Por Juan Data (Originalmente publicado en La Cosa, Buenos Aires, 2005)
Hablamos con la pionera del “Reality Porn,” Shane, la actriz porno convertida en productora y directora que además, nos confesó, tiene un fetiche muy particular... ¡por los petes argentinos!
Las Chicas Sólo Quieren Divertirse
Seymore Butts es un director de porno reconocido tanto entre los aficionados a esta industria como entre el público masivo. Lleva más una década produciendo y dirigiendo sus propias películas desde el Valle de San Fernando, la tierra prometida del porno, al norte de Los Angeles, pero su salto a la fama, sin embargo, no llegó hasta hace un par de años cuando se le ocurrió hacer de su propia vida un reality show para la cadena de cable Showtime. Family Business, durante sus dos temporadas, retrató la intimidad un director de porno y su familia -en especial su madre y su tío- que siguiendo las leyes del “Hágalo Usted Mismo” montó un imperio de la pornografía desde el garage de su casa.
No es de sorprender entonces que Shane, haya seguido los pasos de Seymore, ya que estuvieron formalmente comprometidos por un buen tiempo y fue de la mano del Señor Butts, que la señorita de quién hoy nos ocupamos, descubrió el maravilloso universo de las tres equis en versión “reality”.
“Cuando estaba haciendo películas con Seymore,” nos cuenta la californiana, “me llegaban muchas cartas de fans que me decían que les gustaba mi manera de ser tan espontánea. Porque era yo misma frente a las cámaras. Entonces se me ocurrió filmar una escena donde cada uno sea simplemente uno mismo y hacer cosas divertidas, alejarnos un poco de la vorágine de Los Angeles y simplemente salir de joda, divertirnos...”
Así fue como surgió el revolucionario concepto de Shane’s World: porno sin guión donde las chicas llevan la batuta y la única regla es pasarla bien y divertirse. El mundo de Shane fue una bocanada de aire fresco para una industria porno predominantemente machista donde el papel de las mujeres era siempre el de sometidas. Hasta 1996, cuando salió el primer volumen de la serie, prácticamente no había porno que mostrase a las chicas divirtiéndose a su manera y realmente disfrutando de lo que están haciendo. Shane juntaba un grupo de actrices porno de segunda línea y las llevaba a escenarios no convencionales para el género, la playa, el desierto, la nieve, un boliche... persiguiéndolas todo el tiempo con una cámara para capturar sus reacciones y en especial sus interacciones con extraños agenos al porno: hombres comunes y corrientes que sólo pasaban por ahí y, de rebote, se acabaron llevando una mamada de una pornstar.
La idea no era en un ciento por ciento original, admite Shane, “eso en realidad lo intrudujo John Stagliano, Buttman. Yo cómo que trato de robar ideas de Mtv, pero no les cuentes a ellos... (risas)”. Y es cierto, el mundo de Shane se parece más a The Real World de Mtv que a las series del padre del gonzo, John Stagliano: "Ahora todos hablan de gonzo pero para mi no es gonzo, es reality... ¿Qué es gonzo? ¡Ni idea!”
- ¿Creés que el concepto de Shane’s World sirvió para alentar a las mujeres a liberarse y ver al porno de otra manera?
- Sí, como porductora y directora de mi propia línea creo que inspiré a muchas otras chicas. Hoy, todas lo están haciendo, pero en ese entonces no era tan común. Y también creo que es una clase de porno más amigable para la audiencia femenina porque las actrices básicamente hacen lo que quieren y la pasan bien a su manera.
La Conexión Argentina
Al momento de empezar la entrevista, Shane nos pregunta para que medio es y ante nuestra respuesta, reacciona sorprendida: “¿Argentina? ¡Mi marido es argentino!” A sus treinta y cinco años, Shane está formalmente retirada del porno como actriz y enfocada en su labor de esposa y madre de dos hijos.
Después de casarse vendió la licencia de su innovadora serie a la compañía New Sensations y se retiró por un par de años para dedicarse a su nueva familia. La línea de Shane’s World, en nuevas manos, se convirtió en un éxito arrasador, especialmente después del lanzamiento de College Invasion, la memorable sub-serie donde las actrices porno invaden fiestas de las fraternidades universitarias y acaban teniendo sexo con estudiantes alcoholizados. Shane ya no controla el mundo de Shane y ese mundo ahora incluye también una línea de juguetes sexuales que llevan su nombre. Quizás por eso, viendo el éxito que Shane’s World había conseguido tras su partida, el año pasado se animó a regresar al mundo del entretenimiento para adultos y lanzó una nueva serie: Shane’s TV.
En su primero y hasta ahora único volumen, Shane’s TV sigue mayormente el concepto impuesto por su antecesor aunque se enfoca más en el girl-on-girl. Para esta película Shane convocó a una decena de actrices a jugar en el fondo de una casa con pileta durante una tarde de verano, mientras la anfitriona se mantiene lejos de cualquier contacto sexual en su papel de maestra de ceremonias. Sólo se ve un hombre en toda la película: Shane se queja ante la cámara que desde que está casada no puede andar mamándole la verga a extraños, como solía hacer en sus viejas producciones, así que la manda a su amiga Holly a que levante un surfer de las playas de Malibu y le haga el favor en su nombre. Según nos confesó Shane, el suertudo, a quién no se le ve la cara en toda la escena, no era nada menos que su esposo argentino de quién dice “no es actor porno pero está muy bien dotado”. Después comenta: “Es un músico, por eso no pudimos mostrar su cara... es el baterista de Orgy (grupo industrial que se hizo famoso a mediado de los 90’s con un cover de New Order)”
- ¿Cómo lo conociste?
- En una cita a ciegas... sí, una cita a ciegas, qué vergüenza, ¿no?
- ¿Tu mirado mira las pornos que hiciste en el pasado con otros hombres?
- Solía molestarle. No le gustaba. Ahora que estuvimos casados por un buen rato ya no creo que le importe. Además lo puse a editar mis videos viejos para subirlos a mi nuevo website (shane.tv) y no le molesta, es más, le calienta, ¡está caliente todo el tiempo!
- ¿Ya te llevó a Argentina?
- No, todavía no, pero quiero ir. Ya voy a ir pronto.
- ¿Qué opinás de la nueva serie de Shane’s World despues de tu partida?
- No he visto ni una, así que no te podría decir. El porno te corrompe el cerebro, yo no miro porno, sólo lo hago... (risas)
- ¿Qué es lo que más extrañás de Shane’s World?
- ¡Extraño tener sexo con otras personas que no sean mi esposo! (risas) ¡Se lo recuerdo todo el tiempo! ¿Qué quiero para mi cumpleaños? ¡Una pija! ¡Otra pija! ¡Una de verdad, conectada a un hombre de verdad!
- Contanos una de las anécdotas más locas que te hayan sucedido mientras filmaban Shane’s World.
- En el volumen uno, se nos quedó la casa rodante en el medio del desierto de Mojave, no teníamos duchas así que teníamos que ir por camino de tierra hasta unas duchas públicas y creeme, las pornstars no están felices cuando eso sucede. Todos estaban ahí por tres días, comiéndose mi comida. Pensamos que habíamos encontrado un cuerpo muerto en los arbustos y lo movimos y se despertó de golpe y resultó ser un inmigrante ilegal que había cruzado la frontera de México a pie y se había deshidratado.
- ¿Y le diste una mamada de bienvenida a los Estados Unidos?
- No, de la nada salió el camión de migraciones y se lo llevaron, no sé cómo ni de donde salieron.
Friday, December 16, 2005
PESCOZADA, EL DESPERTAR DEL RAP SALVADOREÑO
By Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2005)
El rap en castellano ha dado ya ricos frutos a lo largo de casi toda Latinoamérica. Pero cada país que se fue sumando al mapamundi del hip hop, lo hizo a su modo y a su debido tiempo. Chile, Cuba, México, Brasil... cuentan desde hace años con sus escenas maduras y estables, poseedoras de una identidad nacional propia. Ahora, se agrega un país más a la lista: El Salvador acaba de dar a luz su primer disco de rap local con calidad de exportación, se trata de El Teatro Plebeyo, del dúo original de Chalatenango conocido como Pescozada.
Débil Estar y Fat Lui, los dos miembros del grupo (que supo ser un trío en sus orígenes), no son debutantes en este campo. Llevan ya tres discos en su haber (uno bajo el nombre de Dialectos Nativos, un proyecto paralelo bilingüe con la participación de Joaquín Santos, MC hijo de salvadoreños nacido y criado en California), pero es con El Treatro Plebeyo que planean hacer su desembarco oficial a nivel internacional empezando por los Estados Unidos, donde la comunidad de inmigrantes salvadoreños está mucho más familiarizada con la cultura hip hop que sus compatriotas en su tierra natal.
Fat Lui: Hablar de Pescozada en El Salvador, es hablar de ícono principal de hip hop.
Débil Estar: El hip hop en El Salvador, como poryecto serio, no existía antes de Pescozada. Modestia aparte, me atrevería a decir que somos los primeros en este país y en gran parte de Centroamérica. No hay cultura hip hop aquí. Hay algunos b-boys como mucho son unos 50, pero no hay una escena consolidada. Por eso es un desafío bastante grande para nosotros. Además está el fenómeno de las pandillas que vinieron importadas de Estados Unidos en los años 90’s, y trajeron consigo el gangsta rap y de ahí quedó la estigmatización del género que está socialmente mal visto. Así que debimos luchar contra eso y mostrarle a la gente que el hip hop es mucho más complejo y más grande que el gangsta rap.
FL: Hasta hace tres años nos seguían clasificando como pandilleros.
HHN: ¿Qué significa el nombre Pescozada?
FL: Pescozada surgió de una reunión familiar entre amigos. Queríamos darle un toque bien salvadoreño y expresar mucho en una sola palabra.
DE: En nuestro modismo, Pescozada significa un golpe contundente en la cara, un puño cerrado que te impacta. ¿Por qué Pescozada? Porque es algo que tiene que dolerte y quedarte marcado, que no se te olvide. La lírica y la música de Pescozada pegan fuerte.
Las letras de Pescozada no se diferencian demasiado del común de los grupos de rap en español existentes, aunque no abundan demasiado en competición ni los juegos de palabras y sí se enfocan un poco más en la denuncia social y lo festivo (mujeres, alcohol, etc). Fat Lui tiene un marcado estilo old school, con una personalidad fuerte y una voz impactante que se luce más a gusto, sin embargo, cuando se animan a jugar sobre un ritmo de reggaetón, pero en general su labor principal está en dar apoyo logístico a Débil Estar, el verdadero talento detrás de las rimas y el versátil maestro del flow.
FL: Tratamos de darle a la gente experiencias del diario vivir, de la vida urbana.
DE: Por mi parte yo veo al grupo como un rescate de identidad, porque nosotros los centroamericanos no tenemos un hip hop que nos represente, tenemos otros géneros músicales. Así que nosotros estamos luchando por levantar dos culturas, la cultura hip hop y la cultura centroamericana. Son dos retos bien grandes. Nosotros estamos tratando de construir de la nada una escena hip hop con identidad salvadoreña y centroamericana.
Pero lo que llama más la atención de Pescozada no es la parte vocal sino la producción musical. Omnionn es un productor salvadoreño radicado en la Bahía de San Francisco (trabajó en el pasado con Hieroglyphics y comparte estudio actualmente con Zion I) que descubrió el talento en bruto de Pescozada en sus comienzos y se ofreció a darles una mano con la producción, grabación y edición de su material. Los resultados en cuanto a la calidad de la mezcla y el nivel de detallismo en los beats ponen a Pescozada en clara ventaja frente a la gran mayoría de los grupos de rap latinoamericanos que en general no cuentan con las herramientas para alcanzar esa calidad de sonido.
En El Teatro Plebeyo Omnionn produce la mayoría de los beats y superviza la mezcla pero también colaboran otros productores como el boliviano Andino (que había participado en el disco debut del argentino Mustafá) y Sean T (nombre reconocido en el underground de Oakland), entre otros.
También hay varias colaboraciones de diferentes MC’s en este disco. Algunos de origen salvadoreño como Joaquín Santos, Rob West (gangsta rapper del sur de California) y los Reyes del Bajo Mundo (grupo de salvadoreños radicados en New York que encabezan el movimiento de “rap en español” en los Estados Unidos). También aportan su talento los argentinos Frost (del Sindicato Argentino del Hip Hop) y Apolo 11 y desde España mandan sus versos Mic’ky y El As para el tema que da título al disco.
DE: Yo respeto mucho el movimiento español. Nos encantaría poder ir de gira allí y tocar con SFDK y Violadores. Yo creo que la cultura hip hop se ha adaptado de una manera bien característica a la cultura española y eso es lo que nosotros buscamos con nuestro rap salvadoreño.
HHN: ¿Cómo ven desde su lugar el nacimiento de una escena hip hop en El Salvador?
FL: Nosotros le apostamos a un cien por ciento a que eso se va a dar.
DE: Yo creo que la escena se va a formar, quizás no mañana, pero ya tenemos señales, como el website elsalvadorrap.com, gente dentro del Salvador que está haciendo hip hop como Real Academia, Los Caballeros del Tiempo, y otros artistas que nosotros hemos tratado de promover.
HHN: ¿Y qué es lo que caracteriza al rap salvadoreño del resto del rap latino?
FL: El salvadoreño se caracteriza por ser guerrero.
DE: Yo creo que el hip hop centroamericano tiene que ser combativo. Aunque a nuestra gente le gusta divertirse mucho, también tiene características combativas, rebeldes. Nosotros nacimos en el departamento más guerrillero del país, donde la guerrilla entró a la ciudad como Juan por su casa. Y nosotros nos criamos durante la guerra, en especial Fat Lui. Eso nos ha influenciado a nosotros y a toda la sociedad. Salvador es uno de los países más violentos y más armados de Latinoamérica. No podemos hablar de que esto se haya terminado de la noche a la mañana con la firma de un papel.
HHN: ¿Cómo ven al rap salvadoreño a nivel de exportación para el resto de Latinoamerica y España?
FL: Es muy difícil entrar a esos mercados donde la gente está solamente esperando lo que viene de Estados Unidos.
DE: Yo creo que a la vez también tenemos la facilidad de que es algo novedoso, de que nadie escuchó rap salvadoreño antes y los que son fanáticos del hip hop, como yo, siempre estamos abiertos a escuchar cosas de otros países. Yo soy muy abierto y escucho lo mismo un disco de rap francés o chileno. Así que en ese nivel lo veo fácil.
El rap en castellano ha dado ya ricos frutos a lo largo de casi toda Latinoamérica. Pero cada país que se fue sumando al mapamundi del hip hop, lo hizo a su modo y a su debido tiempo. Chile, Cuba, México, Brasil... cuentan desde hace años con sus escenas maduras y estables, poseedoras de una identidad nacional propia. Ahora, se agrega un país más a la lista: El Salvador acaba de dar a luz su primer disco de rap local con calidad de exportación, se trata de El Teatro Plebeyo, del dúo original de Chalatenango conocido como Pescozada.
Débil Estar y Fat Lui, los dos miembros del grupo (que supo ser un trío en sus orígenes), no son debutantes en este campo. Llevan ya tres discos en su haber (uno bajo el nombre de Dialectos Nativos, un proyecto paralelo bilingüe con la participación de Joaquín Santos, MC hijo de salvadoreños nacido y criado en California), pero es con El Treatro Plebeyo que planean hacer su desembarco oficial a nivel internacional empezando por los Estados Unidos, donde la comunidad de inmigrantes salvadoreños está mucho más familiarizada con la cultura hip hop que sus compatriotas en su tierra natal.
Fat Lui: Hablar de Pescozada en El Salvador, es hablar de ícono principal de hip hop.
Débil Estar: El hip hop en El Salvador, como poryecto serio, no existía antes de Pescozada. Modestia aparte, me atrevería a decir que somos los primeros en este país y en gran parte de Centroamérica. No hay cultura hip hop aquí. Hay algunos b-boys como mucho son unos 50, pero no hay una escena consolidada. Por eso es un desafío bastante grande para nosotros. Además está el fenómeno de las pandillas que vinieron importadas de Estados Unidos en los años 90’s, y trajeron consigo el gangsta rap y de ahí quedó la estigmatización del género que está socialmente mal visto. Así que debimos luchar contra eso y mostrarle a la gente que el hip hop es mucho más complejo y más grande que el gangsta rap.
FL: Hasta hace tres años nos seguían clasificando como pandilleros.
HHN: ¿Qué significa el nombre Pescozada?
FL: Pescozada surgió de una reunión familiar entre amigos. Queríamos darle un toque bien salvadoreño y expresar mucho en una sola palabra.
DE: En nuestro modismo, Pescozada significa un golpe contundente en la cara, un puño cerrado que te impacta. ¿Por qué Pescozada? Porque es algo que tiene que dolerte y quedarte marcado, que no se te olvide. La lírica y la música de Pescozada pegan fuerte.
Las letras de Pescozada no se diferencian demasiado del común de los grupos de rap en español existentes, aunque no abundan demasiado en competición ni los juegos de palabras y sí se enfocan un poco más en la denuncia social y lo festivo (mujeres, alcohol, etc). Fat Lui tiene un marcado estilo old school, con una personalidad fuerte y una voz impactante que se luce más a gusto, sin embargo, cuando se animan a jugar sobre un ritmo de reggaetón, pero en general su labor principal está en dar apoyo logístico a Débil Estar, el verdadero talento detrás de las rimas y el versátil maestro del flow.
FL: Tratamos de darle a la gente experiencias del diario vivir, de la vida urbana.
DE: Por mi parte yo veo al grupo como un rescate de identidad, porque nosotros los centroamericanos no tenemos un hip hop que nos represente, tenemos otros géneros músicales. Así que nosotros estamos luchando por levantar dos culturas, la cultura hip hop y la cultura centroamericana. Son dos retos bien grandes. Nosotros estamos tratando de construir de la nada una escena hip hop con identidad salvadoreña y centroamericana.
Pero lo que llama más la atención de Pescozada no es la parte vocal sino la producción musical. Omnionn es un productor salvadoreño radicado en la Bahía de San Francisco (trabajó en el pasado con Hieroglyphics y comparte estudio actualmente con Zion I) que descubrió el talento en bruto de Pescozada en sus comienzos y se ofreció a darles una mano con la producción, grabación y edición de su material. Los resultados en cuanto a la calidad de la mezcla y el nivel de detallismo en los beats ponen a Pescozada en clara ventaja frente a la gran mayoría de los grupos de rap latinoamericanos que en general no cuentan con las herramientas para alcanzar esa calidad de sonido.
En El Teatro Plebeyo Omnionn produce la mayoría de los beats y superviza la mezcla pero también colaboran otros productores como el boliviano Andino (que había participado en el disco debut del argentino Mustafá) y Sean T (nombre reconocido en el underground de Oakland), entre otros.
También hay varias colaboraciones de diferentes MC’s en este disco. Algunos de origen salvadoreño como Joaquín Santos, Rob West (gangsta rapper del sur de California) y los Reyes del Bajo Mundo (grupo de salvadoreños radicados en New York que encabezan el movimiento de “rap en español” en los Estados Unidos). También aportan su talento los argentinos Frost (del Sindicato Argentino del Hip Hop) y Apolo 11 y desde España mandan sus versos Mic’ky y El As para el tema que da título al disco.
DE: Yo respeto mucho el movimiento español. Nos encantaría poder ir de gira allí y tocar con SFDK y Violadores. Yo creo que la cultura hip hop se ha adaptado de una manera bien característica a la cultura española y eso es lo que nosotros buscamos con nuestro rap salvadoreño.
HHN: ¿Cómo ven desde su lugar el nacimiento de una escena hip hop en El Salvador?
FL: Nosotros le apostamos a un cien por ciento a que eso se va a dar.
DE: Yo creo que la escena se va a formar, quizás no mañana, pero ya tenemos señales, como el website elsalvadorrap.com, gente dentro del Salvador que está haciendo hip hop como Real Academia, Los Caballeros del Tiempo, y otros artistas que nosotros hemos tratado de promover.
HHN: ¿Y qué es lo que caracteriza al rap salvadoreño del resto del rap latino?
FL: El salvadoreño se caracteriza por ser guerrero.
DE: Yo creo que el hip hop centroamericano tiene que ser combativo. Aunque a nuestra gente le gusta divertirse mucho, también tiene características combativas, rebeldes. Nosotros nacimos en el departamento más guerrillero del país, donde la guerrilla entró a la ciudad como Juan por su casa. Y nosotros nos criamos durante la guerra, en especial Fat Lui. Eso nos ha influenciado a nosotros y a toda la sociedad. Salvador es uno de los países más violentos y más armados de Latinoamérica. No podemos hablar de que esto se haya terminado de la noche a la mañana con la firma de un papel.
HHN: ¿Cómo ven al rap salvadoreño a nivel de exportación para el resto de Latinoamerica y España?
FL: Es muy difícil entrar a esos mercados donde la gente está solamente esperando lo que viene de Estados Unidos.
DE: Yo creo que a la vez también tenemos la facilidad de que es algo novedoso, de que nadie escuchó rap salvadoreño antes y los que son fanáticos del hip hop, como yo, siempre estamos abiertos a escuchar cosas de otros países. Yo soy muy abierto y escucho lo mismo un disco de rap francés o chileno. Así que en ese nivel lo veo fácil.
Friday, October 21, 2005
Zion I y el futuro del hip hop
Por Juan Data (Publicado Originalmente en Hip Hop Nation, España, 2005)
Zion I surgió de la fértil escena de la Bahía de San Francisco cuando ésta se encontraba a punto de ebullición. Hacia finales de los 90’s con la fiebre del hip hop underground en expansión, todo parecía indicar que la Bahía se perfilaba como una fuente inagotable de hip hop progresivo: Hieroglyphics, Quannum Projects, Rasco y Planet Asia, Bahamadia, Automator... marcaban la pauta del hip hop más aventurado artísitcamente. Sin embargo, cinco años después –y con la excepción de Automator gracias a su proyecto Gorillaz- todavía falta que un artista del área de la bahía pegue el gran salto y lleve su éxito de costa a costa de los Estados Unidos.
MC Zion nació hace 32 años en Filadelfia y en palabras suyas “viví por todos lados en los Estados Unidos pero defino al área de la Bahía como mi hogar porque es donde viví más tiempo”. Asistió a la universidad en Atlanta, Georgia y allí fue donde conoció a Amp Live, original de San Antonio, Texas, culpable de los beats del dúo. Los dos empezaron a tocar en el cirtuito universitario y después pasaron a los escenarios locales pero no fue sino hasta que se mudaron a Oakland a finales de la década pasada que se ganaron su merecido reconocimiento en el submundo del hip hop underground.
Su primer single, que incluía las canciones “Rap degreez” y “Inner light” los colocó instantaneamente en el ojo del huracán que se gestaba en ese entonces en esa zona. Los beats infectados de drum & bass y sonidos etéreos y electrónicos hacían que su música sonase a experimental y futurista. La siempre progresiva San Francisco los recibió con los brazos abiertos. En el año 2000 editaron su primer trabajo de estudio, Mind Over Matter que continuaba en aquella línea de exploración hacia el futuro del hip hop por los caminos de la electrónica y no les fue nada mal. Dos años más tarde sacaron su segundo álbum Deep Water Slang 2.0 que desgraciadamente pasó casi inadvertido por el mundo del hip hop, debido a una mediocre campaña de promoción, pero al menos dejó un tema con pasta de himno underground inmortal “Tha Drill”.
Para su tercer disco entonces optaron por el camino de la independencia y cómo tantos otros artistas de su zona que percibieron la pérdida de interés de las disqueras multinacionales por el hip hop generado en en Norte de California (tierra de donde en el pasado han salido artistas exitosos y tan disímiles como Too $Hort, 2Pac y MC Hammer) y fundaron su propio sello: Live Up.
- True & Living es el título del nuevo álbum y lo primero que me llama la atención al escucharlo es la ausencia notoria de ese elemento de experimentación electrónica que abundaba en los beats de sus primeros días y un cambio hacia un sonido de hip hop si se quiere más clásico o convencional. ¿A qué se debe esto?
Amp Live: Yo creo que con Zion I en cada álbum intentamos hacer algo diferente, entonces, ya sabes, en éste quicimos hacer algo más clásico. Pero a mí todavía me mola el drum & bass, acabo de terminar un CD mío que va todo en esa línea (Electrowonderland Vol. 1), pero en términos del grupo creo que avanzamos hacia otra clase de sonido. Además, la escena del drum & bass medio como se que murió. Cuando salimos parecía que estaba en un momento a punto de explotar pero luego se pasó. Todavía sigue teniendo sus fans y todavía hay algunos fans que esperan ese sonido de Zion I, pero en una escala mayor creo que ya pasó.
Para este disco se consiguieron unas cuantas colaboraciones con artistas de primera línea. ¿Cómo surgieron y cómo fue trabajar con ellos?
Zion: A Talib Kweli habíamos intentado invitarlo para nuestro disco anterior pero no funcionó. Su manager era nuestro manager en cuando todavía estábamos en Atlanta así que de ahí surgió la conexión. Así que bueno, para este disco, lo arreglamos con mucho tiempo de anticipación para que sucediese. Con Gift Of Gab fue más fácil porque Blackalicious trabajan en el estudio de aquí al lado así que los vemos todo el tiempo. Para lo de Aesop Rock nos fuimos a New York el verano pasado y nos estábamos quedando en casa de un amigo en común así que nos cruzamos varias veces. Y con Del (The Funky Homosapien) estuvimos de tour por un tiempo juntos a lo largo de toda California. Así que con excepción de Talib, la mayoría salieron espontánemente de gente con la que nos frecuentamos. Pero no grabamos en el mismo estudio con ninguno de ellos. Yo escribí mi verso, grabé mi voz y se los mandé para que ellos hicieran lo suyo. Cada uno tiene sus horarios imposibles entre grabaciones y tours así que es muy difícil combinar para estar en el mismo estudio.
Acaban de regresar de una gira por Japón y sé que anduvieron también por Europa y Brasil. ¿Comparten con otros artistas independientes de aquí la sensación de que el hip hop underground es más aceptado fuera que dentro de los Estados Unidos?
Z: No lo sé, no creo, yo siento que somos muy bien recibidos por el público de aquí. En ciertos lugares hay mucho aprecio para Zion I en otros... no tanto. Pero creo que en general, en Europa están más abiertos a escuchar nuevas propuestas. Aquí la gente viene a verte en posición de “a ver qué tienes para ofrecernos de diferente, ya he visto de todo” es como que están esperando que les pruebes algo. Hay más competencia y tantos artistas y tantos años de hip hop... es como que es imposible salir con algo nuevo. Ya está todo visto. En Europa, en cambio, todavía está esa inocencia refrescante de lo novedoso.
¿Qué tan difícil es hacer algo innovador en el hip hop de nuestros días?
AL: Es bastante difícil porque mucho ya está hecho. Creo que ahora para nosotros se trata más bien de refinar la calidad. Todo está hecho ya. Puedes hacer algo que sea un poquito distinto, pero hoy por hoy el hip hop creo que está en un momento cíclico de estancamiento, donde todo ya está hecho.
Z: Yo creo que aún cuando salgas con algo totalmente nuevo, es igualmente difícil porque no siento que la gente ahora esté dispuesta a escuchar algo que rompa todos los esquemas. Debería ser algo muy excepcional, excelente. Los medios de comunicación como que alimentan a la gente siempre con lo mismo y el público entonces está acostumbrados a esa fórmula. Incluso a nivel underground hay fórmulas que son difíciles de romper. Así que sí, yo creo que es muy difícil salir con algo nuevo, pero no creo que sea totalmente imposible.
En su nuevo disco tienen una canción dedicada a la escena de la Bahía de San Francisco. Ustedes, a pesar de no ser originales de aquí dicen representar a esta escena. Mi pregunta es ¿en cuánto les ha influído la Bahía a la hora de formar lo que Zion I es hoy?
Z: No nos ha influenciado en la formación del grupo, porque Zion I nació en Atlanta en un momento histórico completamente diferente. Pero creo que como grupo independiente, como sello, como show en directo... la Bahía nos ha dado mucho. Además, la comunidad de aquí nos ha recibido muy bien y apoya mucho nuestra música. Entonces, creo que básicamente nos dio un lugar donde plantar nuestras semillas, que traíamos desde Atlanta, pero recién ahora están dando frutos, aquí es donde han echado raíces. Ahora en cuanto a estilos... no creo que nos haya influenciado tanto, creo que mantenemos nuestro estilo desde las épocas en que hacíamos música en la universidad de Atlanta. Hemos evolucionado, claro, pero no creo que mi estilo se haya adaptado a la Bahía.
¿Viajando por los Estados Unidos, han notado alguna diferencia entre la escena de aquí con otras escenas?
Z: Hasta cierto punto sí, porque aquí todavía puedes ser independiente y vivir de tu música y en muchas otras ciudades a las que vamos, vemos a muchos artistas locales que no pueden vivir de lo que hacen. Aquí somos varios los que hemos logrado ese nivel de independencia con éxito, los de Quannum (Blackalicious, Lyrics Born, DJ Shadow), Living Legends, Hieroglyphics... En otros lugares parece que no es tan sencillo como aquí. Tenemos la suerte de estar aquí y ser aceptados como parte de esta escena.
Volviendo al disco nuevo, el primer corte de difusión es “Bird’s Eye View” una canción de amor dedicada no a una mujer sino a la cultura hip hop, un tema bastante recurrente en sus obras. ¿Qué es lo que les hace sentirse tan a gusto con esta cultura?
Z: Yo creo que somos hip hop real. Yo creo que el hip hop real es arte, es necesidad y también provocación y yo creo que todo eso está en Zion I. Lo que más me identifica de esta cultura es la necesidad de siempre ser originales, únicos. No creo que el hip hop se defina real en base a cierto estilo de ritmos o de maneras de rapear. Creo que va más bien por la intención y el espíritu que tu le pones a la música. Hablamos mucho sobre la cultura porque la amo, me fascina y nos ha ayudado mucho. A veces los medios nos llevan a pensar que la cultura hip hop es algo que no es, cadenas de oro, autos... no creo que tenga que ver nada con eso. Lo que succede es que la cultura fue absorvida por el negocio de la sociedad capitalista, pero la realidad es que los chicos lo hacen por amor, porque prefieren estar bailando break o pintando una pared en vez de ir a robar o matar a alguien.
¿Crees que el hablar mucho de hip hop en tus letras pueda limitar tus oyentes a un selecto grupo de fans ortodoxos del genero ya que el público más masivo no se identifica con esa manera de ver la cultura?
Z: No. Yo creo que cualquier persona que ame la música va a sentir ese amor por la cultura del que hablo. Además no sólo hablamos de hip hop en las letras, lo que hacemos es mucho más abarcativo en cuanto a contenidos. El hip hop es sólo un aspecto y está ahí porque eso es lo que somos y eso es lo que hacemos. Pero en general nuestras canciones son sobre emociones humanas con las que cualquiera puede identificarse, no sólo los b-boys. Muchas mujeres que no son necesariamente DJ’s, ni graffiteras, ni b-girls también aprecian nuestra música.
Otro tema presente es el contenido político de sus letras. ¿Cómo llevan lo del compromiso a causas políticas fuera de la música, en la vida cotidiana?
Z: ¿Sabes? Solía considerarme totalmente apolítico, pero no creo que eso tampoco esté bien. A mi sólo me importa la gente, las minorías explotadas, negros, latinos, de aquí y del resto del mundo también. No defiendo los ideales de ningún partido, no me defino demócrata, ni republicano, pero sí sé que no me gusta George Bush. No formo parte de ningún grupo de militancia o activismo político. Pero cada vez que nos invitan a un show a beneficio de una causa justa lo hacemos porque es nuestra manera de ayudar.
Explícame el sentido de la letra de “Stranger in my home”, la canción que haces con Gift of Gab de Blackalicious.
Z: “Stranger in my home” es sobre... bueno la idea básica es... yo sé que a Gift of Gab también le toca el tema personalmente y es por eso que lo invité para esta canción. Habíamos hablado de este tema con él antes, así que pensé que era la persona ideal para la canción. Básicamente se trata de cómo cambió el público del hip hop. Cuando yo era chico a comienzos y mediados de los 80’s, escuchar esta música era cosa de negros y latinos únicamente. Si había algún chico blanco era porque el tío venía del ghetto y estaba afiliado a la vida de pandillas, vivía como negros. Así era el hip hop en donde yo crecí, en la escuela, en la universidad... era sólo cosa de gente de color. A mediado de los 90’s empezó a cambiar, cada vez había más y más chicos blancos de los suburbios acercándose al hip hop. Hoy en día cuando tocamos en directo lo hacemos para una gran mayoría de blancos. Yo diría que entre el sesenta y el setenta por ciento de la gente que nos viene a ver es blanca. Así que la canción de lo que trata es de ese fenómeno que nos deja como ¡wow! ¡Es todo tan diferente!
¿Crees que ese fenómeno sea necesariamente negativo?
Z: No, no digo que esté mal. Sólo que me llama mucho la atención. Lo que yo veo mal, por ejemplo, es cuando Eminem explotó a nivel masivo y de repente todas las compañías discográficas estaban desesperadas buscando al nuevo raper blanco. A nadie le importaba más lo que hacían los negros. Antes ser negro y rapero era cool, ahora es un cliché. Ser un rapero negro es como cualquier cosa, ya está visto, cualquiera puede hacerlo. Pero si eres blanco y sabes rapear bien, eso es lo que está caliente ahora. Eso es lo que la gente está esperando. Así que la canción no hace más que mostrar cómo han cambiado las cosas en ese sentido. Ayer lo que hacíamos era cool, ahora ya no lo es más. Es como sucedió con el rock n’ roll, una vez que triunfó Elvis las compañías dejaron de buscar a músicos de rock negros. Los negros pasaron a ser obsoletos en el rock después de un tiempo. Eso es lo que nos preocupa. Siempre hubo blancos comprando los discos de rap, pero antes no se veía este fenómeno tan de frente, quizás lo escuchaban a escondidas, ahora está más aceptado a nivel masivo y también en el underground, si te fijas los artistas independientes que más discos están vendiendo son Atmosphere, Aesop Rock, El-P... No es nuestra intención alienar a nuestro público, amamos a nuestro público, así que este es un tema que debemos tratar con delicadeza. Es algo que simplemente quería llamar a la atención, sin criticar, ni hacer enojar a nadie.
Zion I surgió de la fértil escena de la Bahía de San Francisco cuando ésta se encontraba a punto de ebullición. Hacia finales de los 90’s con la fiebre del hip hop underground en expansión, todo parecía indicar que la Bahía se perfilaba como una fuente inagotable de hip hop progresivo: Hieroglyphics, Quannum Projects, Rasco y Planet Asia, Bahamadia, Automator... marcaban la pauta del hip hop más aventurado artísitcamente. Sin embargo, cinco años después –y con la excepción de Automator gracias a su proyecto Gorillaz- todavía falta que un artista del área de la bahía pegue el gran salto y lleve su éxito de costa a costa de los Estados Unidos.
MC Zion nació hace 32 años en Filadelfia y en palabras suyas “viví por todos lados en los Estados Unidos pero defino al área de la Bahía como mi hogar porque es donde viví más tiempo”. Asistió a la universidad en Atlanta, Georgia y allí fue donde conoció a Amp Live, original de San Antonio, Texas, culpable de los beats del dúo. Los dos empezaron a tocar en el cirtuito universitario y después pasaron a los escenarios locales pero no fue sino hasta que se mudaron a Oakland a finales de la década pasada que se ganaron su merecido reconocimiento en el submundo del hip hop underground.
Su primer single, que incluía las canciones “Rap degreez” y “Inner light” los colocó instantaneamente en el ojo del huracán que se gestaba en ese entonces en esa zona. Los beats infectados de drum & bass y sonidos etéreos y electrónicos hacían que su música sonase a experimental y futurista. La siempre progresiva San Francisco los recibió con los brazos abiertos. En el año 2000 editaron su primer trabajo de estudio, Mind Over Matter que continuaba en aquella línea de exploración hacia el futuro del hip hop por los caminos de la electrónica y no les fue nada mal. Dos años más tarde sacaron su segundo álbum Deep Water Slang 2.0 que desgraciadamente pasó casi inadvertido por el mundo del hip hop, debido a una mediocre campaña de promoción, pero al menos dejó un tema con pasta de himno underground inmortal “Tha Drill”.
Para su tercer disco entonces optaron por el camino de la independencia y cómo tantos otros artistas de su zona que percibieron la pérdida de interés de las disqueras multinacionales por el hip hop generado en en Norte de California (tierra de donde en el pasado han salido artistas exitosos y tan disímiles como Too $Hort, 2Pac y MC Hammer) y fundaron su propio sello: Live Up.
- True & Living es el título del nuevo álbum y lo primero que me llama la atención al escucharlo es la ausencia notoria de ese elemento de experimentación electrónica que abundaba en los beats de sus primeros días y un cambio hacia un sonido de hip hop si se quiere más clásico o convencional. ¿A qué se debe esto?
Amp Live: Yo creo que con Zion I en cada álbum intentamos hacer algo diferente, entonces, ya sabes, en éste quicimos hacer algo más clásico. Pero a mí todavía me mola el drum & bass, acabo de terminar un CD mío que va todo en esa línea (Electrowonderland Vol. 1), pero en términos del grupo creo que avanzamos hacia otra clase de sonido. Además, la escena del drum & bass medio como se que murió. Cuando salimos parecía que estaba en un momento a punto de explotar pero luego se pasó. Todavía sigue teniendo sus fans y todavía hay algunos fans que esperan ese sonido de Zion I, pero en una escala mayor creo que ya pasó.
Para este disco se consiguieron unas cuantas colaboraciones con artistas de primera línea. ¿Cómo surgieron y cómo fue trabajar con ellos?
Zion: A Talib Kweli habíamos intentado invitarlo para nuestro disco anterior pero no funcionó. Su manager era nuestro manager en cuando todavía estábamos en Atlanta así que de ahí surgió la conexión. Así que bueno, para este disco, lo arreglamos con mucho tiempo de anticipación para que sucediese. Con Gift Of Gab fue más fácil porque Blackalicious trabajan en el estudio de aquí al lado así que los vemos todo el tiempo. Para lo de Aesop Rock nos fuimos a New York el verano pasado y nos estábamos quedando en casa de un amigo en común así que nos cruzamos varias veces. Y con Del (The Funky Homosapien) estuvimos de tour por un tiempo juntos a lo largo de toda California. Así que con excepción de Talib, la mayoría salieron espontánemente de gente con la que nos frecuentamos. Pero no grabamos en el mismo estudio con ninguno de ellos. Yo escribí mi verso, grabé mi voz y se los mandé para que ellos hicieran lo suyo. Cada uno tiene sus horarios imposibles entre grabaciones y tours así que es muy difícil combinar para estar en el mismo estudio.
Acaban de regresar de una gira por Japón y sé que anduvieron también por Europa y Brasil. ¿Comparten con otros artistas independientes de aquí la sensación de que el hip hop underground es más aceptado fuera que dentro de los Estados Unidos?
Z: No lo sé, no creo, yo siento que somos muy bien recibidos por el público de aquí. En ciertos lugares hay mucho aprecio para Zion I en otros... no tanto. Pero creo que en general, en Europa están más abiertos a escuchar nuevas propuestas. Aquí la gente viene a verte en posición de “a ver qué tienes para ofrecernos de diferente, ya he visto de todo” es como que están esperando que les pruebes algo. Hay más competencia y tantos artistas y tantos años de hip hop... es como que es imposible salir con algo nuevo. Ya está todo visto. En Europa, en cambio, todavía está esa inocencia refrescante de lo novedoso.
¿Qué tan difícil es hacer algo innovador en el hip hop de nuestros días?
AL: Es bastante difícil porque mucho ya está hecho. Creo que ahora para nosotros se trata más bien de refinar la calidad. Todo está hecho ya. Puedes hacer algo que sea un poquito distinto, pero hoy por hoy el hip hop creo que está en un momento cíclico de estancamiento, donde todo ya está hecho.
Z: Yo creo que aún cuando salgas con algo totalmente nuevo, es igualmente difícil porque no siento que la gente ahora esté dispuesta a escuchar algo que rompa todos los esquemas. Debería ser algo muy excepcional, excelente. Los medios de comunicación como que alimentan a la gente siempre con lo mismo y el público entonces está acostumbrados a esa fórmula. Incluso a nivel underground hay fórmulas que son difíciles de romper. Así que sí, yo creo que es muy difícil salir con algo nuevo, pero no creo que sea totalmente imposible.
En su nuevo disco tienen una canción dedicada a la escena de la Bahía de San Francisco. Ustedes, a pesar de no ser originales de aquí dicen representar a esta escena. Mi pregunta es ¿en cuánto les ha influído la Bahía a la hora de formar lo que Zion I es hoy?
Z: No nos ha influenciado en la formación del grupo, porque Zion I nació en Atlanta en un momento histórico completamente diferente. Pero creo que como grupo independiente, como sello, como show en directo... la Bahía nos ha dado mucho. Además, la comunidad de aquí nos ha recibido muy bien y apoya mucho nuestra música. Entonces, creo que básicamente nos dio un lugar donde plantar nuestras semillas, que traíamos desde Atlanta, pero recién ahora están dando frutos, aquí es donde han echado raíces. Ahora en cuanto a estilos... no creo que nos haya influenciado tanto, creo que mantenemos nuestro estilo desde las épocas en que hacíamos música en la universidad de Atlanta. Hemos evolucionado, claro, pero no creo que mi estilo se haya adaptado a la Bahía.
¿Viajando por los Estados Unidos, han notado alguna diferencia entre la escena de aquí con otras escenas?
Z: Hasta cierto punto sí, porque aquí todavía puedes ser independiente y vivir de tu música y en muchas otras ciudades a las que vamos, vemos a muchos artistas locales que no pueden vivir de lo que hacen. Aquí somos varios los que hemos logrado ese nivel de independencia con éxito, los de Quannum (Blackalicious, Lyrics Born, DJ Shadow), Living Legends, Hieroglyphics... En otros lugares parece que no es tan sencillo como aquí. Tenemos la suerte de estar aquí y ser aceptados como parte de esta escena.
Volviendo al disco nuevo, el primer corte de difusión es “Bird’s Eye View” una canción de amor dedicada no a una mujer sino a la cultura hip hop, un tema bastante recurrente en sus obras. ¿Qué es lo que les hace sentirse tan a gusto con esta cultura?
Z: Yo creo que somos hip hop real. Yo creo que el hip hop real es arte, es necesidad y también provocación y yo creo que todo eso está en Zion I. Lo que más me identifica de esta cultura es la necesidad de siempre ser originales, únicos. No creo que el hip hop se defina real en base a cierto estilo de ritmos o de maneras de rapear. Creo que va más bien por la intención y el espíritu que tu le pones a la música. Hablamos mucho sobre la cultura porque la amo, me fascina y nos ha ayudado mucho. A veces los medios nos llevan a pensar que la cultura hip hop es algo que no es, cadenas de oro, autos... no creo que tenga que ver nada con eso. Lo que succede es que la cultura fue absorvida por el negocio de la sociedad capitalista, pero la realidad es que los chicos lo hacen por amor, porque prefieren estar bailando break o pintando una pared en vez de ir a robar o matar a alguien.
¿Crees que el hablar mucho de hip hop en tus letras pueda limitar tus oyentes a un selecto grupo de fans ortodoxos del genero ya que el público más masivo no se identifica con esa manera de ver la cultura?
Z: No. Yo creo que cualquier persona que ame la música va a sentir ese amor por la cultura del que hablo. Además no sólo hablamos de hip hop en las letras, lo que hacemos es mucho más abarcativo en cuanto a contenidos. El hip hop es sólo un aspecto y está ahí porque eso es lo que somos y eso es lo que hacemos. Pero en general nuestras canciones son sobre emociones humanas con las que cualquiera puede identificarse, no sólo los b-boys. Muchas mujeres que no son necesariamente DJ’s, ni graffiteras, ni b-girls también aprecian nuestra música.
Otro tema presente es el contenido político de sus letras. ¿Cómo llevan lo del compromiso a causas políticas fuera de la música, en la vida cotidiana?
Z: ¿Sabes? Solía considerarme totalmente apolítico, pero no creo que eso tampoco esté bien. A mi sólo me importa la gente, las minorías explotadas, negros, latinos, de aquí y del resto del mundo también. No defiendo los ideales de ningún partido, no me defino demócrata, ni republicano, pero sí sé que no me gusta George Bush. No formo parte de ningún grupo de militancia o activismo político. Pero cada vez que nos invitan a un show a beneficio de una causa justa lo hacemos porque es nuestra manera de ayudar.
Explícame el sentido de la letra de “Stranger in my home”, la canción que haces con Gift of Gab de Blackalicious.
Z: “Stranger in my home” es sobre... bueno la idea básica es... yo sé que a Gift of Gab también le toca el tema personalmente y es por eso que lo invité para esta canción. Habíamos hablado de este tema con él antes, así que pensé que era la persona ideal para la canción. Básicamente se trata de cómo cambió el público del hip hop. Cuando yo era chico a comienzos y mediados de los 80’s, escuchar esta música era cosa de negros y latinos únicamente. Si había algún chico blanco era porque el tío venía del ghetto y estaba afiliado a la vida de pandillas, vivía como negros. Así era el hip hop en donde yo crecí, en la escuela, en la universidad... era sólo cosa de gente de color. A mediado de los 90’s empezó a cambiar, cada vez había más y más chicos blancos de los suburbios acercándose al hip hop. Hoy en día cuando tocamos en directo lo hacemos para una gran mayoría de blancos. Yo diría que entre el sesenta y el setenta por ciento de la gente que nos viene a ver es blanca. Así que la canción de lo que trata es de ese fenómeno que nos deja como ¡wow! ¡Es todo tan diferente!
¿Crees que ese fenómeno sea necesariamente negativo?
Z: No, no digo que esté mal. Sólo que me llama mucho la atención. Lo que yo veo mal, por ejemplo, es cuando Eminem explotó a nivel masivo y de repente todas las compañías discográficas estaban desesperadas buscando al nuevo raper blanco. A nadie le importaba más lo que hacían los negros. Antes ser negro y rapero era cool, ahora es un cliché. Ser un rapero negro es como cualquier cosa, ya está visto, cualquiera puede hacerlo. Pero si eres blanco y sabes rapear bien, eso es lo que está caliente ahora. Eso es lo que la gente está esperando. Así que la canción no hace más que mostrar cómo han cambiado las cosas en ese sentido. Ayer lo que hacíamos era cool, ahora ya no lo es más. Es como sucedió con el rock n’ roll, una vez que triunfó Elvis las compañías dejaron de buscar a músicos de rock negros. Los negros pasaron a ser obsoletos en el rock después de un tiempo. Eso es lo que nos preocupa. Siempre hubo blancos comprando los discos de rap, pero antes no se veía este fenómeno tan de frente, quizás lo escuchaban a escondidas, ahora está más aceptado a nivel masivo y también en el underground, si te fijas los artistas independientes que más discos están vendiendo son Atmosphere, Aesop Rock, El-P... No es nuestra intención alienar a nuestro público, amamos a nuestro público, así que este es un tema que debemos tratar con delicadeza. Es algo que simplemente quería llamar a la atención, sin criticar, ni hacer enojar a nadie.
Blood Of Abraham: La tardía segunda aparición de los profetas
Por Juan Data (Publicado originalmente en Hip Hop Nation, España, 2005)
Más de diez años pasaron desde la primera aparición de Benyad y Mazik en el panorama del hip hop estadounidense y mucho ha cambiado desde entonces. Future Profists había sido su primero y hasta ahora único disco, lanzado en 1993, para sorpresa de muchos, por nada menos que Ruthless Records, emblema del gangsta rap de la época con Eazy E a la cabeza. Y la sorpresa recaía en que se trataba de dos muchachos blancos, educados y suburbanos que para colmo se confesaban abiertamente judíos, algo que en el globalizado y étnicamente heterogeneo hip hop de hoy en día no asusta a nadie, pero en aquel entonces era toda una novedad.
Después de la muerte de Eazy E y la consiguiente disolución del sello, Blood of Abraham se perdió en el olvido, quedando sólo para los más memoriosos como un buen grupo que podría haber sido mucho más grande si las condiciones hubiesen sido otras.
Benyad, sin embargo, no se alejó por completo del hip hop y desarrolló una interesante carrera como director de videos (entre otros dirigió a Nas y Gangstarr) y en el 2000 se volvió a reunir con su compañero Mazik para un intento fallido de resucitar a Abraham. De aquel intento quedó un disco trunco que recién vio la luz en el 2005, se trata de Eyedollartree (juego de palabras entre “idolatría” y “ojo-dólar-árbol”) publicado por Basement Records y para muchos fans nuevos del hip hop pasará desapercibido, lo cual es una pena porque se trata de un excelente trabajo lleno de originalidad y estilo, cargado de letras inteligentes y con una producción musical memorable. De todo eso y más conversamos con Benyad.
- ¿Cuál es la historia detrás del retraso en la salida de Eyedollartree?
- Lo en el año 2000 y estábamos con esta compañía llamada Atomic Pop, pero poco antes de que el álbum se publicase, nos cambiaron varias condiciones del contrato y nosotros dijimos que o lo hacíamos como estaba acordado o nos íbamos y nos llevábamos nuestro disco para lanzarlo por otra discográfica. Entonces nos dejaron ir y poco tiempo después la compañía quebró y desapareció, así que nos salimos justo a tiempo. Nosotros nos quedamos con los masters y en la búsqueda de alguien que quiciese publicarlo hasta que encontramos a la gente de Basement Records que estaban interesados. Pero en el medio pasaron cinco años, porque estábamos trabajando en otras cosas y ocupados con nuestros proyectos personales. Yo estaba dirigiendo videos y haciendo comerciales para televisión y juntos hacemos música para comerciales también. El tiempo pasó y el álbum seguía ahí durmiendo, pero todavía era un gran disco y era una pena que no saliese. Fue más que nada por amor a la música que decidimos sacarlo, por todo el trabajo que nos costó hacerlo en su momento y porque creemos que es un gran disco y la gente tiene que escucharlo. Definitivamente no fue por dinero que lo hicimos, ya que nuestra carrera trabajando para comerciales es mucho más lucrativa que el hip hop y no necesitábamos de esto.
- Vender un disco que tiene cinco años de viejo, en un movimiento efímero y pasajero como el hip hop, no debe ser cosa fácil. ¿Qué piensas al respecto?
- Creo que mucho ha cambiado en el hip hop hoy. En cuanto al sonido puede que algunos digan que suena un poco pasado de moda en algún que otro tema, pero creo que en general la producción que hicimos es bastante perenne porque no se ata a ningún estilo del momento, sino que va más bien hacia lo clásico. Las letras tampoco perdieron actualidad porque no hablamos de cosas del momento, ni usamos palabras de slang que estaban de moda ese verano y hablamos de asuntos que siguen siendo actuales.
- ¿Se plantearon esto como un regreso formal del grupo o simplemente querían lanzar el disco y basta?
- La idea era sólo sacar el disco y después veremos lo que suceda. Hace tres años que no tocamos en directo y ahora que sale el disco tenemos planeadas algunas presentaciones. En un mes vamos a tocar con De La Soul y Common. La idea básicamente fue: saquemos el disco y si vemos que hay demanda del público, volvemos a tocar. No es que estemos apostando todo a eso porque tenemos muchas otras cosas que nos mantienen ocupados en nuestras vidas. Con un sólo comercial que haga para la televisión gano más dinero que estando de gira con el grupo por cuatro meses.
- ¿Crees que en el hip hop contemporáneo hay lugar para grupos de hace más de diez años para regresar y captar la atención del público?
- No creo que vayamos a tener ninguna clase de éxito a nivel masivo. El público que nos sigue a nosotros es más bien underground, de culto. En realidad es más la gente que nos conoce de nombre que los que realmente escucharon o se acuerdan de nuestra música. Yo creo que nuestro disco musicalmente es mucho mejor que el 99% del rap que está a la venta hoy en día. Todo el tiempo y el trabajo que le dedicamos a la producción... nadie está grabando canciones así ahora, con semejante nivel de detalles en la producción. Entonces, yo no planeo competir con 50 Cents, simplemente darle la oportunidad a gente que nos conoce o tiene curiosidad, de escuchar un buen disco de rap y después veremos qué pasa. Es más bien como un experimento.
- Con respecto a la producción, es algo que me llamó mucho la atención al escuchar el disco, ¿cómo trabajaron y con quienes?
- En general la mayoría de los temas los armamos entre nostros y Will.I.Am de los Black Eyed Peas. Con él ya tenemos una relación de larga data. Antes de ser quienes son hoy, Black Eyed Peas grabó sus primeros dos álbumes en el estudio de mi casa. Así que la cooperación ha sido mutua entre los dos grupos. Empezamos con un MPC 3000 y después lo pasamos a Protools, combinando muchos samples extraños y a eso le agregamos músicos sesionistas en vivo tocando sobre las secuencias programadas, así que el sonido es muy particular, nunca suena como un loop repetido al infinito.
- Además de Will.I.Am también aparece Kool Keith en el álbum. ¿Cómo surgió esa colaboración?
- Siempre fuimos admiradores de él y de casualidad nos lo encontramos un día en una tienda de discos de Hollywood y nos pusimos a hablar y cuando saliamos de la disquería lo vimos en la calle tratando de parar un taxi y le dijimos: “hey, esto es Los Angeles, nadie toma taxis aquí” así que le ofrecimos llevarlo a su hotel en nuestro coche y desde ahí quedamos amigos. En el camino le hicimos escuchar algunas canciones y le gustaron, así que de ahí salió la invitación a participar en el disco.
- Volviendo atrás en la historia de Blood of Abraham, a ustedes les tocó vivir la época de oro del gangsta rap de la mano de Eazy E. Me imagino que deben guardar muchos recuerdos de esa época.
- Oh sí, tenemos muchísimas anécdotas increíbles de esa época. Eazy E era un gran tipo, muy buena onda y gracias a él estuvimos expuestos a cosas que de otra manera jamás hubiesemos experimentado. Fuimos a muchas fiestas con él, tocamos en muchos conciertos con él, imagínate, nosotros dos chicos judios rodeados de todos estos gangsta rappers cuando el gangsta rap estaba en su apogeo. Eazy E siempre se mantuvo muy cercano a nosotros y nos entendía y le gustaba nuestra actitud así que fue una tragedia enorme para nosotros cuando murió de la manera que murió. En muchos shows nos tocó abrir para él y era loquísimo, nosotros dos en el escenario y éramos los únicos dos blancos en todo el lugar... Un par de veces llegamos a una sala de conciertos en un lugar como Texas y donde Eazy E tocaba, atraía a toda la juventud marginal de la zona entonces se formaba un público bastante difícil y un par de veces escuchamos disparos afuera del concierto...
- ¿Es cierto que Mazik vivía en la casa de Eazy E en ese entonces?
- Sí, es totalmente cierto, Eazy tenía creo que dos o tres casas, una de ellas en Calabazas (localidad californiana en los suburbios de Los Angeles) cercana a la casa de Dre, en un barrio cerrado y Mazik en esta época estaba casi recién llegado de Las Vegas y Eazy le ofreció que se quedase ahí, porque prácticamente no usaba esa casa para nada, a veces aparecía los fines de semana para usar la piscina. Así que nos la pasábamos de fiesta en esa casa enorme. Creo que Mazik vivió ahí por casi tres años.
- ¿Cómo ves el hip hop ahora a compración de lo que era en aquella epoca?
- Bueno, para empezar el hip hop ahora es gigante, es mucho más grande de lo que nunca fue. Y en una escala global es la música mayoritaria de la juventud. Ahora en cuanto a la calidad musical, creo que en general lo que se hace ahora no es mejor que lo de antes, es peor incluso. Pero desde un punto de vista comercial es mucho más grande, hay muchos más intereses corporativos en juego. Ya era un fenómeno grande en aquel entonces, estaba empezando a notarse, pero ni nos imaginábamos las dimensiones que iba a alcanzar hoy en día. Hoy por hoy es la cultura juvenil dominante a nivel mundial, yo he viajado por todos lados, Brasil, Cuba, Africa, Francia... todos los países tienen su hip hop ahora.
- A eso justamente iba mi siguiente pregunta, ya que nuestra revista se lee en España y Latinoamérica, ¿Has tenido alguna clase de contacto con el rap latino?
- No creo haber escuchado nada de España, pero definitivamente he eschucado y visto bastante en Latinoamérica. Principalmente en Brasil. Estuve allí varias veces trabajando en videos y cada vez que voy me vuelvo con gran cantidad de música increíble. Ese funk de las favelas, como lo llaman en Río, creo que es lo que se va a venir, todos los DJ’s de aquí están cada vez más interesados en lo que está saliendo de Brasil.
- Cuando salieron con su primer disco captaron mucha atención del mercado por ser blancos y en especial judíos. Ahora el panorama es otro y eso ya no asusta a nadie.
- Sí, creo que en cierto sentido estábamos un poco adelantados a nuestra época. Definitivamente creo que es algo mucho más común hoy en día. Cuando nosotros salimos los únicos otros artistas blancos que había en el hip hop eran los Beastie Boys, 3rd Base, Everlast y listo, y bueno Vanilla Ice y toda esa mierda... En ese entonces era todo un tema ser blancos en el hip hop y nos perjudicó más de lo que nos ayudó. Ahora ya no hacen tanto drama, sobre todo después de Eminem, está lleno de raperos blancos, especialmente en el underground, El-P, Aesop Rock, son muchísimos y así es como siempre debió ser.
- Siendo que se definen judíos desde su nombre, me llama la atención que no hayan abordado en ninguna canción el tema del conflicto Israel-Palestina.
- No, nunca me interesó incluir esos temas en nuestra música. No me interesa la religión desde un punto de vista político, sino meramente por el lado espirtitual. Nuestra filosofía desde el punto de vista espiritual es más bien como budista. Yo viajé por todos lados, nací en Israel, me crié en Nigeria y si hay algo que aprendí es que la gente es igual en todos lados más allá de las religiones y que las religiones en vez de unificar, dividen a la gente, así que estamos en contra de las religiones organizadas.
Más de diez años pasaron desde la primera aparición de Benyad y Mazik en el panorama del hip hop estadounidense y mucho ha cambiado desde entonces. Future Profists había sido su primero y hasta ahora único disco, lanzado en 1993, para sorpresa de muchos, por nada menos que Ruthless Records, emblema del gangsta rap de la época con Eazy E a la cabeza. Y la sorpresa recaía en que se trataba de dos muchachos blancos, educados y suburbanos que para colmo se confesaban abiertamente judíos, algo que en el globalizado y étnicamente heterogeneo hip hop de hoy en día no asusta a nadie, pero en aquel entonces era toda una novedad.
Después de la muerte de Eazy E y la consiguiente disolución del sello, Blood of Abraham se perdió en el olvido, quedando sólo para los más memoriosos como un buen grupo que podría haber sido mucho más grande si las condiciones hubiesen sido otras.
Benyad, sin embargo, no se alejó por completo del hip hop y desarrolló una interesante carrera como director de videos (entre otros dirigió a Nas y Gangstarr) y en el 2000 se volvió a reunir con su compañero Mazik para un intento fallido de resucitar a Abraham. De aquel intento quedó un disco trunco que recién vio la luz en el 2005, se trata de Eyedollartree (juego de palabras entre “idolatría” y “ojo-dólar-árbol”) publicado por Basement Records y para muchos fans nuevos del hip hop pasará desapercibido, lo cual es una pena porque se trata de un excelente trabajo lleno de originalidad y estilo, cargado de letras inteligentes y con una producción musical memorable. De todo eso y más conversamos con Benyad.
- ¿Cuál es la historia detrás del retraso en la salida de Eyedollartree?
- Lo en el año 2000 y estábamos con esta compañía llamada Atomic Pop, pero poco antes de que el álbum se publicase, nos cambiaron varias condiciones del contrato y nosotros dijimos que o lo hacíamos como estaba acordado o nos íbamos y nos llevábamos nuestro disco para lanzarlo por otra discográfica. Entonces nos dejaron ir y poco tiempo después la compañía quebró y desapareció, así que nos salimos justo a tiempo. Nosotros nos quedamos con los masters y en la búsqueda de alguien que quiciese publicarlo hasta que encontramos a la gente de Basement Records que estaban interesados. Pero en el medio pasaron cinco años, porque estábamos trabajando en otras cosas y ocupados con nuestros proyectos personales. Yo estaba dirigiendo videos y haciendo comerciales para televisión y juntos hacemos música para comerciales también. El tiempo pasó y el álbum seguía ahí durmiendo, pero todavía era un gran disco y era una pena que no saliese. Fue más que nada por amor a la música que decidimos sacarlo, por todo el trabajo que nos costó hacerlo en su momento y porque creemos que es un gran disco y la gente tiene que escucharlo. Definitivamente no fue por dinero que lo hicimos, ya que nuestra carrera trabajando para comerciales es mucho más lucrativa que el hip hop y no necesitábamos de esto.
- Vender un disco que tiene cinco años de viejo, en un movimiento efímero y pasajero como el hip hop, no debe ser cosa fácil. ¿Qué piensas al respecto?
- Creo que mucho ha cambiado en el hip hop hoy. En cuanto al sonido puede que algunos digan que suena un poco pasado de moda en algún que otro tema, pero creo que en general la producción que hicimos es bastante perenne porque no se ata a ningún estilo del momento, sino que va más bien hacia lo clásico. Las letras tampoco perdieron actualidad porque no hablamos de cosas del momento, ni usamos palabras de slang que estaban de moda ese verano y hablamos de asuntos que siguen siendo actuales.
- ¿Se plantearon esto como un regreso formal del grupo o simplemente querían lanzar el disco y basta?
- La idea era sólo sacar el disco y después veremos lo que suceda. Hace tres años que no tocamos en directo y ahora que sale el disco tenemos planeadas algunas presentaciones. En un mes vamos a tocar con De La Soul y Common. La idea básicamente fue: saquemos el disco y si vemos que hay demanda del público, volvemos a tocar. No es que estemos apostando todo a eso porque tenemos muchas otras cosas que nos mantienen ocupados en nuestras vidas. Con un sólo comercial que haga para la televisión gano más dinero que estando de gira con el grupo por cuatro meses.
- ¿Crees que en el hip hop contemporáneo hay lugar para grupos de hace más de diez años para regresar y captar la atención del público?
- No creo que vayamos a tener ninguna clase de éxito a nivel masivo. El público que nos sigue a nosotros es más bien underground, de culto. En realidad es más la gente que nos conoce de nombre que los que realmente escucharon o se acuerdan de nuestra música. Yo creo que nuestro disco musicalmente es mucho mejor que el 99% del rap que está a la venta hoy en día. Todo el tiempo y el trabajo que le dedicamos a la producción... nadie está grabando canciones así ahora, con semejante nivel de detalles en la producción. Entonces, yo no planeo competir con 50 Cents, simplemente darle la oportunidad a gente que nos conoce o tiene curiosidad, de escuchar un buen disco de rap y después veremos qué pasa. Es más bien como un experimento.
- Con respecto a la producción, es algo que me llamó mucho la atención al escuchar el disco, ¿cómo trabajaron y con quienes?
- En general la mayoría de los temas los armamos entre nostros y Will.I.Am de los Black Eyed Peas. Con él ya tenemos una relación de larga data. Antes de ser quienes son hoy, Black Eyed Peas grabó sus primeros dos álbumes en el estudio de mi casa. Así que la cooperación ha sido mutua entre los dos grupos. Empezamos con un MPC 3000 y después lo pasamos a Protools, combinando muchos samples extraños y a eso le agregamos músicos sesionistas en vivo tocando sobre las secuencias programadas, así que el sonido es muy particular, nunca suena como un loop repetido al infinito.
- Además de Will.I.Am también aparece Kool Keith en el álbum. ¿Cómo surgió esa colaboración?
- Siempre fuimos admiradores de él y de casualidad nos lo encontramos un día en una tienda de discos de Hollywood y nos pusimos a hablar y cuando saliamos de la disquería lo vimos en la calle tratando de parar un taxi y le dijimos: “hey, esto es Los Angeles, nadie toma taxis aquí” así que le ofrecimos llevarlo a su hotel en nuestro coche y desde ahí quedamos amigos. En el camino le hicimos escuchar algunas canciones y le gustaron, así que de ahí salió la invitación a participar en el disco.
- Volviendo atrás en la historia de Blood of Abraham, a ustedes les tocó vivir la época de oro del gangsta rap de la mano de Eazy E. Me imagino que deben guardar muchos recuerdos de esa época.
- Oh sí, tenemos muchísimas anécdotas increíbles de esa época. Eazy E era un gran tipo, muy buena onda y gracias a él estuvimos expuestos a cosas que de otra manera jamás hubiesemos experimentado. Fuimos a muchas fiestas con él, tocamos en muchos conciertos con él, imagínate, nosotros dos chicos judios rodeados de todos estos gangsta rappers cuando el gangsta rap estaba en su apogeo. Eazy E siempre se mantuvo muy cercano a nosotros y nos entendía y le gustaba nuestra actitud así que fue una tragedia enorme para nosotros cuando murió de la manera que murió. En muchos shows nos tocó abrir para él y era loquísimo, nosotros dos en el escenario y éramos los únicos dos blancos en todo el lugar... Un par de veces llegamos a una sala de conciertos en un lugar como Texas y donde Eazy E tocaba, atraía a toda la juventud marginal de la zona entonces se formaba un público bastante difícil y un par de veces escuchamos disparos afuera del concierto...
- ¿Es cierto que Mazik vivía en la casa de Eazy E en ese entonces?
- Sí, es totalmente cierto, Eazy tenía creo que dos o tres casas, una de ellas en Calabazas (localidad californiana en los suburbios de Los Angeles) cercana a la casa de Dre, en un barrio cerrado y Mazik en esta época estaba casi recién llegado de Las Vegas y Eazy le ofreció que se quedase ahí, porque prácticamente no usaba esa casa para nada, a veces aparecía los fines de semana para usar la piscina. Así que nos la pasábamos de fiesta en esa casa enorme. Creo que Mazik vivió ahí por casi tres años.
- ¿Cómo ves el hip hop ahora a compración de lo que era en aquella epoca?
- Bueno, para empezar el hip hop ahora es gigante, es mucho más grande de lo que nunca fue. Y en una escala global es la música mayoritaria de la juventud. Ahora en cuanto a la calidad musical, creo que en general lo que se hace ahora no es mejor que lo de antes, es peor incluso. Pero desde un punto de vista comercial es mucho más grande, hay muchos más intereses corporativos en juego. Ya era un fenómeno grande en aquel entonces, estaba empezando a notarse, pero ni nos imaginábamos las dimensiones que iba a alcanzar hoy en día. Hoy por hoy es la cultura juvenil dominante a nivel mundial, yo he viajado por todos lados, Brasil, Cuba, Africa, Francia... todos los países tienen su hip hop ahora.
- A eso justamente iba mi siguiente pregunta, ya que nuestra revista se lee en España y Latinoamérica, ¿Has tenido alguna clase de contacto con el rap latino?
- No creo haber escuchado nada de España, pero definitivamente he eschucado y visto bastante en Latinoamérica. Principalmente en Brasil. Estuve allí varias veces trabajando en videos y cada vez que voy me vuelvo con gran cantidad de música increíble. Ese funk de las favelas, como lo llaman en Río, creo que es lo que se va a venir, todos los DJ’s de aquí están cada vez más interesados en lo que está saliendo de Brasil.
- Cuando salieron con su primer disco captaron mucha atención del mercado por ser blancos y en especial judíos. Ahora el panorama es otro y eso ya no asusta a nadie.
- Sí, creo que en cierto sentido estábamos un poco adelantados a nuestra época. Definitivamente creo que es algo mucho más común hoy en día. Cuando nosotros salimos los únicos otros artistas blancos que había en el hip hop eran los Beastie Boys, 3rd Base, Everlast y listo, y bueno Vanilla Ice y toda esa mierda... En ese entonces era todo un tema ser blancos en el hip hop y nos perjudicó más de lo que nos ayudó. Ahora ya no hacen tanto drama, sobre todo después de Eminem, está lleno de raperos blancos, especialmente en el underground, El-P, Aesop Rock, son muchísimos y así es como siempre debió ser.
- Siendo que se definen judíos desde su nombre, me llama la atención que no hayan abordado en ninguna canción el tema del conflicto Israel-Palestina.
- No, nunca me interesó incluir esos temas en nuestra música. No me interesa la religión desde un punto de vista político, sino meramente por el lado espirtitual. Nuestra filosofía desde el punto de vista espiritual es más bien como budista. Yo viajé por todos lados, nací en Israel, me crié en Nigeria y si hay algo que aprendí es que la gente es igual en todos lados más allá de las religiones y que las religiones en vez de unificar, dividen a la gente, así que estamos en contra de las religiones organizadas.
GETTING KINKY WITH IT
By Juan Data (Publicado originalmente en la revista Fuego, USA 2005. Nota: la versión publicada incluye sólo siete de los diez puntos)
If there should be such a thing as a manual on how to be a successful Latin band in the Anglo-speaking world, it should be authored by this young Mexican band called Kinky.
1. Form a band with college-educated world-traveled Mexican musicians. “I studied music in Boston,” recalls Ulises Lozano, and that’s actually where he first met with Carlos Chaírez. Keyboard and guitar players respectively, they became the foundation for what would end up being Kinky. “Back in Monterrey, I went to business school,” adds Ulises, who stills wears his businessmen attire on stage as his trademark. “I bought so many suits, and then I had to quit my job to go on tour... so I found a better use for them”.
2. Win a new talents contest in the US, and consequently land a recording deal with a British record label (Sonic 360). OK, this one might not be a very easy task, especially if you are competing at the Latin American Music Conference, in New York, with other bands from all over the continent, trying to break into the American market.
3. Release a groundbreaking self-titled debut. Before their first album came out, they were already getting airplay on many college radios across the country. But they conquered England first with their contagious live performances, so when they came back to the US, the international buzz was already launched.
4. Work with an acclaimed producer. Forget about Emilio Estefan, aim higher, get somebody like, let’s say, Chris Allison (The Beta Band, Coldplay) and it will ease you up the way into the CD players of the snob Anglo music critics.
5. Sound unique. Come out with a totally new style mixing rock, house music, Mexican folk, cumbia and Brazilian percussions with smart lyrics. Kinky are the living proof that you can sound Latin and make people dance without being cheesy.
6. Be metrosexual. When in front of a camera or a live audience, don’t forget to take good care of your looks. “We laugh about it, it’s cool, but we’ve been called metrosexual already and yeah, we are”. Have a hot Latin stud in tight pants and cowboy hat playing the bass. This, besides dragging lots of girls to your shows, will also guarantee some gay audience appeal. “César (the bass player), is a real cowboy guy, he always listen to folk music, he even likes to be in the rodeo. Look, he’s listening to rancheras right now!”
7. Do some remixes for world famous artist. “We try to choose just a few from all the remixes that artists ask us to do. We don’t like to do just a remix of a song. We like to give it another kind of approach to the song. Make a Kinky version of it.” Not just avant-guard Latin rockers like Gustavo Cerati and Babasónicos; Placebo just got remixed by Kinky, and also Carlos Santana in an amazing new version of “Oye como va” (original of Tito Puente).
8. Get played in the soundtrack for movies and TV shows. Alias, 2 Fast 2 Furious, Nip/Tuck, Kingpin, they all have something in common: some Kinky tune playing in the background. “Tony Scott, the director of Men On Fire wanted to include some of our music in his movie and he came out with the idea for “Oye como va”. It’s a great song and it just worked out perfectly for us”.
9. Keep your lyrics bilingual. Appeal to both audiences. “In the first album we already had many songs in English, the thing is that for the second we just developed them more, we incorporated more lyrics,” explains Ulises. “We play for whoever likes the music and in our shows you’ll see all type of people, Mexican, Americans, Asians...”
10. Throw the best live shows. Kinky and Atlas, their two records, sound pretty good, but you can’t go back to listening them on CD once you experienced them live. Kinky has the most energetic live performance in the Latin music universe. Period. “ We improvise a lot, we let things a little bit free. We really enjoy playing live. We have a lot of fun.”
Bonus track: Get the singer of the band to date a Mexican rock diva, like Ely Guerra, forming the most hip couple in the Spanish-speaking half of the planet.
If there should be such a thing as a manual on how to be a successful Latin band in the Anglo-speaking world, it should be authored by this young Mexican band called Kinky.
1. Form a band with college-educated world-traveled Mexican musicians. “I studied music in Boston,” recalls Ulises Lozano, and that’s actually where he first met with Carlos Chaírez. Keyboard and guitar players respectively, they became the foundation for what would end up being Kinky. “Back in Monterrey, I went to business school,” adds Ulises, who stills wears his businessmen attire on stage as his trademark. “I bought so many suits, and then I had to quit my job to go on tour... so I found a better use for them”.
2. Win a new talents contest in the US, and consequently land a recording deal with a British record label (Sonic 360). OK, this one might not be a very easy task, especially if you are competing at the Latin American Music Conference, in New York, with other bands from all over the continent, trying to break into the American market.
3. Release a groundbreaking self-titled debut. Before their first album came out, they were already getting airplay on many college radios across the country. But they conquered England first with their contagious live performances, so when they came back to the US, the international buzz was already launched.
4. Work with an acclaimed producer. Forget about Emilio Estefan, aim higher, get somebody like, let’s say, Chris Allison (The Beta Band, Coldplay) and it will ease you up the way into the CD players of the snob Anglo music critics.
5. Sound unique. Come out with a totally new style mixing rock, house music, Mexican folk, cumbia and Brazilian percussions with smart lyrics. Kinky are the living proof that you can sound Latin and make people dance without being cheesy.
6. Be metrosexual. When in front of a camera or a live audience, don’t forget to take good care of your looks. “We laugh about it, it’s cool, but we’ve been called metrosexual already and yeah, we are”. Have a hot Latin stud in tight pants and cowboy hat playing the bass. This, besides dragging lots of girls to your shows, will also guarantee some gay audience appeal. “César (the bass player), is a real cowboy guy, he always listen to folk music, he even likes to be in the rodeo. Look, he’s listening to rancheras right now!”
7. Do some remixes for world famous artist. “We try to choose just a few from all the remixes that artists ask us to do. We don’t like to do just a remix of a song. We like to give it another kind of approach to the song. Make a Kinky version of it.” Not just avant-guard Latin rockers like Gustavo Cerati and Babasónicos; Placebo just got remixed by Kinky, and also Carlos Santana in an amazing new version of “Oye como va” (original of Tito Puente).
8. Get played in the soundtrack for movies and TV shows. Alias, 2 Fast 2 Furious, Nip/Tuck, Kingpin, they all have something in common: some Kinky tune playing in the background. “Tony Scott, the director of Men On Fire wanted to include some of our music in his movie and he came out with the idea for “Oye como va”. It’s a great song and it just worked out perfectly for us”.
9. Keep your lyrics bilingual. Appeal to both audiences. “In the first album we already had many songs in English, the thing is that for the second we just developed them more, we incorporated more lyrics,” explains Ulises. “We play for whoever likes the music and in our shows you’ll see all type of people, Mexican, Americans, Asians...”
10. Throw the best live shows. Kinky and Atlas, their two records, sound pretty good, but you can’t go back to listening them on CD once you experienced them live. Kinky has the most energetic live performance in the Latin music universe. Period. “ We improvise a lot, we let things a little bit free. We really enjoy playing live. We have a lot of fun.”
Bonus track: Get the singer of the band to date a Mexican rock diva, like Ely Guerra, forming the most hip couple in the Spanish-speaking half of the planet.
RON JEREMY: CUESTION DE TAMAÑO
Por Juan Data (Publicado originalmente en La Cosa, Buenos Aires, 2005)
“El tamaño importa no”, le dice Yoda a Luke en los pantanos de Dagobah. Ron Jeremy, en una galaxia más cercana, es la demostración encarnada de que el tamaño sí importa, de hecho, lleva más de tres décadas y mil setecientas películas acumulando fama y fortuna a costa de eso: su tamaño.
Medida por medida
No podés decir que no conocés a Ron Jeremy. Si sólo viste tres películas porno en tu vida, una con certeza lo incluía en su elenco y no se trata justamente de un tipo de rasgos fáciles de olvidar. Aún en el caso extremo en que no hayas visto ni una porno –ojo que mentir es tan pecado como pajearse- muy probablemente sepas de quién se trata este señor o al menos su cara te resulte familiar. Y es que Ron Jeremy, como ningún otro, trascendió del mundillo del porno para convertirse en todo un ícono de la cultura pop americana. Películas de Hollywood, videos de rock, entregas de premios, fiestas de la farándula, reality shows... Ron Jeremy, también conocido como “The Hedgehog”, se las ha ingeniado para infiltrarse en las altas esferas del show business y todo gracias a un único gran talento: cargar entre sus piernas con un miembro de veinticuatro centímetros y medio de largo en erección.
“John Holmes era el único que me ganaba,” cuenta Ron, recreando una imaginaria competencia de extensión fálica entre actores porno de la vieja guardia. Pero John Holmes se quemó solo, adicto a la cocaína, el poder y el dinero fácil, acabó metiéndose en problemas con la mafia que lo llevaron a prisión para, años más tarde morir de sida, sólo, pobre y olvidado. Ron es uno de los pocos, sino el único, de aquella generación que sobrevivió y sigue activo en el porno. Pasó del pretencioso cine para adultos en 16 milímietros de los 70’s, al video triple equis de los 80’s, sobrevivió en los 90’s la transición –internet mediante- del porno con guión al gonzo (subgénero dominante hoy en día) y en la primera década del dos mil, aunque se lo vea más vestido en las pantallas de MTV que en bolas en los DVD’s de la sección condicionada, sigue dirigiendo y “actuando” en varias producciones de la compañía Metro, con la que tiene contrato de semi-exclusividad (algo común en las actrices, no así en sus partenaires masculinos).
“¿Y Lexington Steele?” le preguntamos, haciendo referencia al famoso actor porno afroamericano de las once pulgadas. “Bueno,” se excusa, “de los de ahora él es el único que me gana... y con Rocco Siffredi estamos parejos, yo la tengo un poco más larga, él la tiene más gruesa”.
Hablar abiertamente del tamaño de su pene es un lugar común para este gordito judio original de New York. Basta con que uno toque el tema para que salga con sus respuestas preprogramadas que suenan más a rutinas de comediante que a contestaciones de entrevistado. Y es que últimamente, ante el declive en su nivel de empleo, ha recurrido también al curro de presentarse solo con un micrófono, frente a la clásica pared de ladrillos a la vista de los cafés norteamericanos, haciendo su mediocre show de “stand-up comedy”.
- En tus comienzos solías chupártela a vos mismo en varias películas, algunos envidiosos criticaron ese acto como de tendencia homosexual.
- Eddie Murphy hizo toda una rutina sobre eso. Decía que chupártela no es gay, a menos que acabes en tu cara, ahí sí que ya es gay. Igual que si te metés la pija en tu propio culo.
Sexópata profesional
A Ron le tocó encamarse a las más deseadas estrellas de la pornografía audiovisual. Desde su debut en 1978 con Vanessa del Río, hasta nuestros días, los lejendarios veinticuatro centímetros y medio de caño recortado han entrado y salido de las húmedas profundidades de más de “cuatro mil mujeres” (según sus cáculos más recientes). Enumera a Christy Canyon y Tabitha Stevens entre sus favoritas y a más de una le tocó hacerla debutar también.
- En una entrevista reciente, Ginger Lynn dice que tuvo su primera escena con vos y que entonces pensó “si puedo hacerlo con Ron Jeremy, puedo hacerlo con cualquiera”.
- No es justo que diga eso, si yo era flaco en esa época. Cuando trabajé con ella estaba en buena forma. Eso lo dijo después de que subí de peso.
- Fuiste uno de los que trabajó con Traci Lords, cuando todavía era menor de edad. ¿Qué recordás de aquella época?
- Era una chica hermosa. Ella ya estaba haciendo porno desde hacía un año y medio, más o menos, cuando me tocó trabajar con ella. No me tocó en sus comienzos. Otros tipos estuvieron con ella cuando era realmente muy chica. Cuando le tocó conmigo ya estaba por cumplir los 18.
- ¿Cuántos años tenías vos?
- Y... yo empecé a los 25, así que tendría unos 26 en ese entonces.
- Empezaste a los 25. ¿Con cuántas mujeres habías estado antes?
- Probablemente unas docientas, me iba bastante bien...
Eternamente soltero y sin apuros, pasados sus cincuenta años, Ron se asume adicto al sexo y no desperdicia oportunidad. Durante la entrevista se acercan chicas con edad suficiente para ser sus nietas y le piden autógrafos, él les firma las tetas y les anota la dirección del hotel donde está parando y el número de habitación: “¿Por qué no se dan una vuelta más tarde?”
- ¿Extrañás los comienzos de los 90’s cuando filmabas dos o tres películas por semana?
- No necesariamente, me gusta como ha evolucionado mi carrera hasta estos días. A medida que me fui poniendo más viejo y más gordo, me fui haciendo más y más famoso y me encanta estar frente a las cámaras.
- ¿Cómo alcanzaste ese estatus de ícono popular masivo?
- Videos de música, MTV, muchas bandas de rock me nombran en sus canciones, he hecho muchas cosas para los chicos, el público más joven, universitario... Esos son los que después crecen, pero a mí ya me conocen desde chicos, desde antes de empezar a ver porno.
- Hablando de público universitario, hiciste un video para la serie College Invasion de Shane’s World. ¿Cómo fue esa experiencia?
- Fue muy divertido. Los chicos son fabulosos. Tuve mucho sexo muy bueno fuera de cámaras con las estudiantes.
- ¿Se te acercaban las chicas a pedirte qeu les muestres tu herramienta de trabajo?
- Sí, así es como empieza la cosa usualmente. ¿Puedo verla? ¿Puedo tocarla? Y así es como sucede...
El legado del maestro
Por su apariencia física, uno diría que Ron Jeremy pertenece más a un oscuro y sucio bar de camioneros en la ruta, que al glamour de un set de filmación de Hollywood. Pero si algo ha demostrado este antihéroe del porno es que las apariencias engañan. Así como lo ven, antes de lanzarse en su carrera de sex-symbol (cuando su novia de aquel entonces mandó una foto suya en bolas a la revista Playgirl), Ron Jeremy, o quizás debamos decir David Elliot, era un maestro de escuela especial para chicos con problemas.
Pero su sueño fue siempre ser actor: “Me encanta actuar, siempre me gustó. Siempre disfruto estar frente a las cámaras”. Al poco tiempo de hacerse un nombre en el porno, Ron empezó a trabajar en papeles menores en películas aptas para todo público. Desde su debut en una cinta titulda C.O.D. en 1981, Ron no ha parado de colarse en varias producciones cinematográficas como Detroit Rock City, 54, The Wickeds y Spun. Además, su nombre aparece en los créditos de Nueve Semanas y Media y Juegos de Placer, no cómo actor sino como consultor. Y quizás una de sus intervenciones extra-porno más curiosas haya sido en Orgazmo, de Trey Parker pre-South Park, en 1997, donde también participan las actrices porno Juli Ashton y Chasey Lain.
Además de actuar, Ron Jeremy también incurrió con éxito en la dirección. En 1993, cuando todavía estaba fresco el escándalo de Lorena Bobbit, Ron contrató a su marido, John, para actuar en una porno y mostrarle al mundo que su miembro, amputado y vuelto a cocer, estaba en perfecto funcionamiento. John Bobbit Uncut fue el título de aquella producción que batió todos los records de ventas hasta entonces y abrió el camino para un nuevo subgénero: el “celebrity porn” que tanto rédito ha dado luego con Pamela Anderson y Paris Hilton.
- Muchos de los hombres del porno de tu generación se hicieron productores y abrieron sus propias compañías. ¿Por qué vos no seguiste ese camino?
- Muchos, la mayoría en realidad, no fueron a ninguna parte, desaparecieron. Sólo un puñado sobrevivieron así, John Stagliano, Max Hardcore, John Leslie, Ed Powers, pero un montón se esfumaron. A mí me gusta trabajar para otros, no me interesa mucho lo de la producción. Es mucho trabajo, muy agotador, después siempre acabás metiéndote en problemas legales, o yendo preso. Ser dueño de la compañía significa muchos dolores de cabeza.
- ¿Se te acercan los actores más jóvenes a pedirte consejos?
- ¡Todos! Muchos hoy en día toman Viagra, ya no necesitan de mis consejos. Yo les digo que no tomen, pero todos toman Viagra. El problema es que si empiezan tomando Viagra en el comienzo de sus carreras, después se acostumbran y tienen que seguir tomando para siempre o ya no se les para más.
- ¿Cuál era tu secreto en las épocas pre-viagra?
- Una buena mano suave y mucha imaginación.
“El tamaño importa no”, le dice Yoda a Luke en los pantanos de Dagobah. Ron Jeremy, en una galaxia más cercana, es la demostración encarnada de que el tamaño sí importa, de hecho, lleva más de tres décadas y mil setecientas películas acumulando fama y fortuna a costa de eso: su tamaño.
Medida por medida
No podés decir que no conocés a Ron Jeremy. Si sólo viste tres películas porno en tu vida, una con certeza lo incluía en su elenco y no se trata justamente de un tipo de rasgos fáciles de olvidar. Aún en el caso extremo en que no hayas visto ni una porno –ojo que mentir es tan pecado como pajearse- muy probablemente sepas de quién se trata este señor o al menos su cara te resulte familiar. Y es que Ron Jeremy, como ningún otro, trascendió del mundillo del porno para convertirse en todo un ícono de la cultura pop americana. Películas de Hollywood, videos de rock, entregas de premios, fiestas de la farándula, reality shows... Ron Jeremy, también conocido como “The Hedgehog”, se las ha ingeniado para infiltrarse en las altas esferas del show business y todo gracias a un único gran talento: cargar entre sus piernas con un miembro de veinticuatro centímetros y medio de largo en erección.
“John Holmes era el único que me ganaba,” cuenta Ron, recreando una imaginaria competencia de extensión fálica entre actores porno de la vieja guardia. Pero John Holmes se quemó solo, adicto a la cocaína, el poder y el dinero fácil, acabó metiéndose en problemas con la mafia que lo llevaron a prisión para, años más tarde morir de sida, sólo, pobre y olvidado. Ron es uno de los pocos, sino el único, de aquella generación que sobrevivió y sigue activo en el porno. Pasó del pretencioso cine para adultos en 16 milímietros de los 70’s, al video triple equis de los 80’s, sobrevivió en los 90’s la transición –internet mediante- del porno con guión al gonzo (subgénero dominante hoy en día) y en la primera década del dos mil, aunque se lo vea más vestido en las pantallas de MTV que en bolas en los DVD’s de la sección condicionada, sigue dirigiendo y “actuando” en varias producciones de la compañía Metro, con la que tiene contrato de semi-exclusividad (algo común en las actrices, no así en sus partenaires masculinos).
“¿Y Lexington Steele?” le preguntamos, haciendo referencia al famoso actor porno afroamericano de las once pulgadas. “Bueno,” se excusa, “de los de ahora él es el único que me gana... y con Rocco Siffredi estamos parejos, yo la tengo un poco más larga, él la tiene más gruesa”.
Hablar abiertamente del tamaño de su pene es un lugar común para este gordito judio original de New York. Basta con que uno toque el tema para que salga con sus respuestas preprogramadas que suenan más a rutinas de comediante que a contestaciones de entrevistado. Y es que últimamente, ante el declive en su nivel de empleo, ha recurrido también al curro de presentarse solo con un micrófono, frente a la clásica pared de ladrillos a la vista de los cafés norteamericanos, haciendo su mediocre show de “stand-up comedy”.
- En tus comienzos solías chupártela a vos mismo en varias películas, algunos envidiosos criticaron ese acto como de tendencia homosexual.
- Eddie Murphy hizo toda una rutina sobre eso. Decía que chupártela no es gay, a menos que acabes en tu cara, ahí sí que ya es gay. Igual que si te metés la pija en tu propio culo.
Sexópata profesional
A Ron le tocó encamarse a las más deseadas estrellas de la pornografía audiovisual. Desde su debut en 1978 con Vanessa del Río, hasta nuestros días, los lejendarios veinticuatro centímetros y medio de caño recortado han entrado y salido de las húmedas profundidades de más de “cuatro mil mujeres” (según sus cáculos más recientes). Enumera a Christy Canyon y Tabitha Stevens entre sus favoritas y a más de una le tocó hacerla debutar también.
- En una entrevista reciente, Ginger Lynn dice que tuvo su primera escena con vos y que entonces pensó “si puedo hacerlo con Ron Jeremy, puedo hacerlo con cualquiera”.
- No es justo que diga eso, si yo era flaco en esa época. Cuando trabajé con ella estaba en buena forma. Eso lo dijo después de que subí de peso.
- Fuiste uno de los que trabajó con Traci Lords, cuando todavía era menor de edad. ¿Qué recordás de aquella época?
- Era una chica hermosa. Ella ya estaba haciendo porno desde hacía un año y medio, más o menos, cuando me tocó trabajar con ella. No me tocó en sus comienzos. Otros tipos estuvieron con ella cuando era realmente muy chica. Cuando le tocó conmigo ya estaba por cumplir los 18.
- ¿Cuántos años tenías vos?
- Y... yo empecé a los 25, así que tendría unos 26 en ese entonces.
- Empezaste a los 25. ¿Con cuántas mujeres habías estado antes?
- Probablemente unas docientas, me iba bastante bien...
Eternamente soltero y sin apuros, pasados sus cincuenta años, Ron se asume adicto al sexo y no desperdicia oportunidad. Durante la entrevista se acercan chicas con edad suficiente para ser sus nietas y le piden autógrafos, él les firma las tetas y les anota la dirección del hotel donde está parando y el número de habitación: “¿Por qué no se dan una vuelta más tarde?”
- ¿Extrañás los comienzos de los 90’s cuando filmabas dos o tres películas por semana?
- No necesariamente, me gusta como ha evolucionado mi carrera hasta estos días. A medida que me fui poniendo más viejo y más gordo, me fui haciendo más y más famoso y me encanta estar frente a las cámaras.
- ¿Cómo alcanzaste ese estatus de ícono popular masivo?
- Videos de música, MTV, muchas bandas de rock me nombran en sus canciones, he hecho muchas cosas para los chicos, el público más joven, universitario... Esos son los que después crecen, pero a mí ya me conocen desde chicos, desde antes de empezar a ver porno.
- Hablando de público universitario, hiciste un video para la serie College Invasion de Shane’s World. ¿Cómo fue esa experiencia?
- Fue muy divertido. Los chicos son fabulosos. Tuve mucho sexo muy bueno fuera de cámaras con las estudiantes.
- ¿Se te acercaban las chicas a pedirte qeu les muestres tu herramienta de trabajo?
- Sí, así es como empieza la cosa usualmente. ¿Puedo verla? ¿Puedo tocarla? Y así es como sucede...
El legado del maestro
Por su apariencia física, uno diría que Ron Jeremy pertenece más a un oscuro y sucio bar de camioneros en la ruta, que al glamour de un set de filmación de Hollywood. Pero si algo ha demostrado este antihéroe del porno es que las apariencias engañan. Así como lo ven, antes de lanzarse en su carrera de sex-symbol (cuando su novia de aquel entonces mandó una foto suya en bolas a la revista Playgirl), Ron Jeremy, o quizás debamos decir David Elliot, era un maestro de escuela especial para chicos con problemas.
Pero su sueño fue siempre ser actor: “Me encanta actuar, siempre me gustó. Siempre disfruto estar frente a las cámaras”. Al poco tiempo de hacerse un nombre en el porno, Ron empezó a trabajar en papeles menores en películas aptas para todo público. Desde su debut en una cinta titulda C.O.D. en 1981, Ron no ha parado de colarse en varias producciones cinematográficas como Detroit Rock City, 54, The Wickeds y Spun. Además, su nombre aparece en los créditos de Nueve Semanas y Media y Juegos de Placer, no cómo actor sino como consultor. Y quizás una de sus intervenciones extra-porno más curiosas haya sido en Orgazmo, de Trey Parker pre-South Park, en 1997, donde también participan las actrices porno Juli Ashton y Chasey Lain.
Además de actuar, Ron Jeremy también incurrió con éxito en la dirección. En 1993, cuando todavía estaba fresco el escándalo de Lorena Bobbit, Ron contrató a su marido, John, para actuar en una porno y mostrarle al mundo que su miembro, amputado y vuelto a cocer, estaba en perfecto funcionamiento. John Bobbit Uncut fue el título de aquella producción que batió todos los records de ventas hasta entonces y abrió el camino para un nuevo subgénero: el “celebrity porn” que tanto rédito ha dado luego con Pamela Anderson y Paris Hilton.
- Muchos de los hombres del porno de tu generación se hicieron productores y abrieron sus propias compañías. ¿Por qué vos no seguiste ese camino?
- Muchos, la mayoría en realidad, no fueron a ninguna parte, desaparecieron. Sólo un puñado sobrevivieron así, John Stagliano, Max Hardcore, John Leslie, Ed Powers, pero un montón se esfumaron. A mí me gusta trabajar para otros, no me interesa mucho lo de la producción. Es mucho trabajo, muy agotador, después siempre acabás metiéndote en problemas legales, o yendo preso. Ser dueño de la compañía significa muchos dolores de cabeza.
- ¿Se te acercan los actores más jóvenes a pedirte consejos?
- ¡Todos! Muchos hoy en día toman Viagra, ya no necesitan de mis consejos. Yo les digo que no tomen, pero todos toman Viagra. El problema es que si empiezan tomando Viagra en el comienzo de sus carreras, después se acostumbran y tienen que seguir tomando para siempre o ya no se les para más.
- ¿Cuál era tu secreto en las épocas pre-viagra?
- Una buena mano suave y mucha imaginación.
Mika Tan: Desmintiendo el cuento chino
This summary is not available. Please
click here to view the post.
Thursday, July 07, 2005
ED POWERS: PODEROSO EL CHIQUITIN
Por Juan Data (originalmente publicado en La Cosa, Argentina, 2005)
Entrar al mundo del porno es el sueño dorado de millones de hombres en todo el mundo. Ganar dinero por tener sexo con infinidad de jovencitas calientes debe ranquear cerca de la cima en el top-ten de los empleos más añorados del universo laboral. Desgraciadamente nadie hace castings para papeles masculinos en las películas para adultos y hasta hay un dicho en el Sur de California (la tierra prometida de las tres equis) que dice que, siendo hombre, “es más fácil conseguir un papel en una sit-com que en una película porno”. Así y todo, por más que uno tenga los contactos, tiene que ser joven, tener cierta pinta, buenos tubos y rondar los veinte centímetros de longaniza reglamentarios.
Es por eso que Ed Powers ha de ser una de las personas más envidiadas de la vía láctea. Un viejo verde con cara de pervertido, pelo largo, canoso y grasiento, anteojos culo de botella, una regia panza de cervecero vitalicio y una verguita de utilería: la antitesis absoluta de Dirk Diggler (aquel prematuro semental superdotato encarnado por Mark Wahlberg en Boogie Nights).
Así y todo, Ed Powers se las ha ingeniado para cumplir una función primordial en la industria del porno: darle la bienvenida y el curso introductorio a –casi- todas las chicas que llegan a Los Angeles ansiosas por debutar en esa millonaria industria y llegar algún día a convertirse en “pornstars”. Ed Powers es algo así como el portero del mundo porno y prácticamente todas las estrellas más reconocidas de los últimos diez años se echaron su primer polvo en cámara con él.
“Mucha gente se me acerca y me dice Ed, te amo... pero te odio. Lo sé, es la envidia. Pero bueno, yo comparto (risas). Si no fuese porque me tomo el trabajo de filmar todo lo que hago, tendrías a todas esas chicas que nadie sabría quienes son”.
En los pasados números de La Cosa, entrevistamos a Hannah Harper, Shay Sweet y Aurora Snow, las tres debutaron a sus tiernos dieciocho con Ed y las tres coincidieron en lo mismo: “es un buen tipo”. Y es que sí, Ed Powers tiene esa fama de buenazo, que tan fuera de lugar resulta en una industria dominada por el machismo, como lo es el porno.
“Tengo toda la fórmula –nos cuenta Ed-; me siento, les hablo, las trato como seres humanos, que lo son, no un pedazo de carne, como otros tantos hacen. Una chica, el otro día, que no era su primera vez, pero sí su primera vez con un tipo más viejo, me contó que el último tipo con el que había trabajado le dijo: “callate perra, te están pagando novecientos dólares así que hacé lo que se te pide” . Y yo no puedo ver a alguien diciéndole eso a una chica. Obviamente a todos se les paga, es un trabajo, pero de ahí a decirle “callate perra...” es como si el tipo estuviese celoso de ella. Claro que los tipos no ganan tanto como las mujeres y no se lo merecen tampoco... ¿Por qué? Porque la mayoría toma píldoras y ni siquiera lo pueden hacer natural (risas). ¡Jesucristo! ¡Chicos, paren de tomar viagra! Hay algunos que lo hacen natural, pero yo creo que todos están tomando píldoras. He escuchado historias de pumps (válvulas de vacío), inyecciones... ¡y las escucho de las chicas!”
Ed se jacta de que nunca le falla y cuando le preguntamos su edad, duda: “Mi cumpleaños es en un par de días, voy a cumplir... voy a cumplir... cincuenta. Cuesta decirlo. Estuvo bueno estar en los cuarentas por un tiempo... Pero miralo a Dave Cummings, ¡tiene sesenta y cuatro! El verdadero viagra está en las chicas, no hace falta nada más, tenés cinco o seis chicas diferentes en un día... es más de lo que pueda necesitar para que se me pare. Te digo más, ¡deberían usa mi sangre para una píldora!”
El Debut Del Debutante
En 1989 Mark Arnold, tal su verdadero nombre, recién llegado de la Costa Este, empezó a filmar sus primeras pornos en Los Angeles. Pero lo hizo con un concepto visionario y por demás innovador. Tituló su serie Bus Stop Tales: él mismo se acercaba a mujeres desconocidas en las paradas de colectivo y, cámara al hombro, les hacía el chamuyo (y les ofrecía dinero, claro está) intentando convencerlas para que filmasen una escena de sexo con él. Casi sin proponérselo, se había anticipado a su época con el reality-porn, dando el puntapié inicial del subgénero dominante hoy en día en la pornografía norteamericana: el gonzo.
El gran éxito, sin embargo, no le llegó hasta la creación, un año más tarde, de su célebre serie Dirty Debutantes. Ed simplificó el proceso del levante y en vez de salir de cacería por las calles, puso avisos en los diarios, invitando a las chicas a una audición en su propia casa.
“Cuando decidí empezar con Dirty Debutantes –rememora Ed-, contraté un par de tipos y formamos los Nasty Brothers, Randy West era uno de ellos, pero a la larga los terminé largando y me quedé yo solo, porque al fin y al cabo yo soy el nasty brother definitivo.”
Es que la clave del éxito de Dirty Debutantes (así como sus series derivadas) era justamente el look de anti-galán de Ed Powers. En poco tiempo se había ganado adeptos en todo el mundo que lo veían como un súper-héroe, el vengador de los feos, la esperanza de los menos dotados; sus fans lo veían encamándose tremendas pendejas de dieciocho años y el silogismo resultante era obvio: “si él puede, yo también”. Y listo, a llenarse los bolsillos.
“Filmo en mi casa. En mi propia cama donde duermo, así duermo rodeado del aroma de las chicas. Cambio la cámara, corro de acá para allá, hago esto, aquello, no tengo asistentes, nadie que me grite, ni nadie a quién gritarle. Pero no te creas que me sale muy barato, soy muy generoso con las chicas, porque se lo merecen.”
Cuantas Minas Que Tengo
Briana Banks, Sunrise Adams, Lauren Phoenix, Mimi Miyagui, Nikita Denise, Mia Smiles, Taylor Rain, Olivia del Rio, Janine, Julie Meadows, Carmen Luvana... todas pasaron por Dirty Debutantes antes de hacerse famosas. Y Ed no se toma descanso, sigue cosechando primerizas y lanzándolas al mercado.
- ¿Cuál es tu record?
- En un día lo máximo que estuve fue con veintidós chicas. Tengo una foto en la bañera con catorce, eso fue en la primera mitad del día, después, al final del día sumaron veintidós.
- ¿Alguna vez te pasó que, llegada la hora de hacerlo, la chica arrugue y te diga que no?
- Nunca tuve ni una que dijese que no. Alguna puede que haya cambiado de idea, que primero me diga que no tiene novio y después en la mitad del asunto le agarra la culpa y ves que se le escapa una lágrima... y bueno, hay que parar y hablarles, tranquilizarlas. Quizás vuelven a tranquilizarse y terminamos la escena. En una ocasión hasta llamé al novio y le dije que su chica estaba en mi casa, el novio vino ¡y acabó haciendo la escena con ella!
- A comienzos del año pasado filmaste a Nautica Thorn (una de las mayores revelaciones del 2004) en su primera escena y también fue con su novio.
- ¡Totalmente! Nautica Thorn es un excelente ejemplo. Ella vino y no sabía bien si lo quería hacer o no y yo le propuse que lo hiciese con el novio y salió perfecto.
- De todas las famosas, ¿cuál fue tu favorita?
- La próxima.
- ¿Qué planeás para el futuro? ¿Pensás seguir con la serie Dirty Debutantes hasta llegar al número mil?
- Creo que continuaré, pero al mismo tiempo sé que la industria está cambiando, sé que la Internet es una gran porción de nuestro futuro y ya tengo cinco web sites.
- Cuando las chicas se hacen famosas, tarde o temprano terminan sacando a la venta una muñeca inflable supuestamente moldeada con el cuerpo de la estrella. ¿Harán algún día un consolador moldeado en base a tu pene?
- ¡Hicieron uno ya! Sí, pero no era realista, ¡porque le agregaron dos pulgadas! Yo no les pedí, el tipo me dijo “sólo terminé lo que Dios dejó por la mitad.” ¡Además no lo tengo tan chiquito! ¿No lo viste? A las chicas les gusta así, me dicen que tengo la medida perfecta para sexo anal.
El extraño mundo de Ed
More Dirty Debutantes: La original, la serie que dio pié a todas las demás y lleva ya más de una década de éxitos. Estilo crudo, casero, mal manejo de cámara, mediocre iluminación y muy poca edición. Imperdibles los diálogos entre Ed y las aspirantes a pornstar.
Deep Inside Dirty Debutantes: Esta serie se diferencia en poco y nada a la original. Supuestamente se trata de material descartado en aquella por ser un poco más fuerte. Hay más sexo anal y eyaculaciones en la boca. Pero hasta ahí, Ed sigue siendo el tierno de siempre.
Global Warming Debutantes: Parece que a Ed le llegó el rumor de que en Europa del Este se consiguen chicas dispuestas a filmar porno por mucha menos guita y allá fue. En esta serie Ed traslada el set de filmación de su casa a una habitación de hotel y se las arregla como puede para hacerles el chamuyo a las chicas que poco y nada entienden de inglés.
New Ends: Ed Powers y la actriz porno Anisa coproducen esta serie donde se hace foco en el sexo anal y para variar es esta vez una mujer la que hace los comentarios detrás de cámara. Los resultados son bastante flojos.
Gonzoman: No es una creación, es una evolución, decía el slogan de esta nueva serie y efectivamente la propuesta era tomar el formato exitoso de Dirty Debutantes y modernizarlo. La edición es algo más cuidada, se anima a intercalar tomas en blanco y negro; hay más textos separadores entre toma y toma y subtítulos en lugar del exesivo diálogo a que Ed nos tiene acostumbrados. Lamentablemente el manejo de cámara sigue siendo igual de precario y las aspiraciones se quedan a mitad de camino. La serie no duró mucho. La gente sigue prefiriendo al Ed original, al sucio.
Otras Series A Tener En Cuenta: Cockless (sólo escenas lésbicas o de masturbación femenina), Black Dirty Debutantes (el título lo dice todo, ¿no?), Dirtier Debutantes (cuando las chicas se animan a lo más kinky), Loving Spoonfulls (las nenas buenas se toman todita la lechita), Real Naturals (chicas normales, hijas de vecino), Dawn Of The Debutantes (refrito de las primeras escenas de las chicas que luego acabaron siendo famosas, imperdibles).
Entrar al mundo del porno es el sueño dorado de millones de hombres en todo el mundo. Ganar dinero por tener sexo con infinidad de jovencitas calientes debe ranquear cerca de la cima en el top-ten de los empleos más añorados del universo laboral. Desgraciadamente nadie hace castings para papeles masculinos en las películas para adultos y hasta hay un dicho en el Sur de California (la tierra prometida de las tres equis) que dice que, siendo hombre, “es más fácil conseguir un papel en una sit-com que en una película porno”. Así y todo, por más que uno tenga los contactos, tiene que ser joven, tener cierta pinta, buenos tubos y rondar los veinte centímetros de longaniza reglamentarios.
Es por eso que Ed Powers ha de ser una de las personas más envidiadas de la vía láctea. Un viejo verde con cara de pervertido, pelo largo, canoso y grasiento, anteojos culo de botella, una regia panza de cervecero vitalicio y una verguita de utilería: la antitesis absoluta de Dirk Diggler (aquel prematuro semental superdotato encarnado por Mark Wahlberg en Boogie Nights).
Así y todo, Ed Powers se las ha ingeniado para cumplir una función primordial en la industria del porno: darle la bienvenida y el curso introductorio a –casi- todas las chicas que llegan a Los Angeles ansiosas por debutar en esa millonaria industria y llegar algún día a convertirse en “pornstars”. Ed Powers es algo así como el portero del mundo porno y prácticamente todas las estrellas más reconocidas de los últimos diez años se echaron su primer polvo en cámara con él.
“Mucha gente se me acerca y me dice Ed, te amo... pero te odio. Lo sé, es la envidia. Pero bueno, yo comparto (risas). Si no fuese porque me tomo el trabajo de filmar todo lo que hago, tendrías a todas esas chicas que nadie sabría quienes son”.
En los pasados números de La Cosa, entrevistamos a Hannah Harper, Shay Sweet y Aurora Snow, las tres debutaron a sus tiernos dieciocho con Ed y las tres coincidieron en lo mismo: “es un buen tipo”. Y es que sí, Ed Powers tiene esa fama de buenazo, que tan fuera de lugar resulta en una industria dominada por el machismo, como lo es el porno.
“Tengo toda la fórmula –nos cuenta Ed-; me siento, les hablo, las trato como seres humanos, que lo son, no un pedazo de carne, como otros tantos hacen. Una chica, el otro día, que no era su primera vez, pero sí su primera vez con un tipo más viejo, me contó que el último tipo con el que había trabajado le dijo: “callate perra, te están pagando novecientos dólares así que hacé lo que se te pide” . Y yo no puedo ver a alguien diciéndole eso a una chica. Obviamente a todos se les paga, es un trabajo, pero de ahí a decirle “callate perra...” es como si el tipo estuviese celoso de ella. Claro que los tipos no ganan tanto como las mujeres y no se lo merecen tampoco... ¿Por qué? Porque la mayoría toma píldoras y ni siquiera lo pueden hacer natural (risas). ¡Jesucristo! ¡Chicos, paren de tomar viagra! Hay algunos que lo hacen natural, pero yo creo que todos están tomando píldoras. He escuchado historias de pumps (válvulas de vacío), inyecciones... ¡y las escucho de las chicas!”
Ed se jacta de que nunca le falla y cuando le preguntamos su edad, duda: “Mi cumpleaños es en un par de días, voy a cumplir... voy a cumplir... cincuenta. Cuesta decirlo. Estuvo bueno estar en los cuarentas por un tiempo... Pero miralo a Dave Cummings, ¡tiene sesenta y cuatro! El verdadero viagra está en las chicas, no hace falta nada más, tenés cinco o seis chicas diferentes en un día... es más de lo que pueda necesitar para que se me pare. Te digo más, ¡deberían usa mi sangre para una píldora!”
El Debut Del Debutante
En 1989 Mark Arnold, tal su verdadero nombre, recién llegado de la Costa Este, empezó a filmar sus primeras pornos en Los Angeles. Pero lo hizo con un concepto visionario y por demás innovador. Tituló su serie Bus Stop Tales: él mismo se acercaba a mujeres desconocidas en las paradas de colectivo y, cámara al hombro, les hacía el chamuyo (y les ofrecía dinero, claro está) intentando convencerlas para que filmasen una escena de sexo con él. Casi sin proponérselo, se había anticipado a su época con el reality-porn, dando el puntapié inicial del subgénero dominante hoy en día en la pornografía norteamericana: el gonzo.
El gran éxito, sin embargo, no le llegó hasta la creación, un año más tarde, de su célebre serie Dirty Debutantes. Ed simplificó el proceso del levante y en vez de salir de cacería por las calles, puso avisos en los diarios, invitando a las chicas a una audición en su propia casa.
“Cuando decidí empezar con Dirty Debutantes –rememora Ed-, contraté un par de tipos y formamos los Nasty Brothers, Randy West era uno de ellos, pero a la larga los terminé largando y me quedé yo solo, porque al fin y al cabo yo soy el nasty brother definitivo.”
Es que la clave del éxito de Dirty Debutantes (así como sus series derivadas) era justamente el look de anti-galán de Ed Powers. En poco tiempo se había ganado adeptos en todo el mundo que lo veían como un súper-héroe, el vengador de los feos, la esperanza de los menos dotados; sus fans lo veían encamándose tremendas pendejas de dieciocho años y el silogismo resultante era obvio: “si él puede, yo también”. Y listo, a llenarse los bolsillos.
“Filmo en mi casa. En mi propia cama donde duermo, así duermo rodeado del aroma de las chicas. Cambio la cámara, corro de acá para allá, hago esto, aquello, no tengo asistentes, nadie que me grite, ni nadie a quién gritarle. Pero no te creas que me sale muy barato, soy muy generoso con las chicas, porque se lo merecen.”
Cuantas Minas Que Tengo
Briana Banks, Sunrise Adams, Lauren Phoenix, Mimi Miyagui, Nikita Denise, Mia Smiles, Taylor Rain, Olivia del Rio, Janine, Julie Meadows, Carmen Luvana... todas pasaron por Dirty Debutantes antes de hacerse famosas. Y Ed no se toma descanso, sigue cosechando primerizas y lanzándolas al mercado.
- ¿Cuál es tu record?
- En un día lo máximo que estuve fue con veintidós chicas. Tengo una foto en la bañera con catorce, eso fue en la primera mitad del día, después, al final del día sumaron veintidós.
- ¿Alguna vez te pasó que, llegada la hora de hacerlo, la chica arrugue y te diga que no?
- Nunca tuve ni una que dijese que no. Alguna puede que haya cambiado de idea, que primero me diga que no tiene novio y después en la mitad del asunto le agarra la culpa y ves que se le escapa una lágrima... y bueno, hay que parar y hablarles, tranquilizarlas. Quizás vuelven a tranquilizarse y terminamos la escena. En una ocasión hasta llamé al novio y le dije que su chica estaba en mi casa, el novio vino ¡y acabó haciendo la escena con ella!
- A comienzos del año pasado filmaste a Nautica Thorn (una de las mayores revelaciones del 2004) en su primera escena y también fue con su novio.
- ¡Totalmente! Nautica Thorn es un excelente ejemplo. Ella vino y no sabía bien si lo quería hacer o no y yo le propuse que lo hiciese con el novio y salió perfecto.
- De todas las famosas, ¿cuál fue tu favorita?
- La próxima.
- ¿Qué planeás para el futuro? ¿Pensás seguir con la serie Dirty Debutantes hasta llegar al número mil?
- Creo que continuaré, pero al mismo tiempo sé que la industria está cambiando, sé que la Internet es una gran porción de nuestro futuro y ya tengo cinco web sites.
- Cuando las chicas se hacen famosas, tarde o temprano terminan sacando a la venta una muñeca inflable supuestamente moldeada con el cuerpo de la estrella. ¿Harán algún día un consolador moldeado en base a tu pene?
- ¡Hicieron uno ya! Sí, pero no era realista, ¡porque le agregaron dos pulgadas! Yo no les pedí, el tipo me dijo “sólo terminé lo que Dios dejó por la mitad.” ¡Además no lo tengo tan chiquito! ¿No lo viste? A las chicas les gusta así, me dicen que tengo la medida perfecta para sexo anal.
El extraño mundo de Ed
More Dirty Debutantes: La original, la serie que dio pié a todas las demás y lleva ya más de una década de éxitos. Estilo crudo, casero, mal manejo de cámara, mediocre iluminación y muy poca edición. Imperdibles los diálogos entre Ed y las aspirantes a pornstar.
Deep Inside Dirty Debutantes: Esta serie se diferencia en poco y nada a la original. Supuestamente se trata de material descartado en aquella por ser un poco más fuerte. Hay más sexo anal y eyaculaciones en la boca. Pero hasta ahí, Ed sigue siendo el tierno de siempre.
Global Warming Debutantes: Parece que a Ed le llegó el rumor de que en Europa del Este se consiguen chicas dispuestas a filmar porno por mucha menos guita y allá fue. En esta serie Ed traslada el set de filmación de su casa a una habitación de hotel y se las arregla como puede para hacerles el chamuyo a las chicas que poco y nada entienden de inglés.
New Ends: Ed Powers y la actriz porno Anisa coproducen esta serie donde se hace foco en el sexo anal y para variar es esta vez una mujer la que hace los comentarios detrás de cámara. Los resultados son bastante flojos.
Gonzoman: No es una creación, es una evolución, decía el slogan de esta nueva serie y efectivamente la propuesta era tomar el formato exitoso de Dirty Debutantes y modernizarlo. La edición es algo más cuidada, se anima a intercalar tomas en blanco y negro; hay más textos separadores entre toma y toma y subtítulos en lugar del exesivo diálogo a que Ed nos tiene acostumbrados. Lamentablemente el manejo de cámara sigue siendo igual de precario y las aspiraciones se quedan a mitad de camino. La serie no duró mucho. La gente sigue prefiriendo al Ed original, al sucio.
Otras Series A Tener En Cuenta: Cockless (sólo escenas lésbicas o de masturbación femenina), Black Dirty Debutantes (el título lo dice todo, ¿no?), Dirtier Debutantes (cuando las chicas se animan a lo más kinky), Loving Spoonfulls (las nenas buenas se toman todita la lechita), Real Naturals (chicas normales, hijas de vecino), Dawn Of The Debutantes (refrito de las primeras escenas de las chicas que luego acabaron siendo famosas, imperdibles).
Sunday, April 03, 2005
UP BUSTLE & OUT o el coqueteo de los ingleses con la música latina
Por Juan Data (Originalmente publicado en La Banda Elástica, USA, 2005)
Por haber surgido en la ciudad inglesa de Bristol (cuna del trip-hop con Tricky y Massive Attack a la cabeza) y haber estados firmados al sello Ninja Tune (especializado en música para DJ’s o “tornamesistas”), Up Bustle & Out (UB&O) fue siempre considerado un grupo de vanguardia en música electrónica, llámesele break-beat, electro-dub o ambient.
Sin embargo, el abanico sonoro de este colectivo inglés, encabezado por Ein Fell y Rupert Mould, ha mostrado siempre un explícito interés por sonidos no convencionales para la música estríctamente anglosajona. UB&O es más bien un collage de muestras sonoras tercermundistas con las que Ein y Rupert juegan al “cut & paste” sobre la consola de mezclas. En sus interminables viajes en busca de nuevas experiencias sampleables, UB&O ha ido mutando su formación, expandiéndose y adaptándose a diferentes ecosistemas musicales. Cada uno de sus trabajos es como un álbum de fotos de viajes de un mochilero, sólo que auditivo.
Dos obras maestras han quedado como postales de su paso por Cuba: Master Sessions I & II, Calle 23 Havana. Más recientemente les tocó vivir la experiencia mexicana y con ayuda de Toy Machete, Sistema Local y Blanquito Man registraron una fusión inédita de cumbia, hip-hop y dub que –esperemos!- saldrá pronto al mercado bajo el título de Mexican Sessions.
Mientras tanto, UB&O acaba de sacar a la venta City Breakers (editado en Estados Unidos por Routes), un disco que marca un regreso a sus influencias primarias, el dub, el reggae y el hip hop old school, pero siempre manteniendo su esencia cosmopolita al contar en su formación estable con una percusionista de nacionalidad argentina y un guitarrista de flamenco español.
- ¿Cómo surge su interés por la música latina y la intención de fusionarla con electrónica?
Ein: Siempre estuve interesado en la música latina, supongo que capturó mi atención por sonar tan diferente a la mayoría de lo que había escuchado hasta entonces. Algunos de mis amigos me hicieron escuchar cosas como Santana y Astrud Gilberto (me encanta la bossa nova) y me cautivó el ritmo y lo inusual de los acordes que usaban.
La fusión con la electrónica llegó casi acidentalmente ya que yo no era un músico en el sentido tradicional de la palabra, pero había desarrollado mis habilidades como productor en estilos como el dub, el breakbeat y el ambient. Quería incluir algunos elementos latinos en mi sonido, primeramente el interesante uso de la percusión, pero más que nada la maravillosa vibra de la música latina. Debe ser por todo el sol que reciben... por eso parece tan inusual que gente en Inglaterra se interese en ese sonido, considerando nuestro clima.
-¿Cuál es el factor de inspiración en la música latinoamericana que no encuentran en Europa?
E: Como decía, debe ser por el sol, estar sentado todo el día al sol con un vaso de vino, tocando la guitarra y mirando a una chica pasar... o debo estar soñando. Creo que lo que más me ha inspirado es el ritmo, lo cual no es inusual ya que gran parte de esa música esta hecha para bailar y estos tipos han tenido décadas para perfeccionar el ritmo. El sonido latino estaba muy en demanda ya en la década del ’50, aquí no teníamos nada que se le pareciese y no estoy seguro de que lo tengamos ahora. La cultura del baile sólo ha estado presente en Europa por los últimos veinte años, ustedes estaban mucho más avanzados en eso. También se debe al aspecto social de la música latina: todos desde los niños pequeños hasta sus abuelos saben cómo bailar, es algo que todos hacen. Me temo que nosotros en Inglaterra somos mucho más reservados y por eso nuestra música es mucho más personal e introvertida. Sin mencionar lo pretencioso e indulgente, pero no quiero ser injusto con los músicos británicos tampoco que sí tenemos mucha música experimental alucinante como Pink Floyd, Brian Eno y no continuo...
- ¿Qué quedó de su experiencia cubana que sigan aportando a la música hoy en día y dónde se evidencia esto en City Breakers?
Rupert: La experiencia cubana agregó mucho sabor a mi alma musical. Conozco mejor su mundo y comparto su lucha. City Breaker también está inspirado en el caribe, Jamaica que es vecino de Cuba. Inglaterra fue una potencia colonial y los efectos de su historia hacen eco en nuestra sociedad actual y nuestra música.
- City Breakers está más familiarizado con Jamaica que con lo típicamente latino. ¿A qué se debe este cambio? ¿Es sólo una etapa más en los viajes de UBO?
E: City Breakers, así como el álbum anterior Urban Evacuation, fueron dos viajes más de UB&O a otros nuevos territorios musicales. Sentimos que ya era tiempo de levantar la carpa, ensillar a los camellos y partir en otro viaje a lo desconocido sin saber de los peligros que se encuentran a la vuelta de la esquina. ¿Irán los fans a apreciar esta nueva dirección musical? ¿Se interesarán las compañías discográficas en publicar un material tan diferente? ¿Qué dirán los periodistas al respecto? Bueno, si nos preocupásemos por esas cosas nuestro nuevo álbum quizás se llamaría UB&O Golden Favourites Forever (risas).
Sentimos que era tiempo de experimentar con el sonido del dub, ya que desde siempre habíamos escuchado a King Tubby y estábamos fascinados por las técnicas de producción del género cuyas posibilidades parecen ilimitadas.
La ciudad de Bristol tiene una fuerte influencia caribeña por la gran comunidad de inmigrantes, muchos de ellos de segunda generación, entonces, naturalmente contábamos con un enorme talento en el ámbito local con el que podríamos jugar. Ras Jablani, por ejemplo tiene una tienda de discos de reggae a un par de calles de aquí y él nos recomendó a DJ Mexican que es un vocalista de dancehall. Luego llegó MC Blaze y juntos nos impulsaron a llevar nuestra música hacia nuevas fronteras. Veo al reggae como otro estilo más dentro de nuestro arsenal, pero eso no significa que nos vayamos a quedar estancados aquí porque todavía seguimos buscando ritmos nuevos con los que experimentar. En este momento estoy trabajando en una mexcla de cumbia y dancehall y está saliendo muy bien. Así que no se preocupen, no hemos abandonado al sonido latino, es sólo que estuvimos fusionándolo con otras cosas. Nuesta percusionista argentina Eugenia se va a asegurar de que mantengamos nuestra promesa. Ella siempre nos impulsa a hacer más cortes latinos en nuestros discos.
- ¿Cómo fue la experiencia en México donde estuvieron en contacto con Toy Machete y la gente de Sistema Local?
R: Fabulosa. Estoy muy satisfecho de haberme tomado el avión a Monterrey... no pasó mucho desde que llegamos y ya estábamos en el estudio con Control Machete y Sistema Local. Grandes tipos y compartimos intereses y respeto en común. De hecho yo creo que su versión sound-system de la cumbia está en la vanguardia de la experimentación. ¿Existe alguien capaz de reusarse a bailar un ritmo de cumbia con ragga? A nuestro regreso al Reino Unido, compilamos lo que sería el álbum The Mexican Sessions, donde también aparece Blanquito Man. El sonido es muy moderno, urbano y funky.
- Si bien se los sigue categorizando como música electrónica, muchos de sus trabajos recientes lindan con el ghetto del world-music. ¿Temen a que les acaben cambiando de etiqueta y que sus discos pasen de estar en la sección dance de las tiendas a la de world?
E: Nunca estuve muy seguro de en qué categoría se encuentra nuestra música en las tiendas. Siempre usamos muchos géneros diversos, la electrónica es sólo uno más. Creo que se nos ha relacionado más con eso por estar en el sello Ninja Tune. Creo que las disquerías deberían tener una categoría aparte para nuestro estilo, porque siempre vamos a estar cambiando de estilo, no podemos evitarlo. Pero no, no nos da miedo la etiqueta de world music, ya que quizás sea lo que describa con más presición nuestra fusión y creo que también nos da mayor libertad para la diversificación de estilos.
- ¿A qué se debe la inclusión en City Breakers de MC Blaze? ¿Cómo fue trabajar con ella? Su estilo de rimar es más bien old-school, ¿esto les trajo alguna limitación al trabajar con sus beats?
E: MC Blaze aparece en varios temas de City Breakers y siendo una nativa de Bristol pensamos que su estilo podía combinar con la temática urbana del álbum. Sus familiares son viejos conocidos de Eugenia y fue a través de ella que nos pusimos en contacto con Blaze cuando estabamos considerando la idea de incluir algo de hip hop en el disco. Las bases ya habían sido programadas antes de que ella se involucrase en el proyecto, así que la parte vocal se trabajó sobre eso. Yo creo que la combinación fue buena y el resultado fue bien recibido por los oyentes.
- En el pasado dedicaron un álbum entero a homenajear al Che Guevara y en su web-site citan al Subcomandante Marcos. ¿Cuáles son exactamente las ideas políticas que están dentrás de UB&O?
E: La política y la música no siempre van de la mano. Por esa razón nuestros temas no son muy políticos, sin embargo, si escuchas con atención detectarás una influencia subversiva en la mezcla. No tendría sentido que le andemos predicando a nuestros oyentes sobre los errores de la izquierda o la derecha. Que cada uno piense por sí mismo. Pero espero que la diversidad y amplitud de criterio de los sonidos de UB&O ayude a la gente a tomar desiciones en la dirección apropiada.
A nivel personal, yo no estoy afiliado a ningún partido político, causa u organización. Considero que el dogma y la proaganda de los políticos de todos los colores el contrario al libre pensamiento entre el pueblo. Lo que hace falta es educación e información en contraste con la desinformación y los prejuicios perpetuados por los ricos y poderosos de este mundo en favor de sus fines maléficos.
- ¿La formación del grupo está en constante proceso de transformación o se adapta para cada álbum? ¿Cómo afecta esto a las presentaciones en vivo?
E: Up, Bustle and Out siempre se manejó como un verdadero colectivo de diferentes personalidades, dándole así el sonido diverso que lo caracteriza. No creo que puedas detectar las ideas de una sola persona en nuestra música. Es más bien la fusión de ideas de muchas fuentes, algunas muy inusuales e inesperadas. Eso es lo que le da al grupo su encanto, la habilidad de reinventarnos cada vez que queramos. Entonces claro, esto ha desembocado en muchos desafíos a la hora de llevar nuestra música a una experiencia en vivo. Nuestro show ha ido cambiando: de tener una banda completa de músicos en el escenario a ser sólo un set instrumental de DJ y más recientemente una conjunción de ambos.
Nuestros álbumes son más bien compilaciones de tracks indivicuales correspondientes a un lugar y momento en común, más que álbumes conceptuales. Entonces en cada diferente canción se van involucrando diferentes músicos. Por ejemplo, en una canción de este último disco tenemos al trompetista mexicano Freddie Soto, que de casualidad estaba en la ciudad para un show y de último momento se sumó a la grabación. En otra tenemos al percusionista colombiano Maestro Eduardo. En otra aparece el saxofonista de jazz Andy Sheppard. Sería imposible contar con todos esos músicos a la hora de tocar en vivo.
- ¿Tienen planes de continuar viajando por otros lugares de Latinoamérica en un futuro próximo?
R: America Latina es mi gran amor. Yo pasé parte de mi infancia en México y después viví en los Estados Unidos. El continente todo está lleno de color, música y tradición. Nosotros llevamos un poco eso a nuestra música. Lo próximo en salir va a ser The Mexican Sessions, claro, y luego quizás hagamos algo en Colombia.
USTLE & OUT
o el coqueteo de los ingleses con la música latina
Por Juan Data
Por haber surgido en la ciudad inglesa de Bristol (cuna del trip-hop con Tricky y Massive Attack a la cabeza) y haber estados firmados al sello Ninja Tune (especializado en música para DJ’s o “tornamesistas”), Up Bustle & Out (UB&O) fue siempre considerado un grupo de vanguardia en música electrónica, llámesele break-beat, electro-dub o ambient.
Sin embargo, el abanico sonoro de este colectivo inglés, encabezado por Ein Fell y Rupert Mould, ha mostrado siempre un explícito interés por sonidos no convencionales para la música estríctamente anglosajona. UB&O es más bien un collage de muestras sonoras tercermundistas con las que Ein y Rupert juegan al “cut & paste” sobre la consola de mezclas. En sus interminables viajes en busca de nuevas experiencias sampleables, UB&O ha ido mutando su formación, expandiéndose y adaptándose a diferentes ecosistemas musicales. Cada uno de sus trabajos es como un álbum de fotos de viajes de un mochilero, sólo que auditivo.
Dos obras maestras han quedado como postales de su paso por Cuba: Master Sessions I & II, Calle 23 Havana. Más recientemente les tocó vivir la experiencia mexicana y con ayuda de Toy Machete, Sistema Local y Blanquito Man registraron una fusión inédita de cumbia, hip-hop y dub que –esperemos!- saldrá pronto al mercado bajo el título de Mexican Sessions.
Mientras tanto, UB&O acaba de sacar a la venta City Breakers (editado en Estados Unidos por Routes), un disco que marca un regreso a sus influencias primarias, el dub, el reggae y el hip hop old school, pero siempre manteniendo su esencia cosmopolita al contar en su formación estable con una percusionista de nacionalidad argentina y un guitarrista de flamenco español.
- ¿Cómo surge su interés por la música latina y la intención de fusionarla con electrónica?
Ein: Siempre estuve interesado en la música latina, supongo que capturó mi atención por sonar tan diferente a la mayoría de lo que había escuchado hasta entonces. Algunos de mis amigos me hicieron escuchar cosas como Santana y Astrud Gilberto (me encanta la bossa nova) y me cautivó el ritmo y lo inusual de los acordes que usaban.
La fusión con la electrónica llegó casi acidentalmente ya que yo no era un músico en el sentido tradicional de la palabra, pero había desarrollado mis habilidades como productor en estilos como el dub, el breakbeat y el ambient. Quería incluir algunos elementos latinos en mi sonido, primeramente el interesante uso de la percusión, pero más que nada la maravillosa vibra de la música latina. Debe ser por todo el sol que reciben... por eso parece tan inusual que gente en Inglaterra se interese en ese sonido, considerando nuestro clima.
-¿Cuál es el factor de inspiración en la música latinoamericana que no encuentran en Europa?
E: Como decía, debe ser por el sol, estar sentado todo el día al sol con un vaso de vino, tocando la guitarra y mirando a una chica pasar... o debo estar soñando. Creo que lo que más me ha inspirado es el ritmo, lo cual no es inusual ya que gran parte de esa música esta hecha para bailar y estos tipos han tenido décadas para perfeccionar el ritmo. El sonido latino estaba muy en demanda ya en la década del ’50, aquí no teníamos nada que se le pareciese y no estoy seguro de que lo tengamos ahora. La cultura del baile sólo ha estado presente en Europa por los últimos veinte años, ustedes estaban mucho más avanzados en eso. También se debe al aspecto social de la música latina: todos desde los niños pequeños hasta sus abuelos saben cómo bailar, es algo que todos hacen. Me temo que nosotros en Inglaterra somos mucho más reservados y por eso nuestra música es mucho más personal e introvertida. Sin mencionar lo pretencioso e indulgente, pero no quiero ser injusto con los músicos británicos tampoco que sí tenemos mucha música experimental alucinante como Pink Floyd, Brian Eno y no continuo...
- ¿Qué quedó de su experiencia cubana que sigan aportando a la música hoy en día y dónde se evidencia esto en City Breakers?
Rupert: La experiencia cubana agregó mucho sabor a mi alma musical. Conozco mejor su mundo y comparto su lucha. City Breaker también está inspirado en el caribe, Jamaica que es vecino de Cuba. Inglaterra fue una potencia colonial y los efectos de su historia hacen eco en nuestra sociedad actual y nuestra música.
- City Breakers está más familiarizado con Jamaica que con lo típicamente latino. ¿A qué se debe este cambio? ¿Es sólo una etapa más en los viajes de UBO?
E: City Breakers, así como el álbum anterior Urban Evacuation, fueron dos viajes más de UB&O a otros nuevos territorios musicales. Sentimos que ya era tiempo de levantar la carpa, ensillar a los camellos y partir en otro viaje a lo desconocido sin saber de los peligros que se encuentran a la vuelta de la esquina. ¿Irán los fans a apreciar esta nueva dirección musical? ¿Se interesarán las compañías discográficas en publicar un material tan diferente? ¿Qué dirán los periodistas al respecto? Bueno, si nos preocupásemos por esas cosas nuestro nuevo álbum quizás se llamaría UB&O Golden Favourites Forever (risas).
Sentimos que era tiempo de experimentar con el sonido del dub, ya que desde siempre habíamos escuchado a King Tubby y estábamos fascinados por las técnicas de producción del género cuyas posibilidades parecen ilimitadas.
La ciudad de Bristol tiene una fuerte influencia caribeña por la gran comunidad de inmigrantes, muchos de ellos de segunda generación, entonces, naturalmente contábamos con un enorme talento en el ámbito local con el que podríamos jugar. Ras Jablani, por ejemplo tiene una tienda de discos de reggae a un par de calles de aquí y él nos recomendó a DJ Mexican que es un vocalista de dancehall. Luego llegó MC Blaze y juntos nos impulsaron a llevar nuestra música hacia nuevas fronteras. Veo al reggae como otro estilo más dentro de nuestro arsenal, pero eso no significa que nos vayamos a quedar estancados aquí porque todavía seguimos buscando ritmos nuevos con los que experimentar. En este momento estoy trabajando en una mexcla de cumbia y dancehall y está saliendo muy bien. Así que no se preocupen, no hemos abandonado al sonido latino, es sólo que estuvimos fusionándolo con otras cosas. Nuesta percusionista argentina Eugenia se va a asegurar de que mantengamos nuestra promesa. Ella siempre nos impulsa a hacer más cortes latinos en nuestros discos.
- ¿Cómo fue la experiencia en México donde estuvieron en contacto con Toy Machete y la gente de Sistema Local?
R: Fabulosa. Estoy muy satisfecho de haberme tomado el avión a Monterrey... no pasó mucho desde que llegamos y ya estábamos en el estudio con Control Machete y Sistema Local. Grandes tipos y compartimos intereses y respeto en común. De hecho yo creo que su versión sound-system de la cumbia está en la vanguardia de la experimentación. ¿Existe alguien capaz de reusarse a bailar un ritmo de cumbia con ragga? A nuestro regreso al Reino Unido, compilamos lo que sería el álbum The Mexican Sessions, donde también aparece Blanquito Man. El sonido es muy moderno, urbano y funky.
- Si bien se los sigue categorizando como música electrónica, muchos de sus trabajos recientes lindan con el ghetto del world-music. ¿Temen a que les acaben cambiando de etiqueta y que sus discos pasen de estar en la sección dance de las tiendas a la de world?
E: Nunca estuve muy seguro de en qué categoría se encuentra nuestra música en las tiendas. Siempre usamos muchos géneros diversos, la electrónica es sólo uno más. Creo que se nos ha relacionado más con eso por estar en el sello Ninja Tune. Creo que las disquerías deberían tener una categoría aparte para nuestro estilo, porque siempre vamos a estar cambiando de estilo, no podemos evitarlo. Pero no, no nos da miedo la etiqueta de world music, ya que quizás sea lo que describa con más presición nuestra fusión y creo que también nos da mayor libertad para la diversificación de estilos.
- ¿A qué se debe la inclusión en City Breakers de MC Blaze? ¿Cómo fue trabajar con ella? Su estilo de rimar es más bien old-school, ¿esto les trajo alguna limitación al trabajar con sus beats?
E: MC Blaze aparece en varios temas de City Breakers y siendo una nativa de Bristol pensamos que su estilo podía combinar con la temática urbana del álbum. Sus familiares son viejos conocidos de Eugenia y fue a través de ella que nos pusimos en contacto con Blaze cuando estabamos considerando la idea de incluir algo de hip hop en el disco. Las bases ya habían sido programadas antes de que ella se involucrase en el proyecto, así que la parte vocal se trabajó sobre eso. Yo creo que la combinación fue buena y el resultado fue bien recibido por los oyentes.
- En el pasado dedicaron un álbum entero a homenajear al Che Guevara y en su web-site citan al Subcomandante Marcos. ¿Cuáles son exactamente las ideas políticas que están dentrás de UB&O?
E: La política y la música no siempre van de la mano. Por esa razón nuestros temas no son muy políticos, sin embargo, si escuchas con atención detectarás una influencia subversiva en la mezcla. No tendría sentido que le andemos predicando a nuestros oyentes sobre los errores de la izquierda o la derecha. Que cada uno piense por sí mismo. Pero espero que la diversidad y amplitud de criterio de los sonidos de UB&O ayude a la gente a tomar desiciones en la dirección apropiada.
A nivel personal, yo no estoy afiliado a ningún partido político, causa u organización. Considero que el dogma y la proaganda de los políticos de todos los colores el contrario al libre pensamiento entre el pueblo. Lo que hace falta es educación e información en contraste con la desinformación y los prejuicios perpetuados por los ricos y poderosos de este mundo en favor de sus fines maléficos.
- ¿La formación del grupo está en constante proceso de transformación o se adapta para cada álbum? ¿Cómo afecta esto a las presentaciones en vivo?
E: Up, Bustle and Out siempre se manejó como un verdadero colectivo de diferentes personalidades, dándole así el sonido diverso que lo caracteriza. No creo que puedas detectar las ideas de una sola persona en nuestra música. Es más bien la fusión de ideas de muchas fuentes, algunas muy inusuales e inesperadas. Eso es lo que le da al grupo su encanto, la habilidad de reinventarnos cada vez que queramos. Entonces claro, esto ha desembocado en muchos desafíos a la hora de llevar nuestra música a una experiencia en vivo. Nuestro show ha ido cambiando: de tener una banda completa de músicos en el escenario a ser sólo un set instrumental de DJ y más recientemente una conjunción de ambos.
Nuestros álbumes son más bien compilaciones de tracks indivicuales correspondientes a un lugar y momento en común, más que álbumes conceptuales. Entonces en cada diferente canción se van involucrando diferentes músicos. Por ejemplo, en una canción de este último disco tenemos al trompetista mexicano Freddie Soto, que de casualidad estaba en la ciudad para un show y de último momento se sumó a la grabación. En otra tenemos al percusionista colombiano Maestro Eduardo. En otra aparece el saxofonista de jazz Andy Sheppard. Sería imposible contar con todos esos músicos a la hora de tocar en vivo.
- ¿Tienen planes de continuar viajando por otros lugares de Latinoamérica en un futuro próximo?
R: America Latina es mi gran amor. Yo pasé parte de mi infancia en México y después viví en los Estados Unidos. El continente todo está lleno de color, música y tradición. Nosotros llevamos un poco eso a nuestra música. Lo próximo en salir va a ser The Mexican Sessions, claro, y luego quizás hagamos algo en Colombia.
Por haber surgido en la ciudad inglesa de Bristol (cuna del trip-hop con Tricky y Massive Attack a la cabeza) y haber estados firmados al sello Ninja Tune (especializado en música para DJ’s o “tornamesistas”), Up Bustle & Out (UB&O) fue siempre considerado un grupo de vanguardia en música electrónica, llámesele break-beat, electro-dub o ambient.
Sin embargo, el abanico sonoro de este colectivo inglés, encabezado por Ein Fell y Rupert Mould, ha mostrado siempre un explícito interés por sonidos no convencionales para la música estríctamente anglosajona. UB&O es más bien un collage de muestras sonoras tercermundistas con las que Ein y Rupert juegan al “cut & paste” sobre la consola de mezclas. En sus interminables viajes en busca de nuevas experiencias sampleables, UB&O ha ido mutando su formación, expandiéndose y adaptándose a diferentes ecosistemas musicales. Cada uno de sus trabajos es como un álbum de fotos de viajes de un mochilero, sólo que auditivo.
Dos obras maestras han quedado como postales de su paso por Cuba: Master Sessions I & II, Calle 23 Havana. Más recientemente les tocó vivir la experiencia mexicana y con ayuda de Toy Machete, Sistema Local y Blanquito Man registraron una fusión inédita de cumbia, hip-hop y dub que –esperemos!- saldrá pronto al mercado bajo el título de Mexican Sessions.
Mientras tanto, UB&O acaba de sacar a la venta City Breakers (editado en Estados Unidos por Routes), un disco que marca un regreso a sus influencias primarias, el dub, el reggae y el hip hop old school, pero siempre manteniendo su esencia cosmopolita al contar en su formación estable con una percusionista de nacionalidad argentina y un guitarrista de flamenco español.
- ¿Cómo surge su interés por la música latina y la intención de fusionarla con electrónica?
Ein: Siempre estuve interesado en la música latina, supongo que capturó mi atención por sonar tan diferente a la mayoría de lo que había escuchado hasta entonces. Algunos de mis amigos me hicieron escuchar cosas como Santana y Astrud Gilberto (me encanta la bossa nova) y me cautivó el ritmo y lo inusual de los acordes que usaban.
La fusión con la electrónica llegó casi acidentalmente ya que yo no era un músico en el sentido tradicional de la palabra, pero había desarrollado mis habilidades como productor en estilos como el dub, el breakbeat y el ambient. Quería incluir algunos elementos latinos en mi sonido, primeramente el interesante uso de la percusión, pero más que nada la maravillosa vibra de la música latina. Debe ser por todo el sol que reciben... por eso parece tan inusual que gente en Inglaterra se interese en ese sonido, considerando nuestro clima.
-¿Cuál es el factor de inspiración en la música latinoamericana que no encuentran en Europa?
E: Como decía, debe ser por el sol, estar sentado todo el día al sol con un vaso de vino, tocando la guitarra y mirando a una chica pasar... o debo estar soñando. Creo que lo que más me ha inspirado es el ritmo, lo cual no es inusual ya que gran parte de esa música esta hecha para bailar y estos tipos han tenido décadas para perfeccionar el ritmo. El sonido latino estaba muy en demanda ya en la década del ’50, aquí no teníamos nada que se le pareciese y no estoy seguro de que lo tengamos ahora. La cultura del baile sólo ha estado presente en Europa por los últimos veinte años, ustedes estaban mucho más avanzados en eso. También se debe al aspecto social de la música latina: todos desde los niños pequeños hasta sus abuelos saben cómo bailar, es algo que todos hacen. Me temo que nosotros en Inglaterra somos mucho más reservados y por eso nuestra música es mucho más personal e introvertida. Sin mencionar lo pretencioso e indulgente, pero no quiero ser injusto con los músicos británicos tampoco que sí tenemos mucha música experimental alucinante como Pink Floyd, Brian Eno y no continuo...
- ¿Qué quedó de su experiencia cubana que sigan aportando a la música hoy en día y dónde se evidencia esto en City Breakers?
Rupert: La experiencia cubana agregó mucho sabor a mi alma musical. Conozco mejor su mundo y comparto su lucha. City Breaker también está inspirado en el caribe, Jamaica que es vecino de Cuba. Inglaterra fue una potencia colonial y los efectos de su historia hacen eco en nuestra sociedad actual y nuestra música.
- City Breakers está más familiarizado con Jamaica que con lo típicamente latino. ¿A qué se debe este cambio? ¿Es sólo una etapa más en los viajes de UBO?
E: City Breakers, así como el álbum anterior Urban Evacuation, fueron dos viajes más de UB&O a otros nuevos territorios musicales. Sentimos que ya era tiempo de levantar la carpa, ensillar a los camellos y partir en otro viaje a lo desconocido sin saber de los peligros que se encuentran a la vuelta de la esquina. ¿Irán los fans a apreciar esta nueva dirección musical? ¿Se interesarán las compañías discográficas en publicar un material tan diferente? ¿Qué dirán los periodistas al respecto? Bueno, si nos preocupásemos por esas cosas nuestro nuevo álbum quizás se llamaría UB&O Golden Favourites Forever (risas).
Sentimos que era tiempo de experimentar con el sonido del dub, ya que desde siempre habíamos escuchado a King Tubby y estábamos fascinados por las técnicas de producción del género cuyas posibilidades parecen ilimitadas.
La ciudad de Bristol tiene una fuerte influencia caribeña por la gran comunidad de inmigrantes, muchos de ellos de segunda generación, entonces, naturalmente contábamos con un enorme talento en el ámbito local con el que podríamos jugar. Ras Jablani, por ejemplo tiene una tienda de discos de reggae a un par de calles de aquí y él nos recomendó a DJ Mexican que es un vocalista de dancehall. Luego llegó MC Blaze y juntos nos impulsaron a llevar nuestra música hacia nuevas fronteras. Veo al reggae como otro estilo más dentro de nuestro arsenal, pero eso no significa que nos vayamos a quedar estancados aquí porque todavía seguimos buscando ritmos nuevos con los que experimentar. En este momento estoy trabajando en una mexcla de cumbia y dancehall y está saliendo muy bien. Así que no se preocupen, no hemos abandonado al sonido latino, es sólo que estuvimos fusionándolo con otras cosas. Nuesta percusionista argentina Eugenia se va a asegurar de que mantengamos nuestra promesa. Ella siempre nos impulsa a hacer más cortes latinos en nuestros discos.
- ¿Cómo fue la experiencia en México donde estuvieron en contacto con Toy Machete y la gente de Sistema Local?
R: Fabulosa. Estoy muy satisfecho de haberme tomado el avión a Monterrey... no pasó mucho desde que llegamos y ya estábamos en el estudio con Control Machete y Sistema Local. Grandes tipos y compartimos intereses y respeto en común. De hecho yo creo que su versión sound-system de la cumbia está en la vanguardia de la experimentación. ¿Existe alguien capaz de reusarse a bailar un ritmo de cumbia con ragga? A nuestro regreso al Reino Unido, compilamos lo que sería el álbum The Mexican Sessions, donde también aparece Blanquito Man. El sonido es muy moderno, urbano y funky.
- Si bien se los sigue categorizando como música electrónica, muchos de sus trabajos recientes lindan con el ghetto del world-music. ¿Temen a que les acaben cambiando de etiqueta y que sus discos pasen de estar en la sección dance de las tiendas a la de world?
E: Nunca estuve muy seguro de en qué categoría se encuentra nuestra música en las tiendas. Siempre usamos muchos géneros diversos, la electrónica es sólo uno más. Creo que se nos ha relacionado más con eso por estar en el sello Ninja Tune. Creo que las disquerías deberían tener una categoría aparte para nuestro estilo, porque siempre vamos a estar cambiando de estilo, no podemos evitarlo. Pero no, no nos da miedo la etiqueta de world music, ya que quizás sea lo que describa con más presición nuestra fusión y creo que también nos da mayor libertad para la diversificación de estilos.
- ¿A qué se debe la inclusión en City Breakers de MC Blaze? ¿Cómo fue trabajar con ella? Su estilo de rimar es más bien old-school, ¿esto les trajo alguna limitación al trabajar con sus beats?
E: MC Blaze aparece en varios temas de City Breakers y siendo una nativa de Bristol pensamos que su estilo podía combinar con la temática urbana del álbum. Sus familiares son viejos conocidos de Eugenia y fue a través de ella que nos pusimos en contacto con Blaze cuando estabamos considerando la idea de incluir algo de hip hop en el disco. Las bases ya habían sido programadas antes de que ella se involucrase en el proyecto, así que la parte vocal se trabajó sobre eso. Yo creo que la combinación fue buena y el resultado fue bien recibido por los oyentes.
- En el pasado dedicaron un álbum entero a homenajear al Che Guevara y en su web-site citan al Subcomandante Marcos. ¿Cuáles son exactamente las ideas políticas que están dentrás de UB&O?
E: La política y la música no siempre van de la mano. Por esa razón nuestros temas no son muy políticos, sin embargo, si escuchas con atención detectarás una influencia subversiva en la mezcla. No tendría sentido que le andemos predicando a nuestros oyentes sobre los errores de la izquierda o la derecha. Que cada uno piense por sí mismo. Pero espero que la diversidad y amplitud de criterio de los sonidos de UB&O ayude a la gente a tomar desiciones en la dirección apropiada.
A nivel personal, yo no estoy afiliado a ningún partido político, causa u organización. Considero que el dogma y la proaganda de los políticos de todos los colores el contrario al libre pensamiento entre el pueblo. Lo que hace falta es educación e información en contraste con la desinformación y los prejuicios perpetuados por los ricos y poderosos de este mundo en favor de sus fines maléficos.
- ¿La formación del grupo está en constante proceso de transformación o se adapta para cada álbum? ¿Cómo afecta esto a las presentaciones en vivo?
E: Up, Bustle and Out siempre se manejó como un verdadero colectivo de diferentes personalidades, dándole así el sonido diverso que lo caracteriza. No creo que puedas detectar las ideas de una sola persona en nuestra música. Es más bien la fusión de ideas de muchas fuentes, algunas muy inusuales e inesperadas. Eso es lo que le da al grupo su encanto, la habilidad de reinventarnos cada vez que queramos. Entonces claro, esto ha desembocado en muchos desafíos a la hora de llevar nuestra música a una experiencia en vivo. Nuestro show ha ido cambiando: de tener una banda completa de músicos en el escenario a ser sólo un set instrumental de DJ y más recientemente una conjunción de ambos.
Nuestros álbumes son más bien compilaciones de tracks indivicuales correspondientes a un lugar y momento en común, más que álbumes conceptuales. Entonces en cada diferente canción se van involucrando diferentes músicos. Por ejemplo, en una canción de este último disco tenemos al trompetista mexicano Freddie Soto, que de casualidad estaba en la ciudad para un show y de último momento se sumó a la grabación. En otra tenemos al percusionista colombiano Maestro Eduardo. En otra aparece el saxofonista de jazz Andy Sheppard. Sería imposible contar con todos esos músicos a la hora de tocar en vivo.
- ¿Tienen planes de continuar viajando por otros lugares de Latinoamérica en un futuro próximo?
R: America Latina es mi gran amor. Yo pasé parte de mi infancia en México y después viví en los Estados Unidos. El continente todo está lleno de color, música y tradición. Nosotros llevamos un poco eso a nuestra música. Lo próximo en salir va a ser The Mexican Sessions, claro, y luego quizás hagamos algo en Colombia.
USTLE & OUT
o el coqueteo de los ingleses con la música latina
Por Juan Data
Por haber surgido en la ciudad inglesa de Bristol (cuna del trip-hop con Tricky y Massive Attack a la cabeza) y haber estados firmados al sello Ninja Tune (especializado en música para DJ’s o “tornamesistas”), Up Bustle & Out (UB&O) fue siempre considerado un grupo de vanguardia en música electrónica, llámesele break-beat, electro-dub o ambient.
Sin embargo, el abanico sonoro de este colectivo inglés, encabezado por Ein Fell y Rupert Mould, ha mostrado siempre un explícito interés por sonidos no convencionales para la música estríctamente anglosajona. UB&O es más bien un collage de muestras sonoras tercermundistas con las que Ein y Rupert juegan al “cut & paste” sobre la consola de mezclas. En sus interminables viajes en busca de nuevas experiencias sampleables, UB&O ha ido mutando su formación, expandiéndose y adaptándose a diferentes ecosistemas musicales. Cada uno de sus trabajos es como un álbum de fotos de viajes de un mochilero, sólo que auditivo.
Dos obras maestras han quedado como postales de su paso por Cuba: Master Sessions I & II, Calle 23 Havana. Más recientemente les tocó vivir la experiencia mexicana y con ayuda de Toy Machete, Sistema Local y Blanquito Man registraron una fusión inédita de cumbia, hip-hop y dub que –esperemos!- saldrá pronto al mercado bajo el título de Mexican Sessions.
Mientras tanto, UB&O acaba de sacar a la venta City Breakers (editado en Estados Unidos por Routes), un disco que marca un regreso a sus influencias primarias, el dub, el reggae y el hip hop old school, pero siempre manteniendo su esencia cosmopolita al contar en su formación estable con una percusionista de nacionalidad argentina y un guitarrista de flamenco español.
- ¿Cómo surge su interés por la música latina y la intención de fusionarla con electrónica?
Ein: Siempre estuve interesado en la música latina, supongo que capturó mi atención por sonar tan diferente a la mayoría de lo que había escuchado hasta entonces. Algunos de mis amigos me hicieron escuchar cosas como Santana y Astrud Gilberto (me encanta la bossa nova) y me cautivó el ritmo y lo inusual de los acordes que usaban.
La fusión con la electrónica llegó casi acidentalmente ya que yo no era un músico en el sentido tradicional de la palabra, pero había desarrollado mis habilidades como productor en estilos como el dub, el breakbeat y el ambient. Quería incluir algunos elementos latinos en mi sonido, primeramente el interesante uso de la percusión, pero más que nada la maravillosa vibra de la música latina. Debe ser por todo el sol que reciben... por eso parece tan inusual que gente en Inglaterra se interese en ese sonido, considerando nuestro clima.
-¿Cuál es el factor de inspiración en la música latinoamericana que no encuentran en Europa?
E: Como decía, debe ser por el sol, estar sentado todo el día al sol con un vaso de vino, tocando la guitarra y mirando a una chica pasar... o debo estar soñando. Creo que lo que más me ha inspirado es el ritmo, lo cual no es inusual ya que gran parte de esa música esta hecha para bailar y estos tipos han tenido décadas para perfeccionar el ritmo. El sonido latino estaba muy en demanda ya en la década del ’50, aquí no teníamos nada que se le pareciese y no estoy seguro de que lo tengamos ahora. La cultura del baile sólo ha estado presente en Europa por los últimos veinte años, ustedes estaban mucho más avanzados en eso. También se debe al aspecto social de la música latina: todos desde los niños pequeños hasta sus abuelos saben cómo bailar, es algo que todos hacen. Me temo que nosotros en Inglaterra somos mucho más reservados y por eso nuestra música es mucho más personal e introvertida. Sin mencionar lo pretencioso e indulgente, pero no quiero ser injusto con los músicos británicos tampoco que sí tenemos mucha música experimental alucinante como Pink Floyd, Brian Eno y no continuo...
- ¿Qué quedó de su experiencia cubana que sigan aportando a la música hoy en día y dónde se evidencia esto en City Breakers?
Rupert: La experiencia cubana agregó mucho sabor a mi alma musical. Conozco mejor su mundo y comparto su lucha. City Breaker también está inspirado en el caribe, Jamaica que es vecino de Cuba. Inglaterra fue una potencia colonial y los efectos de su historia hacen eco en nuestra sociedad actual y nuestra música.
- City Breakers está más familiarizado con Jamaica que con lo típicamente latino. ¿A qué se debe este cambio? ¿Es sólo una etapa más en los viajes de UBO?
E: City Breakers, así como el álbum anterior Urban Evacuation, fueron dos viajes más de UB&O a otros nuevos territorios musicales. Sentimos que ya era tiempo de levantar la carpa, ensillar a los camellos y partir en otro viaje a lo desconocido sin saber de los peligros que se encuentran a la vuelta de la esquina. ¿Irán los fans a apreciar esta nueva dirección musical? ¿Se interesarán las compañías discográficas en publicar un material tan diferente? ¿Qué dirán los periodistas al respecto? Bueno, si nos preocupásemos por esas cosas nuestro nuevo álbum quizás se llamaría UB&O Golden Favourites Forever (risas).
Sentimos que era tiempo de experimentar con el sonido del dub, ya que desde siempre habíamos escuchado a King Tubby y estábamos fascinados por las técnicas de producción del género cuyas posibilidades parecen ilimitadas.
La ciudad de Bristol tiene una fuerte influencia caribeña por la gran comunidad de inmigrantes, muchos de ellos de segunda generación, entonces, naturalmente contábamos con un enorme talento en el ámbito local con el que podríamos jugar. Ras Jablani, por ejemplo tiene una tienda de discos de reggae a un par de calles de aquí y él nos recomendó a DJ Mexican que es un vocalista de dancehall. Luego llegó MC Blaze y juntos nos impulsaron a llevar nuestra música hacia nuevas fronteras. Veo al reggae como otro estilo más dentro de nuestro arsenal, pero eso no significa que nos vayamos a quedar estancados aquí porque todavía seguimos buscando ritmos nuevos con los que experimentar. En este momento estoy trabajando en una mexcla de cumbia y dancehall y está saliendo muy bien. Así que no se preocupen, no hemos abandonado al sonido latino, es sólo que estuvimos fusionándolo con otras cosas. Nuesta percusionista argentina Eugenia se va a asegurar de que mantengamos nuestra promesa. Ella siempre nos impulsa a hacer más cortes latinos en nuestros discos.
- ¿Cómo fue la experiencia en México donde estuvieron en contacto con Toy Machete y la gente de Sistema Local?
R: Fabulosa. Estoy muy satisfecho de haberme tomado el avión a Monterrey... no pasó mucho desde que llegamos y ya estábamos en el estudio con Control Machete y Sistema Local. Grandes tipos y compartimos intereses y respeto en común. De hecho yo creo que su versión sound-system de la cumbia está en la vanguardia de la experimentación. ¿Existe alguien capaz de reusarse a bailar un ritmo de cumbia con ragga? A nuestro regreso al Reino Unido, compilamos lo que sería el álbum The Mexican Sessions, donde también aparece Blanquito Man. El sonido es muy moderno, urbano y funky.
- Si bien se los sigue categorizando como música electrónica, muchos de sus trabajos recientes lindan con el ghetto del world-music. ¿Temen a que les acaben cambiando de etiqueta y que sus discos pasen de estar en la sección dance de las tiendas a la de world?
E: Nunca estuve muy seguro de en qué categoría se encuentra nuestra música en las tiendas. Siempre usamos muchos géneros diversos, la electrónica es sólo uno más. Creo que se nos ha relacionado más con eso por estar en el sello Ninja Tune. Creo que las disquerías deberían tener una categoría aparte para nuestro estilo, porque siempre vamos a estar cambiando de estilo, no podemos evitarlo. Pero no, no nos da miedo la etiqueta de world music, ya que quizás sea lo que describa con más presición nuestra fusión y creo que también nos da mayor libertad para la diversificación de estilos.
- ¿A qué se debe la inclusión en City Breakers de MC Blaze? ¿Cómo fue trabajar con ella? Su estilo de rimar es más bien old-school, ¿esto les trajo alguna limitación al trabajar con sus beats?
E: MC Blaze aparece en varios temas de City Breakers y siendo una nativa de Bristol pensamos que su estilo podía combinar con la temática urbana del álbum. Sus familiares son viejos conocidos de Eugenia y fue a través de ella que nos pusimos en contacto con Blaze cuando estabamos considerando la idea de incluir algo de hip hop en el disco. Las bases ya habían sido programadas antes de que ella se involucrase en el proyecto, así que la parte vocal se trabajó sobre eso. Yo creo que la combinación fue buena y el resultado fue bien recibido por los oyentes.
- En el pasado dedicaron un álbum entero a homenajear al Che Guevara y en su web-site citan al Subcomandante Marcos. ¿Cuáles son exactamente las ideas políticas que están dentrás de UB&O?
E: La política y la música no siempre van de la mano. Por esa razón nuestros temas no son muy políticos, sin embargo, si escuchas con atención detectarás una influencia subversiva en la mezcla. No tendría sentido que le andemos predicando a nuestros oyentes sobre los errores de la izquierda o la derecha. Que cada uno piense por sí mismo. Pero espero que la diversidad y amplitud de criterio de los sonidos de UB&O ayude a la gente a tomar desiciones en la dirección apropiada.
A nivel personal, yo no estoy afiliado a ningún partido político, causa u organización. Considero que el dogma y la proaganda de los políticos de todos los colores el contrario al libre pensamiento entre el pueblo. Lo que hace falta es educación e información en contraste con la desinformación y los prejuicios perpetuados por los ricos y poderosos de este mundo en favor de sus fines maléficos.
- ¿La formación del grupo está en constante proceso de transformación o se adapta para cada álbum? ¿Cómo afecta esto a las presentaciones en vivo?
E: Up, Bustle and Out siempre se manejó como un verdadero colectivo de diferentes personalidades, dándole así el sonido diverso que lo caracteriza. No creo que puedas detectar las ideas de una sola persona en nuestra música. Es más bien la fusión de ideas de muchas fuentes, algunas muy inusuales e inesperadas. Eso es lo que le da al grupo su encanto, la habilidad de reinventarnos cada vez que queramos. Entonces claro, esto ha desembocado en muchos desafíos a la hora de llevar nuestra música a una experiencia en vivo. Nuestro show ha ido cambiando: de tener una banda completa de músicos en el escenario a ser sólo un set instrumental de DJ y más recientemente una conjunción de ambos.
Nuestros álbumes son más bien compilaciones de tracks indivicuales correspondientes a un lugar y momento en común, más que álbumes conceptuales. Entonces en cada diferente canción se van involucrando diferentes músicos. Por ejemplo, en una canción de este último disco tenemos al trompetista mexicano Freddie Soto, que de casualidad estaba en la ciudad para un show y de último momento se sumó a la grabación. En otra tenemos al percusionista colombiano Maestro Eduardo. En otra aparece el saxofonista de jazz Andy Sheppard. Sería imposible contar con todos esos músicos a la hora de tocar en vivo.
- ¿Tienen planes de continuar viajando por otros lugares de Latinoamérica en un futuro próximo?
R: America Latina es mi gran amor. Yo pasé parte de mi infancia en México y después viví en los Estados Unidos. El continente todo está lleno de color, música y tradición. Nosotros llevamos un poco eso a nuestra música. Lo próximo en salir va a ser The Mexican Sessions, claro, y luego quizás hagamos algo en Colombia.
The Mystics: Los Otros Místicos.
Por Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2001)
Hace unos meses presentábamos en esta misma sección a Mystic, una fabulosa MC solista que apenas emergía de la escena underground del Norte de California y hoy se ha convertido en la artista revelación del año a nivel nacional en los Estados Unidos. Ahora es el turno de otros Mystics, estos vienen en plural y se están asomando con mucha fuerza desde la escena underground del Sur de California. Se trata de una crew compuesta de siete militantes fundamentalistas de la cultura hip hop original que se han propuesto salir adelante con su rap inteligente y progresivo a combatir contra toda la corriente materialista y superficial que impregna al mainstream.
Sus orígenes se remontan a los comienzos de los 90’s cuando MATTS y Fourever se conocieron en la preparatoria en West Covina y formaron el dúo Phantom Zone que dominaba con sus freestyles los pasillos de la escuela. Unos pocos se atrevían a hacerles frente y entre ellos estaban Okie y Dimension; este último a su vez, formaba parte de un grupo llamado Non-Human Intelligence donde compartía el micro con otros dos MC’s, también de la zona de West Covina: Abyss y Prizm. Los chicos crecieron y de los pasillos de la escuela pasaron a los escenarios clásicos de la escena underground de Los Angeles donde se cruzaron en más de una ocasión con el solista Express Fresh.
De tanto compartir tarimas terminaron formando una familia entre todos y el resultado obvio fue unir fuerzas y ¿por qué no? formar un sólo grupo. Así nació el septeto que lleva su nombre en honor al “aire misterioso” que corría en su entorno, según los que los frecuentaban.
HHN - ¿Cuál fue el concepto unificador que los reunió en un sólo grupo?
Abyss: Básicamente, bueno, porque sabemos que la unión hace la fuerza. Todos tenían su talento y eran reconocidos en diferentes sectores de la escena pero creímos que uniéndonos podíamos mostrar cada uno un poco de lo suyo, pero hacerlo con más fuerza y el brillo de cada uno, a su vez, ilumina a los demás. Así es que nos convertimos en el gigante que somos ahora.
HHN – ¿Pero a nivel musical qué es lo que tienen todos en común?
Prizm - Bueno, es preservar la cultura. Nosotros lo que queremos es rescatar la cultura de lo que fue el Hip Hop. Nosotros nos criamos en una época en la que el rap tenía mensajes que realmente querían decir algo. Crecimos escuchando A Tribe Called Quest, Black Moon, EPMD… Era música de calidad. Esas son nuestras bases. Pero ahora, odio decirlo, pero pareciera que todo eso se perdió. Nosotros tratamos de preservarlo.
Abyss - Si tengo que definirnos, yo digo que somos underground hip hop. Tenemos cosas intelectuales, mensajes inteligentes, está también el elemento más callejero, un poco de todo eso.
HHN – Ahora que lo mencionas, a primera vista se nota una intención de hacer algo más intelectual que lo convencional . Usan mucha terminología complicada…
Fourever - Definitivamente. Lo que tratamos es de iluminar, ese es nuestro foco central. Eso es parte de la preservación de la cultura. Abrir las cabezas de la gente, expandir sus conocimientos.
Abyss- También en lo musical. Tenemos muchos músicos en vivo bendiciendo el álbum. Si escuchas con atención la música, vas a encontrar una intención de hacer algo más progresivo y experimental. Como muchos sabores diferentes, pero nunca alejándonos del Hip Hop.
Fourever- Nosotros no nos consideramos sólo rappers. Nos consideramos músicos. Hacemos esto con amor a la música
HHN-¿Cómo es que en su disco debut ya tienen colaboraciones de artistas tan reconocidos como Razhel, Medusa, Black Eyed Peas, The Pharcyde, Souls Of Mischief….?
Abyss- Muchos artistas reconocidos nos ayudaron para salir adelante porque creyeron en nuestro trabajo y se dieron cuenta de que lo que hacíamos era una cosa seria y estábamos siendo verdaderos.
Dimension- Hicimos nuestras conexiones en el pasado y siempre tuvimos buena onda con esa gente. Siempre nos dijeron que si algún día grabábamos algo, iban a venir desinteresadamente. Y bueno, cuando llegó el momento, vinieron y tiraron un par de versos por acá y por allá.
Abyss- En mucho se debe a que crecimos en el mismo background que ellos, de la misma manera.
Prizm- Estamos tocando desde hace mucho tiempo también, entonces tuvimos ya chance de tocar con muchos artistas de renombre. Y a muchos les gustaba lo que estábamos haciendo así que ya quedaba la relación. Ninguno de los que participó lo hizo por hambre de dinero, por exposición, lo hicieron por buena onda y esperamos hacer muchos otros proyectos con ellos en el futuro.
HHN- ¿Cómo ven el surgimiento de la escena underground californiana?
Fourever- Mal. No es que sean malos los que están. Es que hay tantos pioneros del underground que a comienzos de los 90’s estaban luchando por esto y ahora se vendieron, quieren dinero, hacerse conocidos.
Matts- Bling, bling.
Fourever- No he visto ningún artista del Hip Hop que se haya mantenido por mucho tiempo, sin inevitablemente venderse o rebajar la calidad de su música. Las letras se vuelven cada vez más lavadas, más simples, y los beats menos ingeniosos. No quiero dar nombres…
Prizm- Hay dos maneras de conseguir las cosas en este juego. O te mantienes real y fiel a lo que eres y la gente tarde o temprano se termina acercando, sintiéndose atraída y eso está bien; o tienes que cambiar y arreglarte y transformarte para acomodarte al gusto de la gente… no es la manera correcta.
Fourever- Básicamente, yo creo que hay muchos de los que son conocidos ahora que son buenos, pero que están empeñados más que nada en llegar a ser mainstream. Nosotros sólo estamos empeñados en hacer buena música.
Prizm- Nosotros queremos hacer la música desde el alma. Antes de preocuparnos por ver qué ocurre afuera, primero tenemos que saber que nosotros somos felices con lo que estamos haciendo. Hay mucha gente en la escena, hoy en día, que parecen estar preocupadas por ver qué dice éste o qué hace aquel, antes de hacer su movimiento, nosotros pensamos en nosotros primero y después lo llevamos al público y ojalá que les guste. Hasta ahora la respuesta fue positiva así que seguimos adelante.
Abyss- Como lo veo yo, antes había una cultura underground que estaba bien fuerte. Ahora hay un montón de novatos queriéndose meter en nuestra escena a la fuerza, pero apuntando a llegar al mainstream y no tenemos que dejar que esos idiotas entren y se apoderen de esto que es como nuestra casa. Lo que yo creo, es que el público actualmente está escuchando muchísima basura y eventualmente van a tener que cansarse de eso y con suerte apuntarán hacia el underground. Pero después pasa el efecto contrario, de que grupos que eran underground dejan de ser considerados así porque ya los escucha mucha gente. A mí también me pasa a veces, de que grupos que me gustaban mucho, ya los escucha tanta gente que yo empiezo a sentir como que ya están quemados.
HHN- ¿Hasta que punto están involucrados o les interesa lo que está ocurriendo con el Hip Hop en el resto del mundo?
Express- Nosotros queremos ir al resto del mundo a llevar nuestra música. Yo estoy harto de los Estados Unidos. Quiero ir a Europa, a otros continentes, donde sabemos que el underground está bien fuerte.
Matts- Nosotros respetamos las escenas de Alemania, Francia, Inglaterra… donde el rap underground es bien apreciado.
Express- También queremos ir a Argentina… por las chicas. (Risas)
Abyss- Es buenísimo ver como algo que empezó con tan poca gente, hoy está tan expandido y consolidado en todo el mundo. Eso es lo que me gusta de esto. Nosotros escuchamos mucho de lo que se está haciendo en otros países. Yo escucho mucho Trip Hop, y Drum & Bass de Inglaterra. Nosotros queremos llegar con lo que hacemos allí también.
Hace unos meses presentábamos en esta misma sección a Mystic, una fabulosa MC solista que apenas emergía de la escena underground del Norte de California y hoy se ha convertido en la artista revelación del año a nivel nacional en los Estados Unidos. Ahora es el turno de otros Mystics, estos vienen en plural y se están asomando con mucha fuerza desde la escena underground del Sur de California. Se trata de una crew compuesta de siete militantes fundamentalistas de la cultura hip hop original que se han propuesto salir adelante con su rap inteligente y progresivo a combatir contra toda la corriente materialista y superficial que impregna al mainstream.
Sus orígenes se remontan a los comienzos de los 90’s cuando MATTS y Fourever se conocieron en la preparatoria en West Covina y formaron el dúo Phantom Zone que dominaba con sus freestyles los pasillos de la escuela. Unos pocos se atrevían a hacerles frente y entre ellos estaban Okie y Dimension; este último a su vez, formaba parte de un grupo llamado Non-Human Intelligence donde compartía el micro con otros dos MC’s, también de la zona de West Covina: Abyss y Prizm. Los chicos crecieron y de los pasillos de la escuela pasaron a los escenarios clásicos de la escena underground de Los Angeles donde se cruzaron en más de una ocasión con el solista Express Fresh.
De tanto compartir tarimas terminaron formando una familia entre todos y el resultado obvio fue unir fuerzas y ¿por qué no? formar un sólo grupo. Así nació el septeto que lleva su nombre en honor al “aire misterioso” que corría en su entorno, según los que los frecuentaban.
HHN - ¿Cuál fue el concepto unificador que los reunió en un sólo grupo?
Abyss: Básicamente, bueno, porque sabemos que la unión hace la fuerza. Todos tenían su talento y eran reconocidos en diferentes sectores de la escena pero creímos que uniéndonos podíamos mostrar cada uno un poco de lo suyo, pero hacerlo con más fuerza y el brillo de cada uno, a su vez, ilumina a los demás. Así es que nos convertimos en el gigante que somos ahora.
HHN – ¿Pero a nivel musical qué es lo que tienen todos en común?
Prizm - Bueno, es preservar la cultura. Nosotros lo que queremos es rescatar la cultura de lo que fue el Hip Hop. Nosotros nos criamos en una época en la que el rap tenía mensajes que realmente querían decir algo. Crecimos escuchando A Tribe Called Quest, Black Moon, EPMD… Era música de calidad. Esas son nuestras bases. Pero ahora, odio decirlo, pero pareciera que todo eso se perdió. Nosotros tratamos de preservarlo.
Abyss - Si tengo que definirnos, yo digo que somos underground hip hop. Tenemos cosas intelectuales, mensajes inteligentes, está también el elemento más callejero, un poco de todo eso.
HHN – Ahora que lo mencionas, a primera vista se nota una intención de hacer algo más intelectual que lo convencional . Usan mucha terminología complicada…
Fourever - Definitivamente. Lo que tratamos es de iluminar, ese es nuestro foco central. Eso es parte de la preservación de la cultura. Abrir las cabezas de la gente, expandir sus conocimientos.
Abyss- También en lo musical. Tenemos muchos músicos en vivo bendiciendo el álbum. Si escuchas con atención la música, vas a encontrar una intención de hacer algo más progresivo y experimental. Como muchos sabores diferentes, pero nunca alejándonos del Hip Hop.
Fourever- Nosotros no nos consideramos sólo rappers. Nos consideramos músicos. Hacemos esto con amor a la música
HHN-¿Cómo es que en su disco debut ya tienen colaboraciones de artistas tan reconocidos como Razhel, Medusa, Black Eyed Peas, The Pharcyde, Souls Of Mischief….?
Abyss- Muchos artistas reconocidos nos ayudaron para salir adelante porque creyeron en nuestro trabajo y se dieron cuenta de que lo que hacíamos era una cosa seria y estábamos siendo verdaderos.
Dimension- Hicimos nuestras conexiones en el pasado y siempre tuvimos buena onda con esa gente. Siempre nos dijeron que si algún día grabábamos algo, iban a venir desinteresadamente. Y bueno, cuando llegó el momento, vinieron y tiraron un par de versos por acá y por allá.
Abyss- En mucho se debe a que crecimos en el mismo background que ellos, de la misma manera.
Prizm- Estamos tocando desde hace mucho tiempo también, entonces tuvimos ya chance de tocar con muchos artistas de renombre. Y a muchos les gustaba lo que estábamos haciendo así que ya quedaba la relación. Ninguno de los que participó lo hizo por hambre de dinero, por exposición, lo hicieron por buena onda y esperamos hacer muchos otros proyectos con ellos en el futuro.
HHN- ¿Cómo ven el surgimiento de la escena underground californiana?
Fourever- Mal. No es que sean malos los que están. Es que hay tantos pioneros del underground que a comienzos de los 90’s estaban luchando por esto y ahora se vendieron, quieren dinero, hacerse conocidos.
Matts- Bling, bling.
Fourever- No he visto ningún artista del Hip Hop que se haya mantenido por mucho tiempo, sin inevitablemente venderse o rebajar la calidad de su música. Las letras se vuelven cada vez más lavadas, más simples, y los beats menos ingeniosos. No quiero dar nombres…
Prizm- Hay dos maneras de conseguir las cosas en este juego. O te mantienes real y fiel a lo que eres y la gente tarde o temprano se termina acercando, sintiéndose atraída y eso está bien; o tienes que cambiar y arreglarte y transformarte para acomodarte al gusto de la gente… no es la manera correcta.
Fourever- Básicamente, yo creo que hay muchos de los que son conocidos ahora que son buenos, pero que están empeñados más que nada en llegar a ser mainstream. Nosotros sólo estamos empeñados en hacer buena música.
Prizm- Nosotros queremos hacer la música desde el alma. Antes de preocuparnos por ver qué ocurre afuera, primero tenemos que saber que nosotros somos felices con lo que estamos haciendo. Hay mucha gente en la escena, hoy en día, que parecen estar preocupadas por ver qué dice éste o qué hace aquel, antes de hacer su movimiento, nosotros pensamos en nosotros primero y después lo llevamos al público y ojalá que les guste. Hasta ahora la respuesta fue positiva así que seguimos adelante.
Abyss- Como lo veo yo, antes había una cultura underground que estaba bien fuerte. Ahora hay un montón de novatos queriéndose meter en nuestra escena a la fuerza, pero apuntando a llegar al mainstream y no tenemos que dejar que esos idiotas entren y se apoderen de esto que es como nuestra casa. Lo que yo creo, es que el público actualmente está escuchando muchísima basura y eventualmente van a tener que cansarse de eso y con suerte apuntarán hacia el underground. Pero después pasa el efecto contrario, de que grupos que eran underground dejan de ser considerados así porque ya los escucha mucha gente. A mí también me pasa a veces, de que grupos que me gustaban mucho, ya los escucha tanta gente que yo empiezo a sentir como que ya están quemados.
HHN- ¿Hasta que punto están involucrados o les interesa lo que está ocurriendo con el Hip Hop en el resto del mundo?
Express- Nosotros queremos ir al resto del mundo a llevar nuestra música. Yo estoy harto de los Estados Unidos. Quiero ir a Europa, a otros continentes, donde sabemos que el underground está bien fuerte.
Matts- Nosotros respetamos las escenas de Alemania, Francia, Inglaterra… donde el rap underground es bien apreciado.
Express- También queremos ir a Argentina… por las chicas. (Risas)
Abyss- Es buenísimo ver como algo que empezó con tan poca gente, hoy está tan expandido y consolidado en todo el mundo. Eso es lo que me gusta de esto. Nosotros escuchamos mucho de lo que se está haciendo en otros países. Yo escucho mucho Trip Hop, y Drum & Bass de Inglaterra. Nosotros queremos llegar con lo que hacemos allí también.
Subscribe to:
Posts (Atom)