a nuestra época. Definitivamente creo que es algo mucho más común hoy en día. Cuando nosotros salimos los únicos otros artistas blancos que había en el hip hop eran los Beastie Boys, 3rd Base, Everlast y listo, y bueno Vanilla Ice y toda esa mierda... En ese entonces era todo un tema ser blancos en el hip hop y nos perjudicó más de lo que nos ayudó. Ahora ya no hacen tanto drama, sobre todo después de Eminem, está lleno de raperos blancos, especialmente en el underground, El-P, Aesop Rock, son muchísimos y así es como siempre debió ser.

- Siendo que se definen judíos desde su nombre, me llama la atención que no hayan abordado en ninguna canción el tema del conflicto Israel-Palestina.
- No, nunca me interesó incluir esos temas en nuestra música. No me interesa la religión desde un punto de vista político, sino meramente por el lado espirtitual. Nuestra filosofía desde el punto de vista espiritual es más bien como budista. Yo viajé por todos lados, nací en Israel, me crié en Nigeria y si hay algo que aprendí es que la gente es igual en todos lados más allá de las religiones y que las religiones en vez de unificar, dividen a la gente, así que estamos en contra de las religiones organizadas.

GETTING KINKY WITH IT

2005-10-21T13:21:00.000-07:00

By Juan Data (Publicado originalmente en la revista Fuego, USA 2005. Nota: la versión publicada incluye sólo siete de los diez puntos)

If there should be such a thing as a manual on how to be a successful Latin band in the Anglo-speaking world, it should be authored by this young Mexican band called Kinky.

1. Form a band with college-educated world-traveled Mexican musicians. “I studied music in Boston,” recalls Ulises Lozano, and that’s actually where he first met with Carlos Chaírez. Keyboard and guitar players respectively, they became the foundation for what would end up being Kinky. “Back in Monterrey, I went to business school,” adds Ulises, who stills wears his businessmen attire on stage as his trademark. “I bought so many suits, and then I had to quit my job to go on tour... so I found a better use for them”.

2. Win a new talents contest in the US, and consequently land a recording deal with a British record label (Sonic 360). OK, this one might not be a very easy task, especially if you are competing at the Latin American Music Conference, in New York, with other bands from all over the continent, trying to break into the American market.

3. Release a groundbreaking self-titled debut. Before their first album came out, they were already getting airplay on many college radios across the country. But they conquered England first with their contagious live performances, so when they came back to the US, the international buzz was already launched.

4. Work with an acclaimed producer. Forget about Emilio Estefan, aim higher, get somebody like, let’s say, Chris Allison (The Beta Band, Coldplay) and it will ease you up the way into the CD players of the snob Anglo music critics.

5. Sound unique. Come out with a totally new style mixing rock, house music, Mexican folk, cumbia and Brazilian percussions with smart lyrics. Kinky are the living proof that you can sound Latin and make people dance without being cheesy.

6. Be metrosexual. When in front of a camera or a live audience, don’t forget to take good care of your looks. “We laugh about it, it’s cool, but we’ve been called metrosexual already and yeah, we are”. Have a hot Latin stud in tight pants and cowboy hat playing the bass. This, besides dragging lots of girls to your shows, will also guarantee some gay audience appeal. “César (the bass player), is a real cowboy guy, he always listen to folk music, he even likes to be in the rodeo. Look, he’s listening to rancheras right now!”

7. Do some remixes for world famous artist. “We try to choose just a few from all the remixes that artists ask us to do. We don’t like to do just a remix of a song. We like to give it another kind of approach to the song. Make a Kinky version of it.” Not just avant-guard Latin rockers like Gustavo Cerati and Babasónicos; Placebo just got remixed by Kinky, and also Carlos Santana in an amazing new version of “Oye como va” (original of Tito Puente).

8. Get played in the soundtrack for movies and TV shows. Alias, 2 Fast 2 Furious, Nip/Tuck, Kingpin, they all have something in common: some Kinky tune playing in the background. “Tony Scott, the director of Men On Fire wanted to include some of our music in his movie and he came out with the idea for “Oye como va”. It’s a great song and it just worked out perfectly for us”.

9. Keep your lyrics bilingual. Appeal to both audiences. “In the first album we already had many songs in English, the thing is that for the second we just developed them more, we incorporated more lyrics,” explains Ulises. “We play for whoever likes the music and in our shows you’ll see all type of people, Mexican, Americans, Asians...”

10. Throw the best live shows. Kinky and Atlas, their two records, sound pretty good, but you can’t go back to listening them on CD once you experienced them live. Kinky has the most energetic live performance in the Latin music universe. Period. “ We improvise a lot, we let things a little bit free. We really enjoy playing live. We have a lot of fun.”

Bonus track: Get the singer of the band to date a Mexican rock diva, like Ely Guerra, forming the most hip couple in the Spanish-speaking half of the planet.

RON JEREMY: CUESTION DE TAMAÑO

2005-10-21T13:19:00.000-07:00

Por Juan Data (Publicado originalmente en La Cosa, Buenos Aires, 2005)

“El tamaño importa no”, le dice Yoda a Luke en los pantanos de Dagobah. Ron Jeremy, en una galaxia más cercana, es la demostración encarnada de que el tamaño sí importa, de hecho, lleva más de tres décadas y mil setecientas películas acumulando fama y fortuna a costa de eso: su tamaño.

Medida por medida
No podés decir que no conocés a Ron Jeremy. Si sólo viste tres películas porno en tu vida, una con certeza lo incluía en su elenco y no se trata justamente de un tipo de rasgos fáciles de olvidar. Aún en el caso extremo en que no hayas visto ni una porno –ojo que mentir es tan pecado como pajearse- muy probablemente sepas de quién se trata este señor o al menos su cara te resulte familiar. Y es que Ron Jeremy, como ningún otro, trascendió del mundillo del porno para convertirse en todo un ícono de la cultura pop americana. Películas de Hollywood, videos de rock, entregas de premios, fiestas de la farándula, reality shows... Ron Jeremy, también conocido como “The Hedgehog”, se las ha ingeniado para infiltrarse en las altas esferas del show business y todo gracias a un único gran talento: cargar entre sus piernas con un miembro de veinticuatro centímetros y medio de largo en erección.
“John Holmes era el único que me ganaba,” cuenta Ron, recreando una imaginaria competencia de extensión fálica entre actores porno de la vieja guardia. Pero John Holmes se quemó solo, adicto a la cocaína, el poder y el dinero fácil, acabó metiéndose en problemas con la mafia que lo llevaron a prisión para, años más tarde morir de sida, sólo, pobre y olvidado. Ron es uno de los pocos, sino el único, de aquella generación que sobrevivió y sigue activo en el porno. Pasó del pretencioso cine para adultos en 16 milímietros de los 70’s, al video triple equis de los 80’s, sobrevivió en los 90’s la transición –internet mediante- del porno con guión al gonzo (subgénero dominante hoy en día) y en la primera década del dos mil, aunque se lo vea más vestido en las pantallas de MTV que en bolas en los DVD’s de la sección condicionada, sigue dirigiendo y “actuando” en varias producciones de la compañía Metro, con la que tiene contrato de semi-exclusividad (algo común en las actrices, no así en sus partenaires masculinos).
“¿Y Lexington Steele?” le preguntamos, haciendo referencia al famoso actor porno afroamericano de las once pulgadas. “Bueno,” se excusa, “de los de ahora él es el único que me gana... y con Rocco Siffredi estamos parejos, yo la tengo un poco más larga, él la tiene más gruesa”.
Hablar abiertamente del tamaño de su pene es un lugar común para este gordito judio original de New York. Basta con que uno toque el tema para que salga con sus respuestas preprogramadas que suenan más a rutinas de comediante que a contestaciones de entrevistado. Y es que últimamente, ante el declive en su nivel de empleo, ha recurrido también al curro de presentarse solo con un micrófono, frente a la clásica pared de ladrillos a la vista de los cafés norteamericanos, haciendo su mediocre show de “stand-up comedy”.
- En tus comienzos solías chupártela a vos mismo en varias películas, algunos envidiosos criticaron ese acto como de tendencia homosexual.
- Eddie Murphy hizo toda una rutina sobre eso. Decía que chupártela no es gay, a menos que acabes en tu cara, ahí sí que ya es gay. Igual que si te metés la pija en tu propio culo.

Sexópata profesional
A Ron le tocó encamarse a las más deseadas estrellas de la pornografía audiovisual. Desde su debut en 1978 con Vanessa del Río, hasta nuestros días, los lejendarios veinticuatro centímetros y medio de caño recortado han entrado y salido de las húmedas profundidades de más de “cuatro mil mujeres” (según sus cáculos más recientes). Enumera a Christy Canyon y Tabitha Stevens entre sus favoritas y a más de una le tocó hacerla debutar también.
- En una entrevista reciente, Ginger Lynn dice que tuvo su primera escena con vos y que entonces pensó “si puedo hacerlo con Ron Jeremy, puedo hacerlo con cualquiera”.
- No es justo que diga eso, si yo era flaco en esa época. Cuando trabajé con ella estaba en buena forma. Eso lo dijo después de que subí de peso.
- Fuiste uno de los que trabajó con Traci Lords, cuando todavía era menor de edad. ¿Qué recordás de aquella época?
- Era una chica hermosa. Ella ya estaba haciendo porno desde hacía un año y medio, más o menos, cuando me tocó trabajar con ella. No me tocó en sus comienzos. Otros tipos estuvieron con ella cuando era realmente muy chica. Cuando le tocó conmigo ya estaba por cumplir los 18.
- ¿Cuántos años tenías vos?
- Y... yo empecé a los 25, así que tendría unos 26 en ese entonces.
- Empezaste a los 25. ¿Con cuántas mujeres habías estado antes?
- Probablemente unas docientas, me iba bastante bien...
Eternamente soltero y sin apuros, pasados sus cincuenta años, Ron se asume adicto al sexo y no desperdicia oportunidad. Durante la entrevista se acercan chicas con edad suficiente para ser sus nietas y le piden autógrafos, él les firma las tetas y les anota la dirección del hotel donde está parando y el número de habitación: “¿Por qué no se dan una vuelta más tarde?”
- ¿Extrañás los comienzos de los 90’s cuando filmabas dos o tres películas por semana?
- No necesariamente, me gusta como ha evolucionado mi carrera hasta estos días. A medida que me fui poniendo más viejo y más gordo, me fui haciendo más y más famoso y me encanta estar frente a las cámaras.
- ¿Cómo alcanzaste ese estatus de ícono popular masivo?
- Videos de música, MTV, muchas bandas de rock me nombran en sus canciones, he hecho muchas cosas para los chicos, el público más joven, universitario... Esos son los que después crecen, pero a mí ya me conocen desde chicos, desde antes de empezar a ver porno.
- Hablando de público universitario, hiciste un video para la serie College Invasion de Shane’s World. ¿Cómo fue esa experiencia?
- Fue muy divertido. Los chicos son fabulosos. Tuve mucho sexo muy bueno fuera de cámaras con las estudiantes.
- ¿Se te acercaban las chicas a pedirte qeu les muestres tu herramienta de trabajo?
- Sí, así es como empieza la cosa usualmente. ¿Puedo verla? ¿Puedo tocarla? Y así es como sucede...

El legado del maestro
Por su apariencia física, uno diría que Ron Jeremy pertenece más a un oscuro y sucio bar de camioneros en la ruta, que al glamour de un set de filmación de Hollywood. Pero si algo ha demostrado este antihéroe del porno es que las apariencias engañan. Así como lo ven, antes de lanzarse en su carrera de sex-symbol (cuando su novia de aquel entonces mandó una foto suya en bolas a la revista Playgirl), Ron Jeremy, o quizás debamos decir David Elliot, era un maestro de escuela especial para chicos con problemas.
Pero su sueño fue siempre ser actor: “Me encanta actuar, siempre me gustó. Siempre disfruto estar frente a las cámaras”. Al poco tiempo de hacerse un nombre en el porno, Ron empezó a trabajar en papeles menores en películas aptas para todo público. Desde su debut en una cinta titulda C.O.D. en 1981, Ron no ha parado de colarse en varias producciones cinematográficas como Detroit Rock City, 54, The Wickeds y Spun. Además, su nombre aparece en los créditos de Nueve Semanas y Media y Juegos de Placer, no cómo actor sino como consultor. Y quizás una de sus intervenciones extra-porno más curiosas haya sido en Orgazmo, de Trey Parker pre-South Park, en 1997, donde también participan las actrices porno Juli Ashton y Chasey Lain.
Además de actuar, Ron Jeremy también incurrió con éxito en la dirección. En 1993, cuando todavía estaba fresco el escándalo de Lorena Bobbit, Ron contrató a su marido, John, para actuar en una porno y mostrarle al mundo que su miembro, amputado y vuelto a cocer, estaba en perfecto funcionamiento. John Bobbit Uncut fue el título de aquella producción que batió todos los records de ventas hasta entonces y abrió el camino para un nuevo subgénero: el “celebrity porn” que tanto rédito ha dado luego con Pamela Anderson y Paris Hilton.
- Muchos de los hombres del porno de tu generación se hicieron productores y abrieron sus propias compañías. ¿Por qué vos no seguiste ese camino?
- Muchos, la mayoría en realidad, no fueron a ninguna parte, desaparecieron. Sólo un puñado sobrevivieron así, John Stagliano, Max Hardcore, John Leslie, Ed Powers, pero un montón se esfumaron. A mí me gusta trabajar para otros, no me interesa mucho lo de la producción. Es mucho trabajo, muy agotador, después siempre acabás metiéndote en problemas legales, o yendo preso. Ser dueño de la compañía significa muchos dolores de cabeza.
- ¿Se te acercan los actores más jóvenes a pedirte consejos?
- ¡Todos! Muchos hoy en día toman Viagra, ya no necesitan de mis consejos. Yo les digo que no tomen, pero todos toman Viagra. El problema es que si empiezan tomando Viagra en el comienzo de sus carreras, después se acostumbran y tienen que seguir tomando para siempre o ya no se les para más.
- ¿Cuál era tu secreto en las épocas pre-viagra?
- Una buena mano suave y mucha imaginación.

Mika Tan: Desmintiendo el cuento chino

2005-10-21T13:17:00.000-07:00

Por Juan Data (Publicado originalmente en La Cosa, Buenos Aires, 2005)

Mika Tan se propuso salvar el honor de sus antepasados y para ello quiere demostrar públicamente que no es cierto eso de las reducidas dimensiones de los palitos chinos.

En el mundillo del porno de hoy en día, con sobreoferta de actrices asiáticas (¿la moda del momento? ¿las nuevas rubias?) se les complica a las chicas destacarse, hacerse de un nombre y alcanzar el deseado status de porn-stars. Mika Tan no está entre las actrices de primera línea, ni tiene contrato de exclusividad con ninguna de las grandes productoras, pero se ha ganado su lugar en la constelación porno a fuerza de simpatía, perseverancia y –literalmente- romperse el culo trabajando. Ahora, como tantas otras de su generación, se propuso dar el gran salto y tomar la sartén por el mango, se compró su propia cámara y anunció que se pasaba a la dirección y producción de películas. Y ojo que viene con ideas interesantes...

De modelo a porn-star
Hija de madre taiwanesa y padre japonés, efectivo de la marina norteamericana, Mika nació hace veintisiete años en Hawaii y pasó la mayor parte de su infancia en la base naval de San Diego, California. Apenas acabó sus estudios universitarios (¡en bioquímica!) se mudó a Los Angeles en busca de fama y fortuna. “Desde los doce años que venía modelando, pero con ropa... también modelé desnuda para escuelas de arte. Después me mudé a Los Angeles con la idea de seguir trabajando como modelo pero fue muy difícil, a todos los castings donde iba, me querían coger. Y yo no tengo ningún problema con la desnudez ni nada de eso, entonces pensé si voy a tener que encamarme gente para conseguir trabajo, más vale que ese sea mi trabajo. Tenía veinte años y estaba frustrada con mi carrera, imaginate, más de una vez tuve que darle una mamada a algún director de casting ¡y así y todo no conseguía el trabajo!”
Mika estaba casada en ese entonces con un militar norteamericano, entonces cuando le surgió la posibilidad de hacer porno, aceptó participar sólo en escenas con chicas. Aunque claro, ese no es el rol mejor pagado en esta industria, así que con el tiempo se animó a filmar su primera escena heterosexual... con su marido. “Cuando tenía ya veintiuno fuimos con mi marido de aquel entonces, a filmar nuestra primera escena para una porno. Creo que se llamaba First Impressions o Fresh Asian Sex Sluts, una de esas dos”.
- ¿O sea que, al contrario de la mayoría, no tuviste tu debut con Ed Powers?
- Con Ed tuve mi primer anal.
- ¿Cómo fue eso?
- Yo tenía mucho miedo. Nunca había tenido nada en mi culo antes.
- ¿Nunca? ¿Ni con tu esposo?
- No, nada, nunca, intenté unos días antes con un consolador, como para hacerme a la idea. Y Ed Powers me dijo “no te preocupes, que la tengo chiquita, no te va a doler tanto”. Hasta ese entonces sólo venía haciendo escenas con mi marido, pero él no tuvo problemas de que fuese con Ed Powers, no se sintió intimidado (risas). Pero bueno, después de eso nos empezaron a llamar para trabajar por separado y ahí fue cuando la relación se empezó a derrumbar, principalmente porque él empezó a tener sexo con otras chicas fuera de la industria. Es raro, pero la regla es que, en cámara y por dinero podés tener sexo con todas las personas que quieras, porque es por trabajo... pero eso no te da permiso para levantarte a alguien en un bar y llevarlo a la cama. Yo lo veo como algo muy diferente, por el tema de las emociones y creo que la mayoría de la gente que está en este negocio lo entiende de esa manera también.
- Por eso siempre terminan saliendo con gente que también está involucrada en el porno.
- Es muy difícil salir con alguien cuando estás en esta profesión. Es como, “adiós cariño, te amo, pero me voy a coger a alguien y vuelvo”. Es muy difícil a menos que los dos estemos haciendo lo mismo. Por eso tenés a tantas pornstars que acaban casándose con camarógrafos, directores, productores o actores de porno, alguien que entienda que porno es algo que uno hace y no algo que uno es.

Gajes del oficio
Después del ocaso del primer matrimonio, que desembocó en un embarazo interrumpido, Mika Tan se tomó unas cortas vacasiones y volvió al porno con más fuerza que nunca (con el tiempo se terminó casando con otro actor porno: Alec Knight). Esta etapa coincidió con el auge de actrices asiáticas en el cine condicionado, así que la competencia la llevó a expandir su currículum animándose a actos cada vez más extremos. “Me gusta el sexo duro, sucio,” asegura Mika, y es fácil creerle al ver sus trabajos más recientes. También incurrió en el sadomasoquismo y el bondage (fetiche que consiste en inmovilizar el cuerpo de la víctima atándolo como fiambre, muy común en Japón).
- ¿Te tocó hacer escenas de doble penetración?
- En ATM City (Acid Rain, 2004) fue la última vez que hice doble penetración. De hecho, la última escena anal que hice, porque me rompieron el culo y acabé en el hospital. ¡68 mil dólares me terminó saliendo la joda!
- ¿Cómo se hace para que literalmente te rompan el culo?
- ¡Se rompió! Tuvieron que darme siete puntadas en el colon. Sucede que a veces en este negocio entre los hombres hay como mucha competición, por esa cosa machista de quién la tiene más grande, ¿no? Sobre todo cuando es una escena con dos hombres a la vez, entonces como el otro la tenía mucho más grande, este que me la estaba dando por atrás, para compensar me empezó a dar más y más duro, hasta que me lastimó.
- ¿Hiciste gang-bangs?
- No, nunca hice un gang-bang propiamente dicho. Tuve sexo con hasta cuatro tipos a la vez, pero eso no lo considero gang-bang.
- Ahora que la doble penetración ya no asusta a nadie, la moda del momento parece ser el doble anal, ¿lo has intentado?
- No me parece que sea sexy y para serte sincera, no creo que tenga espacio para dos a la vez en el mismo agujero. Intenté una vez en una escena para Skeeter Kerkove pero fue imposible y eso que no eran muy grandes. Era tan doloroso que ni siquiera podía simular que lo estaba disfrutando.

Y de actriz a directora
Después de la operación, Mika Tan debió tomarse unos seis meses de descanso, tiempo que aprovechó para escribir un libro sobre los secretos de una carrera exitosa en el porno: “Yo entré sin un agente, por mi cuenta y no quiero que las chicas nuevas cometan los mismos errores que yo cometí. Hay muchos códigos de protocolo en este negocio, cosas que podés y no podés hacer. Y bueno, consejos para que no te caguen con el dinero, cómo hacer para que te paguen y cosas así; porque si bien no es un negocio sucio en general, está lleno de chantas y estafadores. Ahora estoy buscando alguien que me publique el libro”.
Conocedora de los secretos de la industria, Mika sabe muy bien que el dinero no está en la actuación sino en la dirección y producción de películas, así que siguiendo los pasos de actrices como Belladonna, Shane, Jewel De Nyle y un innumerable excétera, decidió abrir su propia compañía productora y ya hizo público su primer proyecto, poco menos que revolucionario, que sin duda va a dar que hablar.
- Tu primer proyecto como directora es de lo más ambicioso: hacer, por primera vez en la historia del porno norteamericano, una película donde todos los hombres sean de origen asiático.
- Estuve en este negocio por ya casi ocho años y a veces me llegan cartas de fans enojados que me dicen “¿por qué despreciás a los hombres asiáticos así? ¿Cuál es tu problema con los hombres asiáticos que sólo cogés con negros y blancos?” Y yo pensaba: es que no hay ningún hombre asiático en el porno. Voy a filmar un gonzo ahora en un par de meses que va a ser mi debut y para el año que viene tengo planeada una producción de alto presupuesto: una sátira de Kill Bill.
- ¿Cuánto sale producir una porno?
- Bueno, la que estoy por hacer ahora, que es un gonzo de bajo presupuesto, le calculo unos quince mil dólares. No tiene nada de decorados, ni vestuario y para el catering compraremos algunas de esas bandejas surtidas del supermercado (risas).
- ¿Las chicas también van a ser todas asiáticas?
- No, tenemos un par de rubias y latinas. ¡Eso nunca se vio en porno! La idea surgió de una encuesta que hice en mi website (www.mikatan.com) donde muchos de mis fans asiáticos decían que querían ver eso, hombres asiáticos con mujeres blancas. Espero que esto ayude a contrarestar los rumores de que todos los hombres asiáticos la tienen chiquita. En mi experiencia personal, todos lo hombres con los que salí antes de entrar al porno, fueron asiáticos y puedo afirmar que no todos son tan pequeños. En el casting que tuve para la película, vino un taiwanés que tenía nueve pulgadas y media, pero no quería que se viese su cara en la película, quería salir con una máscara y así no sirve porque yo quiero que se vea que es asiático. Ese fue un problema muy común, tuvimos dos castings y se presentaron ciento cuarenta personas y la mayoría tienen ese problema, son tímidos o tienen miedo de que vean sus caras en cámara. Ahora entendí por qué no se hacían películas con hombres asiáticos en Estados Unidos, no es por el problema del tamaño, sino por la timidez.
- ¿Por qué creés que los hombres están tan intimidados mientras que las chicas orientales entran y salen del porno como si nada?
- Creo que es por una cosa cultural. En las familias asiáticas, los padres ponen muchísima presión sobre sus hijos varones para que sean exitosos en sus carreras, en sus estudios, económicamente. Y después está el tema de que muchos son muy religiosos, ¿sabés?
- ¿Vos no tuviste problemas con tu familia?
- No, para nada, mi abuela tenía una casa de masajes, así que imaginate. Me crié rodeada de prostitutas. Ayer la llevé a mi mamá a una de mis presentaciones y ella dice que lo que le preocupa es que me lastime como me pasó la otra vez, pero con el tema del sexo no tiene ningún drama.

ED POWERS: PODEROSO EL CHIQUITIN

2005-07-07T21:39:00.000-07:00

Por Juan Data (originalmente publicado en La Cosa, Argentina, 2005)

Entrar al mundo del porno es el sueño dorado de millones de hombres en todo el mundo. Ganar dinero por tener sexo con infinidad de jovencitas calientes debe ranquear cerca de la cima en el top-ten de los empleos más añorados del universo laboral. Desgraciadamente nadie hace castings para papeles masculinos en las películas para adultos y hasta hay un dicho en el Sur de California (la tierra prometida de las tres equis) que dice que, siendo hombre, “es más fácil conseguir un papel en una sit-com que en una película porno”. Así y todo, por más que uno tenga los contactos, tiene que ser joven, tener cierta pinta, buenos tubos y rondar los veinte centímetros de longaniza reglamentarios.
Es por eso que Ed Powers ha de ser una de las personas más envidiadas de la vía láctea. Un viejo verde con cara de pervertido, pelo largo, canoso y grasiento, anteojos culo de botella, una regia panza de cervecero vitalicio y una verguita de utilería: la antitesis absoluta de Dirk Diggler (aquel prematuro semental superdotato encarnado por Mark Wahlberg en Boogie Nights).
Así y todo, Ed Powers se las ha ingeniado para cumplir una función primordial en la industria del porno: darle la bienvenida y el curso introductorio a –casi- todas las chicas que llegan a Los Angeles ansiosas por debutar en esa millonaria industria y llegar algún día a convertirse en “pornstars”. Ed Powers es algo así como el portero del mundo porno y prácticamente todas las estrellas más reconocidas de los últimos diez años se echaron su primer polvo en cámara con él.
“Mucha gente se me acerca y me dice Ed, te amo... pero te odio. Lo sé, es la envidia. Pero bueno, yo comparto (risas). Si no fuese porque me tomo el trabajo de filmar todo lo que hago, tendrías a todas esas chicas que nadie sabría quienes son”.
En los pasados números de La Cosa, entrevistamos a Hannah Harper, Shay Sweet y Aurora Snow, las tres debutaron a sus tiernos dieciocho con Ed y las tres coincidieron en lo mismo: “es un buen tipo”. Y es que sí, Ed Powers tiene esa fama de buenazo, que tan fuera de lugar resulta en una industria dominada por el machismo, como lo es el porno.
“Tengo toda la fórmula –nos cuenta Ed-; me siento, les hablo, las trato como seres humanos, que lo son, no un pedazo de carne, como otros tantos hacen. Una chica, el otro día, que no era su primera vez, pero sí su primera vez con un tipo más viejo, me contó que el último tipo con el que había trabajado le dijo: “callate perra, te están pagando novecientos dólares así que hacé lo que se te pide” . Y yo no puedo ver a alguien diciéndole eso a una chica. Obviamente a todos se les paga, es un trabajo, pero de ahí a decirle “callate perra...” es como si el tipo estuviese celoso de ella. Claro que los tipos no ganan tanto como las mujeres y no se lo merecen tampoco... ¿Por qué? Porque la mayoría toma píldoras y ni siquiera lo pueden hacer natural (risas). ¡Jesucristo! ¡Chicos, paren de tomar viagra! Hay algunos que lo hacen natural, pero yo creo que todos están tomando píldoras. He escuchado historias de pumps (válvulas de vacío), inyecciones... ¡y las escucho de las chicas!”
Ed se jacta de que nunca le falla y cuando le preguntamos su edad, duda: “Mi cumpleaños es en un par de días, voy a cumplir... voy a cumplir... cincuenta. Cuesta decirlo. Estuvo bueno estar en los cuarentas por un tiempo... Pero miralo a Dave Cummings, ¡tiene sesenta y cuatro! El verdadero viagra está en las chicas, no hace falta nada más, tenés cinco o seis chicas diferentes en un día... es más de lo que pueda necesitar para que se me pare. Te digo más, ¡deberían usa mi sangre para una píldora!”

El Debut Del Debutante
En 1989 Mark Arnold, tal su verdadero nombre, recién llegado de la Costa Este, empezó a filmar sus primeras pornos en Los Angeles. Pero lo hizo con un concepto visionario y por demás innovador. Tituló su serie Bus Stop Tales: él mismo se acercaba a mujeres desconocidas en las paradas de colectivo y, cámara al hombro, les hacía el chamuyo (y les ofrecía dinero, claro está) intentando convencerlas para que filmasen una escena de sexo con él. Casi sin proponérselo, se había anticipado a su época con el reality-porn, dando el puntapié inicial del subgénero dominante hoy en día en la pornografía norteamericana: el gonzo.
El gran éxito, sin embargo, no le llegó hasta la creación, un año más tarde, de su célebre serie Dirty Debutantes. Ed simplificó el proceso del levante y en vez de salir de cacería por las calles, puso avisos en los diarios, invitando a las chicas a una audición en su propia casa.
“Cuando decidí empezar con Dirty Debutantes –rememora Ed-, contraté un par de tipos y formamos los Nasty Brothers, Randy West era uno de ellos, pero a la larga los terminé largando y me quedé yo solo, porque al fin y al cabo yo soy el nasty brother definitivo.”
Es que la clave del éxito de Dirty Debutantes (así como sus series derivadas) era justamente el look de anti-galán de Ed Powers. En poco tiempo se había ganado adeptos en todo el mundo que lo veían como un súper-héroe, el vengador de los feos, la esperanza de los menos dotados; sus fans lo veían encamándose tremendas pendejas de dieciocho años y el silogismo resultante era obvio: “si él puede, yo también”. Y listo, a llenarse los bolsillos.
“Filmo en mi casa. En mi propia cama donde duermo, así duermo rodeado del aroma de las chicas. Cambio la cámara, corro de acá para allá, hago esto, aquello, no tengo asistentes, nadie que me grite, ni nadie a quién gritarle. Pero no te creas que me sale muy barato, soy muy generoso con las chicas, porque se lo merecen.”

Cuantas Minas Que Tengo
Briana Banks, Sunrise Adams, Lauren Phoenix, Mimi Miyagui, Nikita Denise, Mia Smiles, Taylor Rain, Olivia del Rio, Janine, Julie Meadows, Carmen Luvana... todas pasaron por Dirty Debutantes antes de hacerse famosas. Y Ed no se toma descanso, sigue cosechando primerizas y lanzándolas al mercado.
- ¿Cuál es tu record?
- En un día lo máximo que estuve fue con veintidós chicas. Tengo una foto en la bañera con catorce, eso fue en la primera mitad del día, después, al final del día sumaron veintidós.
- ¿Alguna vez te pasó que, llegada la hora de hacerlo, la chica arrugue y te diga que no?
- Nunca tuve ni una que dijese que no. Alguna puede que haya cambiado de idea, que primero me diga que no tiene novio y después en la mitad del asunto le agarra la culpa y ves que se le escapa una lágrima... y bueno, hay que parar y hablarles, tranquilizarlas. Quizás vuelven a tranquilizarse y terminamos la escena. En una ocasión hasta llamé al novio y le dije que su chica estaba en mi casa, el novio vino ¡y acabó haciendo la escena con ella!
- A comienzos del año pasado filmaste a Nautica Thorn (una de las mayores revelaciones del 2004) en su primera escena y también fue con su novio.
- ¡Totalmente! Nautica Thorn es un excelente ejemplo. Ella vino y no sabía bien si lo quería hacer o no y yo le propuse que lo hiciese con el novio y salió perfecto.
- De todas las famosas, ¿cuál fue tu favorita?
- La próxima.
- ¿Qué planeás para el futuro? ¿Pensás seguir con la serie Dirty Debutantes hasta llegar al número mil?
- Creo que continuaré, pero al mismo tiempo sé que la industria está cambiando, sé que la Internet es una gran porción de nuestro futuro y ya tengo cinco web sites.
- Cuando las chicas se hacen famosas, tarde o temprano terminan sacando a la venta una muñeca inflable supuestamente moldeada con el cuerpo de la estrella. ¿Harán algún día un consolador moldeado en base a tu pene?
- ¡Hicieron uno ya! Sí, pero no era realista, ¡porque le agregaron dos pulgadas! Yo no les pedí, el tipo me dijo “sólo terminé lo que Dios dejó por la mitad.” ¡Además no lo tengo tan chiquito! ¿No lo viste? A las chicas les gusta así, me dicen que tengo la medida perfecta para sexo anal.

El extraño mundo de Ed
More Dirty Debutantes: La original, la serie que dio pié a todas las demás y lleva ya más de una década de éxitos. Estilo crudo, casero, mal manejo de cámara, mediocre iluminación y muy poca edición. Imperdibles los diálogos entre Ed y las aspirantes a pornstar.

Deep Inside Dirty Debutantes: Esta serie se diferencia en poco y nada a la original. Supuestamente se trata de material descartado en aquella por ser un poco más fuerte. Hay más sexo anal y eyaculaciones en la boca. Pero hasta ahí, Ed sigue siendo el tierno de siempre.

Global Warming Debutantes: Parece que a Ed le llegó el rumor de que en Europa del Este se consiguen chicas dispuestas a filmar porno por mucha menos guita y allá fue. En esta serie Ed traslada el set de filmación de su casa a una habitación de hotel y se las arregla como puede para hacerles el chamuyo a las chicas que poco y nada entienden de inglés.

New Ends: Ed Powers y la actriz porno Anisa coproducen esta serie donde se hace foco en el sexo anal y para variar es esta vez una mujer la que hace los comentarios detrás de cámara. Los resultados son bastante flojos.

Gonzoman: No es una creación, es una evolución, decía el slogan de esta nueva serie y efectivamente la propuesta era tomar el formato exitoso de Dirty Debutantes y modernizarlo. La edición es algo más cuidada, se anima a intercalar tomas en blanco y negro; hay más textos separadores entre toma y toma y subtítulos en lugar del exesivo diálogo a que Ed nos tiene acostumbrados. Lamentablemente el manejo de cámara sigue siendo igual de precario y las aspiraciones se quedan a mitad de camino. La serie no duró mucho. La gente sigue prefiriendo al Ed original, al sucio.

Otras Series A Tener En Cuenta: Cockless (sólo escenas lésbicas o de masturbación femenina), Black Dirty Debutantes (el título lo dice todo, ¿no?), Dirtier Debutantes (cuando las chicas se animan a lo más kinky), Loving Spoonfulls (las nenas buenas se toman todita la lechita), Real Naturals (chicas normales, hijas de vecino), Dawn Of The Debutantes (refrito de las primeras escenas de las chicas que luego acabaron siendo famosas, imperdibles).

UP BUSTLE & OUT o el coqueteo de los ingleses con la música latina

2005-04-03T12:36:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, USA, 2005)

Por haber surgido en la ciudad inglesa de Bristol (cuna del trip-hop con Tricky y Massive Attack a la cabeza) y haber estados firmados al sello Ninja Tune (especializado en música para DJ’s o “tornamesistas”), Up Bustle & Out (UB&O) fue siempre considerado un grupo de vanguardia en música electrónica, llámesele break-beat, electro-dub o ambient.
Sin embargo, el abanico sonoro de este colectivo inglés, encabezado por Ein Fell y Rupert Mould, ha mostrado siempre un explícito interés por sonidos no convencionales para la música estríctamente anglosajona. UB&O es más bien un collage de muestras sonoras tercermundistas con las que Ein y Rupert juegan al “cut & paste” sobre la consola de mezclas. En sus interminables viajes en busca de nuevas experiencias sampleables, UB&O ha ido mutando su formación, expandiéndose y adaptándose a diferentes ecosistemas musicales. Cada uno de sus trabajos es como un álbum de fotos de viajes de un mochilero, sólo que auditivo.
Dos obras maestras han quedado como postales de su paso por Cuba: Master Sessions I & II, Calle 23 Havana. Más recientemente les tocó vivir la experiencia mexicana y con ayuda de Toy Machete, Sistema Local y Blanquito Man registraron una fusión inédita de cumbia, hip-hop y dub que –esperemos!- saldrá pronto al mercado bajo el título de Mexican Sessions.
Mientras tanto, UB&O acaba de sacar a la venta City Breakers (editado en Estados Unidos por Routes), un disco que marca un regreso a sus influencias primarias, el dub, el reggae y el hip hop old school, pero siempre manteniendo su esencia cosmopolita al contar en su formación estable con una percusionista de nacionalidad argentina y un guitarrista de flamenco español.

- ¿Cómo surge su interés por la música latina y la intención de fusionarla con electrónica?
Ein: Siempre estuve interesado en la música latina, supongo que capturó mi atención por sonar tan diferente a la mayoría de lo que había escuchado hasta entonces. Algunos de mis amigos me hicieron escuchar cosas como Santana y Astrud Gilberto (me encanta la bossa nova) y me cautivó el ritmo y lo inusual de los acordes que usaban.
La fusión con la electrónica llegó casi acidentalmente ya que yo no era un músico en el sentido tradicional de la palabra, pero había desarrollado mis habilidades como productor en estilos como el dub, el breakbeat y el ambient. Quería incluir algunos elementos latinos en mi sonido, primeramente el interesante uso de la percusión, pero más que nada la maravillosa vibra de la música latina. Debe ser por todo el sol que reciben... por eso parece tan inusual que gente en Inglaterra se interese en ese sonido, considerando nuestro clima.

-¿Cuál es el factor de inspiración en la música latinoamericana que no encuentran en Europa?
E: Como decía, debe ser por el sol, estar sentado todo el día al sol con un vaso de vino, tocando la guitarra y mirando a una chica pasar... o debo estar soñando. Creo que lo que más me ha inspirado es el ritmo, lo cual no es inusual ya que gran parte de esa música esta hecha para bailar y estos tipos han tenido décadas para perfeccionar el ritmo. El sonido latino estaba muy en demanda ya en la década del ’50, aquí no teníamos nada que se le pareciese y no estoy seguro de que lo tengamos ahora. La cultura del baile sólo ha estado presente en Europa por los últimos veinte años, ustedes estaban mucho más avanzados en eso. También se debe al aspecto social de la música latina: todos desde los niños pequeños hasta sus abuelos saben cómo bailar, es algo que todos hacen. Me temo que nosotros en Inglaterra somos mucho más reservados y por eso nuestra música es mucho más personal e introvertida. Sin mencionar lo pretencioso e indulgente, pero no quiero ser injusto con los músicos británicos tampoco que sí tenemos mucha música experimental alucinante como Pink Floyd, Brian Eno y no continuo...

- ¿Qué quedó de su experiencia cubana que sigan aportando a la música hoy en día y dónde se evidencia esto en City Breakers?
Rupert: La experiencia cubana agregó mucho sabor a mi alma musical. Conozco mejor su mundo y comparto su lucha. City Breaker también está inspirado en el caribe, Jamaica que es vecino de Cuba. Inglaterra fue una potencia colonial y los efectos de su historia hacen eco en nuestra sociedad actual y nuestra música.

- City Breakers está más familiarizado con Jamaica que con lo típicamente latino. ¿A qué se debe este cambio? ¿Es sólo una etapa más en los viajes de UBO?
E: City Breakers, así como el álbum anterior Urban Evacuation, fueron dos viajes más de UB&O a otros nuevos territorios musicales. Sentimos que ya era tiempo de levantar la carpa, ensillar a los camellos y partir en otro viaje a lo desconocido sin saber de los peligros que se encuentran a la vuelta de la esquina. ¿Irán los fans a apreciar esta nueva dirección musical? ¿Se interesarán las compañías discográficas en publicar un material tan diferente? ¿Qué dirán los periodistas al respecto? Bueno, si nos preocupásemos por esas cosas nuestro nuevo álbum quizás se llamaría UB&O Golden Favourites Forever (risas).
Sentimos que era tiempo de experimentar con el sonido del dub, ya que desde siempre habíamos escuchado a King Tubby y estábamos fascinados por las técnicas de producción del género cuyas posibilidades parecen ilimitadas.
La ciudad de Bristol tiene una fuerte influencia caribeña por la gran comunidad de inmigrantes, muchos de ellos de segunda generación, entonces, naturalmente contábamos con un enorme talento en el ámbito local con el que podríamos jugar. Ras Jablani, por ejemplo tiene una tienda de discos de reggae a un par de calles de aquí y él nos recomendó a DJ Mexican que es un vocalista de dancehall. Luego llegó MC Blaze y juntos nos impulsaron a llevar nuestra música hacia nuevas fronteras. Veo al reggae como otro estilo más dentro de nuestro arsenal, pero eso no significa que nos vayamos a quedar estancados aquí porque todavía seguimos buscando ritmos nuevos con los que experimentar. En este momento estoy trabajando en una mexcla de cumbia y dancehall y está saliendo muy bien. Así que no se preocupen, no hemos abandonado al sonido latino, es sólo que estuvimos fusionándolo con otras cosas. Nuesta percusionista argentina Eugenia se va a asegurar de que mantengamos nuestra promesa. Ella siempre nos impulsa a hacer más cortes latinos en nuestros discos.

- ¿Cómo fue la experiencia en México donde estuvieron en contacto con Toy Machete y la gente de Sistema Local?
R: Fabulosa. Estoy muy satisfecho de haberme tomado el avión a Monterrey... no pasó mucho desde que llegamos y ya estábamos en el estudio con Control Machete y Sistema Local. Grandes tipos y compartimos intereses y respeto en común. De hecho yo creo que su versión sound-system de la cumbia está en la vanguardia de la experimentación. ¿Existe alguien capaz de reusarse a bailar un ritmo de cumbia con ragga? A nuestro regreso al Reino Unido, compilamos lo que sería el álbum The Mexican Sessions, donde también aparece Blanquito Man. El sonido es muy moderno, urbano y funky.

- Si bien se los sigue categorizando como música electrónica, muchos de sus trabajos recientes lindan con el ghetto del world-music. ¿Temen a que les acaben cambiando de etiqueta y que sus discos pasen de estar en la sección dance de las tiendas a la de world?
E: Nunca estuve muy seguro de en qué categoría se encuentra nuestra música en las tiendas. Siempre usamos muchos géneros diversos, la electrónica es sólo uno más. Creo que se nos ha relacionado más con eso por estar en el sello Ninja Tune. Creo que las disquerías deberían tener una categoría aparte para nuestro estilo, porque siempre vamos a estar cambiando de estilo, no podemos evitarlo. Pero no, no nos da miedo la etiqueta de world music, ya que quizás sea lo que describa con más presición nuestra fusión y creo que también nos da mayor libertad para la diversificación de estilos.

- ¿A qué se debe la inclusión en City Breakers de MC Blaze? ¿Cómo fue trabajar con ella? Su estilo de rimar es más bien old-school, ¿esto les trajo alguna limitación al trabajar con sus beats?
E: MC Blaze aparece en varios temas de City Breakers y siendo una nativa de Bristol pensamos que su estilo podía combinar con la temática urbana del álbum. Sus familiares son viejos conocidos de Eugenia y fue a través de ella que nos pusimos en contacto con Blaze cuando estabamos considerando la idea de incluir algo de hip hop en el disco. Las bases ya habían sido programadas antes de que ella se involucrase en el proyecto, así que la parte vocal se trabajó sobre eso. Yo creo que la combinación fue buena y el resultado fue bien recibido por los oyentes.

- En el pasado dedicaron un álbum entero a homenajear al Che Guevara y en su web-site citan al Subcomandante Marcos. ¿Cuáles son exactamente las ideas políticas que están dentrás de UB&O?
E: La política y la música no siempre van de la mano. Por esa razón nuestros temas no son muy políticos, sin embargo, si escuchas con atención detectarás una influencia subversiva en la mezcla. No tendría sentido que le andemos predicando a nuestros oyentes sobre los errores de la izquierda o la derecha. Que cada uno piense por sí mismo. Pero espero que la diversidad y amplitud de criterio de los sonidos de UB&O ayude a la gente a tomar desiciones en la dirección apropiada.
A nivel personal, yo no estoy afiliado a ningún partido político, causa u organización. Considero que el dogma y la proaganda de los políticos de todos los colores el contrario al libre pensamiento entre el pueblo. Lo que hace falta es educación e información en contraste con la desinformación y los prejuicios perpetuados por los ricos y poderosos de este mundo en favor de sus fines maléficos.

- ¿La formación del grupo está en constante proceso de transformación o se adapta para cada álbum? ¿Cómo afecta esto a las presentaciones en vivo?
E: Up, Bustle and Out siempre se manejó como un verdadero colectivo de diferentes personalidades, dándole así el sonido diverso que lo caracteriza. No creo que puedas detectar las ideas de una sola persona en nuestra música. Es más bien la fusión de ideas de muchas fuentes, algunas muy inusuales e inesperadas. Eso es lo que le da al grupo su encanto, la habilidad de reinventarnos cada vez que queramos. Entonces claro, esto ha desembocado en muchos desafíos a la hora de llevar nuestra música a una experiencia en vivo. Nuestro show ha ido cambiando: de tener una banda completa de músicos en el escenario a ser sólo un set instrumental de DJ y más recientemente una conjunción de ambos.
Nuestros álbumes son más bien compilaciones de tracks indivicuales correspondientes a un lugar y momento en común, más que álbumes conceptuales. Entonces en cada diferente canción se van involucrando diferentes músicos. Por ejemplo, en una canción de este último disco tenemos al trompetista mexicano Freddie Soto, que de casualidad estaba en la ciudad para un show y de último momento se sumó a la grabación. En otra tenemos al percusionista colombiano Maestro Eduardo. En otra aparece el saxofonista de jazz Andy Sheppard. Sería imposible contar con todos esos músicos a la hora de tocar en vivo.

- ¿Tienen planes de continuar viajando por otros lugares de Latinoamérica en un futuro próximo?
R: America Latina es mi gran amor. Yo pasé parte de mi infancia en México y después viví en los Estados Unidos. El continente todo está lleno de color, música y tradición. Nosotros llevamos un poco eso a nuestra música. Lo próximo en salir va a ser The Mexican Sessions, claro, y luego quizás hagamos algo en Colombia.
USTLE & OUT
o el coqueteo de los ingleses con la música latina
Por Juan Data

Por haber surgido en la ciudad inglesa de Bristol (cuna del trip-hop con Tricky y Massive Attack a la cabeza) y haber estados firmados al sello Ninja Tune (especializado en música para DJ’s o “tornamesistas”), Up Bustle & Out (UB&O) fue siempre considerado un grupo de vanguardia en música electrónica, llámesele break-beat, electro-dub o ambient.
Sin embargo, el abanico sonoro de este colectivo inglés, encabezado por Ein Fell y Rupert Mould, ha mostrado siempre un explícito interés por sonidos no convencionales para la música estríctamente anglosajona. UB&O es más bien un collage de muestras sonoras tercermundistas con las que Ein y Rupert juegan al “cut & paste” sobre la consola de mezclas. En sus interminables viajes en busca de nuevas experiencias sampleables, UB&O ha ido mutando su formación, expandiéndose y adaptándose a diferentes ecosistemas musicales. Cada uno de sus trabajos es como un álbum de fotos de viajes de un mochilero, sólo que auditivo.
Dos obras maestras han quedado como postales de su paso por Cuba: Master Sessions I & II, Calle 23 Havana. Más recientemente les tocó vivir la experiencia mexicana y con ayuda de Toy Machete, Sistema Local y Blanquito Man registraron una fusión inédita de cumbia, hip-hop y dub que –esperemos!- saldrá pronto al mercado bajo el título de Mexican Sessions.
Mientras tanto, UB&O acaba de sacar a la venta City Breakers (editado en Estados Unidos por Routes), un disco que marca un regreso a sus influencias primarias, el dub, el reggae y el hip hop old school, pero siempre manteniendo su esencia cosmopolita al contar en su formación estable con una percusionista de nacionalidad argentina y un guitarrista de flamenco español.

- ¿Cómo surge su interés por la música latina y la intención de fusionarla con electrónica?
Ein: Siempre estuve interesado en la música latina, supongo que capturó mi atención por sonar tan diferente a la mayoría de lo que había escuchado hasta entonces. Algunos de mis amigos me hicieron escuchar cosas como Santana y Astrud Gilberto (me encanta la bossa nova) y me cautivó el ritmo y lo inusual de los acordes que usaban.
La fusión con la electrónica llegó casi acidentalmente ya que yo no era un músico en el sentido tradicional de la palabra, pero había desarrollado mis habilidades como productor en estilos como el dub, el breakbeat y el ambient. Quería incluir algunos elementos latinos en mi sonido, primeramente el interesante uso de la percusión, pero más que nada la maravillosa vibra de la música latina. Debe ser por todo el sol que reciben... por eso parece tan inusual que gente en Inglaterra se interese en ese sonido, considerando nuestro clima.

-¿Cuál es el factor de inspiración en la música latinoamericana que no encuentran en Europa?
E: Como decía, debe ser por el sol, estar sentado todo el día al sol con un vaso de vino, tocando la guitarra y mirando a una chica pasar... o debo estar soñando. Creo que lo que más me ha inspirado es el ritmo, lo cual no es inusual ya que gran parte de esa música esta hecha para bailar y estos tipos han tenido décadas para perfeccionar el ritmo. El sonido latino estaba muy en demanda ya en la década del ’50, aquí no teníamos nada que se le pareciese y no estoy seguro de que lo tengamos ahora. La cultura del baile sólo ha estado presente en Europa por los últimos veinte años, ustedes estaban mucho más avanzados en eso. También se debe al aspecto social de la música latina: todos desde los niños pequeños hasta sus abuelos saben cómo bailar, es algo que todos hacen. Me temo que nosotros en Inglaterra somos mucho más reservados y por eso nuestra música es mucho más personal e introvertida. Sin mencionar lo pretencioso e indulgente, pero no quiero ser injusto con los músicos británicos tampoco que sí tenemos mucha música experimental alucinante como Pink Floyd, Brian Eno y no continuo...

- ¿Qué quedó de su experiencia cubana que sigan aportando a la música hoy en día y dónde se evidencia esto en City Breakers?
Rupert: La experiencia cubana agregó mucho sabor a mi alma musical. Conozco mejor su mundo y comparto su lucha. City Breaker también está inspirado en el caribe, Jamaica que es vecino de Cuba. Inglaterra fue una potencia colonial y los efectos de su historia hacen eco en nuestra sociedad actual y nuestra música.

- City Breakers está más familiarizado con Jamaica que con lo típicamente latino. ¿A qué se debe este cambio? ¿Es sólo una etapa más en los viajes de UBO?
E: City Breakers, así como el álbum anterior Urban Evacuation, fueron dos viajes más de UB&O a otros nuevos territorios musicales. Sentimos que ya era tiempo de levantar la carpa, ensillar a los camellos y partir en otro viaje a lo desconocido sin saber de los peligros que se encuentran a la vuelta de la esquina. ¿Irán los fans a apreciar esta nueva dirección musical? ¿Se interesarán las compañías discográficas en publicar un material tan diferente? ¿Qué dirán los periodistas al respecto? Bueno, si nos preocupásemos por esas cosas nuestro nuevo álbum quizás se llamaría UB&O Golden Favourites Forever (risas).
Sentimos que era tiempo de experimentar con el sonido del dub, ya que desde siempre habíamos escuchado a King Tubby y estábamos fascinados por las técnicas de producción del género cuyas posibilidades parecen ilimitadas.
La ciudad de Bristol tiene una fuerte influencia caribeña por la gran comunidad de inmigrantes, muchos de ellos de segunda generación, entonces, naturalmente contábamos con un enorme talento en el ámbito local con el que podríamos jugar. Ras Jablani, por ejemplo tiene una tienda de discos de reggae a un par de calles de aquí y él nos recomendó a DJ Mexican que es un vocalista de dancehall. Luego llegó MC Blaze y juntos nos impulsaron a llevar nuestra música hacia nuevas fronteras. Veo al reggae como otro estilo más dentro de nuestro arsenal, pero eso no significa que nos vayamos a quedar estancados aquí porque todavía seguimos buscando ritmos nuevos con los que experimentar. En este momento estoy trabajando en una mexcla de cumbia y dancehall y está saliendo muy bien. Así que no se preocupen, no hemos abandonado al sonido latino, es sólo que estuvimos fusionándolo con otras cosas. Nuesta percusionista argentina Eugenia se va a asegurar de que mantengamos nuestra promesa. Ella siempre nos impulsa a hacer más cortes latinos en nuestros discos.

- ¿Cómo fue la experiencia en México donde estuvieron en contacto con Toy Machete y la gente de Sistema Local?
R: Fabulosa. Estoy muy satisfecho de haberme tomado el avión a Monterrey... no pasó mucho desde que llegamos y ya estábamos en el estudio con Control Machete y Sistema Local. Grandes tipos y compartimos intereses y respeto en común. De hecho yo creo que su versión sound-system de la cumbia está en la vanguardia de la experimentación. ¿Existe alguien capaz de reusarse a bailar un ritmo de cumbia con ragga? A nuestro regreso al Reino Unido, compilamos lo que sería el álbum The Mexican Sessions, donde también aparece Blanquito Man. El sonido es muy moderno, urbano y funky.

- Si bien se los sigue categorizando como música electrónica, muchos de sus trabajos recientes lindan con el ghetto del world-music. ¿Temen a que les acaben cambiando de etiqueta y que sus discos pasen de estar en la sección dance de las tiendas a la de world?
E: Nunca estuve muy seguro de en qué categoría se encuentra nuestra música en las tiendas. Siempre usamos muchos géneros diversos, la electrónica es sólo uno más. Creo que se nos ha relacionado más con eso por estar en el sello Ninja Tune. Creo que las disquerías deberían tener una categoría aparte para nuestro estilo, porque siempre vamos a estar cambiando de estilo, no podemos evitarlo. Pero no, no nos da miedo la etiqueta de world music, ya que quizás sea lo que describa con más presición nuestra fusión y creo que también nos da mayor libertad para la diversificación de estilos.

- ¿A qué se debe la inclusión en City Breakers de MC Blaze? ¿Cómo fue trabajar con ella? Su estilo de rimar es más bien old-school, ¿esto les trajo alguna limitación al trabajar con sus beats?
E: MC Blaze aparece en varios temas de City Breakers y siendo una nativa de Bristol pensamos que su estilo podía combinar con la temática urbana del álbum. Sus familiares son viejos conocidos de Eugenia y fue a través de ella que nos pusimos en contacto con Blaze cuando estabamos considerando la idea de incluir algo de hip hop en el disco. Las bases ya habían sido programadas antes de que ella se involucrase en el proyecto, así que la parte vocal se trabajó sobre eso. Yo creo que la combinación fue buena y el resultado fue bien recibido por los oyentes.

- En el pasado dedicaron un álbum entero a homenajear al Che Guevara y en su web-site citan al Subcomandante Marcos. ¿Cuáles son exactamente las ideas políticas que están dentrás de UB&O?
E: La política y la música no siempre van de la mano. Por esa razón nuestros temas no son muy políticos, sin embargo, si escuchas con atención detectarás una influencia subversiva en la mezcla. No tendría sentido que le andemos predicando a nuestros oyentes sobre los errores de la izquierda o la derecha. Que cada uno piense por sí mismo. Pero espero que la diversidad y amplitud de criterio de los sonidos de UB&O ayude a la gente a tomar desiciones en la dirección apropiada.
A nivel personal, yo no estoy afiliado a ningún partido político, causa u organización. Considero que el dogma y la proaganda de los políticos de todos los colores el contrario al libre pensamiento entre el pueblo. Lo que hace falta es educación e información en contraste con la desinformación y los prejuicios perpetuados por los ricos y poderosos de este mundo en favor de sus fines maléficos.

- ¿La formación del grupo está en constante proceso de transformación o se adapta para cada álbum? ¿Cómo afecta esto a las presentaciones en vivo?
E: Up, Bustle and Out siempre se manejó como un verdadero colectivo de diferentes personalidades, dándole así el sonido diverso que lo caracteriza. No creo que puedas detectar las ideas de una sola persona en nuestra música. Es más bien la fusión de ideas de muchas fuentes, algunas muy inusuales e inesperadas. Eso es lo que le da al grupo su encanto, la habilidad de reinventarnos cada vez que queramos. Entonces claro, esto ha desembocado en muchos desafíos a la hora de llevar nuestra música a una experiencia en vivo. Nuestro show ha ido cambiando: de tener una banda completa de músicos en el escenario a ser sólo un set instrumental de DJ y más recientemente una conjunción de ambos.
Nuestros álbumes son más bien compilaciones de tracks indivicuales correspondientes a un lugar y momento en común, más que álbumes conceptuales. Entonces en cada diferente canción se van involucrando diferentes músicos. Por ejemplo, en una canción de este último disco tenemos al trompetista mexicano Freddie Soto, que de casualidad estaba en la ciudad para un show y de último momento se sumó a la grabación. En otra tenemos al percusionista colombiano Maestro Eduardo. En otra aparece el saxofonista de jazz Andy Sheppard. Sería imposible contar con todos esos músicos a la hora de tocar en vivo.

- ¿Tienen planes de continuar viajando por otros lugares de Latinoamérica en un futuro próximo?
R: America Latina es mi gran amor. Yo pasé parte de mi infancia en México y después viví en los Estados Unidos. El continente todo está lleno de color, música y tradición. Nosotros llevamos un poco eso a nuestra música. Lo próximo en salir va a ser The Mexican Sessions, claro, y luego quizás hagamos algo en Colombia.

The Mystics: Los Otros Místicos.

2005-04-03T05:34:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2001)

Hace unos meses presentábamos en esta misma sección a Mystic, una fabulosa MC solista que apenas emergía de la escena underground del Norte de California y hoy se ha convertido en la artista revelación del año a nivel nacional en los Estados Unidos. Ahora es el turno de otros Mystics, estos vienen en plural y se están asomando con mucha fuerza desde la escena underground del Sur de California. Se trata de una crew compuesta de siete militantes fundamentalistas de la cultura hip hop original que se han propuesto salir adelante con su rap inteligente y progresivo a combatir contra toda la corriente materialista y superficial que impregna al mainstream.
Sus orígenes se remontan a los comienzos de los 90’s cuando MATTS y Fourever se conocieron en la preparatoria en West Covina y formaron el dúo Phantom Zone que dominaba con sus freestyles los pasillos de la escuela. Unos pocos se atrevían a hacerles frente y entre ellos estaban Okie y Dimension; este último a su vez, formaba parte de un grupo llamado Non-Human Intelligence donde compartía el micro con otros dos MC’s, también de la zona de West Covina: Abyss y Prizm. Los chicos crecieron y de los pasillos de la escuela pasaron a los escenarios clásicos de la escena underground de Los Angeles donde se cruzaron en más de una ocasión con el solista Express Fresh.
De tanto compartir tarimas terminaron formando una familia entre todos y el resultado obvio fue unir fuerzas y ¿por qué no? formar un sólo grupo. Así nació el septeto que lleva su nombre en honor al “aire misterioso” que corría en su entorno, según los que los frecuentaban.
HHN - ¿Cuál fue el concepto unificador que los reunió en un sólo grupo?
Abyss: Básicamente, bueno, porque sabemos que la unión hace la fuerza. Todos tenían su talento y eran reconocidos en diferentes sectores de la escena pero creímos que uniéndonos podíamos mostrar cada uno un poco de lo suyo, pero hacerlo con más fuerza y el brillo de cada uno, a su vez, ilumina a los demás. Así es que nos convertimos en el gigante que somos ahora.
HHN – ¿Pero a nivel musical qué es lo que tienen todos en común?
Prizm - Bueno, es preservar la cultura. Nosotros lo que queremos es rescatar la cultura de lo que fue el Hip Hop. Nosotros nos criamos en una época en la que el rap tenía mensajes que realmente querían decir algo. Crecimos escuchando A Tribe Called Quest, Black Moon, EPMD… Era música de calidad. Esas son nuestras bases. Pero ahora, odio decirlo, pero pareciera que todo eso se perdió. Nosotros tratamos de preservarlo.
Abyss - Si tengo que definirnos, yo digo que somos underground hip hop. Tenemos cosas intelectuales, mensajes inteligentes, está también el elemento más callejero, un poco de todo eso.
HHN – Ahora que lo mencionas, a primera vista se nota una intención de hacer algo más intelectual que lo convencional . Usan mucha terminología complicada…
Fourever - Definitivamente. Lo que tratamos es de iluminar, ese es nuestro foco central. Eso es parte de la preservación de la cultura. Abrir las cabezas de la gente, expandir sus conocimientos.
Abyss- También en lo musical. Tenemos muchos músicos en vivo bendiciendo el álbum. Si escuchas con atención la música, vas a encontrar una intención de hacer algo más progresivo y experimental. Como muchos sabores diferentes, pero nunca alejándonos del Hip Hop.
Fourever- Nosotros no nos consideramos sólo rappers. Nos consideramos músicos. Hacemos esto con amor a la música
HHN-¿Cómo es que en su disco debut ya tienen colaboraciones de artistas tan reconocidos como Razhel, Medusa, Black Eyed Peas, The Pharcyde, Souls Of Mischief….?
Abyss- Muchos artistas reconocidos nos ayudaron para salir adelante porque creyeron en nuestro trabajo y se dieron cuenta de que lo que hacíamos era una cosa seria y estábamos siendo verdaderos.
Dimension- Hicimos nuestras conexiones en el pasado y siempre tuvimos buena onda con esa gente. Siempre nos dijeron que si algún día grabábamos algo, iban a venir desinteresadamente. Y bueno, cuando llegó el momento, vinieron y tiraron un par de versos por acá y por allá.
Abyss- En mucho se debe a que crecimos en el mismo background que ellos, de la misma manera.
Prizm- Estamos tocando desde hace mucho tiempo también, entonces tuvimos ya chance de tocar con muchos artistas de renombre. Y a muchos les gustaba lo que estábamos haciendo así que ya quedaba la relación. Ninguno de los que participó lo hizo por hambre de dinero, por exposición, lo hicieron por buena onda y esperamos hacer muchos otros proyectos con ellos en el futuro.
HHN- ¿Cómo ven el surgimiento de la escena underground californiana?
Fourever- Mal. No es que sean malos los que están. Es que hay tantos pioneros del underground que a comienzos de los 90’s estaban luchando por esto y ahora se vendieron, quieren dinero, hacerse conocidos.
Matts- Bling, bling.
Fourever- No he visto ningún artista del Hip Hop que se haya mantenido por mucho tiempo, sin inevitablemente venderse o rebajar la calidad de su música. Las letras se vuelven cada vez más lavadas, más simples, y los beats menos ingeniosos. No quiero dar nombres…
Prizm- Hay dos maneras de conseguir las cosas en este juego. O te mantienes real y fiel a lo que eres y la gente tarde o temprano se termina acercando, sintiéndose atraída y eso está bien; o tienes que cambiar y arreglarte y transformarte para acomodarte al gusto de la gente… no es la manera correcta.
Fourever- Básicamente, yo creo que hay muchos de los que son conocidos ahora que son buenos, pero que están empeñados más que nada en llegar a ser mainstream. Nosotros sólo estamos empeñados en hacer buena música.
Prizm- Nosotros queremos hacer la música desde el alma. Antes de preocuparnos por ver qué ocurre afuera, primero tenemos que saber que nosotros somos felices con lo que estamos haciendo. Hay mucha gente en la escena, hoy en día, que parecen estar preocupadas por ver qué dice éste o qué hace aquel, antes de hacer su movimiento, nosotros pensamos en nosotros primero y después lo llevamos al público y ojalá que les guste. Hasta ahora la respuesta fue positiva así que seguimos adelante.
Abyss- Como lo veo yo, antes había una cultura underground que estaba bien fuerte. Ahora hay un montón de novatos queriéndose meter en nuestra escena a la fuerza, pero apuntando a llegar al mainstream y no tenemos que dejar que esos idiotas entren y se apoderen de esto que es como nuestra casa. Lo que yo creo, es que el público actualmente está escuchando muchísima basura y eventualmente van a tener que cansarse de eso y con suerte apuntarán hacia el underground. Pero después pasa el efecto contrario, de que grupos que eran underground dejan de ser considerados así porque ya los escucha mucha gente. A mí también me pasa a veces, de que grupos que me gustaban mucho, ya los escucha tanta gente que yo empiezo a sentir como que ya están quemados.
HHN- ¿Hasta que punto están involucrados o les interesa lo que está ocurriendo con el Hip Hop en el resto del mundo?
Express- Nosotros queremos ir al resto del mundo a llevar nuestra música. Yo estoy harto de los Estados Unidos. Quiero ir a Europa, a otros continentes, donde sabemos que el underground está bien fuerte.
Matts- Nosotros respetamos las escenas de Alemania, Francia, Inglaterra… donde el rap underground es bien apreciado.
Express- También queremos ir a Argentina… por las chicas. (Risas)
Abyss- Es buenísimo ver como algo que empezó con tan poca gente, hoy está tan expandido y consolidado en todo el mundo. Eso es lo que me gusta de esto. Nosotros escuchamos mucho de lo que se está haciendo en otros países. Yo escucho mucho Trip Hop, y Drum & Bass de Inglaterra. Nosotros queremos llegar con lo que hacemos allí también.

Lucybell

2005-04-03T05:32:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, 2002)

Lucybell está en un momento clave para su carrera. Después del exitoso Amanece que los volvió a relanzar a la fama con nueva formación y renovada propuesta sonora, se despacharon un disco en vivo que acaba de ser editado en los Estados Unidos: Sesión Futura (WEA, 2002). En él recorren todos los grandes éxitos de sus once años de carrera y presentan dos nuevas canciones. Para presentarlo, el trío chileno encabezado por Claudio Valenzuela, se lanzó en una extensa gira por el hemisferio norte que llevará tres meses.

-¿De dónde surge la necesidad de sacar un disco vivo?
Claudio Valenzuela- Cuando hicimos Amanece, el primer disco que grabamos como trío, todavía seguíamos tocando en vivo canciones de los discos anteriores. Empezó a pasar un proceso de energía muy interesante dentro de los shows, porque los temas antiguos empezaron a tomar un color y una forma muy diferentes. Lucybell tiene once años de vida y es la música lo que vale, las personas desaparecen, las guitarras se van a quemar o convertir en polvo, pero lo que va a quedar va a ser la música. Cuando comenzamos como trío y nos planteamos hacer los temas viejos, casi quedaron mejor. Plantearse los temas así hizo que las canciones tomasen otro color. No son versiones diferentes, simplemente fue tocar los temas con una formación nueva. Es por eso que decidimos hacer este disco, que recorre obviamente la historia de Lucybell.

-¿Cómo fue el proceso de grabación del disco en vivo? ¿Tuvieron músicos invitados? CV- Trabajamos con un trompetista que participaba en dos temas del disco Amanece y después en el disco Sesión Futura lo incorporamos en más canciones porque el timbre es dulce, da un poco un color diferente. Lo grabamos el año pasado en dos sesiones en vivo en Chile. Un proceso muy corto. Lo masterizamos buscando dejar el resultado lo más parecido posible a lo que es el show en vivo sin mucha edición en estudio.

-A diferencia de Amanece, este nuevo disco muestra una cara más rockera de Lucybell, más cercana al sonido de sus trabajos anteriores.
CV- Es que trabajar en estudio te permite la posibilidad de tener las máquinas y abusar un poquito más de ellas. En vivo está el trío y eso es lo que prevalece. Hay secuencias y teclados, pero al ser en vivo tiene esa energía que lo hace ser más rockero. Nosotros somos un grupo de rock que hace canciones, no importa que tengamos secuencias o dos millones de teclados.

-¿Cómo está la escena musical en Chile y cómo se ubican ustedes dentro de ésta?
Francisco González- Actualmente no sé si hay un supergrupo que esté encabezando una nueva camada de grupos. Los que siguen haciendo ruido son los que venimos con más de diez años de historia.
Eduardo Caces- Hay solo dos sellos que están sacando música nueva. Se está haciendo mucha música, pero el espacio que tienen para expresarse se está modificando. La relación con los sellos está cambiando. Ya es muy fácil hacer tu propio sello, tu propio disco… Para los sellos la estocada fue muy fuerte de esta nueva tecnología casera que te permite hacerte un disco en tu casa que casi, casi puede competir con uno de una multinacional.

- Después de la camada de ustedes, Chile no ha producido muchas bandas de exportación.
CV- Yo he estado grabando a bandas nuevas y sé que están pasando cosas en Chile. El problema es que para verlas desde afuera es medio complicado. La distancia y los medios no colaboran.
FG- Se terminaron Los Tres que eran el supergrupo, vuelven Los Prisioneros, La Ley siguen haciendo lo suyo por acá, pero ya están fuera de la escena chilena. En la electrónica han surgido un par de proyectos muy interesantes pero lamentablemente la electrónica no es de ninguna forma masiva. La gente todavía tiene como recelo hacia la electrónica y la gente que sigue a la electrónica es una elite.
EC- En Chile hay grandes cantantes con grandes canciones luchando por un espacio en el circuito comercial. Todavía está en pañales.

- ¿Ahora que están afuera, como ven a la música chilena a comparación del resto de Latinoamérica?
CV- Yo creo que hace falta inyectar dinero en Chile para hacer discos. Creo que hay muy buenas bandas pero falta dinero lamentablemente. Los sellos no están editando… Pero en cuanto a lo musical yo estoy muy orgulloso de lo que pasa en Chile, porque hay muy buena música de todos los tipos, desde hip hop, trance, metal, punk…

- ¿Ya empezaron a tramar el nuevo disco de estudio?
CV- Ya hace un año que estamos trabajando con Sesión Futura y ya queremos pronto sacar música nueva, para nosotros es también como una necesidad. Cada uno de nosotros está en forma independiente trabajando en su mente y en su instrumento ideas nuevas. Ya llegará el momento en que las pongamos juntas para armar el próximo disco.

- ¿Pero todavía no tienen un concepto claro de cómo va a sonar?
CV- Cuando estemos ahí cocinando, sabremos cuánta sal le ponemos.
FG- Yo creo que va a ser más rockero y a la vez más electrónico.
EC- Ahora estamos en el supermercado. Vamos a sacar esto, queremos aquello otro… vamos a llegar a la casa y ahí vamos a empezar a cocinar. Pero ya desde el hecho de estar acá, de vivir, de comer, de respirar, de ver cosas, eso te va dando información y eso te amplía la visión.

Generación Hip Hop

2005-04-03T05:26:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en hiphopargento.com, 2002)

Primera Generación
“La Vieja Escuela”
Son los que se acercaron al Hip Hop a través del break dance y sus películas, en la primer mitad de los 80’s. Muy pocos quedaron una vez pasada la moda. Se dieron cuenta de que detrás del baile había algo más, el rap, el graffiti, la forma de vestir, pero no llegaban a comprender la unión de esos elementos como un movimiento cultural.
Eran muy pocos y se conocían casi todos entre sí. Interpretaron el Hip Hop a su manera, con lo poco que veían e imaginaban. No tenían fuentes de información fiables, ni predecesores en los que verse reflejados, su nivel sociocultural era predominantemente bajo. Una vez que pasó la moda se convirtieron en el hazme reír de todo el mundo y terminaron aislándose de la sociedad, moviéndose exclusivamente en círculos herméticos.
Influencias Primarias: Sugarhill Gang, Kurtis Blow, Break Machine, Nucleous, Afrika Bambaataa, Grandmaster Flash & The Furious Five, The Rocksteady Crew. En un comienzo ni sabían diferenciar al rap del electro-funk, es más, casi ni sabían que ese tipo de música se llamaba rap. Para los más mayores era una extensión del Funk y el Disco, para el resto era la música de Break.
Iconos: Zapatillas con cordones gruesos y equipos de gimnasia Adidas, Puma o Fila. El pasacassette. Los cartones de heladeras. Los discos de vinilo. Morón. El Obelisco.
Rap en castellano: Los primeros intentos de rappear en castellano fueron llevados adelante por los pioneros de esa generación. A ellos les costó más que a nadie ya que nunca antes habían escuchado a alguien rimar en su idioma. No entendían inglés, así que no entendían las letras de lo que escuchaban, por lo que tampoco imaginaban los alcances de la rima y no podían evolucionar en estilo, métrica y flow. Sólo copiaban lo que oían y lo rellenaban con palabras en su idioma.

Segunda Generación
“Los payasos de la gorra”
Son los que descubrieron el rap a comienzos de los 90’s con la explosión del rap comercial norteamericano y el hip-house europeo. Sabían del break dance de la generación anterior, pero no encontraban la relación directa con ellos. Para esta nueva generación, el rap era algo más cercano a la música techno y dance. Al igual que en la generación anterior, carecían por completo de información fidedigna aunque contaban con mayores recursos. Eran igualmente marginados por el resto del underground y ridiculizados por los medios de comunicación, lo que los terminó llevando a recluirse en el anonimato de la misma manera que lo hicieron los de la vieja escuela.
Influencias primarias: Jazzy Mel, MC Hammer, Vanilla Ice, Marky Mark, Technotronic, Twenty 4 Seven, PM Dawn, Snap, C+C Music Factory, KLF. El poco rap que llegaba era infantil, simplón, comercial y básicamente bailable. Los que sobrevivieron a la moda y profundizaron un poco más, descubrieron que también había rap duro, callejero y contestatario con grupos como Public Enemy a la cabeza.
Iconos: Las gorras de baseball se convirtieron en sinónimo de rappero. Las camperas universitarias norteamericanas. Las estrellas de Mercedes Benz. Ropa de muchos colores, mal combinados. Trencitas para las chicas, dibujos en el pelo para los chicos.
Rap en castellano: Recibieron el rap en castellano con los brazos abiertos de gente como Jazzy Mel y MC Ninja. “El Rap de la Abuela” de Willfred & la Ganga, Bravo & DJ’s, Mellow Man Ace, Gerardo eran los pocos ejemplos que encontraban de cómo rimar en su idioma. Los vicios de la vieja escuela les fueron transmitidos por herencia directa.

Tercera Generación
“Las Generación Alternativa”
A mediados de los 90’s se produce a nivel mundial la explosión alternativa que trae consigo a La Argentina la revalorización del rap como expresión musical auténtica. Por primera vez el género es respetado dentro del underground y por la gente del rock que lo ven como una música de protesta y esencialmente callejera. La mayoría de los que se acercaron al rap en esta etapa venían del hard core punk, andaban en skate o bien eran jóvenes con mayor poder adquisitivo que habían viajado por el mundo y habían descubierto afuera que el rap era “cool” y no como lo pintaban en los medios de comunicación locales. Para esta nueva generación, el Hip Hop tampoco era un movimiento cultural, no reconocían a los demás elementos. Consideraban al break dance como algo del pasado y no encontraban un vínculo directo entre el rap que escuchaban ellos y el de la generación anterior. La mayoría de los que se acercaron al Hip Hop en esta generación no lo asumen públicamente por el desprestigio que adquirieron de parte de los que venían de generaciones anteriores y venideras. Muchos en realidad habían formado parte de la segunda generación y se habían alejado cuando el rap pasó de moda, ahora volvían pero sin atreverse a aceptar su pasado.
Influencias Primarias: Cypress Hill, Beastie Boys, Control Machete, Delinquent Habits, House Of Pain, Onyx. El rap para esta nueva generación era algo totalmente opuesto al baile. No les molestaban las fusiones con guitarras distorsionadas. Los más cultos, al mismo tiempo, se acercaron a través del Acid Jazz con gente como US-3 y Guru-Jazzmatazz. También aparecen por primera vez, con esta generación, los pseudo gangsta rappers inspirados en las películas de Hollywood de la primera mitad de los noventas.
Iconos: Baggie pants. Cadenas. Buzos con capucha. Gorros de lana hasta las cejas y skateboards. Nave Jungla. El Gran Omi. La Negra. Moshpit Posse.
Rap en castellano: El rap chicano/boricua de Cypress Hill, Kid Frost, Delinquent Habits y otros por el estilo, les demostró cómo se podía rimar en español –con recursos limitadísimos- sin parecerse a los rapperos de la era Jazzy Mel. Control Machete les vino como anillo al dedo, confirmando la teoría.

Cuarta Generación
“Los emecés”
A finales de los 90’s entra en Argentina el rap en castellano importado directamente de la península ibérica. Los rimadores españoles le habían encontrado la vuelta al idioma y habían aprendido a rappear sin sonar ridículos como los de las dos primeras generaciones, ni imitadores de chicanos como los de la tercera.
Así mismo la expansión de Internet y la total apertura del comercio hacen que el Hip Hop sea mucho más accesible. La información llega por primera vez, con corrección y alcance masivo y la gente empieza a entender de qué se trata eso del Hip Hop y cuales son los elementos de la cultura. Aparece el graffiti con más fuerza que nunca gracias a las revistas importadas. El break dance vuelve a ser reconocido y aceptado. Se respeta a las generaciones primeras como pioneras del movimiento, no así a la tercera.
Influencias primarias: Frank-T, 7 Notas 7 Colores, Ari, Violadores del Verso, La Organización, Geronación, Tiro De Gracia, Makiza, Verdaderos Kreyentes de la Religión del Hip Hop, Wu-Tang Clan, KRS-One, DMX, Busta Rhymes, IAM, NTM, Rocca.
Iconos: Revistas de graffiti. Black books. El logotipo de Wu-Tang. Ropa Tommy Hillfiger, Fubu y Tribal Gear. Música en MP3. Hip Hop Nation. La Meka. La Reina. Las Jams de Merlo. Los Campeonatos de break dance. Los foros de discusión en la red.
Rap en castellano: Ni se lo cuestionan. ¿Acaso hay otro idioma en el que se pueda rimar? El castellano se transforma en su bandera de lucha, llevan la evolución del uso del idioma a la perfección. Se preocupan por la corrección gramatical y sintáctica. Abandonan completamente el uso del slang y el spanglish.

Salma es Frida

2005-04-03T05:23:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, USA, 2002)

Salma Hayek se acaba de asegurar una nominación al Oscar con su personificación de Frida Kahlo. Aunque lo más relevante no es que haya actuado en la película, sino que la haya producido. Saber que una artista mexicana y confesa admiradora de la otra artista mexicana, está por detrás de un proyecto ambicioso como este, es garantía de antemano de que nos encontramos frente a una reconstrucción respetuosa y ajena a los acostumbrados manierismos hollywoodenses.
“Tenía ya muchos años de estar familiarizada con Frida –nos cuenta Salma-. Desde que tenía como catorce años había leído muchos libros y había ido muchas veces a La Casa Azul, al museo que hicieron en San Ángel donde era el estudio de Diego (Rivera). Conocí a mucha gente que la conoció. Algunos de sus alumnos. La hija de Diego…”
Frida –la película- es una detallada reconstrucción histórica de la biografía de Frida -la pintora-. Quizás ahí radique uno de los principales inconvenientes del film: en su afán por registrar la vida y obra de Frida Kahlo con exactitud, termina siendo una simple narración lineal de sucesos, sin profundizar casi nada en sub-tramas, ni desarrollar personajes secundarios.
Eso no nos priva de poder disfrutar de una buena película con una envidiable producción artística. Imposible no dejarse absorber por ese mundo surrealista que se filtra entre toma y toma con la yuxtaposición de collages, pinturas vivientes, maquetas y títeres combinando, de maneras diferentes, técnicas y texturas que crean todo un idioma visual, muy plástico y coherente.
“Frida tenía una realidad paralela de imágenes en su mente que eran completamente diferentes a lo que nosotros vemos. Era una mujer con una imaginación muy rica. Yo quería encontrar un director que pudiera hacer la película en el primer idioma de Frida que es su lenguaje visual. Julie Taymor tiene esta capacidad. Además es una mujer y eso era muy importante para mí y es una artista. Yo sabía que ella iba a entender el espíritu de una artista femenina”.
Ahora bien, lo del idioma visual, perfecto. Pero a la hora del hablar, Frida y su marido, Diego Rivera (interpretado por Alfred Molina) lo hacen en inglés. Claro, es una película de Hollywood, se entiende. Lo que no se entiende bien es por qué hablan en inglés “achicanado”, como si de inmigrantes latinos en los Estados Unidos se tratase, filtrando palabras en castellano en una especie de spanglish con acento bien marcado.
“Tiene que tener acento latino porque yo no puedo hablar inglés sin acento. Y los otros tampoco, casi todos tienen acento porque son todos latinos. Alfred (Molina) lo tiene medio que emparejar, porque sino sería raro que unos hablen con acento y otros no. Casi no hay palabras en español, más que las que no pudimos traducir como “panzón”.
-Pero las personas que están en tercer plano, los extras, sí hablan en español entre ellos, mientras ustedes hablan en inglés.
-Porque no hablaban inglés. ¡No sabían! Eran extras mexicanos. No vamos a traer extras americanos. A mí me gusta que sea así. Además, hay unos mensajes secretos que son bien bonitos en la película, que sólo nosotros los vamos a ver, sólo los que hablan español.
-Pero por ejemplo, cuando viajan a New York y hablan con los gringos de igual a igual, en el mismo idioma, ahí se rompe la ilusión. Es contradictorio.
-Te voy a ser sincera. Eres la primera persona que dice esto. No hemos tenido problemas, realmente. Pero si hubiera problema tampoco me importaría porque era la única manera que teníamos de hacer esta película.
Después está el tema de la bisexualidad y las promiscuidad de Frida y su marido. Que aunque, como aclara Salma, “la película no se trata sobre eso”, tiene un lugar preponderante en el desarrollo de la historia así como también “era una parte muy importante de la vida de Frida”.
“Teníamos que encontrar un balance en donde no nos viéramos cobardes, como que no quisimos tocar eso, pero en donde no nos desviáramos de la historia para tratar de complacer, que es justamente lo que a Frida no le gustaba hacer. Entonces teníamos que integrar esa parte pero no pasar mucho tiempo, porque tenemos dos horas para contar una historia tan intensa. Yo creo que quedó un buen balance. Obviamente, todas las escenas de desnudos son difíciles siempre. Pero cuando uno se compromete con un personaje, uno tiene que comprometerse completamente y abrazar al personaje por todo lo que es, sin hacer juicios.”
Resultado: los fans de Salma saldrán más que satisfechos al poder apreciar, en repetidas ocasiones, generosas porciones de epidermis de la curvilínea mexicana que hasta ahora se habían mantenido ocultas a la cámara. Ni siquiera el proceso de afeamiento de la actriz llega a bajar la temperatura en las escenas lésbicas.
-¿Tu personalmente, como artista, te sientes identificada con Frida en algún aspecto?
- Pues sí, en muchos aspectos. Realmente, para hacer un personaje no es bueno pensar en qué se parece a mí, en qué me identifico… La mejor forma de agarrar un personaje es desligarte totalmente de ti misma y crearlo nuevo por completo. También me cuesta trabajo decir en qué me identifico porque algunas de las cosas con las que me podría identificar son cosas que han sido inspiradas por ella. Hay aspectos de ella que yo valorizo y admiro y trato de usar esa inspiración, ser un poco como ella. Como por ejemplo su valor para ser diferente.
- Frida, para su época, era una mujer súper moderna…
- ¡Y para nuestra época es una mujer moderna!
- Ahora, ¿tu te sientes de alguna forma, un modelo de mujer latina moderna?
- No, yo no me siento nada. Mujer latina ni nada. No me ocupo de sentirme esto o el otro. Nomás me ocupo de vivir el momento.

Sindicalismo rapero a la argentina

2005-04-03T05:20:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, USA, 2002)

Para muchos sonará a novedad del momento eso de Sindicato Argentino del Hip Hop. Lo cierto es que ni el hip hop en Argentina es cosa novedosa, ni ese sindicato es de reciente fundación. De hecho, el Sindicato tuvo mucho que ver con la historia, el nacimiento y el desarrollo del movimiento hip hop en Buenos Aires, desde comienzos de los 90’s.
Un Paso A La Eternidad, su pimer disco en una multiancional tampoco es novedad, fue editado en Argentina en el 2000 y contiene canciones “que ya veníamos tocando desde hace seis o siete años” por lo que “no representa el sonido de lo que es el Sindicato hoy en día”. Así nos lo cuenta Smoler, uno de los cuatro MC’s que componen la formación actual del Sindicato y uno de sus miembros fundadores. Lo acompaña su hermano: Huexo, el más joven del grupo. Un poco más allá está Frost, un prócer de la old school rappera argentina, veterano rimador de Morón que se adjudica el título de haber sido uno de los primeros MC’s porteños en componer sus versos en castellano, durante la década del ‘80. Completan la formación otros dos hermanos: Derek y Fabri, MC y DJ respectivamente.
A todos los conocí en el underground de Buenos Aires, allá por 1996, en ese entonces tocaban con instrumentos en vivo y contaban sólo con una grabación, como invitados de Actitud María Marta, en una canción de su primer disco. Dieron su primer entrevista, conmigo, para un extinto fanzine de hip hop argentino. Ahora nos volvemos a encontrar, seis años después, esta vez en Los Angeles, California. Vienen con un Grammy al mejor disco de rap en español en su haber y acaban de girar por las dos costas de Estados Unidos, promocionando el lanzamiento de su disco en este mercado. ¿Quién lo hubiera dicho?
“Mirá a dónde nos estás entrevistando, boludo!”, se admira Smoler. Estamos recorriendo los murales graffiteados de East LA y Down Town, con la guía del artista del spray local Nuke. “Estuvimos todo el tiempo en el hotel, en Hollywood, no habíamos tenido oportunidad de ver nada de esto todavía”. Ellos son del barrio y se sienten cómodos en el barrio. Allá por 1997, Mtv los había propulsado a la fama con su primer video “Del Barrio” incluido en el compilado Nación Hip Hop (producido por Zeta Bosio); en este nuevo disco, incluyen “Del Barrio (segunda parte)” en su repertorio. Por más éxito internacional y premios que hayan recibido, nunca dejaron de representar y hacer referencia a su barrio: Morón.
“El Grammy lo único que nos facilitó fue el poder venir a Estados Unidos. Si no fuese por el premio, no estaríamos ahora acá –explica Smoler- igual, por el hecho de estar nominados, ya estábamos conformes”. Ocurre que la entrega de los Grammys Latinos del 2001 estaba programada para el 11 de septiembre y por razones de público conocimiento, fue postergada indefinidamente. Recién les fue entregado en febrero, “estábamos nosotros tres en el estudio casero grabando unos temas –comenta Derek- y llama Huexo que lo había visto por internet: “ganamos el Grammy!” No sabíamos cómo reaccionar. Nos chocó.”
Recién en febrero recibieron el galardón, en las oficinas de Universal Music de Buenos Aires. Para ese entonces la crisis económica ya estaba haciendo estragos en Argentina y la industria de la música no se había quedado ajena a la reducción de presupuesto. “Fuimos a buscar el Grammy, nos hicieron sentar a esperar, nos sirvieron café en una caja de zapatos, no tenían gaseosas, nos felicitaron cuatro personas y nos fuimos en el tren con el Grammy abajo del brazo”.
La Banda Elástica- Ahora, sinceramente ¿creían que se lo merecían?
Smoler - Yo creo que sí.
Fabri - Después de tanto tiempo, nos merecíamos un reconocimiento.
LBE - ¿Pero realmente creen que ese fue el mejor disco de rap en español del año 2000?
Frost: Yo creo que de los grupos que estaban nominados sí. Estábamos con la duda de 7 Notas 7 Colores, pero todavía no lo habíamos escuchado. Cuando lo escuchamos nos dimos cuenta de que el de nosotros era mucho más abierto. Es un disco para mucho público. El de 7 Notas… es para un público más del underground, más especializado. Es como que el jurado lo juzgó más abiertamente…
LBE– Lo preguntaba, porque recuerdo cuando todabía estaban grabando, que no se los notaba muy convencidos con cómo estaba quedando. Me decían que estaban perdiendo personalidad.
Fabri- En realidad estábamos ganando profesionalismo.
S- Es que muchas cosas las hacíamos mal y no nos dábamos cuenta en ese momento. Nos molestaba que venga alguien y nos diga cómo hacerlas.
LBE– Desde mi punto de vista, tenían mucha más personalidad e identidad argentina en sus proyectos anteriores inéditos, donde se dedicaban más a samplear tangos, que fue algo que siempre los destacó en la escena.
S- Es que muchos de esos temas no entraron en el disco.
Fabri- Pero no porque hayan quedado rechazados sino por falta de tiempo. Además seguimos sampleando tangos. Muchos de los temas nuevos tienen tango, pero tampoco esa es la marca del Sindicato. En Un Paso A La Eternidad no sampleamos tango pero sampleamos a Larralde que es folklore bien nuestro.
LBE- ¿Qué impresión se llevaron del hip hop en Estados Unidos?
S- Es nuestra primera vez acá. Pero vinimos a trabajar. Ya no vinimos con esa ilusión de chicos b-boys de ir a Estados Unidos. Además, me llevé un poco una decepción del hip hop en Estados Unidos. Al ver ese monopolio de los cuatro o cinco que son siempre los mismos en Mtv. Me siento en el medio de una nebulosa. Hay muchas cosas que todavía no puedo entender de cómo es el hip hop acá. Todavía no puedo sacar una conclusión. Lo que sí se es que la forma en que se vive el hip hop es totalmente diferente.
LBE- ¿Y al rap en español cómo lo ven para entrar al mercado americano?
S- El hip hop latino no entra acá. Pero hay muchos grupos, lo que pasa es que no tienen dónde expresarse. Acá no hay una escena. Para nosotros es como un trabajo de hormigas venir a tocar acá, es como cuando empezábamos a formar la escena allá. Estamos tocando en la escena de rock en español. Así que es como empezar todo de cero.

ORISHAS y la revancha del rap cubano

2005-04-03T05:18:00.000-07:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, USA, 2002)

Cuando Orishas apareció en el mapa, allá por 1999, lo hizo de manera explosiva y la reacción en cadena no tardó en expandirse por todo el mundo. Las consecuencias son visibles hasta el día de hoy, Orishas no sólo revolucionó al mundo del rap latino sino a la música en general en sí.
El 2000 fue el año en que los cubanos se comieron el mundo alcanzando records jamás imaginados por ningún otro grupo de rap en castellano. Para ese entonces las escenas hip hop de España y Latinoamérica –incluida Cuba- ya estaban más que desarrolladas y daban a luz innumerables talentos que, sin embargo, pocas veces alcanzaban a trascender el ámbito local. Se puede decir entonces de Orishas, que fue el primer grupo de rap hispano intercontinental y más aún, el primero en traspasar las rígidas fronteras del mundillo hip hop y triunfar sin problemas ante una audiencia heterogénea y global.
La razón de este fenómeno hay que buscarla en la fusión tan particular que lograron entre sampleos de ritmos tradicionales cubanos y beats de hip hop, entre estribillos salseros y estrofas rapeadas con ágiles flows en castellano. Eso combinado con una producción de altísima calidad y la reconocida calidad de grabación de los estudios franceses, más una invaluable cuota de suerte u oportunismo: salieron para la misma época del fervor por lo cubano impulsado por el boom del Buena Vista Social Club. Todo el mundo tenía los ojos (y los oídos) puestos en Cuba y el rap en castellano estaba ya en su punto justo, así que lo de Orishas era un éxito asegurado.
Ahora los encontramos promocionando su segundo disco y el panorama –hay que decirlo- se les plantea bastante más árido. Los segundos discos siempre son difíciles, esa es la norma corriente después de un exitoso debut, pero ahora que el boom del cubanismo ya pasó, ¿cómo van a hacer los Orishas –que pasaron de ser un cuarteto a un trío- para despertar el interés de la audiencia internacional? Solo el tiempo lo dirá.
-Emigrante tiene un poco que ver con la vivencia nuestra aquí en Europa; –nos comenta Yotuel, uno de los dos MC’s del grupo, desde su casa en Madrid- la gran diferencia que hay entre A Lo Cubano y Emigrante es que el primero va más dirigido a la audiencia cubana. Hace referencia al ambiente que respirábamos allá donde vivíamos en Cuba. El disco Emigrante está más centrado en lo que vivimos aquí, en la sociedad europea y lo que hemos captado nosotros aquí como emigrantes. Esa es la gran diferencia que hay a nivel de texto. A nivel musical este disco es un poco más rico, más melódico y de cierta forma más fino. Es un disco en donde no hay sampler. Sólo hay un tema con sampler. En este disco en vez de samplear música cubana la tocamos. La rehicimos. Y eso es como un poco más interesante porque es como crear algo nuevo.

-¿A qué se debe que hayan escogido a un MC francés como Passi como invitado? ¿Por qué no un MC de España, por ejemplo, siendo que tu vives en Madrid?
-Porque bueno, nosotros las colaboraciones las buscamos primeramente por feeling. Passi nos propuso él mismo trabajar con nosotros. Nosotros no lo fuimos a buscar a él. Si hay feeling y quedan las cosas de manera armónica, lo hacemos. No nos interesa que haya un featuring con dinero de por medio.

-Después del éxito de A lo cubano, a muchos que intentaron mezclar rap con ritmos tropicales se les ha acusado de imitar el “estilo Orishas” como el caso de Rocca y el Sindicato Argentino del Hip Hop. ¿Creen que su estilo es una marca registrada?
-Es lógico que cuando sacas un primer disco y funciona tan bien, mucha gente lo tome como punto de guía para su música. Pero una cosa es tomar a Orishas como un punto de guía y crear algo nuevo y otra cosa es imitar a Orishas. Y yo creo que la gente siempre va a elegir a lo real, a lo primario. A todos estos grupos, tanto Rocca como los otros que han salido, bueno, que hagan la música que siempre han hecho, que no pretendan aprovechar el fenómeno de Orishas para entrar a un mercado. Nosotros hacemos nuestra música así porque lo único que conocemos es rap y música cubana. En nuestra tierra no hay nada más. No hay música argentina, no hay música colombiana. Nosotros usamos la música cubana porque esas son nuestras raíces, eso es lo que conocemos. Pero bueno… me imagino que Rocca también dirá, yo soy colombiano y en Colombia también hay salsa. Y yo creo que está bien que lo haga pero bueno, tiene que saber que hay un Orishas que ya lo ha hecho. De todos modos, el disco de Rocca fue un fracaso total en Francia y yo creo que esa fue una de las causas.

-¿Cómo fue que no participaron por el Grammy Latino al mejor disco de rap?
-El problema fue que el disco se había presentado para los Grammys Latinos en el ’99 y la nominación de rap no apareció hasta el 2000. En el ’99 la compañía presentó el disco A lo cubano para los Grammys en la categoría de música fusión. Y en esa categoría había muchas más cosa de rock que de rap, pero bueno… cuando en el 2000 incluyeron la categoría de rap en español Orishas no podía participar porque ya había estado nominado el año anterior.

-Sé que volvieron a Cuba después del exilio y tuvieron un éxito masivo con su primer disco. ¿Qué repercusión tuvieron en la escena underground de la Habana de dónde ustedes salieron? ¿Los acusaron de traición, de vendidos?
-Bueno, hay muchos rapperos cubanos que creen que la música de Orishas es una mierda. Yo lo que les digo es que los rapperos de Orishas vienen de una formación que hizo historia en el rap cubano que se llamaba Amenaza. Fue el único grupo de rap en Cuba que ha llegado a reunir tres mil, cuatro mil personas en concierto. Un grupo muy mítico en la escena de rap cubano. Y nosotros sentíamos que lo que hacíamos era rap cubano, pero le faltaba todavía ese sello para lanzarlo al mundo. Yo creo que cuando llegamos a Orishas alcanzamos la madurez necesaria para lanzar un proyecto como ese y yo creo que el único grupo que representa realmente lo que es el rap cubano y el único grupo que le da un sello realmente a su música con música realmente cubana es Orishas. Si ves cómo hacen el rap los americanos, ellos mezclan las bases de hip hop con samples de George Clinton o de Kool & The Gang. Mezclan los beats con lo que es su old school. ¿Y mi old school quién es? Es Compay Segundo, es Buena Vista, es mi rumba, es mi guaguancó. Por eso creo que Orishas representa realmente al rap cubano aunque muchos de los rapperos cubanos no lo crean así.

-En este nuevo disco hacen mucha más referencia a la mujer, al amor e incluso a sus hijos. ¿Se pusieron más sensibles, más maduros o se enamoraron?
-Este disco es un poco más sentimental, más nostálgico. Hablamos mucho del abuso sexual que sufre la mujer, no sólo de lo que vemos acá en Europa sino de todo el mundo como el caso de la prostitución de chicas en Tailandia o en Nigeria, las mujeres que mueren apedreadas por sus maridos. Es un tema que nos choca mucho y nosotros como latinoamericanos tenemos mucha consideración por la mujer, de hecho somos muy, muy, muy, muy fieles a nuestras madres. La madre para el latino es una cosa sagrada. Y bueno, todo eso del abuso y la discriminación nos preocupa. En el caso de temas como “Niños” es porque todos fuimos teniendo hijos aquí en Europa y nos vimos en la necesidad de escribirle un tema a esas pequeñas cositas que hacen a uno cada día un poco más feliz. Con toda la mierda que uno vive en el mundo día a día, no hay nada más lindo que llegar a tu casa y encontrarte con tu hijo. En ese sentido creo que este disco tiene un grado de madurez mucho más importante que el otro. Es un disco más evolutivo, con mayor estética, con mejor forma que A Lo Cubano.

-En una entrevista que dieron para Hip Hop Nation decían que no se identificaban como emigrantes cubanos. Eso puede sonar contradictorio con el título de este nuevo disco.
-El problema es que nosotros somos emigrantes musicales. Nosotros no formamos parte de los emigrantes políticos como los que hay en Estados Unidos o en Europa. Esa es la distinción que queremos hacer. Nosotros no somos exiliados. Simplemente somos emigrantes musicales que vivimos afuera, porque en Cuba no podíamos vivir con la música que hacíamos.

-La fusión que Orishas hace de su música puede ser fácil de digerir por un público que no necesariamente está metido en el hip hop y a eso se debió gran parte de su éxito. ¿Están de acuerdo?
-Claro que sí. Claro que al mezclar el rap con la música cubana por supuesto que se te abre la opción de poder llegar a otro tipo de público. Eso nos hace más accesibles a nivel general. No nos cerramos solamente en un público juvenil sino que podemos tocar la sensibilidad o el corazón de personas mayores o hasta de niños.

-Del panorama del rap en español son el grupo que con más facilidad ha atraído a la audiencia de habla inglesa de EEUU, incluso se les han abierto puertas que a la mayoría de los grupos de rap en español no se les abren. ¿Esto se debe a lo mismo que mencionábamos antes?
-Sí, un poco. Porque entrábamos con otro sonido, con una cosa diferente, ¿no? Y eso fue lo que un poco le gustó a la gente.

-Más allá de la diferencia del idioma…
-Claro y eso ha sido lo mismo en Francia, en Alemania, en Suiza, en todos los países europeos. Nuestra música mezclada con música cubana nos permite acceder a gente que aunque no entienda español se deja llevar un poco por la música.

Diez años de punk latino

2005-04-02T18:13:00.000-08:00

Por Juan Data (Capítulo del libro nunca publicado del décimo aniversario de La Banda Elastica, USA, 2002)

No es tarea sencilla la de definir a algo tan intangible y heterogéneo como el punk. ¿Qué es el punk? ¿Es ser un punk o es tocar música punk? ¿Punk es seguir una contracorriente fashion pergeñada por Malcom McLaren y liderada por bandas que de tanto proponerse ser anti-rockstars terminaron siendo las estrellas más influyentes de su década? ¿O punk es ser un aktivista anarkista vegetariano anti-globalización y anti-korporativismo que vive en una casa okupada y eskribe todo con K? ¿O punk es ser un desobediente, un malcriado, un rebelde sin causas que no quiere ser lo que sus padres quieren que sea? ¿O punk es ser un adolescente californiano de familia disfuncional que anda en skate y se queja de que las chicas no quieren? ¿Qué tienen en común Sid Vicius, Ian McKaye de Fugazi y Billie Joe de Green Day?
Todo parece indicar que en los 80’s ser punk era algo más definido. Uno se calzaba los borceguíes, le cocía unos parches con letras “A” a la ropa, decoraba la campera de cuero con alfileres de gancho y tachas y se cortaba el pelo con la infaltable cresta Mohawk y ya se podía decir que se era punk. Esa era la imagen cliché que los medios difundían y los jóvenes rebeldes de toda Latinoamérica (y el mundo) la asimilaban y la hacían propia. Eso no les quita mérito a los punks latinos de la primera camada. Si ser punk en ese entonces era sinónimo de valentía, en la conservadora Londres o la moderna New York, lo era mucho más en los represivos y autoritarios estados latinoamericanos que tímidamente se abrían a la democracia y veían con recelo y temor todas las expresiones culturales que llegaban desde el norte, incluso eso a lo que llamaban rock. El punk, adaptado a la realidad latina, adquiría todo un sentido diferente, relacionado íntimamente a la lucha política y social de aquel entonces.
Cuando hace diez años nacía La Banda Elástica, el panorama del punk latino ya era bien diferente de aquel de comienzos de los 80’s. Los punk-rockers que en aquel entonces se esforzaban por diferenciarse del establishment rockero, ahora se enfrentaban al dilema de tener que definir su propia identidad dentro de las miles de etiquetas derivadas del punk: hardcore, straight-edge, emo, sharp, skinhead, ska-core, old school, neo-punk, oi!… Ya no quedaban dictaduras militares a las que enfrentar con discursos subversivos, pero eso no necesariamente simplificaba el panorama para los punks latinoamericanos. Ahora ser punk se había vuelto algo mucho más complejo y elaborado.
El surgimiento de la corriente hardcore a comienzo de los 90’s propone el primer cambio estético en el mundo del punk. Además de imponer su sonido mucho más duro, acelerado y menos melodioso, los HC-boys cambiaron el uniforme punk tradicional por el look de tipos duros, pero limpios y sanos: pantalones militares, bermudas, camperas de aviador, gorras de baseball, cabezas rapadas. Se expandían singular aceptación los principios del straight-edge (ni drogas, ni alcohol, ni corporaciones multinacionales) en el underground de España y muchos países de Latinoamérica. Los tatuajes en letras góticas, los puños con la X, los fanzines alentando boicots a Mc Donalds y las corridas de toros… Se incorporaban también a la escena los skinheads neonazis, primero en la península ibérica, luego en Sudamérica. Se habían adueñado de la estética mod y el sonido oi! y reivindicaban a la extrema derecha chocando contra la mayoría anarko-punk y convirtiendo así los gigs en batallas campales. En la trinchera de enfrente se alistaban los sharps, skinheads anti-racistas que se identificaban con el ska-core: género mayoritario en Centroamérica.
El principal aporte de esta escena al mundo del punk fue la mejor organización. Los punk latinos de los ochentas, inmersos en el caos de las borracheras y peleas no habían logrado hacerse oír lo suficiente, salvo cuando firmaban con compañías disqueras y entraban a la escena pop-rock. Pero el verdadero punk es el que se mueve en el underground por propia elección y no por opción o antesala al mainstream. En los 90’s ya habían aprendido la lección y llevaron el DIY (hazlo tu mismo) al extremo. Fanzines, distros y sellos indies comenzaron a abrirse camino y a extender las redes de contactos a nivel internacional en base al principio anarquista del cooperativismo. De esa manera, muchos grupos que se gestaban en ese mundillo underground tenían la posibilidad de editar y distribuir sus discos con éxito en otros países y viajar por el mundo con su música sin siquiera que la prensa masiva o la industria de la música mainstream se diese por enterada.
Finalmente, el sueño de una escena punk hispana totalmente autogestionada parece materializarse y se planta firme como una contrapropuesta eficaz al mercado de la música masiva. Los músicos se jactaban de ser iguales a su público. Proliferaban los mensajes libertarios y de “mentes abiertas”. Todos son buenos, se quieren y se respetan, incluso dentro del moshpit. Hay lugar, incluso, para una nueva corriente que da cabida a los chicos sensibles y las chicas, que no necesariamente eran todas riot grrrls. Este nuevo hard-core melódico y emo impone la estética de dibujos naif en las portadas de los discos y hasta da la bienvenida a los gays.
Simultáneamente, desde la cocina de Mtv, se expande la gran contrarevolución punk de la década, que viene a ser justamente el extremo opuesto de los principios que dominaban el ser punk en el under. En 1994 la muerte de Kurt Cobain pone en primera plana el sonido post-punk que caracterizó a la generación x norteamericana y lo termina de instaurar en todo el mundo de habla hispana merced a la insistencia de Mtv y la consiguiente martirización de este nuevo Sid Vicius. Ese mismo año Green Day y su disco Dookie dejan entrar al mercado masivo el neo-pop-punk californiano que poco y nada tenía que ver con los principios combativos anarquistas de sus antepasados, pero sirve para capturar en sus redes a toda una nueva generación de frustrados teenagers latinoamericanos que se suman a esta suerte de “venganza punk de los nerds”.
Sin embargo, si vamos a referirnos al punk latino de los noventas, quienes marcaron la gran innovación, el gran cambio interno dentro de la escena, tanto a nivel estético como ideológico y sonoro, fueron los franceses Mano Negra y los vascos Negu Gorriak, que encabezaban esta nueva corriente (con sus aliados americanos Todos Tus Muertos, Tijuana No!) que entendía mejor que nadie la apropiación hispana de los principios del punk. Ya no se trataba sólo de tocar fuerte y desafinado, podían incorporarse libremente elementos del rap, dub y ritmos afro-latinos y la corriente ideológica se actualizaba, haciendo bandera de la lucha anti-globalización, reivindicando a las Madres de Plaza de Mayo y la guerrilla Zapatista e imponiendo como icono al Che Guevara. Este nuevo punk latino no choca ni se impone sobre el hardcore punk del underground, que sigue moviéndose por sus canales propios. A diferencia de aquellos, estos se difunden sin remordimientos por Mtv y firman con multinacionales y de esa manera atraen a todo un nuevo sector de público compuesto de neo-hippies, okupas y mochileros trotamundos.
Desde ya que siempre siguió habiendo punkeros estilo 80’s en la escena latinoamericana y claro que en los 90’s también surgieron otras corrientes importantes dentro del movimiento, aportando nuevas características dependiendo de cada país; pero sería imposible abarcarlo todo en este limitado espacio. Existen mil y una maneras de entender y explicar lo que es el punk y lo que significa ser punk en el universo latinoamericano. La utopía del mundo perfecto permanecerá vigente aunque cambie de forma y concepción, pero siempre va a haber chicos de dieciocho años dispuestos a creerla.

Diez Años De Rap En Espanol

2005-04-02T17:56:00.000-08:00

Por Juan Data (capítulo del libro nunca publicado del décimo aniversario de La Banda Elástica, 2002)

El rap en castellano, a comienzo de los 90’s, era una broma. Hablar de hip hop en aquel entonces era más que irrisorio. Si bien en la mayoría de los países de habla hispana habían empezado a verse tímidamente expresiones de ese movimiento cultural desde la primera mitad de los 80’s, inspiradas por aquellas películas de break dance, no fue hasta los 90’s que el rap se empezó a filtrar de a poco entre los géneros musicales dominantes y unos cuantos años más le costaría el ganarse el merecido respeto.
Cuando La Banda Elástica apareció por primera vez en 1992, el rap en castellano todavía mantenía aquella imagen de género comercial e infantil que había heredado de sus años oscuros. Uno pensaba en rap latino y las primeras imágenes que se venían a la cabeza eran Gerardo con su “Rico suave” o Wilfred & La Ganga con “Mi abuela”. Ahí estaban Jazzy Mel en Argentina y Caló en México, El General desde Panamá sacudía a toda Latinoamérica con su “pum-pum” y los compilados españoles Rap in Madrid y Rap de Aquí intentaban -sin éxito- poner a la península ibérica en el mapa del hop hop. Todavía resonaban ecos del hip house y era dominante el cliché del rappero con gorra de baseball haciendo señales con las manos.
Brasil llevaba la delantera con su rap en portugués. Desde 1988 tenía una escena estable en la ciudad de São Paulo y para 1993 ya contaba con propuestas serias de rap contestatario: Racionais MC’s hacían sonar su primer gran hit “Fim de semana no parque” y el carioca Gabriel O’Pensador sacaba su disco homónimo con el controvertido “(Tô Feliz) Matei o presidente”. Desgraciadamente el rap brasileño nunca atravesó los límites geográficos de su país y en el resto de Latinoamérica no se dieron por enterados.
El primer gran quiebre histórico del rap llegaría ese mismo año con la salida del álbum “Black Sunday” de Cypress Hill, que instantáneamente se transformaría en el disco de rap más influyente para los aspirantes a MC’s latinoamericanos durante toda la década.
Pero por más guitarra distorsionada y mensaje contestatario que le pusiesen, el rap en castellano seguía sin ganarse el respeto del público underground. Aún no encontraban la manera de adaptar el flow a la lengua española. Aún no tenían la experiencia suficiente para producir beats con un estilo e identidad propio. Para la prensa y la televisión el rap latino, entonces, era sinónimo de Proyecto Uno y su tiburón.
La gran revolución no llegó sino hasta 1994, el año del desembarco del auténtico rap en castellano. Ese año nace en España el primer sello discográfico especializado, Yo Gano, con la edición del histórico Madrid Zona Bruta del Club De Los Poetas Violentos, el disco que cambió de una vez y para siempre la manera de rappear de los MC’s hispanos. Simultáneamente y sin aparente conexión, en Santiago de Chile, La Pozze Latina y Panteras Negras sacan a la calle sus discos debut de puro rap creíble, callejero y políticamente conciente en castellano. “Con el color de mi aliento” de La Pozze Latina se convierte entonces en el primer hit de este nuevo rap de estirpe underground en hacerse su lugar en el mainstream y entra en rotación en MTV Latino despertando a muchos desprevenidos rimadores de todo el continente.
Los dos años siguientes fueron de expansión y solidificación para sentar las bases del movimiento. B-boys, graffiteros, DJ’s y MC’s de las diferentes escenas underground de las grandes urbes empezaron a salir de sus cuevas y relacionarse, circulaban los primeros fanzines, las grabaciones piratas se pasaban de mano en mano y se organizaban los primeros eventos. A falta de información correcta acerca de la cultura hip hop, los entusiastas b-boys se empezaron a reunir y organizar. Ahí estaban todos los domingos reunidos en la estación São Bento de São Paulo, en el paseo San Agustín y la estación Mapocho de Santiago, en la galería Bond Street y el barrio de Caballito en Buenos Aires…
En España, en cambio, el rap local ya estaba bien encaminado y así lo confirmaban los discos debut de Frank T y La Puta Opepé, pero ni siquiera los ya consagrados del Club De Los Poetas Violentos, con un segundo disco en la calle, lograban trasponer las fronteras del underground y hacerse escuchar fuera de su país.
En la evolución del rap en español, fue clave el año 1997, marcando un antes y un después para todo el movimiento hip hop y determinando la consagración del género como uno más dentro de la industria de la música. Ese fue el año en que, en Chile, Tiro De Gracia editó su disco Se Hümano y rompió con todos los esquemas vendiendo 75 mil copias de un álbum de rap auténtico, positivo y puro, demostrando así que este tipo de música podía también gozar de éxito comercial, sin necesidad de adoptar el formato cliché del rappero latino que imponían los medios, ni imitando (como hacía la mayoría) a Cypress Hill. Ese fue también el año del lanzamiento de Nación Hip Hop en Argentina, el compilado que se convirtió en piedra angular de la escena, publicado por una multinacional (BMG) y producido por Zeta Bosio. También fue el año de la explosión del rap “con estilo chicano” en Uruguay (Peyote Asesino, Platano Macho, La Teja Pride…). También fue el año en que Racionais MC’s en Brasil sacaron su álbum record: Sobrevivendo no Inferno (¡medio millón de copias vendidas!). 1997 fue también el año del debut de Control Machete. Su “Comprendes Méndez” no tardó –MTV mediante- en convertirse el en primer gran crossover del rap en castellano.
Pero ninguno de esos sucesos se compara en magnitud con la edición, ese mismo año, del disco Hecho es simple, de los barceloneses 7 Notas 7 Colores. En su momento nadie lo advirtió, pero ese disco además de ser el primero en alcanzar nivel masivo en la escena española fue el que marcó el desembarco del rap ibérico en América Latina. Ya nada volvería a ser como antes.
1998 fue el año en que el rap de España tuvo su apogeo. La proliferación de sellos especializados le dio la posibilidad de trascender a grupos antes underground como Jazz Two, Geronación, Violadores del Verso y Sólo Los Solo. La avalancha del rap purista, positivo y competitivo había comenzado, y con Internet, la comunicación entre las escenas se hace más rápida y eficaz. Ese mismo año debuta en Chile el grupo Makiza con su producción independiente Vida Salvaje y abre nuevos horizontes para otra clase de rap, más intelectual y sensible, lejos de la imagen de macho MC dominante. Simultáneamente empiezan a saltar las fronteras de sus países rapperos como Vico C de Puerto Rico, Mangú de República Dominicana, La Corte de Venezuela y el descendiente de colombianos Rocca, desde Francia.
Al año siguiente, en Chile, Tiro De Gracia saca su segundo disco y se separan al poco tiempo mientras Sony firma a Rezonancia y Makiza confirmando el interés de las multinacionales por el rap. Al mismo tiempo La Organización se apodera de la escena argentina y Sudacas En Guerra hace lo propio en Uruguay terminando con el reinado del rap chicano-charrúa.
Para el cambio de milenio el rap en español ya está tan cómodamente instalado que hasta tiene su propia revista, Hip Hop Nation, cubriendo España y toda Latinoamérica. En España le toca el turno a La Mala Rodríguez y rompe el récord de ventas de 7 Notas 7 Colores. En Brasil Thaide & DJ Hum encabeza la renovación del rap en portugués que había quedado rezagado y le siguen Mamelo Sound System y Academia Brasileira de Rimas. En Chile Makiza se separa justo antes de empezar su gira por los países limítrofes y se esfuma así la mayor promesa del rap sudamericano de poder competir con el monopolio español. En Francia aparecen los cubanos Orishas que con su fusión con ritmos tropicales acercan al rap a un público mucho más amplio. Este fue un año también muy relevante en Colombia, donde el rap ya contaba con eventos multitudinarios como Hip Hop al Parque y se imponían grupos como El Imperio y Asilo 38. Pero si de eventos importantes hablamos no podemos dejar de mencionar el festival de Agosto Negro en Cuba, que ese año adquiere carácter de internacional con la participación de nombres de primera línea del rap anglo e hispano.
A pesar de la difusión y el crecimiento del género a nivel global, en Estados Unidos la industria de la música hispanoparlante parecía hacer oídos sordos a este movimiento y no fue hasta los dos últimos años que los discos de verdadero rap en castellano empezaron a editarse en ese mercado: Orishas, Sindicato Argentino Del Hip Hop, La Mala Rodríguez. Mientras en New York los inmigrantes latinos como El Meswy (de España), El Imperio (de Colombia), Los Reyes del Bajo Mundo (del Salvador), Shangai Assasins (de Puerto Rico) y Los Brujos (de Chile) comienzan a organizarse para dar los primeros pasos y armar en Estados Unidos una escena de verdadero rap en castellano.

2MEX: No todo el rap chicano es gangsta

2005-04-02T17:50:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2002)

Alejandro Ocana nació en Los Angeles, hijo de inmigrates mexicanos, como muchos de su generación, tuvo una crianza bilingüe y pasó su infancia al ritmo del rap viviendo en los barrios más pesados, cuando todavía eran bien pesados.
Hoy sus amigos lo llaman Alex, pero en el mundo del hip hop underground se lo conoce como 2-Mex, uno de los MC’s del grupo Of Mexican Descent (OMD): los primeros chicanos que se atrevieron, ya hace tiempo, a romper con el molde y agarrar el micrófono para hacer rap en serio, sin nada de gangsterismo. Su reputación como MC conciente y su desempeño en el freestyle en las épocas de gloria del Good Life, le valieron para ganarse el respeto de la exigente escena independiente del sur de California. Pero el punto más alto de su carrera lo alcanzó con su otro grupo, la crew cosmopolita The Visionaries, que hoy se disputa el dominio de la escena con la Freestyle Fellowship.
Pero como le sobra tiempo, entre sus dos carreras paralelas con los dos grupos, también quiere lanzarse como solista y acaba de editar su disco debut en el que desfilan varios invitados ilustres del underground angelino y el recientemente renacido cristiano Fermín de Control Machete.

Hip Hop Nation: ¿Cómo fue que no saliste haciendo gangsta rap como la mayoría de los chicanos en Los Angeles?
2-Mex: Mi mamá y mi papá son del DF (México) y vinieron aquí en 1970. Vivimos en una ciudad donde todo eso estaba pasando. Pero mis padres no me dejaron ir por ese camino, me tenían bien estricto, así que siempre estuve lejos de la vida de pandillas y eso. Gracias a Dios que mi papá es músico, toca la guitarra, toca el piano y eso me ayudó.
HHN: ¿Apoyaron tu carrera como músico entonces?
2M: Bueno, al comienzo no. Tu sabes, pasan muchos años donde no tienes nada y es dificil decirle a tu familia, tus amigo y todos, que no vas a ir a la escuela, que vas a hacer música. Pero es una cosa que vengo haciendo ya dese hace diez años y ya no quiero parar. Gracias a Dios ya estamos en una posición en la que con las grabaciones y los shows podemos mantenernos. Así estamos bien. Nuestros discos por suerte venden bien en el underground. Como somos independientes no pagamos impuestos, tu sabes (risas). Grabamos todo los días, nunca paramos de grabar. Como no tenemos trabajo, esto es todo lo que hacemos. Grabamos y sacamos los discos, todos de manera independiente, hechos en casa, estilo punk-rock. Todo lo hacemos nosotros, llamamos a las tiendas, organizamos los conciertos… De vez en cuando, sacamos un disco con distribución nacional, para conseguir más publicidad, más exposición y eso a su vez atrae la ateción para los otros discos que los distribuímos nosotros.
HHN: Pero, volviendo a lo del gangsta rap, ¿cómo lo ves, crees que está cambiando el panorama hacia un rap más consciente?
2M: La vida esa de pandilla ha parado un poco ultimamente en Los Angeles, no es que desapareció, todo el tiempo va a estar. Yo en realidad los entiendo, porque es una forma de vivir, como la nuestra haciendo música. Pero nunca nos interesó meternos en eso. Nuestro rap, no sé si es positivo o qué, pero siempre quisimos mostrar que existían otras cosas en Los Angeles además de eso. Pero no tengo ningún problema con el gangsta rap, hay muchos que me gustan, cuando son reales… porque hay mucho invento.
HHN: La misma industria muestra a los rappers chicanos siempre con el esteriotipo de gangsters “cholos” y no dan la posibilidad de que se muestren a MC’s conscientes chicanos.
2M: Y la verdad es que no hay muchos más chicanos que estén haciendo rap consciente. Pero si hay algunos. En estos años han aparecido. Tu sabes que el hip hop ya está tan avanzado, que chicos de 15 años ya están produciendo beats bien chingones, escribiendo letras buenas.
HHN: ¿Y qué es lo que te atrajo a tí hacia este tipo de rap?
2M: Cuando empecé me gustaba todo lo de New York del ‘88, tu sabes Public Enemy, Boogie Down Productons, X-Clan, Poor Righteous Teachers… todo el rap que estaba más político me atráia por su mensajes y yo me preguntaba ¿a dónde están los raperos mexicanos con los mensajes? Y no habia. Solo había gágsters. Y con el tiempo, yo y mi amigos, formamos OMD y nos convertimos en eso que estabamos buscando. Ahora ya hay unos cuantos en el underground.
HHN: ¿Tuviste algún contacto ya con el rap en español que se hace en el resto del mundo?
2M: Cuando fui a Cuba vi unos MC’s que estaban haciendo algo tan bueno, tan poderoso. En el momento no me di cuenta, pero cuando volví a mi casa y me acordaba de Cuba, uh… muchos poder, mucho corazón. En realidad no conozco mucho más de rap en español, no he tenido la oportunidad de escuchar mucho más que Control Machete o 7 Notas 7 Colores.
HHN: Es que en los Estados Unidos no se conoce practicamente nada de rap internacional.
2M: Yo creo que ya está pasando. Pero el problema sigue siendo la limitación del idioma, todo lo que suena aquí sigue siendo en inglés. Pero el hip hop en español ya estuvo desde hace mucho tiempo, con los portorriqueños en Nueva York y los mexicanos en Los Angeles, sólo que la industría no lo mostró. Pero eso ya está cambiando. Las nuevas generaciones van hacer que eso cambie, imagínate que hay muchos niños ahora que se criaron con sus padres MC’s o DJ’s… ya escuchan esta música desde que nacen. ¡Imagínate lo que van a ser cuando crezcan!
HHN: ¿Cómo fue que terminaste tocando con The Visionaries, uno de los grupos más prometedores que se pueden ver hoy en Los Angeles?
2M: Los visionarios era una canción nomás que hicimos entre distintos amigos de distintos grupos, que se llamaba así. La editamos en un disco, nomás que eso tuvo mucha respuesta por parte del público entonces hicimos un crew como The Visionaries. Con esa formación ya grabamos dos discos y hemos visitado como veintidós estados de los EEUU. Estuvimos en Japón, en Canadá, tuvimos la oprtunidad también de tocar en el festival de Cuba.
HHN: ¿Cómo te planteas la rivalidad mainstream-underground?
2M: La verdad es que no me preocupa mucho. Hay muchos grupos que son mainstream y que son realmente muy buenos. Por que tengas mucho dinero detrás de tí, no quiere decir que no sirvas. Para mi está bien.
HHN: ¿Pero ustedes, con The Visionaries, apuntan a llegar a nivel masivo o quieren permanecer para siempre en el underground?
2M: Nuestra idea es que nomás hagamos lo que estamos haciendo, como nos gusta, como creemos que está bien, y tarde o temprano lo van a reconocer. Nunca vamos a cambiar para hacer algo que suene más popular. Sólo es cuestión de seguir haciéndolo como lo hacemos y con el tiempo, si lo que hacés es realmente bueno la gente se va a dar cuenta. Y es la verdad. Hace tres o cuatro años ni nos imáginabamos que nos iban a invitar a shows de 25 mil personas como hemos hecho hace poco. Todo llega, y estamos felices con eso.

La Revancha de Rata Blanca

2005-04-02T17:44:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en The Lab, USA, 2002)

Después de un período prolongado de silencio, la agrupación de metal argentino más exitosa de todos los tiempos volvió a sus raíces, a su formación clásica y al sonido que los hizo famosos en toda Latinoamérica a comienzos de los 90’s. Para sorpresa de muchos, que creían muerto al heavy metal tradicional, Rata Blanca volvió con más fuerza que nunca y sin inconvenientes se reinstaló tranquilamente a la cabeza del género.
Su nuevo disco, El camino del fuego, fue editado de manera independiente en Argentina, España y México y acaba de ser lanzado en los Estados Unidos por intermedio de Delanuca con una llamativa repercusión. Con Ozzy convertido en estrella de televisión y el sorpresivo regreso de los Gun’s N’ Roses, ¿podemos esperar un revival del hair metal?

¿Cómo surgió la intención de volver a reunirse con la formación clásica de la banda después de tanto tiempo?
Adrián Barilari: La iniciativa fue de Walter. Él estaba tocando con su proyecto solista, Temple y me llamó para participar de esa banda, como vocalista invitado. Nos reunimos escuché las canciones que tenían, ensayamos y para mí era como que no habían pasado esos siete años. Todo estaba como lo habíamos dejado. Pero bueno, no alcanzamos a hacer más de dos conciertos con Temple que la presión de la gente nos empujó a volver a formar Rata Blanca.
Walter Giardino: Yo, secretamente, sabía que iba a pasar eso. La gente fue a ver a Temple, pero en realidad querían ver a algo que era lo más cercano que podía haber a Rata Blanca.

¿Ustedes extrañaban a Rata Blanca? ¿Compartían esa nostalgia con su público?
WG: Yo extrañaba al Rata Blanca del comienzo de los ‘90. Al de mediado de los ‘90 no sólo no lo extrañaba, sino que no lo soportaba. No me sentí muy a gusto en esos años con el rumbo musical que habíamos tomado.

Rata Blanca tuvo que soportar, como muy pocos, esa envidia hacia el éxito que parece ser tan común en Argentina.
WG: En Argentina duele aceptar el éxito de otros. No sé por qué a cierto sector de la prensa les molesta éxito del rock. Nosotros somos pibes de barrio que cumplieron su sueño y lamentablemente eso no le cayó muy bien a un montón de gente. Hay dos cuestiones, por un lado está la necedad de quienes no quieren reconocer el éxito de Rata Blanca por una cuestión de snobismo y por otro lado está la ignorancia del grueso del público metalero que no pueden ver más allá. Nos han criticado desde esa pseudo-filosofía de lo que supuestamente es, o debe ser, el metal, que a nosotros no nos interesa, porque sólo nos interesa la música. A mí lo que me importa es que hoy estamos acá y podemos vivir de lo que más nos gusta, que es tocar, y salimos de Argentina y llenamos en lugares que ni conocemos en el mapa. Todo lo demás es palabrerío. No hay ningún manual del heavy metal ni del periodismo snob que pueda llegar a opacarnos.

Ahora parece que se a revertido esa situación y están volviendo a sonar en las radios de rock en Argentina.
WG: Lo loco no es que suene Rata Blanca en las radios. ¡Lo loco es que haya dejado de sonar! Una banda que vendió más de un millón de discos, ¿cómo va a dejar de sonar porque alguien dijo “no lo pasamos más”?

Mucho se habló del nü-metal y la muerte del metal clásico de pelo largo y ropa negra. ¿Crees que hay un regreso o revalorización de las raíces?
WG: Sí, creo que hay una movida de revalorización. Porque si la gente entiende de música se da cuenta que está consumiendo un productito, muy bien adornado y producido, pero productito al fin. Ya desde el nombre nü-metal, tiene que enfrentar el problema de que en un año va a dejar de ser new, va a ser old. Los chicos literalmente pasan a odiar a estas bandas de un día para el otro, cuando se dan cuenta de que les están tomando el pelo. A nosotros todo esto no nos afecta. Nosotros seguimos con el sonido de Rata Blanca que es único y muy particular. Yo creo que si hubiésemos salido a tocar nü-metal, eso hubiese sido terrible, eso hubiese sido venderse, no tocar en los programas de televisión como tanto se nos ha criticado.

¿Hubo un recambio generacional en su público o son mayoría los nostálgicos que quieren ir a escuchar “Mujer amante”?
WG: Hubo un recambio muy notorio. De hecho, nos van a ver muchos pibes que en esa época tendrían tres o cuatro años, así que no la vivieron. Muchos de los metaleros de aquel entonces han desaparecido, se casaron, tuvieron hijos, se cortaron el pelo y hoy trabajan en una oficina de saco y corbata. Y esos eran los mismos que nos criticaban y nos decían cómo se debía tocar el metal.

TIFFANY MYNX

2005-04-02T17:38:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Cosa 2005)

En una industria con sobreoferta como el porno norteamericano es difícil mantenerse en pie y seguir figurando después de un par de años de carrera. Las reglas del juego han cambiado y ahora el mundo de las tres equis produce principalmente estrellitas efímeras, descartables, que abundan durante una temporada y luego desaparecen. Sólo unas pocas llegan a alcanzar el codiciado status de “pornstar” y firmar contrato con una productora para garantizarse así su lugarcito estable en la constelación pajeril. En otras palabras: si después de un par de años de andar revolcándose con extraños delante de las cámaras, todavía no pasan de un papel secundario, mejor ir buscándose otra profesión, porque miles de otras ambiciosas chicas están cumpliendo sus dieciocho cada día y están dispuestas a ocupar ese lugar.
A sus treinta y tres años, Tiffany Mynx, jóven para cualquier otra profesión “normal”, es una veterana para el porno. Después de haber anunciado su retirada en falso en un par de ocasiones y haber quedado virtualmente sepultada en el olvido, Tiffany se animó intentar un regreso a lo grande, para salir a defender su título de reina del porno anal que sostuvo durante buena parte de la década pasada.
Original del norte de California, Tiffany creció pobre en un pueblo chico y apenas pudo se mandó para Los Angeles, como tantas otras, en busca de fama y fortuna. El destino la encontró a sus veinte años siendo una madre soltera que servía mesas en restaurantes y apenas alcanzaba a pagar el alquiler. Así fue que entró al porno, casi sin quererlo (dice que no le habían aclarado bien que tipo de película estaban rodando hasta que se vio en el set de filmación preguntando por el inexistente guión) y en poco tiempo alcanzó bastante reconocimiento por ser una de las actrices más jóvenes que en esa época se animaban al sexo anal. Así, no mucho tiempo después se ganó el título de Buttwoman (¡la mujer culo!) y llegó a dirigir su propia serie de videos dedicados al sexo por la puerta de atrás.
Hoy es madre de dos hijos varones y vive aislada de la civilización, en las montañas californianas, baja a la ciudad cada vez que la convocan a filmar. Dejó atrás su tan trilllado look de rubia platinada de los 90’s y se nos muestra tan en forma como en sus mejores momentos, dispuesta a romperse el culo –literalmente- laburando para recuperar su reconocimiento entre tantas novatas a las que casi duplica en edad.
- ¿Cómo se siente volver a entrar en el porno a tu edad, cuando todas las chicas que dominan el negocio actualmente tienen menos de veinte años?
- Está bien, las chicas nuevas vienen, hacen lo que hacen... pero nadie puede ser Tiffany, nadie puede ser Jenna (Jameson), sólo cada uno puede ser uno mismo. Yo tengo mis fans y me encanta lo que hago así que no me molesta. No siento que yo me tenga que estar poniendo a la altura de las más jóvenes, al contrario, ellas tienen que ponerse a mi altura.
- Anunciaste más de una vez que querías retirarte joven pero seguís volviendo, ¿cuál es tu plan esta vez?
- No planeo retirarme pronto, pero sí planeo retirarme antes de estar vieja, quiero ser recordada en mi juventud.
- ¿Extrañás ser Buttwoman?
- Estuvo bueno, estuvo bueno tener así como un título y tener tanta atención dirigida hacia mi... culo. Me nombraron Buttwoman en 1997 y desde entonces ha habido otras, pero para los ojos de los fans sigo siendo Buttwoman.
- ¿Qué tanto te influenció el hecho de ser madre soltera al decidirte a hacer porno?
- Bastante, porque el dinero era bueno y quería hacer algo con lo que pudiese hacerme cargo de mi hijo, sin necesidad de matarme trabajando. Sucedió casi accidentalmente, no estaba en mis planes y me gustó, empecé y desde entonces siempre lo he disfrutado y el dinero sigue siendo bueno.
- ¿Cómo se hace para ser estrella porno y madre de dos hijos al mismo tiempo?
- Tiene sus cosas buenas y malas. Está bueno porque vivo dos vidas completamente diferentes y que me satisfacen mucho de maneras diferentes también.
- ¿Les hablás a tus hijos sobre tu profesión?
- Uno de ellos es muy chico para explicarle y el otro es un adolescente y lo sabe y medio como que ah... ¿sabés? No estoy segura de lo que pasa en la cabeza de un adolescente, así que realmente no tengo ni idea de cómo lo toma. Tendrá que aceptarme como soy.
- Pero tampoco te gustaría llegar a casa un día y encontrarlo mirando una película tuya.
- No, claro que no. Espero que sea lo suficientemente inteligente para mantenerse alejado de ellas.
- Desde tu regreso sólo estuviste filmando con directores como Jules Jordan y John Stagliano para Evil Empire, ¿se debe a una predilección tuya?
- Cuando volví a hacer porno este año pensé “a dónde quiero ir con mi carrera?” Después de haber trabajado para Elegant Angel y todas las otras compañías, Evil Empire como que era el lugar donde mi culo debía estar. Y sólo quería ir más arriba, hacia la cima. Así que fui muy selectiva y Jules se me acercó y a mí me gusta su estilo, tiene pinta, trabaja bien, dirige bien...
- ¡Y está obsecionado con los culos!
- ¡Tal cual! ¿Qué mejor lugar para mí entonces?
- ¿Cómo ha cambiado el porno a través de los años a partir de tu experiencia personal?
- Ahora como que todos están matándose compitiendo por ver quién hace las cosas más locas, más zarpadas, más al extremo. No es mi idea volver al porno ahora y tener que bancarme una doble penetración en el culo para estar a la altura del mercado. No creo que sea físicamente apta para hacer eso y ni lo intentaría. Pero todos, parece que quieren superar a los demás, triple penetración, quién va más lejos, quién traga más acabadas al mismo tiempo... es muy competitivo.
- Cuando empezaste, el sexo anal todavía era una rareza.
- Sí, en esa época, filmabas una película y tenías una escena de sexo anal aquí, una allá, un par por semana y después tenías otras escenas, con chicas, etc. Ahora me llaman y sólo me quieren para hacer sexo anal, no hay más escenas fáciles de filmar...
- Antes también se hacían más películas con argumento, con diálogos, mientras que ahora es casi todo gonzo.
- Me gusta el gonzo porque no tengo que sentarme a memorizar diálogos. Sólo tener sexo, divertirme y no tener que preocuparme por cagarla diciendo algo mal. Es más como seguir la corriente de lo que está pasando, improvisando y termina como termina.
- ¿Hay algún límite, algo que no te atrevas a hacer en cámara?
- Decidí que no voy a hacer un gang-bang masivo para nadie más hasta que tenga la infraestructura para hacer la película yo misma, ser la dueña y la que recauda todo el dinero.
- ¿Eso quiere decir que planeas volver a dirigir y producir?
- Sí, me encantaría volver a dirigir, pero mi propia linea de películas dentro de Evil Empire.

PLANET ASIA: Tarde pero seguro

2005-01-13T08:47:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2004)

Fresno es una ciudad predominantemente rural en el valle central de California, a mitad de camino entre los dos grandes centros urbanos, Los Angeles y San Francisco. Fresno es prácticamente desconocida como semillero de artistas de hip hop, más bien se ganó su fama por la alta concentración de laboratorios clandestinos de drogas químicas.
Allí nació Jason Green, un MC que bajo el pseudónimo de Planet Asia se convirtió hacia finales de los 90’s (después de mudarse a la Bahía de San Francisco) en la gran promesa de la nueva escuela del hip hop de la costa oeste. Se hablaba de él, en ese entonces, como la respuesta californiana al fenómeno underground de Mos Def. Participó en cuanta compliación salía por aquel entonces y colaboró con innumerables artistas de gran calibre. Editó varios singles y maxis por sellos independientes. Formó el dúo Cali Agents junto a Rasco -otro de los grandes talentos del área de Oakland- y dejó al público con sed de más. Pasaron los años y el debut oficial de Planet Asia nunca llegaba. Idas y venidas con las disqueras y contratos injustos, el rollo de siempre. Hasta que finalmente Asia desembarcó con toda la fuerza en el 2004 con su primer disco: The Grand Opening, publicado por Avatar, una disquera pequeña de Los Angeles que hasta ahora no tenía mayor experiencia en el campo del hip hop.
Planet Asia estuvo a punto de tocar el cielo y consagrarse como rapper estrella al firmar un contrato con Interscope. Ahora lo vemos de regreso en ese underground del que nunca alcanzó a irse. Prefirió ser cabeza de ratón a cola de león y sólo el tiempo nos dirá si su desición fue la acertada. De todo eso y más hablamos con el rimador que más flow tiene en la gran Bahía de San Francisco.

El título de tu nuevo disco, The Grand Opening, nos hace pensar en un disco debut, a pesar de que llevas una larga carrera por detrás y bastante reconocimiento a nivel internacional. ¿Fue así como pensaste este disco?
La razón por la que se llama The Grand Opening es porque antes nunca tuve un album entero, un LP. Siempre tuve EP’s, maxis, lo de Cali Agents, pero nunca un disco entero de sólo Planet Asia. Entonces este es mi debut oficial. De ahora en adelante la gente va a ver discos enteramente míos.

Viendo la gráfica del álbum, lo primero que me llamó la atención es que pones el mapa de los Estados Unidos cabeza abajo, ¿cuáles son las ideas políticas detrás de esto?
La idea era dar vuelta a los Estados Unidos, ponerlo boca abajo, para revertir el efecto de la historia falsa que nos contaron siempre. Hay que sacudir las cosas para que salga a la luz la realidad. ¿Entiendes? Con todo lo que está ocurriendo, son muchas conspiraciones, no es una sóla conspiración. Es una gran cosa. De los ricos y pobres, blancos y negros, ni siquiera es de blancos y negros ya, es una cuestión de poder. El poder del sistema no permite que los pobres salgan de la pobreza y eso. ¿Entiendes? Y todavía hay que lidiar con la supremacía blanca. Mucha gente no se entera de todo lo que está pasando, porque viven como en una enorme “matrix”. Entonces yo creo que hay que destruir para luego construir.

¿Cómo fueron tus comienzos en el mundo del hip hop?
Yo llevo rapeando desde 1985, desde ese entonces que estoy involucrado en esta cultura. Desde la edad de oro del hip hop. No es que yo haya sido parte de la edad de oro, no me malinterpretes, pero yo empecé en ese entonces, en la época de las Roland 808.

¿Y cómo fue meterse en ese mundo viviendo en un lugar tan atípico como Fresno?
El hip hop fue desde el comienzo una cosa universal. Desde siempre, el hip hop llegó a todas partes. Yo crecí bailando break dance, envuelto en esa cultura, ni siquiera la llamábamos hip hop, era sólo la manera en que vivíamos, en que matábamos el tiempo, bailando break, haciendo beat-box. Yo estaba involucrado en todo eso, ya sabes, los cuatro elementos o cinco según algunos. Para mí hay otro elemento que a veces se olvida: el slang. Palabras como “fresh” que se usaban mucho en esa época, “hip hop” mismo era una palabra de ese slang, no era el nombre de la cultura ni nada de eso, era sólo slang. Ahora hip hop es una etiquita de marketing para las compañías discográficas. La palabra hip hop se convirtió en una cosa comercial, capitalista. Antes se hablaba de rap y punto.

Ahora que lo mencionas, ¿qué te pareció que este año en la entrega de los premios Grammys se hayan separado dos categorías diferentes para rap y hip hop?
La verdad que no me importa mucho lo que hagan. Yo estuve nominado para un Grammy una vez. Pero yo sé que es todo política, no se basa en cuan buen artista eres. A mí me interesa lo real.

A pesar de no ser local, se te identifica con la escena de la Bahía de San Francisco. ¿Qué te parece cuando se cataloga al rap de este área de progresivo, intelectual o hasta “científico”?
La Bahía no es realmente así. La Bahía es también mucho ghetto, ¿sabes? Empezó con Too $hort. Tienes gente como RBL, 415, Richie Rich, Mac Dre, The Click. La película The Mack, ¿recuerdas? transcurre en Oakland, California. Entonces los orígenes del hip hop en la Bahía están muy relacionados con eso. Cuando yo me mudé aquí lo que sabía de la escena era que estaba Too $hort. Eso era lo que representaba el hip hop de la Bahía de San Francisco en esa época y eso es parte de nuestra cultura. El hip hop de la costa oeste, ¿sabes? Mucho del slang de la costa oeste sale de aquí, de los chicos de Oakland. Snoop Dogg está muy influenciado por el hip hop de la Bahía. La gente no lo sabe, pero Outkast cuando salieron con su primer disco, su máxima influencia eran Hieroglyphics. Y bueno, luego Hieroglyphics, Freestyle Fellowship, Living Legends y The Pharcyde, claro está, son los que trajeron el nuevo estilo a la costa oeste, la nueva escuela. Yo crecí con las mismas influencias de ellos. No es que los siga a ellos, sino que venimos del mismo lugar. Cuando escuché a Hieroglyphics por primera vez pensé que finalmente había gente en la costa oeste haciendo lo mismo que yo venía intentando hacer. Sentí que no estaba tan sólo después de todo. Lo mismo con los Alkaholiks. Pero no creo que esta corriente tenga algo que ver con lo que llaman hip hop científico. Hieroglyphics nunca se hicieron cargo de esa denominación. Ellos sólo hacían hip hop original y real. En mi caso en particular, yo estoy influenciado por Rakim, Big Daddy Kane y Kool G. Rap, yo represento a la corriente del 5%. Me gusta ese tipo de hip hop, Poor Righteous Teachers, Brand Nubian, de ahí es de donde vengo. Yo soy conciente de que soy del oeste, pero digo que es de ahí de donde vengo porque son mis mayores influencias, me siento más cercano al Wu, a Big Pun, Black Moon, Nas, hasta algunas cosas de Jigga, ¿sabes? Ellos están todos influenciados por el hip hop de la edad de oro y no digo que esté intentando traer la edad de oro de vuelta. Esas son las bases sobre las que construí mi carrera. Yo soy ciento por ciento de la costa oeste. No hay más costa oeste que Fresno, ¿sabes? Pero soy realista, cuando creces en el barrio creces rodeado de la realidad. Y yo estoy en el hip hop real.

Cuando te entrevisté hace un par de años acababas de firmar contrato con Interscope y estabas preparado para lanzarte a conquistar el mundo. ¿Qué pasó? ¿En qué quedó todo eso?
Bueno, en Interscope no me estaban prestando atención y yo no soy del tipo de artistas que se sientan a esperar. Yo no soy un artista que se conforma con estar firmado en un sello grande. Yo quiero hacer discos. Esa es la razón por la que estoy en esto. Ellos se acercaron a mí porque les gustaba lo que había hecho, bueno, ahora estoy de vuelta en las calles y esta vez cuando vengan otra vez a mí con intereses similares, van a tener que pagar... por adelantado.

¿Qué aprendiste de esa experiencia? ¿Qué le aconsejas a los artistas que consideren firmar un contrato con una disquera grande?
No firmen contratos de exclusividad. Es mejor tener la posibilidad de moverte por tu cuenta, tener otros proyectos en paralelo y tomar ventaja de eso. Eso es lo que les aconsejo a todos los artistas, no sean exclusivos de nadie, no pongan todos los huevos en la misma bolsa.

¿Qué onda con Rasco? ¿Siguen trabajando en proyectos juntos, va a haber un regreso de Cali Agents?
Acabamos de terminar un nuevo EP que va a salir en Marzo.

Hablame un poco de los productores que escogiste para trabajar en este disco.
Tengo a Supa Dave West, que trabajó con De La Soul, tengo a Jake One, que está pegando muy fuerte ahora. También hice una canción con Evidence, de Dilated Peoples. Oh No, que es el hermano menor de Mad Lib, hizo un track para mí también. ¿Quién más? Architech de San Francisco, J. Wells que hizo el corte de difusión.

¿Por qué tantos y tan diferentes productores?
Como te decía, a mí me mola la cosa clásica, ¿sabes? Como en la edad de oro, escuchabas un disco y tenía todos estilos diferentes, no era un sonido, el de moda, a lo largo de todo el álbum. Ahora salen discos donde todas las canciones suenan iguales. A mí me gusta que haya variedad, algo para las chicas, algo para las pistas de baile, algo para los gangstas... Mi idea es cubrir todos los ángulos diferentes en un álbum. Si hacés un EP, o un single, ahí es otra cosa. Si quieres un sólo sonido, haz un EP, no hagas todo un álbum con el mismo sonido.

En el pasado trabajaste con productores de mayor renombre como Pete Rock, Babu, Mad Lib, ¿por qué no aparecen en este disco?
¡Hombre! Es que no hay espacio en un disco para meterlos a todos. Me encantan todos esos productores y me gustó mucho trabajar con ellos.

¿Cómo salió lo de hacer una colaboración con Ghostface Killah?
Eso quedó de cuando estaba en Interscope. Ellos hicieron el contacto. Hicimos la canción para lo que iba a ser el disco para Interscope que nunca salió, pero nos quedamos con los derechos de esa canción.

¿Que pasó con el resto de las canciones?
Bueno, eh... podríamos decir que están por ahí en algún que otro mix-tape...

¿Estando en Interscope llegaste a trabajar con Dr Dre?
No, no llegamos a trabajar juntos, pero sí nos encontramos un par de veces.

¿Todavía te sigues identificando como parte de la Nación del Islam?
Esas son mis bases, más allá de que forme parte activa de eso o no. Yo sé en lo que creo. No podría representar niguna otra cosa. Es lo que soy. Cuando apenas entré en este juego, fui caratulado como un MC más de la 5% Nation, porque era joven, pero bueno uno crece y se hace más sabio y ahora sólo digo que soy fiel a dios. Pero a la hora de hacer música, soy un músico, eso no me limita. Me influencia un poco, pero tampoco me voy a pasar un disco entero hablando en terminos científicos sobre mis creencias religiosas, con toda la numerología y eso; el común de la gente no entendería nada. Tengo que más inteligente. ¿Entendés? Ahora si hablás conmigo a un nivel personal, es diferente. Eso sí, yo no traigo ningún mensaje de salvación en mi música. Si te quieres salvar, no me mires a mí esperando eso. El único que te puede salvar es tu mismo, tiene que estar en tu voluntad, yo podría rappear todo el tiempo sobre ese tema, pero si el que lo escucha no quiere, no lo va a ayudar.

Hiciste una canción con Linkin Park en su álbum. Dime la verdad, ¿cuántas veces te encontraste a ti mismo teniendo que justificar esa movida con el público fanático del hip hop? ¿Te lo han criticado mucho?
No, Linkin Park son realmente aceptados por el público de hip hop. No tuve ninguna crítica o reacción negativa a partir de eso. Por el contrario, mis fans me felicitaron, dijeron que estaba bueno, ellos quieren verme triunfando.

¿Pero de verdad te gusta lo que hacen?
Si... me parece que son muy buenos, sobre todo en lo que se refiere a producción con ProTools, lo llevan a otro nivel. De hecho, me encantaría que hiciesen un remix de mi canción “16 Bars Of Death”, sería buenísimo.

Tuviste la oportunidad de viajar por Europa con éxito, ¿qué impresión te llevaste del hip hop cómo fenómeno internacional?
En Europa no están tan tentados por el comercio como aquí en América. Están más interesados en el lado artístico de la cultura que en cuántos discos vendes. Aquí todo se mide en venta de discos. Allá les interesa más lo real. Definitivamente me siento mucho más apreciado por el público de allá. Es un hecho que los artistas más originales son generalmente más apreciados fuera de su país.

Hannah Harper

2005-01-06T08:59:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Cosa, Argentina, 2004)

Se cuentan de a cientos las chicas que, en estos días, entran al mundo del porno por una puerta y salen por la otra después de sólo un par de escenas de relleno en películas del montón. Muchas lo harán por una necesidad momentánea de dinero fácil e instantáneo. Algunas se darán cuenta de que no era ese el camino al que aspiraban profesionalmente. Otras tantas se quemarán en drogas y acabarán prostituyéndose o volverán a ser madres solteras viviendo en un trailer y aspirando cristal.
En una industria con sobreoferta como el porno norteamericano (se lanzan al mercado más de trescientos nuevos títulos por semana) es muy difícil reconocer a las actrices que van a perdurar y llegar a convertirse en “pornstars”, de aquellas que durarán en pantalla más que un polvo (nunca más apropiado lo de los 15 minutos de fama).
Los que vieron a Hannah Harper debutar hace apenas tres años, jamás se habrán imaginado que iba a alcanzar el status de estrella y pasar a la prestigiosa categoria de “contract girl” (actrices bajo contrato anual para una de las grandes compañías productoras). Hannah era una tímida estudiante de turismo en su Devon natal, al sur de Inglaterra, hasta que –apenas cumplida la edad legal- le picó el bichito de la curiosidad y aceptó una propuesta para posar desnuda en una revista. De ahí al porno fue un sólo paso. “En Inglaterra trabajé para Ben Dover (el actor/director más reconocido del momento en el porno británico) en una película llamada End Game y también hice un par de escenas más pero que están casi fuera de catálogo, no sé si las podés encontrar...”
Todos sabemos los caminos por los que la ambisión por el dinero pueden llevar a la gente, especialmente tratándose de una inocente jovencita de pueblo chico. Cómo tantas otras chicas recién graduadas del secundario en los Estados Unidos, Hannah se fue a probar suerte a la tierra prometida: Los Angeles, más precisamente al Valle de San Fernando (el verdadero “Silicone Valley”), la meca internacional del porno, donde se concentran las oficinas centrales de todas las grandes productoras del cine para adultos. “En Inglaterra nadie pone dinero en la industria del porno, no hay dinero, no existen las feature dancers (actrices porno de mediano reconocimiento que viajan en tours alrededor del país haciendo presentaciones en cabarets) ni contract girls. No es tan glamoroso, ni está tan bien organizado como acá. No se puede ser una estrella del porno en Inglaterra. Podés conseguir reconocimiento y fama por modelar para revistas, pero no a través del porno”.
Pero el precio que hay que pagar para llegar a ser considerada una estrella, suele ser muy elevado. Entrar al mundo del porno a veces exige esfuerzos sobrehumanos, como en el caso de Hannah Harper, encamarse a la inmundicia cogiente de Ed Powers. Hannah no puede evitar reírse al escuchar que menciono el nombre del rey del gonzo semi-amateur. Ed Powers es reconocido en la industria por haber registrado en video los debuts de varias de las más reconocidas estrellas de hoy en día: Sunset Thomas, Sunrise Adams, Nautica Thorn, todas tuvieron su primer polvo en cámara con el desagradable viejo verde de los anteojos culo de botella y colita. Ante su reacción de risa nerviosa le pregunto a Hannah si está avergonzada de ese capítulo de su pasado: “No, (más risas) es un tipo bueno”. Mi conclusión entonces es la obvia: debe pagar una millonada para trincarse dulces nenitas lindas como ella, siendo él semejante adefesio. “Sí, paga... tu sabes, una suma interesante. Digamos que es un tipo generoso”.
Hannah, como toda lady inglesa que se precie de tal, no quiere develar su edad. Entonces me veo obligado a sacar el as que tenía bajo la manga y desviar la conversación hacia la pasión futbolera de los británicos. “Realmente no soy muy fantática de los deportes,” confiesa y le disparo: “¿cuantos años tenías cuando Maradona los dejó fuera del mundial?” Ella se queda pensando por unos segundos, saca cálculos y contesta: “como cuatro”.
Así llegamos a la conclusión de que rondaría los tiernos diecinueve cuando en el 2001 fue a la convención porno anual de Las Vegas y conoció a la gente de Legend Video con quienes acabó firmando su primer contrato. La fama y el renombre hay que ganárselo a fuerza de “romperse el culo” en una industria tan competitiva como la de las tres equis y Hannah aceptó el reto de la manera más literal posible: se pasó un año filmando hasta tres escenas por semana para películas tipo gonzo, de bajo presupuesto, sin guiones, producción, maquillaje, ni actuación y concentradas casi específicamente en el sexo anal y la doble penetración, su especialidad, ejem...
En poco tiempo la rubia se ganó el bien merecido título nobiliario de “British Anal Queen” y empezó a expandir sus horizontes trabajando para otras compañías en producciones de mayor presupuesto. Ligó de rebote la sobre-exposición de su amiga Marey Carey (pornstar candidata a gobernadora de California que compitió contra Larry Flynt y Mr. Arnold) por haber compartido con ella un par de escenas de girl-on-girl. Hasta que le llegó la hora que tanto esperaba: Sin City, una de las productoras más grandes de porno de los Estados Unidos, le ofreció un contrato de exclusividad. Así llegamos hasta nuestros días donde Hannah Harpes es parte del staff permanente de todas las producciones de alto presupuesto de Sin City, compartiendo cartel con las otras dos contract girls de la compañía: Shay Sweet y Aurora Snow.
Otro que es figurita repetida en todas los lanzamientos importantes de Sin City es el actor Steven St. Croix; así que naturalmente, a fuerza de verlo cogiéndose al bombonazo de Hannah película tras película, uno saca conclusiones y sospecha que los relacione algo más que un lazo estrictamente laboral. “En realidad –explica ella siempre tan diplomática- es porque Steven St. Croix puede actuar, entonces Sin City siempre le da papeles principales en las películas y en todas las películas que hice para Sin City soy la coprotagonista o la actriz principal entonces siempre terminamos teniendo sexo juntos. Pero está bien, me gusta tener sexo con él”. Siendo que Steven no es lo que se dice un superdotado al estilo Rocco o Ron Jeremy, mi pregunta siguiente es más que predecible: “¿El tamaño importa?” Ella se queda dudando, esboza una sonriza pícara, “¿Con Steven? No. ¿En general? Hmmmm... creo que las pornstars estamos mal acostumbradas, ¿no? trabajando en el porno siempre te tocan los grandes... pero no, no es muy importante para mí”.
Hannah dice que no se guarda nada para la intimidad y ha sido en cámara dónde llegó a explorar sus máximas fantasías y probar sus límites. “¿Cuáles son mis límites? Nunca estuve con demasiados tipos en una escena, nunca hice un gang-bang. No soy muy buena para hacer pis en cámara o en frente de gente, así que no hago videos de eso tampoco (risas)”. Mi curiosidad me lleva a preguntarle si realmente disfruta el sexo en cámara y alcanza el orgasmo, “Sí, a veces sí. Obviamente que es diferente a tener sexo en tu vida personal, pero sí lo disfruto y espero que se note luego en las películas”.
La tendencia mayoritaria parece ser actualmente, que las actrices cuando ganan mucho renombre se pasan a la dirección o producción de películas. Hannah dice que no tiene planes todavía de trabajar detrás de cámara pero que “estoy empezando una agencia de modelos así que estoy muy metida en eso ahora. Tengo un montón de chicas viviendo en mi casa, al comienzo eran todas inglesas, ahora tengo chicas de Irlanda, de Los Angeles...” Pero sí le ha tocado actuar en películas dirigidas por ex-pornstars como Jewel De’ Nyle y Sky Blue: “Amo a Jewel De’ Nyle y todo lo que ella represenata. Es una directora muy abocada a su trabajo, no pierde el tiempo y pone mucha energía en lo que hace. Me encanta eso. Sky Blue... bueno, con ella fue diferente por que hice una escena lésbica con Brittney Skye y no cortó la acción. La dejó a Brittney trabajar por un buen rato en mis tetas, en mi concha, hasta que acabé y recién ahí cortó y cambiamos de roles. Entonces quedó una escena fantástica”. Habrá que verla.

LOS TETAS: El funk latino ya no es un bebé de pecho

2005-01-06T08:54:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, USA, 2003)

El funk, tradicionalmente, no fue un género muy explorado por los músicos latinoamericanos (con contadas excepciones en Brasil) y en su momento de explendor en los Estados Unidos fue prácticamente ignorado por el público de latitudes meridionales. Sin embargo, por eso de que todas las modas reencarnan cada dos décadas, el funk revalorizado en los 90’s sí fue incorporado y profesado por diversos grupos de habla hispana.
Illya Kuryaki & The Valderramas, desde Argentina, fueron líderes del sonido funky latino durante buena parte de la década pasada, hasta su separación y sus proyectos solistas siguen explorando la música negra de los 70’s en la misma vertiente. Los Amigos Invisibles de Venezuela continúan haciendo bailar multitudes con su funky-disco-cachondón. Los Superlitios en Colombia, Guateque Allstars y La Fundación Tony Manero de España, Willy Crook y sus Funky Torinos, también de Argentina... son todos ejemplos de que el funk en español llegó en los 90’s con ganas de quedarse y seguir expandiéndose.
Uno de los grupos que más han aportado recientemente a esa expanción del funk latino a nivel internacional son los chilenos Los Tetas, la banda con el nombre que a todas las demás bandas les hubiera gustado tener, pero no se animaron. En 1995 aparecieron con fuerza en la escena santiaguina con su disco Mamá Funk y al poco tiempo estaban teniendo repercución internacional gracias a la rotación de su primer corte “Corazón de Sandía” en la cadena Mtv Latino. Su funk rappeado en spanglish todavía sonaba un poco muy rockero, pero funcionó para abrir las puertas del éxito masivo a la avalancha de grupos de hip hop chilenos que llegaron después encabezados por Tiro De Gracia y Makiza.
Por aquel entonces, recuerda Tea Time, el MC del grupo, la gente ni siquiera tenía muy en claro lo que significaba la palabra funk. Cuando contestaban a la clásica pregunta de qué tipo de música tocaban, no faltaban los desprevenidos que por su fonética confundiesen al punk con el ritmo internacionalizado por James Brown, George Clinton, Roger Troutman... Pero con el tiempo la palabra se fue instalando en el vocabulario de los oyentes, que simultáneamente se enteraban de la nueva oleada de funk de los 90’s -vía Londres- encabezada por Jamiroquai.
Después llegó La Medicina, un disco demasiado raro para alcanzar el éxito masivo de su antecesor. “Fue un disco que era como una retrospectva –recuerda Tea Time-, una mirada hacia atrás de la historia del funk y las canciones estaban grabadas de la misma manera que se hacía en esa época, para que sonara bien setentero, con cinta, con los instrumentos de la época, máquinas antiguas...” El resultado fue la pérdida del contrato con EMI, la disquera que por entonces los representaba y como revancha, poco tiempo después sacaron Independiente, el disco que como su nombre lo indica fue totalmente autogestionado.
Con cambios en la formación y tras sortear rumores de separación en más de una ocasión, Los Tetas, lejos de claudicar, se jugaron a lo grande y grabaron su último disco en México para Sones Del Mexside, con obviamente la producción de Toy Machete, lo cual les valió el respaldo de Universal Records para promocionar Tómala a nivel internacional. “En este disco hay una evolución en las ltreas y también la música, la forma de tocar contempla mucho más la música con samplers, es más electrónico, pero igual sigue siendo todo tocado. Es como tocado como si fueramos máquinas. Suena como máquinas pero tiene un toque humano”.
- ¿Cuál fue el motivo que los llevó a decidirse por México para sacar este disco?
- Estos últimos dos años hemos estado viviendo más en Monterrey y en DF que en Chile. Los Tetas están viajando por toda Latinoamérica desde el ‘96, pero faltaba que el disco estuviera en todas partes, porque en nuestros primeros discos, el sello, no lo hizo y luego estuvimos independientes hasta ahora que grabamos este disco con Universal.
- ¿Les quedó chico Chile, se cansaron...?
- No, no perdimos contacto con la escena chilena, seguimos yendo, la relación quedó muy bien, de hecho, la última tocata que hicimos fue super bueno, tocamos con los Red Hot Chilli Peppers en un lugar bastante grande y con la gente muy prendida así que quedamos bien contentos con todo lo que se ha dado en Chile
- ¿Pero a partir de este disco se puede hablar de un intento de latinoamericanización de Los Tetas?
- Claro. Igual yo creo que Los Tetas siempre fueron un poco de todos lados. Nosotros mismos somos de todos lados, el bajista es de Miami, yo nací en Berlín... Así que de todas maneras el punto de vista de la música y de las letras era siempre algo como más allá de las fronteras de un país. Esa es la idea de nosotros y siempre hemos estado representando el funk y el hip hop en todos los países pero nunca se había dado como ahora que está el disco en todas partes y menos en Estados Unidos. Entonces el panorama se da como que ahora el grupo sea el representante de este estilo en Latinoamerica.
- ¿Evolucionó el funk como género en latinoamerica?
- Para lo poco que el funk pertenece a nuestra cultura, lo veo muy comprendido por el público latino. Es una música muy bienvenida por sus melodías, armonías afroamericanas y por la fiesta que genera en vivo. Ahora es más aceptado el estilo. Los otros grandes cultores del funk que ha habido en Latinoamerica fueron los Illya Kuryaki que ahora lamentablemente están separados, así que ahí quedamos nosotros.
- ¿Qué pueden aportar los latinos a un género como el funk?
- Los latinos le podemos dar al funk una mayor profundidad en las letras. Si te fijas las letras de aquí, en general no son muy profundas, nosotros me parece que tenemos una muy rica tradición literaria de escritores y poetas, el realismo mágico latinoamericano... Entonces nosotros queremos mostrar esa visión. La mayoría del hip hop ahora habla de los autos, las joyas, las mujeres... en Latinoamérica es otra realidad. Aquí ese materialismo está bien visto. Allá sería considerado algo estúpido salir hablando de eso en las letras. Así que ese es nuestro aporte.
- Tradicionalmente el público del rock en español en los Estados Unidos ha rechazado los ritmos de origen negro como el funk y el hip hop, ¿crees que esto se vaya a revertir?
- Yo creo que lo que más va a ayudar es la gran influencia que ha tenido el hip hop en Latinoamerica. Cada vez se ven más raperos en Argentina, en Chile, en todos lados. Es como que se está llenando todo con esta cultura así que de alguna manera la gente se va acosumbrando a este nuevo sonido.

EL IRRESISTIBLE ENCANTO DE LA MALA RODRIGEZ

2005-01-06T08:51:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, USA, 2003)

En el número 40 de La Banda Elástica publicábamos nuestra primera entrevista con una rapera de Sevilla, España, conocida como La Mala Rodríguez. Ningún otro medio en los Estados Unidos estaba cubriendo al movimiento hip hop que se gestaba entonces en España. El rap en castellano era todavía un territorio inexplorado para la prensa musical latina.
Pasaron ya tres años y esta vez La Mala Rodríguez casi ni necesita presentación, todos estamos familiarizados con su voz y esa manera tan particular que tiene de disparar sus rimas en el micrófono. Lejos de recluirse en el submundo del rap hispano, La Mala ha abierto innumerables fronteras para el género atrayendo a un público de lo más variado y disperso, causando simpatía incluso entre los que no entienden “ni jota” de sus letras.
Alevosía (Universal, 2004) es el nombre de su segundo trabajo de estudio y continúa en la línea del exitoso Lujo Ibérico (Universal, 2002, el disco de rap más vendido hasta el momento en su país de origen), imprimiéndole ese inconfundible sabor flamenco al rap a través de la entonación de los estribillos, la asentuación de versos y el uso de la guitarra entretejida entre los loops de bajo y batería. Alevosía nos muestra también una nueva faceta de María Roodríguez que hasta entonces permanecía entre tinieblas. De esto y mucho más hablamos con La Mala, que dicho sea de paso, y pese a su fama de difícil, fue de lo más cortez y simpática.

¡LA MALA ESTABA BUENA!
Esa habrá sido la impresión de muchos desprevenidos, al toparse con el nuevo trabajo de La Mala. Y es que hasta ahora sólo habíamos visto siluetas de ella recortadas en la oscuridad y muy poca epidermis. Hay, sin duda, un gigantezco cambio de postura y actitud, entre aquella Mala María de mirada amenazante en la protada del maxi A Jierro/Toma la Traca del 2000 y esta voluptuosa y sensual Mala Rodríguez del 2004, que ya no asusta a nadie.
-¿A qué se debe semejante cambio en el manejo de tu imagen?
-La foto era para una sesión para una revista. Ya había acabado el disco y cuando vi las fotos me gustaron tanto porque vi que tenían mucho que ver con lo que había en el disco y me apeteció utilizarla como foto de la portada, pero no era una desición premeditada. Fue una cosa más bien casual.
-Pero también había sido una desición tuya, en su momento, el salir a oscuras en las fotos, sin que se viese tu rostro.
-No sé. Tampoco nunca me ha gustado mucho que se me vaya a reconocer por la calle, ni mostrarme ahí. Pero esto como que refleja bastante lo que hay en el disco. Es una foto dura, fría también y me parece alebosa.
-¿Puede ser que el cambio de postura tenga que ver con la sobre-exposición que hubo de La Mala en el lapso entre los dos discos, donde ya todos te conocen, te han visto en televisión...?
-Seguramente, pero ya te digo que no ha sido una cosa así, calculada. Pero seguramente habrá tenido que ver con el hecho de que yo haya elegido esta foto. No lo había pensado.

HIP HOP A LA ESPAÑOLA
No son pocos los que descubrieron al hip hop español a través del primer trabajo de La Mala Rodríguez. Incluso en su tierra natal, muchos que hasta entonces habían ignorado al rap local por considerarlo un género menor, se animaron al flow en castellano, por primera vez, con Lujo Ibérico. La Mala hizo de puente entre escenas y públicos seducuiendo a snobs y curiosos de nuevos ritmos y a pesar de ser “una más” dentro de la escena hip hop, se convirtió en la única embajadora de esa subcultura para con el mainstream.
Algo similar ocurrió de este lado del Atlántico. En Estados Unidos, más allá de las ediciones de menor alcance de 7 Notas 7 Colores, El Meswy y Skratch Comando, fue La Mala quién –multinacional mediante- encabezó el desembarco del rap ibérico.
-¿Hasta que punto te sientes todavía parte activa de la escena hip hop española?
-Hombre, yo me siento una más de toda la gente que hay aquí haciendo cosas guapas como Hablando En Plata, SFDK, Juaninaka, Mucho Muchacho, Sólo Los Solo, Ari, Frank T, VKR... hay cantidad de grupos aquí que llevan mucho tiempo currando. Cada vez esto está más reconocido incluso parece como que ahora mismo se está poniendo un poco de moda, es una cosa un poco rara. Hay mucha gente que está prestando atención a lo que hace la gente del hip hop y eso es bueno.
-Pero quieras o no, desde un punto de vista internacional, tu eres la figura más visible del movimientoo y estás un poco como a la cabeza de la exportación de rap hispano hacia el resto del mundo.
-¡Qué yo no represento el movimiento de España hombre! Yo soy una más aquí y Violadores Del Verso (ahora conocidos como Doble-V) también están pegando fuerte, llenando salas de muchísima gente y todo eso. Y tampoco me creo yo la abanderada del movimiento hip hop aquí en España. Yo soy una más y yo hago lo mío y me gusta que la gente reconozca que lo que hago, lo hago bien.
-¿Cómo es tu relación con las demás chicas del rap español, Ari, Shuga Wuga? ¿Hay competición?
-¡Claro que hay competición! Pero no sólo con ellas, sino contra todos. Aquí es competición máxima, con todo el mundo, pero positivo. No hay malos rollos, aquí todos nos llevamos bien.
-Haz colaborado con muchos MC’s y productores de la escena española, a mí personalmente me llama la atención que nunca hayas hecho una canción con Griffi, de Sólo los Solo, que parecería como la combinación perfecta para tu estilo.
-Pues mira te lo voy a decir ahora mismo. Yo iba a hacer una canción con Griffi, hace tres o cuatro años, antes de sacar el disco. Yo iba a hacer una canción para un disco suyo, pero yo fui a Barcelona, nos llamamos por teléfono y yo quedé con él, el no podía, luego él no pudo localizarme, al final más rollo... ¿que estás pasando de mí? ¡no, que yo no estoy pasando de tí! y al final ahí se quedó y ya no hice la canción con Griffi. Pero a mí también me gusta mucho lo que él hace.
-En tus dos discos se repiten las apariciones del CPV (El Club de los Poetas Violentos) y VKR (Verdaderos Kreyentes de la Religion del Hip Hop). Como que te haz incorporado de lleno a esa suerte de elite del rap madrileño como la parte femenina. ¡Incluso sales en la foto del interior del disco con Jotamayúscula y Kultama!
-Hombre, es que con Jota y con Kultama, aparte de que ellos pertenezcan a CPV y a VKR, es que son mis amigos y nosotros tres hemos ido a un montón de sitios en directo. Hemos ido a infindad de sitios juntos y hemos compartido mucho rato, mucha furgoneta, y ya no es que ellos sean de Madrid y yo esté aquí o lo que sea. Con Supernafamacho (de CPV) es otro buen equipo que tenemos con él y trabajamos en el estudio, nos compenetramos y nos llevamos de puta madre. Tu sabes, ellos fueron los primeros que sacaron un disco (de rap serio en España). Pero yo no creo que sean la elite. Yo creo que hay mucha gente también que lleva tiempo haciendo cosas desde antes del ‘94. Ellos fueron los pioneros en sacar discos y dar conciertos y todo el mundo hemos tenido un disco de CPV y hemos flipado con ellos. Ahora Jota va a sacar un nuevo disco y también Nafa como productor...

MÁS CAMBIOS
A los que escucharon La Niña/Amor y Respeto, esa extraña recopilación de singles y maxis –algunos inéditos y otros no tanto- de La Mala Rodríguez, que Universal sacó a la venta pocos meses antes de Alevosía, les habrá llamado la atención el cambio rotundo en la manera de disparar las rimas entre los temas viejos (“Toma la traca”) y sus referencias más recientes. Ahora si alcanzaron a escuchar las colaboraciones de la entonces Mala María con otros MC’s del panorama español, previo a su debut solista, la diferencia es aún más abismal. Baste con citar el clásico “Una de piratas” donde comparte el micrófono con los también sevillanos SFDK.
La Mala María despachaba su flow con una furia nunca antes vista en una mujer MC. Se amoldaba a la perfección al modelo del rap más “jarcor” (castellanización de hard-core) donde los rimadores ladraban sus versos con voces de ultratumba. La Mala de aquel entonces hacía más que honor a su nombre y con su “garganta partía” rompía todos los parámetros de lo que se esperaba de una maestra de ceremonias (MC).
-¿Qué les contestas a los fans del hip hop que te preferían con tu estilo más agresivo de los comienzos? Muchos se sintieron desilucionados por la suavización de tu flow...
-Yo creo que porque grites más no eres más jarcor, ¿sabes? Susurrando puedes estar diciendo cosas muy duras, ¿entiendes? Eso depende de la idea de lo que cada uno considera jarcor. Cuando comencé, sí tenía un estilo mucho más agresivo, pero ten en cuenta que cuando uno tiene muchas ganas de hacer algo y lleva mucho tiempo queriéndolo hacer... supongo que así me salió. Ahora como que me encuentro relajada, cómoda y segura. Te lo puedo decir así tranquilamente, pero te estoy diciendo lo mismo.

SANGRE GITANA
Siempre fue un tema controversial el de las fusiones y mezclas de estilos en una escena, a veces demasiado conservadora, como la del hip hop. Lo que hace despertar la furia y las envidias de los puristas b-boys dentro del género, es justamente lo que muchas veces despierta la atención del público más heterogéneo y, como consecuencia de esto, del mercado discográfico.
Mientras los ortodoxos fans del hip hop miran con desconfianza el éxito internacional de Orishas, su sabor a son cubano ayuda como una cucharada de azucar para suavizar su rap y hacerlo más fácil de digerir para los oyentes no del todo habituados a los versos rimados sobre beats de cuatro por cuatro. Lo mismo pasa con La Mala Rodríguez y se hace aún más evidente en Alevosía. El uso del down-tempo, la guitarra flamenca, y los estribillos “cantaos” con esa cadencia mediterránea, hacen de su rap un fetiche para oyentes más sofisticados y exquisitos, ávidos de nuevas experiencias sonoras con tintes globales.
-¿En este disco hay más canto, más flamenco y menos rap, es una desición premeditada o simplemente salió así?
-No, no hay menos rap. Yo no creo que sea así. Yo creo que en este disco hay más rap. Y lo del flamenco pues, no sé lo poco de flamenco que hay está ahí porque me gusta el flamenco, porque he escuchado flamenco, porque lo siento y porque además es mi forma de hablar que algunos les parece “aflamencada”. Pero es porque en Andalucía la gente habla así. Y si me pongo a cantar, no voy a cantar con toques de R&B, sino de la única manera que sé cantar, que es así.
-En su momento estabas muy molesta con las críticas cuando te catalogaban de flamenco-rap, cómo la creadora de una nueva fusión musical. ¿Cómo te lo tomas ahora?
-Me molestó desde el primer momento, ¡y ahora en España no sabés la de cantidad de grupos de música pop y de otros rollos que están haciendo eso y están triunfando! Es muy fuerte. Pero yo nunca dije que yo estaba haciendo flamenco. Porque para mí el flamenco es una cosa muy seria, una cosa que respeto mucho. Yo no creo que esté haciendo una mezcla ni nada, simplemente que es una poción que yo hago y le hecho los ingredientes que a mí me gustan, un cóctel. Pero no pretendo hacer una fusión, es lo que surge de mí, yo lo hago así.
-Siendo que tu identidad sevillana es tan marcada en tu música, ¿en que te influenció el haberte mudado a Madrid?
-Bueno, lo de que me he mudado a Madrid, en verdad eso no le interesa a nadie. Yo he venido aquí y tengo aquí grandes amigos y no sé, Madrid es diferente. A mí me gusta más Sevilla. Pero la verdad es que no ha afectado mi música. Si yo me fuera a China, seguiría siendo igual.

ASIA CARRERA: La reina del pete

2005-01-06T08:49:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Cosa, Argentina 2003)

Cuando en 1994 Asia Carrera irrumpió en el mundo del porno, tomó a la industria por sorpresa. Que una asiática alcanzase tanto éxito instantáneo y llegase en tan poco tiempo a compartir cartel con actrices de renombre o encabezar un elenco, donde antes las rubias platinadas tenían soberanía exclusiva, era sin duda inesperado. Más allá del nicho de películas porno de orientales, las actrices de ojos rasgados siempre se habían mantenido en un plano secundario. Asia Carrera fue entonces la primera asiática –aunque en su ascendencia se mezclen genes japoneses con irlandeses y haya crecido en New Jersey- en entrar al mundo del porno por la puerta grande, trabajando para las grandes compañías (Vivid, Wicked, Sin City, AVN) y con los más premiados directores (Paul Thomas, Brad Armstrong y su entonces marido Bud Lee).
Pero lo que hizo resaltar a Asia desde un comienzo no fue exactamente su legado étnico sino su condición de asumida nerd. Asia representaba el opuesto total al arquetipo de pornstar gringa (cabareteras trolas huecas, teñidas y brutas criadas en parques de casas rodantes en algún páramo indómito del medio-oeste norteamericano, que a los 18 años se bajan del micro en Los Angeles con el sueño de hacerse famosas a cualquier precio) y eso fue lo que, de movida, llamó la atención de los conservadores medios masivos yanquis. ¿Cómo podía ser que se dedicase a sobar petes en cámara una mina que había sido la mejor estudiante en el secundario, tenía estudios universitarios y formaba parte de Mensa (una sociedad para nerds de alto coeficiente intelectual)?
Asia diseñó y se encargó del mantenimiento de su propio web-site desde 1996 y basta con visitarlo y leer sus textos periódicos para darse cuenta que nos ecnontramos frente a una chica que además de buenas tetas tiene cerebro y sentido del humor. Además de hacer de su nombre una franquisia, con la que se forró de guita por el resto de su vida, Asia mantiene los derechos exclusivos sobre algunas de sus películas (cómo la clásica A is for Asia, donde se anima a su primera escena anal) y a pesar de haber estado bajo contrato con Vivid por varios años afirma que ha sido una de las pornstars que más control tuvieron sobre su carrera y sus decisiones artísticas.
Después del divorcio con el director Bud Lee, Asia empezó a anunciar su inminente retiro oficial del mundo del porno. Hoy se dedica a recorrer los sex-shops de Estados Unidos firmando autógrafos para sus fans (y levantando de cinco a diez lucas por presentación pública de dos horas) y así la encontramos en San Francisco.
- Se viene diciendo desde hace un tiempo que te retirás de la industria porno, ¿esta vez es para siempre?
- Ya me retiré. Hace dos meses filmé mi última película y para navidad me voy a casar (con el nutricionista/personal trainer Don Lemmon, que hace las veces de guardaespalda durante sus apariciones públicas).
- Muchas pornstars cuando se casan o están en una relación de pareja seria hacen sólo escenas con chicas, no es ese tu caso.
- No, yo además ya había anunciado que me iba a retirar cuando cumpliese treinta años y ya tengo treinta.
- Pero te ves igual de buena que cuando empezaste.
- Sólo con tetas más grandes y nariz más pequeña (risas).
- Se te conoce por ser una nerd, la pornstar más intelecual de la industria, ahora decime la verdad, ¿hay alguna otra actriz con la que puedas, detrás de cámara, mantener una conversación inteligente por más de cinco minutos?
- No, y la verdad que no me junto con chicas de la industria. No tengo amigas actrices. Ninguna sabe nada de computadoras, que es de lo que me gusta hablar a mí. Soy una nerd total. Tengo la palabra “geek” en la placa de mi auto.
- En tu website te autodenominás “la dictadora”, ¿Por qué es eso?
- Porque hago todo yo sola. Nadie más que yo manipula los contenidos de mi sitio. Yo elijo las fotos y escribo todos los textos.
- ¿Y contestás los emails de los fans personalmente?
- Todos.
- Eso debe llevarte mucho tiempo.
- Sí, pero bueno ahora que me retiré voy a tener mucho más tiempo para pasar en la computadora y dedicarme a mis cosas, tocar el piano, jugar al Unreal Tournament...
- ¿Qué hubieses sido de no haber triunfado como pornostar?
- Es imposible no triunfar como pornstar. Es muy fácil este trabajo. ¿Cómo puede irte mal?
- Bueno, no es tan fácil para los hombres...
- Eso sí. Si fuese hombre no me gustaría este trabajo. Ellos llevan lo peor. Imaginate, tienen que estar tres horas ahí, con toda la gente alrededor y entre escena y escena la chica se va a sentar con su novio a fumar y el tipo tiene que aguantar ahí y mantenerse duro...
- ¿No existen las “fluffers” (mujeres que ayudan a mantener la erección entre escena y escena a través de la estimulación oral)?
- No. Ese es un mito. Sólo en algunas películas de orgías se usan porque tienen mucho tiempo que esperar entre actor y actor.
- Y vos no hacés orgías de todos modos.
- No. Nunca.
- ¿Hay algo que cuando empezaste dijiste “esto no lo haría nunca” y luego lo acabaste haciendo?
- Hmmm... No, creo que no. Hay muchas cosas que dije que nunca haría y simplemente no las hice. Orgías por ejemplo. Hice doble penetración alguna vez y ya fue demasiado.
- En tu website decís que no te gusta trabajar con hombres muy dotados.
- Es verdad, duele mucho, después de estar tres horas se te inflama y empieza a doler. No es muy agradable. No lo disfrutás y luego se nota en la película y queda feo.
- Pero sí hiciste una vez una película con Rocco Sifriedi que lo tiene bastante grande.
- Es verdad. Y esa fue la razón por la que decidí no volver a hacer nada con él. Además de que me trató muy mal, pero esa es otra historia.
- ¿Mirás porno?
- ¡No! ¿Para qué? ¡Me aburre!
- ¿Ni tus propias películas?
- No. Jamás.
- Cuando vas a una reunión de compañeros de escuela secundaria, ¿decís cuál es tu verdadero trabajo?
- No hace falta, ya todos lo saben, alumnos y profesores.
- Para terminar, contame alguna anécdota cómica o ridícula filmando porno.
- Una vez estábamos filmando una escena en una limusina yendo a mucha velocidad por la carretera y pregunté si las ventanas estaban polarizadas y me dijeron que sí. Después de estar un rato largo ahí haciéndolo, descubrimos que no, ¡que desde afuera se podía ver todo lo que estábamos haciendo! Así que me enojé mucho. Por suerte no nos paró la policía, habría sido humillante. Pero a mi me preocupaba más que por la ruta van autos con familias y chicos y nos podían ver cogiendo.

AURORA SNOW

2005-01-05T21:09:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Cosa, Argentina, 2004)

Cuando pensábamos que ya lo habíamos visto todo, que todas las estrellas porno estaban cortadas con la misma tijera, aparece de la nada una tal Aurora Snow y sacude a la industría del entretenimiento para adultos rompiendo todos los esquemas. Aurora se nos presenta de entrada, llamativamente inteligente y muy articulada en su discurso; no hace falta sacarle las respuestas con tirabuzón, ella fluye sola y habla con soltura de temas que a otras pondrían incómodas. Da toda la impresión de ser una mina piola, divertida, que disfruta en serio de su “trabajo” y no –como tantas otras- lo defiende de compromiso. No es una reina de la belleza, como Sunrise Adams, ni una princesa exótica, como Tera Patrick, y lo sabe, a sus 22 años está muy cómoda con su look natural, no le hizo falta teñirse de platinada ni agregarse increíbles siliconas, ella tiene su estilo único que la caracteriza y si no fuese por Belladonna, sería lejos, la pornstar más zarpada de la industria contemporánea.

AURORA LA ESTUDIANTE
- Además de hacer porno, sé que estás tomando clases en la universidad, ¿no es así?
- A los 18 me mudé a Los Angeles para ir a la universidad. Empecé estudiando arte dramático, por un año, después me cambié a administración de empresas. Después dejé de estudiar por un tiempo y me concentré en la industria porno y ahora estoy retomando mis estudios, pero estoy haciendo la carrera de derecho.
- ¿Cómo te las ingeniás para mantener el balance entre los dos extremos, la estudiante de derecho y la estella porno?
- No llevo el porno a mi casa. No necesariamente. No es mi forma de vida.
- Sí, pero estás charlando con tus compañeros de clase y te preguntan qué hiciste el fin de semana y les decís: “bueno... me encamé catorce tipos”...
- Digamos que esos detalles no los menciono. A menos que ya lo sepan y me pregunten. Me ha pasado de tener compañeros sentados del otro lado del aula mirándome fijamente toda la clase y me pone medio incómoda, no sé si me miran así porque recién me levanté y me veo terrible o porque me reconocieron. Me pasó también de gente que viene con fotos de revistas y me dicen: “puede que no seas vos, podés decir que no... pero ¿sos vos?”
- Pero tenés rasgos bien fáciles de reconocer. Si un compañero te vio la noche anterior de casualidad haciendo zapping en Playboy TV, lo más probable es que te reconozca.
- Sí, pero cuando voy a la universidad, tengo puestos mis anteojos, nada de maquillaje y hasta quizás vaya con mis pantalones pijamas, porque tomo algunas clases a las seis de la mañana.
- ¿Y los profesores?
- Creo que uno de mis profesores me reconoció, pero no dijo nada. Siempre hacía comentarios irónicos frente a la clase tipo “así que vos sos un poco actriz, ¿no?”
- ¿Cuando empezaste a estudiar tu intención era llegar a ser una actriz de Hollywood?
- Sí. Hice mucho teatro hace mucho tiempo y eso fue lo que me hizo ir a Los Angeles. Hice un par de papeles pequeños en algunas películas, pero casi nada. Después me metí de lleno en el porno. Pero me encanta actuar.
- Y te gusta coger en cámara también, me imagino.
- ¡Sí! ¡A quién no le gustaría!

AURORA LA NINFOMANA
- Leí en tu website que eras muy inocente antes de entrar al porno.
- Es cierto. Sólo había tenido sexo con un par de novios. Nunca sexo casual de una noche, ni nada de eso.
- Y de repente te liberaste.
- Sí, más o menos.
- Y tu primera vez fue con Ed Powers.
- Sí. Estuvo bien. Podría haber sido mucho peor.
- Ahora, la verdad, ¿tuviste que imaginarte a otra persona en tu cabeza?
- No, Ed es un tipo muy copado. Muy buena onda. Me trató muy bien. Para mí fue como ponerme a prueba. Estaba todabía muy insegura y no sabía si podría hacer este trabajo o no. En mi cabeza pensaba “puedo irme a casa, nadie me está obligando a hacer esto,” pero al mismo tiempo quería probarme a mi misma si podía.
- Viendo tu currículum, se podría decir que prácticamente no tenés límites...
- ¡Sí, lo hice todo!
- ¿Hay algo que digas “esto jamás”?
- No hago scat (videos de gente defecando sobre otras personas). Eso es algo que no hago.
- ¿Cómo fue tu experiencia trabajando en la serie Gang-Bang Girl de Anabolic?
- Fue divertido. Hice Gang-Bang Girl #27 y todavía no tenía sexo anal. Anabolic es una compañía muy reconocida por filmar escenas de sexo anal. Entonces, después me volvieron a llamar para hacer otro gang-bang pero con sexo anal y Chris (Alexander), el dueño de Anabolic, me ofreció enviarme a una sesión de hipnosis de tanto que quería verme teniendo sexo anal.
- ¿Y fuiste?
- Oh, sí, fue una locura.
- ¿Y qué? ¿Tuviste sexo anal con el hipnotizador?
- No, ¡no! (risas) En realidad no funcionó la hipnosis y para serte sincera fue medio aburrido. Pero el hecho de que en Anabolic tuviesen tanto interés en que tenga sexo anal, al punto de mandarme a un hipnotizador... es una locura. Pero bueno, entonces acabé haciendo Gang-Bang Girl #33 (ver aparte), donde tengo el rol protagónico. Y en la número #34 también aparezco, pero sólo porque estaba ahí ese día y me metí.
- En Gang-Bang Girl #33 te curtís nada menos que catorce tipos.
- Sí. Estuvo bueno. Cuando lo filmábamos, en ese desarmadero de autos, de repente lo escucho a Chris decir “corten!” y yo pienso “¿Cómo que corten? ¿Ya está?” porque para mí habían pasado sólo diez o veinte minutos pero no, ¡habíamos estado filmando por más de dos horas! Pero fue todo tan intenso, que perdí la noción del tiempo.

AURORA LA EMPRENDEDORA
- Recientemente empezaste a producir y dirigir tus propias películas para Mayhem, ¿no es así?
- Sí, ha sído una experiencia maravillosa. Aprendí muchísimo. Es divertido tener la posibilidad de salir con tus propias ideas y filmarlas.
- ¿Cuál es la ventaja que ser actriz de proporciona a la hora de dirigir?
- No les pido a las actrices que hagan algo que yo nunca hice.
- ¡Pero justamente vos hiciste de todo!
- Sí, pero la cosa es que puedo decir “ya estuve ahí, sé como es.” Entonces les digo a las chicas “Hey, ¿te animás a hacer esto? Yo lo hice,” y eso ayuda a que estén más cómodas también.
- ¿Algún director favorito o que te haya influenciado en esto?
- Jim Powers. Es súper divertido trabajar con él, tiene mucho entusiasmo y se mete mucho en sus proyectos. Es un trastornado y sale con cada idea increíble. El dirigió Dementia (ver aparte) y salió con todas esas ideas rarísimas de latex, sadomasoquismo, ataduras...
- ¿Te gusta el sadomasoquismo personalmente?
- Sí, es entretenido. Me gusta que me aten.
- ¿Cómo afectó en tu vida íntima el haber tenido tanto sexo en cámara?
- Expandió mis horizontes, definitivamente. Hago un montón de cosas en mi vida íntima que jamás hubiera hecho si no fuera por este trabajo. Es diferente de todos modos, en la intimidad es más cómodo, no tenés que tener sexo arriba de una roca o lugares extrafalarios. Además está el tema del contacto visual, la pasión y no tenés que estar pendiente de dónde está la cámara.
- ¿Cuál es la frontera entre pornografía y prostitución?
- Muy fácil: a mí me descuentan impuestos de lo que gano. Tengo fans, todo lo que hice, está en video, a la venta, en mi web-site. Todo está a la vista, no hago nada en secreto. Y tengo mi equipo, maquillaje, iluminación, cámara, sónido... No es sólo yo y un extraño. Además estoy teniendo sexo con alguien que también está cobrando por lo que hace y todos tenemos análisis de HIV al día y después de un tiempo es como un sentimiento de familia, porque el círculo de actores porno masculinos es muy reducido, así que después de un tiempo ya estuviste con todos y empezás a repetir.

Por El Camino De Mark Rae

2005-01-05T21:07:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, USA, 2002)

La eterna búsqueda del beat perfecto nos puede llevar por caminos escabrosos y traicioneros. Bombardeados por tanto desperdicio industrial, artistas producidos en cadena y medios que sólo difunden más de lo mismo y de lo peor, se hace cada vez más difícil encontrar algo que valga la pena escuchar en el universo ese llamado hip hop.
Sin embargo, hay sellos discográficos que siguen siendo garantía de calidad y Grandcentral, de Manchester, Inglaterra, es uno de ellos. Por eso, si andamos en esa bendita búsqueda por la perfección del ritmo, qué mejor que seguir el camino de Mark Rae, su fundador.

Muchos nos enteramos de la existencia de este magnífico DJ-productor a través de su trabajo en dúo junto a Steven Christian. Pero en realidad, la carrera de Mark Rae comienza en 1994, cuando estando detrás del mostrador de su tienda de discos, Fat City Records, se le ocurre fundar su propio sello discográfico para editar el proyecto solista de Tony D, de los Poor Righteous Teachers. De ahí en más Grandcentral Records se convirtió en la casa de los más ambiciosos y vanguardistas proyectos musicales de la escena hip hop de Manchester. Y cuando decimos hip hop no nos referimos a la música que suena en Mtv y BET, sino a hip hop en su estado crudo y en su concepción más amplia: la cultura de la música reciclada. Muy rara vez encontraremos los discos de Rae & Christian en las bateas de hip hop de una tienda de discos americana, pero es así como ellos definen su música que incluye retazos de funk, rap, dub, acid-jazz, trip-hop, electrónica y hasta bossa nova.
Esa misma visión abarcadora del hip hop, como concepto central desde el cual generar música innovadora con sonidos familiares, es compartida por los demás artistas de la familia Grandcentral: AIM, Only Child, Fingathing y Funky Fresh Few. Todos comprometidos con un nivel de calidad y de refinamiento de su música que parece inédito en el tristemente bastardeado mundo del hip hop contemporáneo.
Hoy Mark Rae es además de un visionario del hip hop, uno de los productores más buscados a la hora de hacer remixes y como si su desempeño como presidente de Grandcentral Records y su carrera con los consagrados Rae & Christian (una banda de hip hop instrumental que en vivo lleva nueve integrantes) no le bastase, encontró tiempo libre para sacar su primer trabajo solista: Rae Road (publicado en Estados Unidos por !K7). Así que en esa dirección nos encaminamos, a seguir el camino de Mark Rae.
Comparado con el hip hop norteamericano, se podría afirmar a primera vista que tienes un concepto bastante más amplio de lo que el hip hop es o puede ser en lo musical. ¿Cuál es tu definición de hip hop?
Todo. El hip hop es todo, por definición. Desde el comienzo del hip hop, ya se usaban cosas de música disco, electro, Kraftwerk, funk, rock, jazz… tu sabes. El hip hop se trata, en cierto punto, de faltarle el respeto a la música, pero de una forma respetuosa. Sacar algo, cambiarlo y transformarlo en algo nuevo… Pero ahora, con la nueva política contra el uso de samples, están haciendo todo con teclados, estilo Swiss Beats.
¿Consideras que tu estilo de producción es experimental en alguna medida?
No. Alguna gente incluso ha dicho que mi estilo es menos experimental que el de Timbaland. Pero hip hop es todo. Timbaland suena a jungle con rap. Ahora, si lo quieres ver desde afuera, la definición de hip hop sería: la expresión de las minorías urbanas en América. Pero como una forma de arte, y hay mucha gente diciendo que ya dejó de ser arte, la cosa se trata de regenerar música de todo tipo hacia una nueva forma, con una nueva energía.
¿Qué piensas acerca del “fenómeno backpacker” de los últimos años, que ha transformado a los jóvenes de las universidades y a los nerds de Internet en el principal público consumidor de hip hop underground? ¿Sucedió lo mismo en la escena inglesa?
No creo que sea un fenómeno reciente. El primer movimiento del hip hop, a comienzos de los 80’s, fue llevar esas expresiones artísticas nuevas del Bronx hacia Manhattan. Los punks tuvieron mucho que ver con eso, aunque el crédito se les adjudica sólo a negros y latinos. El hip hop entonces ya era un fenómeno que interesaba a la vanguardia artística más snob de New York.
Pero no me puedes negar que hay una tendencia actual a hacer un hip hop más -si se quiere- intelectual, en el underground.
Yo tengo título universitario, soy blanco y soy de clase trabajadora. ¿Eso nos excluye de poder disfrutar del hip hop? Si estuvimos involucrados en el movimiento desde los 80’s. Si te fijas quienes compraban los discos de gangsta rap, en su mayoría eran blancos. Sería entrar en una zona de límites muy borrosos. Hasta donde yo sé, el hip hop fue disfrutado por gente de todas las clases sociales desde un primer momento.
Con Rae & Christian hiciste un remix para el disco de Bebel Gilberto, el cuál en mi opinión, fue el mejor del disco…
La conocimos personalmente en Miami y ella me dijo que también creía que nuestro remix era el mejor. Yo no me lo esperaba. Ni me esperaba que Bebel llegase tan lejos en Europa y vendiese tantos discos. Me encanta que estemos involucrados en eso. Es más, ahora la queremos a ella para que colabore en el próximo disco de AIM.
En tus discos anteriores ya habías trabajado con cantantes de bossa nova. ¿De dónde viene tu interés por la música brasileña?
A mí me encanta la música latina en general. El hip hop ha tenido algunas influencias sutiles de bossa nova, en algunas obras de A Tribe Called Quest, por ejemplo. Es una música hermosa y muy expresiva. Tania María es esta cantante brasileña que aparece en nuestro disco, ella vive entre New Jersey y Paris, la conocí y me encantó su voz, su estilo, así que hicimos esas dos canciones.
Muchos consideran que el hip hop europeo hoy en día es la vanguardia en materia de producción...
Lo es. Pero también hay muy buen hip hop saliendo de Estados Unidos todavía.
Pero el problema es que esa vanguardia europea no es suficientemente reconocida en el mercado norteamericano.
Sí, pero ¿qué puedes esperar? A América no le interesa mucho lo que sucede afuera de sus fronteras. La vanguardia del hip hop europeo sólo le puede interesar a un público muy reducido aquí. ¿Cómo va a despertar interés de la industria? Si Roots Manuva no puede meter un hit en los charts norteamericanos, entonces yo creo que el hip hop inglés está destinado a no entrar en este mercado.
¿Y el hecho de que ustedes estén trabajando con MC’s de Estados Unidos puede servirles para entrar en ese mercado?
No lo hicimos con esa razón. The Pharsyde ni siquiera es un grupo tan conocido acá, que nos pueda asegurar las ventas. Creo que son más conocidos en Europa. La única razón por la que trabajamos con ellos es porque respetamos y admiramos su trabajo y creemos que pueden agregar algo bueno a lo nuestro. Si lo hiciésemos para hacer dinero, invitaríamos a Ludacris. Si yo quisiera, podría invitar a Jay-Z a tirar unos versos en un track y él lo haría. Ya lo he remixado en el pasado…
¿Pero por qué no invitan a MC’s británicos?
Lo hemos intentado alguna vez. Hay muchos MC’s en Gran Bretaña tanto o más buenos que los de Estados Unidos. Hemos intentado trabajar con ellos, con Roots Manuva, con Lewis Parker, pero básicamente, no son tan profesionales como los MC’s americanos. Hay mucha gente a la que le ha molestado el hecho de que no trabajemos con MC’s británicos. Para serte honesto, nosotros somos con las ovejas negras de la escena inglesa. Pero no nos importa nada. Podemos trabajar con gente de cualquier lugar. No creo en eso de que tengamos que usar a los MC’s de nuestra calle para representar a nuestro barrio. No comparto ese concepto del hip hop. Nosotros salimos a hacer hip hop en la escena de Manchester cuando todos estaban en el indie o el house. A nosotros nos gusta todo tipo de música.

Maná: Alcohol, amor y tristeza

2005-01-05T21:05:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, USA, 2002)

Con una botella de vino tinto en una mano y el sacacorchos en la otra, Fher nos da la bienvenida al estudio. Los invitados pasan y se sientan. Alex escolta al vocalista de Maná desde atrás de la enorme consola de mezcla, él se encargará de las traducciones al inglés, mientras tanto Sergio se recuesta en un sofá que parece mucho más cómodo y adecuado para la ocasión que las sillas donde nos acomodamos para escuchar Revolución de Amor, antes de que salga a la venta.
Para romper el hielo, Fher sirve un par de copas y las ofrece a los recién llegados pero aclara: “Tenemos un tequilita que trajimos que es de lo mejor, se los recomiendo a todos. Un buen tequila es lo ideal para tomar mientras se escucha este disco”.
Antes de pasar a las canciones, hace referencia al título del disco, “la palabra amor es la más grande del cosmos,” y aclara, “el amor está presente a lo largo de todo este disco como un tema central”, como si nos fuésemos a esperar otra cosa de Maná que esas clásicas canciones de amor con finales siempre tristes que apelan, sin vueltas, a la sensiblería del oyente. Esa es la marca de agua de Maná. Gracias a esos eternos himnos al desamor, se convirtieron en lo que es hoy: la banda de rock en español más grande del mercado mundial, la que ha llegado a donde ninguna otra jamás haya imaginado. “Este disco es más humano, más orgánico, casi como artesanal” nos cuenta Fher y asegura que el álbum fue grabado casi enteramente de forma análoga, “se usó el Protools, pero lo que no queremos es depender de él,” comenta “me parece un error (usarlo demasiado) porque deshumaniza la música”.
Play. El disco empieza a rodar y lo escucho por primera vez. Aclaro de antemano que no soy ni fan ni detractor de Maná y percibo sus canciones desde la neutralidad, sin el filtro de la envidia roquera ortodoxa de los mexicanos. Hay composiciones de Fher que me ponen la piel de gallina y otras tantas que me hacen cosquillas. Esta podría entrar al podio de las primeras, “Ángel de amor”, el primer corte de difusión. Un track sin sorpresas, un posible favorito de las radios y candidato a convertirse en un clásico de su repertorio. Maná suena más Maná que nunca, con guitarras estridentes y una notoria preponderancia de la batería con Alex, a puro virtuosismo.
Le sigue “Ay doctor” del que Fher comenta “este tema está basado en una vivencia real de uno de los miembros de la banda, no voy a decir quién, por yo no fui… y Alex tampoco”, este último intercede “y Sergio tampoco”. Como el tema está compuesto sobre una poderosa línea de bajo, no nos queda otra que pensar que la inspiración vino del lado de Juan Calleros. La letra hace alusión a la depresión producto del mal de amores, que lleva al paciente a requerir medicación a su psicólogo. En cierta medida retoma el concepto de “Corazón espinado”, su colaboración para el disco Supernatural de Santana. Reaparece esa frase de cinco palabras que resume el universo de Maná: “Cómo me duele el amor”. La sorpresa es el uso del talk-box a cargo de Sergio, en donde iba a ir un solo de harmónica.
¡Uff! Dos golpes fuertes sin respiro. Descanso por favor. Tres imponentes rubias vestidas de blanco entran cargando bandejas llenas de margaritas. Fher se preocupa por que alcancen para todos, “que no se quede nadie sin sus margaritas” y uno se pregunta si todas las reuniones de Maná con la prensa serán así ¿o nos querrán emborrachar para que lleguemos con las defensas bajas a los temas de relleno?
Es el turno de Alex para presentar su canción (cantada a medias con Fher). Aparentemente al baterista no lo deja dormir tranquilo el tema de la paz mundial y se propuso hacer una declaración de principios antibelicistas. Claro, si vamos a quejarnos de algo que no nos gusta de este mundo, qué mejor que proponer una alternativa viable para solucionar esos problemas: “no hay que odiar, hay que amar” (y lo repite, por si no nos quedó claro). “Fe”, tal el título de la canción, se aleja un poco musicalmente del resto, apelado a la espiritualidad del oyente a través del uso de instrumentos tradicionales de la India y para la ocasión, sin perder detalle, el compositor del tema se encargó de bajar las luces del estudio de grabación, como para que nos pongamos más a tono y nos impere la necesidad de meditar.
Llegó la hora de un nuevo hit. Otro tema de esos que van a dar que hablar, “Pobre Juan” y no, no lo escribieron pensando en mí, pero casi. La historia ya trascendió: Fher conoció en un bar de la calle Melrose (Los Angeles) a un mesero mexicano, que como a tantos otros le tocó la de sobrevivir como inmigrante ilegal en los Estados Unidos, “lleva once años viviendo aquí y nunca pudo conseguir sus papeles y por eso no pudo volver más a México a ver a su familia y su esposa” . Catalóguese bajo la etiqueta de: “historias de finales tristes de latinos desamparados en algún lugar del mundo” y archívese junto a “La Sirena” y “El muelle de San Blas”.
Después del plato fuerte, un postre casi tragicómico: “Mariposa Traicionera”. Fher dixit: “Esta me costó mucho escribirla porque es en base a una experiencia personal y no encontraba las palabras, hasta que finalmente se me ocurrió la metáfora de la mariposa que va de flor en flor, como la mujer que va de boca en boca”. La metáfora se hace menos sutil y hasta inapropiada cuando acusa al inofensivo insecto de abrir sus “nalgas” generosamente al mejor postor. Más allá de la lectura machista y conservadora que delata a primera vista, uno se puede cuestionar sobre la vida íntima de un rockstar de semejante magnitud y pensar si no estará escupiendo para arriba. Claro que el detalle no va a ser obstáculo para que suene en las radios de Top 40. La canción está compuesta a modo de bolero mexicano y será ideal para ahogar las penas en alcohol en alguna tenebrosa cantina del DF, pero a mí, con dos tequilas encima y todo, me dio un poco de vergüenza ajena.
Alumnos Fher y Alex, pueden sentarse.
Pase al frente Sergio Vallín.
Al guitarrista le tocó aportar la canción de amor más triste entre todas las canciones de amor tristes: “¿Por qué te vas?”. “Poco antes de la muerte repentina de mi padre,” cuenta “tuve esta conversación con mi madre en la que me dijo cuánto lo amaba”. Su padre falleció en un accidente trágico y al poco tiempo le tocó el turno a su madre que “murió de amor”. En aquella conversación se inspira esta canción. Insensibles abstenerse.
Enseguida Maná se pone políticamente correcto y sale Fher a dar la cara con otro tema con pasta de hit: “Justicia, Tierra y Libertad”. El título lo dice todo. Al mejor estilo de U2, como rockeros consagrados a nivel mundial que se muestran preocupados por las problemáticas del tercer mundo. En este caso el reclamo indígena. El título es una cita del revolucionario mexicano Emiliano Zapata y la canción abre con otra cita de otro revolucionario mexicano, el subcomandante Marcos. Pero la atención no está, esta vez, puesta en la letra sino en las guitarras y es que aquí aparece el primer invitado del disco: Carlos Santana. Cuenta la leyenda, que la canción se había grabado originalmente con la guitarra de Sergio, con la idea de usarla como guía y luego borrar completamente ese canal para darle rienda suelta a los virtuosismos y firuletes del invitado de lujo. Pero cuando el as de las seis cuerdas oyó los punteos de Vallín pidió que no los eliminen y en cambio sugirió esa especie de diálogo o duelo entre dos guitarras que quedó en la versión definitiva. Para chuparse los dedos.
La última y nos vamos. “Sábanas Frías” con la participación de otro de lujo: Rubén Blades. Un collage de ritmos tropicales que pasa de la cumbia a la “hard core salsa” –según definición del propio Fher- y trata sobre un controvertido tema de discusión de talk-shows de las tres de la tarde… de hace dos décadas: la convivencia de la pareja antes del matrimonio. En el Opus Dei y el arzobispado de Guadalajara se rasgarán las vestiduras, pero de allí en más a nadie le mueve un pelo. Fher se excusa de antemano: “es algo que es muy normal aquí y en Europa, pero no está muy bien visto en México todavía, ni en Latinoamérica”. Concentrémonos mejor en el desempeño del invitado panameño que también viene con leyenda; ésta cuenta que sólo iba a hacer unos coros, pero se bebió dos botellas de vino tinto, eran las dos de la mañana y no había manera de sacarlo del estudio, así que se terminó entonando un par de estrofas completas.
“Esas son siete canciones de las doce que van a componer este disco, espero que les hayan gustado” y nos fuimos a buscar –sin éxito- algún bocadillo, como para compensar la sobreoferta de alcohol. Estamos a media cuadra de Melrose Ave., ¿por qué no vamos al bar de Juan?

La Gran Farsa de Los Grammys Latinos

2005-01-05T20:55:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en The Lab, USA, 2002)

Si se propusieran hacer una sátira de una entrega de premios para un programa cómico de televisión, muy difícilmente los resultados serían más absurdos e hilarantes. Los Grammys Latinos, desde su existencia misma, han sido siempre una vergüenza innecesaria. Pero el nivel de ridiculez de la ceremonia de este año, superó todo lo previsible. Y no estamos hablando del vestido de Thalía, ni la peluca de Celia Cruz. Los premios Estefan, perdón, Grammys son una radiografía de la cara más decadente de la industria de la música latina en los Estados Unidos.
Con un teatro Kodak a medio llenar, Jon Secada, el one-hit-wonder del clan Estefan, inauguró la patéticamente aburrida ceremonia previa a la televisación, con una seguidilla de trofeos entregados a artistas en su mayoría ausentes. Como Vico C, que se llevó el obvio Grammy de la categoría disco de rap (hip hop le queda demasiado grande) por el simple hecho de ser el único conocido en una terna donde -como de costumbre- los más respetados del género estaban ausentes: Sólo Los Solo, Doble V ¿Dónde están? Capítulo aparte para el papelón de Alejandra Guzmán. ¿A quién se le ocurre nominarla en la misma categoría que a los próceres del rock en español León Gieco y Luís Alberto Spinetta? La Biblia y el calefón. Parece que no llegaron a juntar suficientes discos de rockeras, entonces fusionaron la categoría con la masculina. Para colmo, esta cuarentona sinvergüenza, sale a defenderse diciendo que se merecía el premio porque ya lleva diez discos en su carrera y alguna vez le tenía que tocar. ¿Estás seguro de que esta es la entrega de los Grammys? ¿No me estás contando un capítulo de Los Simpsons?
La realidad supera la ficción y La Ley con sus clichés ochentosos superaron con un unplugged a la vanguardia e innovación de los favoritos de la crítica a nivel mundial: Babasónicos y Kinky. ¿Kinky? ¿Qué hacen en la categoría de mejor álbum de grupo de “rock”? Ah… es que no tenían categoría para música electrónica o dance o house o como le quieran decir y en alguna los tenían que meter.
Después, la avalancha de músicas regionales latinoamericanas. ¿Por qué los ritmos tradicionales mexicanos tienen cinco categorías diferentes y no hay ninguna categoría para mejor disco de chamamé o folklore andino? ¿Por qué hay tanta salsa y merengue y ni un premio al mejor disco de cumbia?
Gloria Estefan, obviamente, tenía que ser la anfitriona de la ceremonia televisada, donde en el común de los casos, los premios se los llevaron todos los mismos que se presentaron en vivo. El único respiro de la velada fue el instante brasileño comandado por el maestro Roberto Menescal -aunque haya apostado al lugar común de la “Garota de Ipanema”- porque como venía la mano sólo faltaba la actuación en vivo de Alexandre Pires y cartón lleno. Ahora bien, ¿si le acertaron con la música brasileña (¡bien por Lenine!) por qué no pueden ponderar a los hispanoparlantes bajo el mismo criterio?
La que faltaba: cómo a Shakira la quieren mantener en el mercado anglo, porque les es más redituable, papá Estefan le dio un premio consuelo al mejor video y todos contentos. Ahora que alguien me explique por qué Justin Timberlake presentó el premio al mejor disco de Salsa. ¿Y Jennifer Love Hewitt? ¿Vio luz y entró? ¿Y Nick Carter? ¿Qué es esto? ¿Se quieren burlar de los latinos o qué?
Vicente Fernández resumió, en la conferencia de prensa, el espíritu de esta farsa con su sabiduría de “ignorante ranchero” cuando aclaró: “Los Grammys son como la cárcel. No están todos los que son, ni son todos los que están”.

De Paseo Por Los Angeles con SFDK

2005-01-05T20:53:00.000-08:00

Por Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2003)

LAMC es la conferencia internacional de la música en castellano que se realiza anualmente en los Estados Unidos. De esta participan artistas, promotores, periodistas, ejecutivos de las disqueras y demás personas relacionadas con la indsutria de la música en general. Hace dos años contó con la presencia del Meswy, recién instalado en New York. En la edición del 2002, fue La Mala Rodríguez quién representó al rap ibérico en Norteamérica. Este año el turno les tocó a nada menos que SFDK. He aquí una reseña de la visita de los sevillanos a Los Angeles, California.

Los Angeles no es una ciudad fácil para el b-boy recién llegado. No es como New York donde uno es abatido por una abalancha de hip hop apenas pone un pie fuera del avión. Los Angeles es enorme, inabarcable e ilógica en su distribución. Uno puede pasar meses, hasta años, viviendo en esa ciudad sin encontrar vestigios de la cultura hip hop, a menos que se sepa dónde ir a buscarlos.
Eso fue, más o menos, lo que les sucedió a Acción Sánchez, Zatu y al Puto Largo (de Dogma Crew) cuando llegaron con la ilusión naif de b-boys debutantes a la supuesta cuna del gangsta rap: se vieron encerrados en un lujoso hotel de Beverly Hills sin saber en qué dirección escapar. Extendieron un mapa y buscaron instintivamente Compton, Long Beach, South Central, los barrios de los que habían oído hablar tanto al ritmo del caduco g-funk. Estaban muy lejos. Lo más cerca que tenían era Hollywood, la farsa más grande del engañoso glamour cinematográfico. Esa noche tocaba Phil The Agony, gratis en Amoeba Records, la tienda de discos más importante de todo California. Cuando lo vieron en los periódicos tres días después, ya era demasiado tarde.
Lo más cercano a un show de hip hop que llegaron a ver entonces, fue en la fiesta de inauguración de la conferencia LAMC donde se presentaron los locales Akwid: un dúo de jóvenes mexicanos críados en el ghetto de Los Angeles que saltaron repentinamente a la fama en el hámbito local rimando en un precario español sobre loops de música regional mexicana: rancheras, corridos norteños, etc. Esa noche estaba también anunciada la presencia del Meswy en lo que hubiera sido su primera visita a la costa oeste, pero se canceló el mismo día. “¿Se le habrá cortado la luz?” se preguntaba con cierto dejo irónico Acción Sánchez, que había visto en las noticias de esa mañana el informe sobre el apagón de Nueva York.
Los Angeles no es una ciudad precisamente reconocida por tener apego por el rap en castellano. Más allá de Control Machete y 7 Notas 7 Colores, la mayoría de los que han pasado por ahí, lo hicieron sin pena ni gloria. A pesar de ser la ciudad con más habitantes de habla hispana en los Estados Unidos, el rap en castellano apenas gatea tímidamente en California.
-¿Con qué expectativas vienen a Los Angeles?
Zatu: ¡Quemarlo todo! Hacer un directo guapo tío. Aparte conocer a toda la gente que podamos. Pero como el directo es el plato fuerte siempre de nuestro grupo, pegar un directazo guay y esperemos que le llegue a la peña. El idioma es el mismo. Esta es nuestra segunda vez fuera de Europa así que...
- Sé que anduvieron por México a comienzos de este año. ¿Cómo les fue por allí?
Z: México fue increíble tío. Dimos tres conciertos, en Guadalajara, en Monterrey y en DF. Pero aparte de los conciertos también lo que es conocer la vida de otro país, todas las costumbres diferentes, todo eso fue un impacto gordísimo. Hasta montar el autobús era tan distinto. Y bueno, con respecto a la música, era increíble también. Cada ciudad que íbamos estábamos con los rappers de por ahí y pues, escuchábamos más o menos lo que había. Estuvo guapo.
- ¿Cómo han visto la recepción del rap español en Latinoamérica?
Acción Sánchez: En Latinoamérica tienen todo lo español. Por internet. Gente que tiene algún coleguilla que le manda un CD original... Nosotros cuando estuvimos en México vimos que hasta tenían temas que ni habían salido editados en España. Discos que iban a salir que ya los tenían.
Z: Pero en España no saben nada de lo que hay en Latinoamérica.
AS: En México la peña sabía lo que era bueno y lo que era malo. No es que todo lo español es la polla. Pero los tíos de ahí sabían perfectamente cuales son los grupos buenos buenos.
Z: Tenían un criterio parecido al que tenemos allí.
AS: En un puesto de un mercado en México, creo que llegaron a vender 500 CD’s nuestros en una semana. Piratas. Hasta camisetas hechas ahí a mano...
- Esa difusión fuertísima que ha tenido el rap de España en Latinoamérica desde el ‘98 a esta parte fue principalmente a través del mano a mano, cómo decían ustedes, tipo contrabando de hormigas. Pero ese fenómeno alcanza hasta desde Argentina y Chile hasta México y se frena al cruzar la frontera. ¿Creen que pueda entrar alguna vez en los Estados Unidos?
Z: Es más complicado. Pero puede ser tío. No sé. Llegándole a los latinos primero. A los que no hablan español es más dificil. La gente aquí tiene otra manera de verlo y si no lo entienden, no lo van a escuchar. Nosotros escuchamos a los americanos por el flow, sin entender las letras. Pero tío, yo he venido a Los Angeles y no he tenido ningún problema para hablar, todo el mundo habla español. Entonces entrando de a poquito por aquí, se podrá. Poquito a poco.
Poquito a poco los SFDK se fueron acostumbrando a Los Angeles y haciéndose conocidos de la fauna de la voraz industria de la música americana. Descubrieron que Melrose no estaba tan lejos y ahí se pueden ver –además de graffitis- pasear a las mujeres más artificialmente voluptuosas de Los Angeles. La legendaria Fat Beats fue una parada obligatoria para el “diggin’ in the crates” the Acción Sánches. “¿Todavía no fueron a Amoeba?” les pregunté. Amoeba debería ser parada obligatoria en el itinerario de todos los músicos en tour durante su escala en Los Angeles. “Tu nos puedes enseñar cómo llegar?” preguntó el DJ del dúo sevillano. “Mañana vamos juntos,” contesté.
Había que verles la cara al Zatu y Acción Sánchez cuando entraron a Amoeba. Era como soltar a un par de niños huérfanos en una tienda de juguetes. “Ostia tío, sácame una foto aquí con los discos que la peña no se lo va a creer,” reclamaba emocionado el Zatu. Imposible alejarlos de las infinitas bateas de vinilos durante las siguientes tres horas y media. Acción Sánchez debió cargar con una pesada caja llena con casi medio centenar de discos. Por suerte el camino hasta el hotel no era tan largo, habían ya abandonado el lujo del Hilton por un motel de paso hubicado en una zona más céntrica de la ciudad.
En El Rey Theatre, los Siempre Fuertes hicieron su esperado debut para un público curioso pero mayormente ajeno al palo del hip hop. Nadie nunca había oído hablar de ellos antes. Estaban sí los locales Psicho Realm, los más underground de Global City, los salvadoreños/neoyorquinos Reyes Del Bajo Mundo, el DJ JeekOne de San Francisco y los Delinquent Habits, que serían los encargados de coronar la velada inaugurada por el freestyle a capella del Zatu.
Satisfechos con los resultados conseguidos, los SFDK se agendaron una fecha más en otro club al día siguiente. Esta les salió todavía más difícil, el JC Fandangos es una disco de público latino más bien del palo rockero y darkie ubicada en Anaheim, lejos de Los Angeles y cerca de Disneyland. El heterogéneo cartel de esa noche incluía también electrónica de la mano del tijuanense Bostich y la incalificable ensalada kistch de los regiomontanos Plastilina Mosh. La poca respuesta del público no fue inconveniente para Zatu, que demostró ser un maestro de ceremonias con todas las letras y dominar el escenario como pocos.
Previo al evento habíamos pasado un día en la playa de Venice Beach donde no dejaron a ninguna señorita sin acosar con la cámara de video. Al día siguiente se fueron a recorrer Compton en auto por la mañana y como no vieron nada que se asemejase en lo más mínimo al hip hop, volvieron a internarse en su reducto favorito: la sección de vinilos de Hip Hop de Amoeba Records.

PD: La tienda de discos mencionada no patrocina este artículo ni anuncia en esta revista.