Por Juan Data (publicada originalmente en Moshpit Posse #8, Julio de 1998, Buenos Aires)
Cuando el año pasado nos propusimos entrevistar a los mexicanos de Control Machete, las cosas no nos habían salido de la manera más oportuna; sin grabador y sin fotógrafo piloteamos la situación como pudimos para sacar la nota. Cuando en abril pasaron por Buenos Aires para presentarse junto al Sindicato Argentino del Hip Hop, 9 Milímetros y los uruguayos de Plátano Macho, los encontramos en una posición algo más cómoda y tranquila; y a pesar de el cansancio de haber terminado minutos antes un show extenuante, tuvimos tiempo suficiente para hacerles un par de preguntas en los camarines y sacarnos algunas dudas que nos habían quedado colgadas.
"La raza estuvo demasiado prendida" constató Fermín al referirse al recital que los había obligado a compartir el escenario con casi 200 fanáticos saltando y haciendo mosh "cumplió con nuestras expectativas, totalmente. La otra vez que vinimos estuvo llenísimo el lugar. Ahora yo creo que vino la gente que necesitaba venir, la gente que realmente sigue a Control Machete."
Todavía no salía del asombre de la noche anterior, cuando se habían presentado en Paraguay por primera vez junto al Sindicato, en un concierto que superó ampliamente lo que se esperaban ambos grupos: "fue impresionante... más de mil gentes, saltando, cantando las canciones." Pero sin embargo aseguran que la fama no se les subió a la cabeza y siguen siendo las mismas personas "vivimos en las mismas casas, con los papás y todo"
- En qué cambió la banda desde el año pasado hasta ahora?
- Cambió mucho en vivo, porque adquirimos mucha experiencia, tocamos muchísimo. Hicimos un gira con Molotov por todo el interior de México, tocamos en Guatemala, Costa Rica, vinimos acá, después nos vamos a Chile y a Bolivia, de ahí pegamos el salto hacia Estados Unidos donde vamos a hacer una gira...
- Que impresión se llevaron del Hip Hop latinoamericano en general, después de tanto viajar?
- Va madurando poco a poco, lentamente, porque así debe ser en principio. El Hip Hop en Latinoamérica, para nuestro gusto, todavía está en pañales. Hay que darle de comer para que siga creciendo. A mi me impresionó Sindicato, no los había oído nunca, sólo había visto el video en Monterrey. Plátano Macho también me pareció buenísimo. Tiro de Gracia, en Chile, hicieron un disco de Hip Hop-G Funk buenísimo. Quiero decir que sí hay calidad en Latinoamérica para hacer Hip Hop. Ahora a nosotros nos compromete en cierta forma a hacer un disco de nivel, un disco totalmente "Pure Hip Hop" y fuertísimo.
- Esa responsabilidad los hace sentirse un poco como a la cabeza del Hip Hop latinoamericano, no es asÌ?
- No a la cabeza sino junto con todos, pero por ejemplo, oyendo el disco de Tiro de Gracia, que es muy bueno, digo: órale! yo también quiero estar a ese nivel!
- Y en Brasil estuvieron?
- No, vamos a ir a São Paulo para septiembre u octubre, ya con el disco nuevo.
- Qué tuvieron la oportunidad de conocer del movimiento argentino.
- Bueno, a Actitud MarÌa Marta ya las conocíamos de hace tiempo, a Encontra del Hombre que me han dicho que no existe más, a Bola 8 lo vimos la vez pasada que estuvimos aquí...
- Para cuando el nuevo disco?
- Lo vamos a grabar al regresar de la gira por Estados Unidos, más o menos por agosto, como para que salga a la calle en Octubre.
- No es extraño que detrás del monumental éxito de Control Machete no haya germinado un movimiento de Hip Hop mexicano, más allá de Molotov y esas cosas que no son del todo Hip Hop?
- Ya existía desde antes que nosotros, pero lo que allí pasó es muy diferente de lo que ocurrió acá en Argentina, porque allí los grupos en su mayoría rappeaban sobre bases instrumentales de otros grupos y hay poca gente que esté produciendo su propia música. En México hay como 8 o 9 grupos de Hip Hop, en Monterrey hay como 4 y ya existían. Ahora hay que ayudarlos a ellos para que puedan subir y que toda la gente los conozca.
- La cultura Hip Hop en México ha explotado sólo a nivel Rap o también surgieron el Break Dance y el Graffiti?
- En Monterrey lo que sucedió fue que el Rap pegó primero, el Breakdance había como pasado de largo, al contrario de la mayorÌa de los lugares. En la ciudad de México sin embargo si pegó mucho el Break y todavía hay mucho movimiento de Breakers y Graffiteros.
- El año pasado cuando los entrevisté, estaban muy cebados con el último disco de Wu-Tang Clan, ahora con qué se están dando?
- Psycho Realm, Gravediggaz, The Firm, Magoo & Timbaland, todo lo de No Limit, Missy Elliot, Lil Kim...
- Consideran que hay alguna posibilidad de que el Hip Hop latinoamericano pueda emerger de las fronteras del continente y llegar a pegar en Europa o Estados Unidos?
- Lo va a hacer, pero falta madurar mucho, hay que trabajar, trabajar, trabajar... sacar muchos discos y que lleguen a todos lados. Se hace muy buen Hip Hop aquÌ en Latinoamérica y hay muchos buenos rapperos. un ejemplo de eso es Tiro de Gracia.
Mangaka
Saturday, May 19, 2007
Santiago Zona Bruta (de como el rap español triunfó en Sudamérica)
Por Juan Data (originalmente publicado en Hip Hop Nation #05, España, 2000)
Imagínate estar en una ciudad que no conoces, a la que llegaste hace sólo unas horas, es de noche, hace algo de frío, estás sólo, no conoces a nadie. Acabas de salir de un recital y te chocas con una barrera de policías con cara de pocos amigos. Recién entonces caes en la cuenta de que has perdido tu equipaje, no tienes documentos, tarjetas de crédito, abrigo ni pasajes de vuelta. En tu bolsillo sólo llevas algo de cambio, como para viajar en metro y comer un Hot Dog. Ni siquiera tienes un número de teléfono al que llamar porque también perdiste tu agenda.
Momento crítico. Pasar la noche en la calle pareciera ser la solución más viable... si no fuera porque estás en Chile y los “pacos” no son lo que se dice gente cordial con la que uno pueda dialogar civilizadamente.
Ya sé lo que estás pensando: “ja, a mí eso nunca me pasaría porque yo soy demasiado listo”, pero bueno, haz un esfuerzo intelectual e imagina que no eres tan listo y que te tienes que arreglar escribiendo para Hip Hop Nation porque no eres tan buen MC como para forrarte con tus skills. “Ah, bueno en ese caso...”
Entonces, ¿qué harías ante esa situación? ¿que no sabes? Pues, déjame que te cuente lo que hice yo.
El Preludio
Antes que nada, vamos a hacer un relevamiento geográfico del terreno y pongamos al lector en situación. Chile: país sudamericano que disfruta de una democracia demasiado joven. De escasa población repartida en escaso territorio (para lo que son las dimensiones en esa parte del continente), donde la sociedad se jacta de ser ordenada, patriota, religiosa y conservadora. Cómo todo país del tercer mundo sufre la marginalidad y el desempleo en carne propia, pero parece sobrellevarlo mejor que sus vecinos, ahogados en la corrupción.
¿Es este un panorama propicio para generar una escena Hip Hop con identidad propia y bien consolidada? A primera vista uno diría que no, y sin embargo, no hace falta internarse mucho en las calles de Santiago para descubrir en esa ciudad a una digna contendiente de São Paulo para la “Capital Sudamericana del Hip Hop”.
Así rezaba el flyer del evento al que me dirigía. El primer “Festival Hispanoamericano de Hip Hop”. Era mi primer incursión en tierras chilenas así que estaba muy emocionado con la idea de viajar para cubrir el concierto. Mi único contacto hasta entonces con la escena Hip Hop de Chile había sido entrevistando, años atrás, a los Tiro de Gracia y los Panteras Negras para algún fanzine apócrifo porteño, o cubriendo las visitas a Argentina de los graffiteros de la crew DVE o los b-boys transandinos que se hicieron presentes en el campeonato de Rosario (ver Hip Hop Nation Nº3).
Pero lo cierto, era que el Hip Hop de Chile era todo un enigma para mí, y es que a pesar de estar a menos de dos horas de avión, las ciudades de Santiago y Buenos Aires tienen muy poca comunicación entre sí.
Me disponía entonces a pasar un fin de semana recorriendo las tierras por las que Pinochet todavía camina libremente. Pero mi misión, que quede claro, no era rastrear el mapa del Hip Hop local (lo cual me llevaría mucho más que un fin de semana y por lo tanto quedará pendiente para alguna ocasión futura), sino más bien, analizar el desembarco aplastante del Hip Hop ibérico en esa ciudad, tomando como punto de referencia el mencionado festival.
La Llegada
Habiendo arribado a Santiago al mediodía, me disponía a recorrer tranquilo la ciudad y sacar unas fotos, antes incluso de buscar alojamiento. Es que el recital era por la noche, y entonces tenía toda la tarde libre por delante. Así llegué a Otra Vida, el único Hip Hop Shop de la ciudad, y uno de los pocos de Sudamérica (allí, me dijeron, habían estado Ari y Jotamayúscula la tarde anterior), la tienda es la única en todo Chile que vende discos de rap españoles originales, mientras la piratería es moneda corriente en la ciudad. Enseguida conocí a un grupo de ganjamanes acompañados de unas adolescentes de amplios escotes que se ofrecieron a acompañarme hasta el lugar del evento. Pero, ¿que no es a la noche?
No. Dos días antes habían cambiado el horario. Todos los flyers indicaban que las puertas se abrirían a las 19 y sin embargo, en sólo 48hs se había corrido el rumor de que el recital se había adelantado para las 15.
Dos conclusiones saqué de lo anterior, a priori: me queda menos de una hora para resolver mi problema de alojamiento, y a posteriori: vaya que si corren rápido los rumores en esta ciudad. Decidí dejar de lado lo del alojamiento, ya conocería a alguien que me quisiera hospedar por una noche y en todo caso, tenía algo de dinero como para pagar por una habitación. Mi problema pasaba más bien por el equipaje. Venía cargado con una mochila repleta de ropa, discos, revistas y demás cosas que la hacían tremendamente incómoda para asistir a una jam de semejantes dimensiones.
Uno de los fumetas que recién había conocido tenía una tienda ahí cerca y me propuso dejar mis cosas dentro. Iríamos al recital juntos y a la vuelta pasaríamos a recogerla. Me pareció buena idea y accedí. Hasta dejé allí todo el grueso de mi dinero pensando en el riesgo que corría si me llegaban a robar en las adyacencias del lugar. Santiago es muy reconocida por los robos y arrebatos en las calles.
Los Chilenos
Estadio Chile. El metro nos dejó a dos manzanas. Las calles abarrotadas de jóvenes b-boys. Advertí con admiración que no había alcohol en las manos de los que esperaban para entrar, ni latas de cerveza ni vino en tetra-brick, como se acostumbra en mis pagos. Casi por instinto me pedí un Hot Dog y una cerveza en un bar (los Hot Dog chilenos son muy buenos), salí a la calle y entonces me enteré de la situación. En Chile está prohibido tomar alcohol en la vía pública. ¿Reminiscencias de tiempos oscuros? “Si te ven los pacos te llevan” me dijeron mis amigos. Tomé un trago apresurado y la escondí. Al instante vi pasar uno de esos uniformados de verde, casi como militares nazis.
Hora de entrar y segunda aproximación al “orden” reinante en la idiosincrasia chilena. En Argentina, tierra de chantas y ventajeros, entrar a un evento sin pagar es casi un deporte nacional. Decir, “soy periodista, vengo a cubrir el show” suele ser suficiente para que se abran las puertas del cielo. Ahí, en Chile, no sólo no me dejaron pasar, me pidieron documentos, carnet de periodista, referencias del medio para el que trabajaba... ¡y todo eso a pesar de que mi nombre estaba en la lista de invitados!
Logré transponer el primer vallado pero todavía no podía entrar al estadio. Había dos puertas, en una me pedían el ticket de la entrada y en la otra una acreditación de invitado. No tenía ninguna de las dos cosas. Desde el interior del local emergía una densa nube de humo verde dulzón y se dejaban oír los primeros beats. Finalmente, después de haberle llorado a más de media docena de guardias de seguridad, pude entrar al estadio y aquí me llevé la mayor sorpresa de mi viaje.
De repente me encontraba inmerso en una maraña infinita de gente, un estadio enorme repleto hasta más no poder, tanto las gradas como el campo, y todo para ver un show de rap. ¡Mierda, y en Buenos Aires a duras penas juntamos trescientas personas! Pensé. De las casi cinco mil personas que se amontonaban para ver a Ari, un porcentaje importante (me atrevería a decir el 30%) eran mujeres y eso no hacía más que asombrarme aún más. Eso sí, el promedio de edad de las b-girls a duras penas rozaba los quince años. Las había muy pequeñas, todas vestiditas con sus ropitas de homies, dispuestas en primera fila cual fans de algún cantante romántico carilindo salido del Top 40... ¡pero estaban allí para ver un show de rap! Yo sabía que el éxito de Tiro de Gracia había acercado a muchas jovencitas al Hip Hop en Chile, pero no me imaginé nunca que estas se iban a prender a la cultura con tanta fuerza.
En el escenario estaba Savia Nueva, una especie de grupo paralelo de Makiza, con varios integrantes cada uno presentándose como un solista con el apoyo del resto. Era su primera vez en vivo y no les fue nada mal. Makiza es el grupo del momento en Chile, con miles de copias de su álbum, editado por una multi, acercaron el rap a un público más maduro e intelectual sin perder el respeto del grueso de la audiencia rappera de estirpe callejera. Entendí la fascinación de las niñas chilenas por el rap cuando vi subir a las tarimas a la incomparable Anita, de quién hasta ese entonces sólo había oído hablar maravillas, y no me defraudó en lo más mínimo. Anita (voz femenina de Makiza) tiene el talento suficiente para enfrentar a cualquier mujer MC del mundo, tanto en sus letras como en sus fabulosos freestyles. Es el secreto mejor guardado del rap chileno. Y así, como en secreto, subió y cogió el micro, escondida tras una capucha que no dejaba distinguirla. La capucha voló tras el segundo verso y la tribuna se vino literalmente abajo en una ovación unánime. Tendríais que haber visto entonces, a todas esas rapperitas de catorce primaveras coreando las rimas de la Anita.
Aún no salía de mi asombro cuando pude ver a toda la masa de gente pidiendo a gritos la presencia de Vico C, MC puertorriqueño que había prometido su visita a Chile y la había cancelado a último momento ya que los organizadores no accedieron a sus pretenciosas exigencias. Supe que en los camarines la gente de la organización del evento estaba super nerviosa con el tema y no se atrevían a salir a decir que Vico C no había venido, entonces un rappero chileno invitado de los grupos que teloneaban a Ari se ofreció para enfrentar a la muchedumbre, que no paraba de gritar “¡Vico C, Vico C!” Se asomó como tímidamente, cogió el micro y pidió la palabra: “Vico C no es verdadero... pidió una limusina para venir a Chile, así no es el Hip Hop y bla-bla-bla...” De repente, la misma gente que aclamaba a Vico C, dejó de hacerlo y cambió sus gritos por silbidos, silbidos que se fueron transformando en un cántico de guerra generalizado como los entonados por los fanáticos del fútbol: “¡Somos del Hip Hop, Somos del Hip Hop!”
A Savia Nueva le siguió Conexxión, un combo joven de rap, más denso y callejero, con sietes MC’s (seis chicos y una niña). Antes dije que los chilenos eran nacionalistas, y si lo serán que estos colgaron una bandera de su país frente a la mesa de los platos. Durante toda la tarde no paré de oír la palabra Chile en las letras, los estribillos y las arengas de los maestros de ceremonia, hasta había uno flameando la bandera patria en medio del público. Más tarde le tocó el turno a los Panteras Negras, uno de los grupos que han sobrevivido desde la vieja escuela, su Rap enteramente politizado no despierta fanatismos en la gente pero son bien respetados en la escena por su notable trayectoria. A continuación, subieron al escenario los B-Boys de Gravedad Cero que dejaron absorto al público con sus acrobacias y principalmente con la incursión de un bailarín de escasos ocho años que cerró el show con un impecable headspin. Le siguieron los muchachos de Rezonancia un dúo de rap bien hard core y marihuanero que arrastra mucho público pesado, pero también tiene a sus groupies que se agolpaban contra el vallado para sacarles fotos. Como invitado de Rezonancia en un par de temas subió su eminencia el Jimmy de la Pozze Latina, el grupo que dio el puntapié inicial del Hip Hop Chileno hace más de una década.
Los Españoles
Hasta ahí los chilenos. Afuera ya empezaba a anochecer y el público estaba cada vez más ansioso por ver a la estrella de la noche: Ari. Fue entonces cuando me di cuenta de lo grave de mi situación, había perdido de vista a los que habían ido conmigo y la oscuridad no me ayudaba a encontrarlos. Distinguir la cara de alguien a quién conociste hace unas horas -y apenas sabes su apodo- no es cosa sencilla entre una aglomeración de cinco mil personas.
“¿Qué pasa Chile?” Gritó Jotamayúscula apenas se acomodó detrás de los platos y una vez más la ovación colmó el estadio. Por fin alguien de España subía a escena, recién entonces comprendí las dimensiones del fanatismo que tiene la escena chilena con los artistas del Hip Hop ibérico. El desempeño de Jota no fue el mejor ya que estaba en pleno estado gripal y transpiraba de fiebre, pero eso no le impidió dar un buen show y mover un poco a la gente cada vez más ansiosa por ver a la chica de Gerona.
El show de Jota en los platos llegaba ya a su fin cuando anunciaron la gran sorpresa de la noche: “¡CPV estaba en la casa!” Sí, sí, como habéis leído, sin anticipos ni nada, Mr Rango se coló en el escenario secundado por Kamikaze y Supernafamacho y empezó el show sorpresa del Club, que por lo que supe es el grupo español que más fanatismo ha causado en el público chileno después de 7 Notas 7 Colores (Nota: el Mu y su gente se habían presentado un mes antes ante similar cantidad de gente y había así inaugurado oficialmente la invasión española a tierras sudamericanas). Fue el Nafa quién dijo ante la enfervorizada muchedumbre que lamentable no contaban con la presencia de Paco y Meswy, pero contentó a los fans con una promesa: “En Octubre volvemos con CPV completo”.
Finalmente llegó la hora tan esperada, se apagaron los focos en las tarimas y el Jota dejó su lugar al DJ de Ari. De repente las luces se encendieron y dejaron apreciar la figura menuda de la MC en cuestión que con más fuerza que nunca gritó nuevamente “¡¿Qué pasa Chile?!” dando así comienzo al show más prendido de la noche. Imaginaos la sorpresa de la morena de Cataluña cuando advirtió la gran cantidad de público femenino que no sólo la idolatraban sino que coreaban sus letras de punta a punta. Y atención, el disco de Ari no está editado en Chile y las ventas de la única tienda que lo ofrece original no son tan abundantes, pero todos los cinco mil presentes parecían conocer a la muchacha como si fuera una más del barrio. Creedme, la impresión que se ha llevado esta chica ha sido de lo más fuerte, pagaría por haber estado un minuto en sus pantalones.
Pero las sorpresas no se terminan aquí, como corista suplente, Ari llevó a su compañero de aventuras el Payo Malo, que también era bien reconocido en Chile aunque no tanto como solista, sino como invitado de Sólo los Solo (otro de los que han causado furor en tierras mapuches). También tuvo el Payo oportunidad de demostrar algo de lo suyo en medio del show de Ari.
Se aproximaba ya el final del festival y después de haber dado varias vueltas por el estadio me había resignado, había perdido a mis amigos y se me iba a complicar recuperar mi equipaje. Lo que más nervioso me ponía era que el domingo (o sea, al día siguiente) la tienda estaría cerrada y el lunes siguiente era feriado nacional. En fin... perdí todo lo que traje, pensé, así que me dediqué a disfrutar del show que llegaba a su punto de apogeo cuando Ari entonó su himno “Arriba los buscavidas”. El público alcanzó prácticamente el éxtasis con esta canción cuya letra reflejaba mejor que nada la situación marginal, de pobreza y violencia extrema en la que viven la mayoría de los b-boys chilenos.
Después del Show
El siguiente capítulo de mis aventuras se desarrolla intentando encontrar a alguien conocido a la salida del evento, alguien que me quisiera alojar por al menos una noche hasta que pudiera recuperar mi dinero y mis pertenencias. No conseguí encontrar a nadie así que me metí en los camarines, al menos conocía a Nieves de Zona Bruta, con quién había tenido contacto por e-mail únicamente y habíamos acordado reunirnos aquel día. Ahí los conocí personalmente a Kamikaze y a Ari que andaba de lo más contenta tras terminar el show y se paseaba con una bandeja de galletas ofreciéndole a todo el mundo. Vi con mis propios ojos, como una fan chilena de Ari cogía una galleta y la guardaba como recuerdo “por más hambre que tenga no la voy a comer... me la dio Ari” y agradecía al cielo como si hubiese recibido una bendición.
Terminé en un hotel del centro de Santiago, en una habitación con toda la troupe de Zona Bruta que no dejaban de asombrarse del público chileno. “¿Cómo puede ser que habiendo tanta gente no hayan salido sellos de Hip Hop?” le oí decir a Nieves “¿Cómo puede ser que en Argentina, que tiene el triple de población, el Hip Hop aún no haya pegado?” Enigmas sin respuestas. Escuché las anécdotas del Kami que solito, apenas llegó a Santiago, incursionó en los barrios bajos dominados por las pandillas de rapperos más peligrosas y apenas lo reconocieron salieron a recibirlo como una verdadera estrella. Me contaron de cuando había venido Mucho Muchacho y la policía había tenido que hacer todo un cordón para que pudiese llegar al estadio, escapando del acoso de los fans. Me enteré también de que, en una especie de tour, habían llevado a Ari, Payo Malo y los CPV a conocer la Guamachuco, una de las poblaciones marginales de Chile de donde más grupos de rap habían surgido y que los recibieron con una fiesta en un centro cultural indígena donde los pusieron al tanto de la situación de los descendientes de aborígenes y el racismo. Pude apreciar con asombro a las groupies de escasos catorce abriles esperando en la puerta del hotel para pedirles autógrafos a los MC’s madrileños, regalarles muñecos y llevarse algún recuerdo de sus ídolos...
La Conclusión
Yo de mi mochila ya ni me acordaba. La daba por perdida. Recién a las 11:30 de la noche conseguí lugar donde quedarme: ocupé la cama que había dejado libre Kamikaze en el departamento de la gente que organizaba el festival, que me acogieron con singular hospitalidad. Me tranquilicé y me puse a ordenar en mi cabeza todas las ideas para escribir este artículo a mi regreso a Buenos Aires, ya que también había perdido mi grabadora y no había podido hacer ni una entrevista como tenía planeado. Todavía me faltaba resolver el problema de cómo regresar a mi país sin los tickets del avión ni dinero para comprar unos nuevos, pero eso era para mí ya un inconveniente menor. Estaba satisfecho. Había presenciado uno de los shows de Hip Hop más importantes de mi vida y tenía la certeza absoluta de que esto era sólo el comienzo. Que no tardarían en llegar al cono sur tantos otros artistas españoles del rap. Ya que claro... no van a querer perdérselo, ¿o acaso a ti no te han dado ganas de probar el fruto de la fama internacional, los hoteles, los fans y los estadios repletos de niñas que corean tus letras?
Imagínate estar en una ciudad que no conoces, a la que llegaste hace sólo unas horas, es de noche, hace algo de frío, estás sólo, no conoces a nadie. Acabas de salir de un recital y te chocas con una barrera de policías con cara de pocos amigos. Recién entonces caes en la cuenta de que has perdido tu equipaje, no tienes documentos, tarjetas de crédito, abrigo ni pasajes de vuelta. En tu bolsillo sólo llevas algo de cambio, como para viajar en metro y comer un Hot Dog. Ni siquiera tienes un número de teléfono al que llamar porque también perdiste tu agenda.
Momento crítico. Pasar la noche en la calle pareciera ser la solución más viable... si no fuera porque estás en Chile y los “pacos” no son lo que se dice gente cordial con la que uno pueda dialogar civilizadamente.
Ya sé lo que estás pensando: “ja, a mí eso nunca me pasaría porque yo soy demasiado listo”, pero bueno, haz un esfuerzo intelectual e imagina que no eres tan listo y que te tienes que arreglar escribiendo para Hip Hop Nation porque no eres tan buen MC como para forrarte con tus skills. “Ah, bueno en ese caso...”
Entonces, ¿qué harías ante esa situación? ¿que no sabes? Pues, déjame que te cuente lo que hice yo.
El Preludio
Antes que nada, vamos a hacer un relevamiento geográfico del terreno y pongamos al lector en situación. Chile: país sudamericano que disfruta de una democracia demasiado joven. De escasa población repartida en escaso territorio (para lo que son las dimensiones en esa parte del continente), donde la sociedad se jacta de ser ordenada, patriota, religiosa y conservadora. Cómo todo país del tercer mundo sufre la marginalidad y el desempleo en carne propia, pero parece sobrellevarlo mejor que sus vecinos, ahogados en la corrupción.
¿Es este un panorama propicio para generar una escena Hip Hop con identidad propia y bien consolidada? A primera vista uno diría que no, y sin embargo, no hace falta internarse mucho en las calles de Santiago para descubrir en esa ciudad a una digna contendiente de São Paulo para la “Capital Sudamericana del Hip Hop”.
Así rezaba el flyer del evento al que me dirigía. El primer “Festival Hispanoamericano de Hip Hop”. Era mi primer incursión en tierras chilenas así que estaba muy emocionado con la idea de viajar para cubrir el concierto. Mi único contacto hasta entonces con la escena Hip Hop de Chile había sido entrevistando, años atrás, a los Tiro de Gracia y los Panteras Negras para algún fanzine apócrifo porteño, o cubriendo las visitas a Argentina de los graffiteros de la crew DVE o los b-boys transandinos que se hicieron presentes en el campeonato de Rosario (ver Hip Hop Nation Nº3).
Pero lo cierto, era que el Hip Hop de Chile era todo un enigma para mí, y es que a pesar de estar a menos de dos horas de avión, las ciudades de Santiago y Buenos Aires tienen muy poca comunicación entre sí.
Me disponía entonces a pasar un fin de semana recorriendo las tierras por las que Pinochet todavía camina libremente. Pero mi misión, que quede claro, no era rastrear el mapa del Hip Hop local (lo cual me llevaría mucho más que un fin de semana y por lo tanto quedará pendiente para alguna ocasión futura), sino más bien, analizar el desembarco aplastante del Hip Hop ibérico en esa ciudad, tomando como punto de referencia el mencionado festival.
La Llegada
Habiendo arribado a Santiago al mediodía, me disponía a recorrer tranquilo la ciudad y sacar unas fotos, antes incluso de buscar alojamiento. Es que el recital era por la noche, y entonces tenía toda la tarde libre por delante. Así llegué a Otra Vida, el único Hip Hop Shop de la ciudad, y uno de los pocos de Sudamérica (allí, me dijeron, habían estado Ari y Jotamayúscula la tarde anterior), la tienda es la única en todo Chile que vende discos de rap españoles originales, mientras la piratería es moneda corriente en la ciudad. Enseguida conocí a un grupo de ganjamanes acompañados de unas adolescentes de amplios escotes que se ofrecieron a acompañarme hasta el lugar del evento. Pero, ¿que no es a la noche?
No. Dos días antes habían cambiado el horario. Todos los flyers indicaban que las puertas se abrirían a las 19 y sin embargo, en sólo 48hs se había corrido el rumor de que el recital se había adelantado para las 15.
Dos conclusiones saqué de lo anterior, a priori: me queda menos de una hora para resolver mi problema de alojamiento, y a posteriori: vaya que si corren rápido los rumores en esta ciudad. Decidí dejar de lado lo del alojamiento, ya conocería a alguien que me quisiera hospedar por una noche y en todo caso, tenía algo de dinero como para pagar por una habitación. Mi problema pasaba más bien por el equipaje. Venía cargado con una mochila repleta de ropa, discos, revistas y demás cosas que la hacían tremendamente incómoda para asistir a una jam de semejantes dimensiones.
Uno de los fumetas que recién había conocido tenía una tienda ahí cerca y me propuso dejar mis cosas dentro. Iríamos al recital juntos y a la vuelta pasaríamos a recogerla. Me pareció buena idea y accedí. Hasta dejé allí todo el grueso de mi dinero pensando en el riesgo que corría si me llegaban a robar en las adyacencias del lugar. Santiago es muy reconocida por los robos y arrebatos en las calles.
Los Chilenos
Estadio Chile. El metro nos dejó a dos manzanas. Las calles abarrotadas de jóvenes b-boys. Advertí con admiración que no había alcohol en las manos de los que esperaban para entrar, ni latas de cerveza ni vino en tetra-brick, como se acostumbra en mis pagos. Casi por instinto me pedí un Hot Dog y una cerveza en un bar (los Hot Dog chilenos son muy buenos), salí a la calle y entonces me enteré de la situación. En Chile está prohibido tomar alcohol en la vía pública. ¿Reminiscencias de tiempos oscuros? “Si te ven los pacos te llevan” me dijeron mis amigos. Tomé un trago apresurado y la escondí. Al instante vi pasar uno de esos uniformados de verde, casi como militares nazis.
Hora de entrar y segunda aproximación al “orden” reinante en la idiosincrasia chilena. En Argentina, tierra de chantas y ventajeros, entrar a un evento sin pagar es casi un deporte nacional. Decir, “soy periodista, vengo a cubrir el show” suele ser suficiente para que se abran las puertas del cielo. Ahí, en Chile, no sólo no me dejaron pasar, me pidieron documentos, carnet de periodista, referencias del medio para el que trabajaba... ¡y todo eso a pesar de que mi nombre estaba en la lista de invitados!
Logré transponer el primer vallado pero todavía no podía entrar al estadio. Había dos puertas, en una me pedían el ticket de la entrada y en la otra una acreditación de invitado. No tenía ninguna de las dos cosas. Desde el interior del local emergía una densa nube de humo verde dulzón y se dejaban oír los primeros beats. Finalmente, después de haberle llorado a más de media docena de guardias de seguridad, pude entrar al estadio y aquí me llevé la mayor sorpresa de mi viaje.
De repente me encontraba inmerso en una maraña infinita de gente, un estadio enorme repleto hasta más no poder, tanto las gradas como el campo, y todo para ver un show de rap. ¡Mierda, y en Buenos Aires a duras penas juntamos trescientas personas! Pensé. De las casi cinco mil personas que se amontonaban para ver a Ari, un porcentaje importante (me atrevería a decir el 30%) eran mujeres y eso no hacía más que asombrarme aún más. Eso sí, el promedio de edad de las b-girls a duras penas rozaba los quince años. Las había muy pequeñas, todas vestiditas con sus ropitas de homies, dispuestas en primera fila cual fans de algún cantante romántico carilindo salido del Top 40... ¡pero estaban allí para ver un show de rap! Yo sabía que el éxito de Tiro de Gracia había acercado a muchas jovencitas al Hip Hop en Chile, pero no me imaginé nunca que estas se iban a prender a la cultura con tanta fuerza.
En el escenario estaba Savia Nueva, una especie de grupo paralelo de Makiza, con varios integrantes cada uno presentándose como un solista con el apoyo del resto. Era su primera vez en vivo y no les fue nada mal. Makiza es el grupo del momento en Chile, con miles de copias de su álbum, editado por una multi, acercaron el rap a un público más maduro e intelectual sin perder el respeto del grueso de la audiencia rappera de estirpe callejera. Entendí la fascinación de las niñas chilenas por el rap cuando vi subir a las tarimas a la incomparable Anita, de quién hasta ese entonces sólo había oído hablar maravillas, y no me defraudó en lo más mínimo. Anita (voz femenina de Makiza) tiene el talento suficiente para enfrentar a cualquier mujer MC del mundo, tanto en sus letras como en sus fabulosos freestyles. Es el secreto mejor guardado del rap chileno. Y así, como en secreto, subió y cogió el micro, escondida tras una capucha que no dejaba distinguirla. La capucha voló tras el segundo verso y la tribuna se vino literalmente abajo en una ovación unánime. Tendríais que haber visto entonces, a todas esas rapperitas de catorce primaveras coreando las rimas de la Anita.
Aún no salía de mi asombro cuando pude ver a toda la masa de gente pidiendo a gritos la presencia de Vico C, MC puertorriqueño que había prometido su visita a Chile y la había cancelado a último momento ya que los organizadores no accedieron a sus pretenciosas exigencias. Supe que en los camarines la gente de la organización del evento estaba super nerviosa con el tema y no se atrevían a salir a decir que Vico C no había venido, entonces un rappero chileno invitado de los grupos que teloneaban a Ari se ofreció para enfrentar a la muchedumbre, que no paraba de gritar “¡Vico C, Vico C!” Se asomó como tímidamente, cogió el micro y pidió la palabra: “Vico C no es verdadero... pidió una limusina para venir a Chile, así no es el Hip Hop y bla-bla-bla...” De repente, la misma gente que aclamaba a Vico C, dejó de hacerlo y cambió sus gritos por silbidos, silbidos que se fueron transformando en un cántico de guerra generalizado como los entonados por los fanáticos del fútbol: “¡Somos del Hip Hop, Somos del Hip Hop!”
A Savia Nueva le siguió Conexxión, un combo joven de rap, más denso y callejero, con sietes MC’s (seis chicos y una niña). Antes dije que los chilenos eran nacionalistas, y si lo serán que estos colgaron una bandera de su país frente a la mesa de los platos. Durante toda la tarde no paré de oír la palabra Chile en las letras, los estribillos y las arengas de los maestros de ceremonia, hasta había uno flameando la bandera patria en medio del público. Más tarde le tocó el turno a los Panteras Negras, uno de los grupos que han sobrevivido desde la vieja escuela, su Rap enteramente politizado no despierta fanatismos en la gente pero son bien respetados en la escena por su notable trayectoria. A continuación, subieron al escenario los B-Boys de Gravedad Cero que dejaron absorto al público con sus acrobacias y principalmente con la incursión de un bailarín de escasos ocho años que cerró el show con un impecable headspin. Le siguieron los muchachos de Rezonancia un dúo de rap bien hard core y marihuanero que arrastra mucho público pesado, pero también tiene a sus groupies que se agolpaban contra el vallado para sacarles fotos. Como invitado de Rezonancia en un par de temas subió su eminencia el Jimmy de la Pozze Latina, el grupo que dio el puntapié inicial del Hip Hop Chileno hace más de una década.
Los Españoles
Hasta ahí los chilenos. Afuera ya empezaba a anochecer y el público estaba cada vez más ansioso por ver a la estrella de la noche: Ari. Fue entonces cuando me di cuenta de lo grave de mi situación, había perdido de vista a los que habían ido conmigo y la oscuridad no me ayudaba a encontrarlos. Distinguir la cara de alguien a quién conociste hace unas horas -y apenas sabes su apodo- no es cosa sencilla entre una aglomeración de cinco mil personas.
“¿Qué pasa Chile?” Gritó Jotamayúscula apenas se acomodó detrás de los platos y una vez más la ovación colmó el estadio. Por fin alguien de España subía a escena, recién entonces comprendí las dimensiones del fanatismo que tiene la escena chilena con los artistas del Hip Hop ibérico. El desempeño de Jota no fue el mejor ya que estaba en pleno estado gripal y transpiraba de fiebre, pero eso no le impidió dar un buen show y mover un poco a la gente cada vez más ansiosa por ver a la chica de Gerona.
El show de Jota en los platos llegaba ya a su fin cuando anunciaron la gran sorpresa de la noche: “¡CPV estaba en la casa!” Sí, sí, como habéis leído, sin anticipos ni nada, Mr Rango se coló en el escenario secundado por Kamikaze y Supernafamacho y empezó el show sorpresa del Club, que por lo que supe es el grupo español que más fanatismo ha causado en el público chileno después de 7 Notas 7 Colores (Nota: el Mu y su gente se habían presentado un mes antes ante similar cantidad de gente y había así inaugurado oficialmente la invasión española a tierras sudamericanas). Fue el Nafa quién dijo ante la enfervorizada muchedumbre que lamentable no contaban con la presencia de Paco y Meswy, pero contentó a los fans con una promesa: “En Octubre volvemos con CPV completo”.
Finalmente llegó la hora tan esperada, se apagaron los focos en las tarimas y el Jota dejó su lugar al DJ de Ari. De repente las luces se encendieron y dejaron apreciar la figura menuda de la MC en cuestión que con más fuerza que nunca gritó nuevamente “¡¿Qué pasa Chile?!” dando así comienzo al show más prendido de la noche. Imaginaos la sorpresa de la morena de Cataluña cuando advirtió la gran cantidad de público femenino que no sólo la idolatraban sino que coreaban sus letras de punta a punta. Y atención, el disco de Ari no está editado en Chile y las ventas de la única tienda que lo ofrece original no son tan abundantes, pero todos los cinco mil presentes parecían conocer a la muchacha como si fuera una más del barrio. Creedme, la impresión que se ha llevado esta chica ha sido de lo más fuerte, pagaría por haber estado un minuto en sus pantalones.
Pero las sorpresas no se terminan aquí, como corista suplente, Ari llevó a su compañero de aventuras el Payo Malo, que también era bien reconocido en Chile aunque no tanto como solista, sino como invitado de Sólo los Solo (otro de los que han causado furor en tierras mapuches). También tuvo el Payo oportunidad de demostrar algo de lo suyo en medio del show de Ari.
Se aproximaba ya el final del festival y después de haber dado varias vueltas por el estadio me había resignado, había perdido a mis amigos y se me iba a complicar recuperar mi equipaje. Lo que más nervioso me ponía era que el domingo (o sea, al día siguiente) la tienda estaría cerrada y el lunes siguiente era feriado nacional. En fin... perdí todo lo que traje, pensé, así que me dediqué a disfrutar del show que llegaba a su punto de apogeo cuando Ari entonó su himno “Arriba los buscavidas”. El público alcanzó prácticamente el éxtasis con esta canción cuya letra reflejaba mejor que nada la situación marginal, de pobreza y violencia extrema en la que viven la mayoría de los b-boys chilenos.
Después del Show
El siguiente capítulo de mis aventuras se desarrolla intentando encontrar a alguien conocido a la salida del evento, alguien que me quisiera alojar por al menos una noche hasta que pudiera recuperar mi dinero y mis pertenencias. No conseguí encontrar a nadie así que me metí en los camarines, al menos conocía a Nieves de Zona Bruta, con quién había tenido contacto por e-mail únicamente y habíamos acordado reunirnos aquel día. Ahí los conocí personalmente a Kamikaze y a Ari que andaba de lo más contenta tras terminar el show y se paseaba con una bandeja de galletas ofreciéndole a todo el mundo. Vi con mis propios ojos, como una fan chilena de Ari cogía una galleta y la guardaba como recuerdo “por más hambre que tenga no la voy a comer... me la dio Ari” y agradecía al cielo como si hubiese recibido una bendición.
Terminé en un hotel del centro de Santiago, en una habitación con toda la troupe de Zona Bruta que no dejaban de asombrarse del público chileno. “¿Cómo puede ser que habiendo tanta gente no hayan salido sellos de Hip Hop?” le oí decir a Nieves “¿Cómo puede ser que en Argentina, que tiene el triple de población, el Hip Hop aún no haya pegado?” Enigmas sin respuestas. Escuché las anécdotas del Kami que solito, apenas llegó a Santiago, incursionó en los barrios bajos dominados por las pandillas de rapperos más peligrosas y apenas lo reconocieron salieron a recibirlo como una verdadera estrella. Me contaron de cuando había venido Mucho Muchacho y la policía había tenido que hacer todo un cordón para que pudiese llegar al estadio, escapando del acoso de los fans. Me enteré también de que, en una especie de tour, habían llevado a Ari, Payo Malo y los CPV a conocer la Guamachuco, una de las poblaciones marginales de Chile de donde más grupos de rap habían surgido y que los recibieron con una fiesta en un centro cultural indígena donde los pusieron al tanto de la situación de los descendientes de aborígenes y el racismo. Pude apreciar con asombro a las groupies de escasos catorce abriles esperando en la puerta del hotel para pedirles autógrafos a los MC’s madrileños, regalarles muñecos y llevarse algún recuerdo de sus ídolos...
La Conclusión
Yo de mi mochila ya ni me acordaba. La daba por perdida. Recién a las 11:30 de la noche conseguí lugar donde quedarme: ocupé la cama que había dejado libre Kamikaze en el departamento de la gente que organizaba el festival, que me acogieron con singular hospitalidad. Me tranquilicé y me puse a ordenar en mi cabeza todas las ideas para escribir este artículo a mi regreso a Buenos Aires, ya que también había perdido mi grabadora y no había podido hacer ni una entrevista como tenía planeado. Todavía me faltaba resolver el problema de cómo regresar a mi país sin los tickets del avión ni dinero para comprar unos nuevos, pero eso era para mí ya un inconveniente menor. Estaba satisfecho. Había presenciado uno de los shows de Hip Hop más importantes de mi vida y tenía la certeza absoluta de que esto era sólo el comienzo. Que no tardarían en llegar al cono sur tantos otros artistas españoles del rap. Ya que claro... no van a querer perdérselo, ¿o acaso a ti no te han dado ganas de probar el fruto de la fama internacional, los hoteles, los fans y los estadios repletos de niñas que corean tus letras?
Makiza: Volando bien alto
Por Juan Data (publicado originalmente en Hip Hop Nation #08, España 2000)
Bienvenidos a bordo de este vuelo, Aerolíneas Makiza les agradece por haber escogido sus servicios. Nuestra tripulación, encabezada por Seo2 y su copiloto Anita, los saludan atentamente y les desean un feliz viaje. Estaremos arribando al aeropuerto internacional de Santiago de Chile, en aproximadamente 180 líneas, así que le pedimos que se relajen, reclinen su asiento y observen con atención las indicaciones de nuestras azafatas para casos de emergencia. En minutos más se proyectará la película “Vida Salvaje” que esperamos sea de su agrado... Gracias nuevamente y buen viaje.
Despegue
La historia de Makiza no comienza en Chile sino mucho más lejos. Eran las épocas trágicas de Pinochet y Cristián Bórquez (Seo2) debía abandonar su tierra natal, la isla de Chiloé, para radicarse por tiempo indeterminado en Suiza. No muy lejos de allí, en Francia, nacía Ana María Tijoux, quién hasta su pubertad sólo conoció Chile por las referencias de su madre, una profesora de sociología. En Canadá le tocó criarse a Gastón Gabarró (Cenzi, el productor) y bien lejos de ahí, en la Isla Mauricio –Océano Indico- llegó al mundo el cuarto miembro de la banda, Jean Paul Hourton (actualmente conocido como DJ Squat).
Así de remotos son sus orígenes. Así de heterogéneas sus influencias. “Los países donde he vivido han unido sus matices” dice Seo2 en “La rosa de los vientos”, su primer gran éxito. Pero por más melange cultural que confluya en Makiza, todos tienen en común el ser hijos del exilio y el ser parte de una generación de chilenos marcada a fuego por la dictadura, el desarraigo... y sí, el Hip Hop. Porque el Hip Hop entró a Chile, con más fuerza que nunca tras la caída de Pinochet y se instaló en su juventud, con raíces tan fuertes como para, en pocos años, hacer de Santiago el epicentro del Hip Hop de habla hispana más importante del continente, ¿del mundo?.
Para 1997 el Hip Hop ya era en Chile moneda corriente en la juventud y se expandía por los suburbios a velocidades increíbles. Panteras Negras, Los Tetas, La Pozze Latina... todos habían tenido su momento de gloria, pero ninguno había alcanzado aún el éxito comercial masivo.
Seo2 - Yo en esa época tenía un grupo, a diferencia de los otros. Con Gastón y Squat ya hacíamos cosas juntos. La idea nació de Squat, que estaba en África, me mandó un fax donde decía “podríamos hacer un grupo con Gastón”. Paralelamente la Anita estaba trabajando en ese tiempo con Zaturno y hacía bases con Gastón. Y como eso no funcionó mucho, Zaturno se fue para Tiro de Gracia y nosotros la conocimos en esa época a ella, que estaba organizando fiestas Hip Hop. Había hecho una fiesta donde había contratado a Squat y ahí me la presentaron. Un día fui a la casa de Gastón y estaba Anita y dije “¡hagamos un tema!”. Rappeó la Anita y me dejó asombrado. Yo quedé con ganas de hacer temas con ella. Después de eso, que ya habíamos hecho una canción con Anita...
Anita - Yo hacía relaciones públicas y me conseguía muchísimos recitales mostrando a todos ese tema.
Seo 2 - ...llegó un día en que nos tuvimos que reunir los tres que ya estábamos en el grupo para discutir si la admitíamos a Anita o no y todos estuvimos de acuerdo, así que ahí empezamos a buscar un nombre y a Squat se le ocurrió Makiza.
Los comienzos de Makiza fueron dentro de la crew Demo Sapiens, de la que también formaban parte los, en ese entonces incipientes, Tiro de Gracia. Al poco tiempo Tiro de Gracia firmaría contrato con la multinacional EMI y desde ese entonces la historia del rap chileno nunca volvería a ser la misma. Tiro de Gracia logró lo que nunca nadie antes había logrado, llevó el rap a los sitios más recónditos de Chile, atrajo al movimiento a toda una generación de adolescentes y niñas, y puso la palabra Hip Hop en boca del público más plural y diverso.
Altitud: 10.000 m
Esa era la situación del campo de batalla cuando Makiza salió a la cancha y comenzó a hacer carrera en las tarimas.
Instantáneamente captaron la atención del público con su rap tranquilo, refinado, de bases melódicas con arreglos sutiles y la voz cálida, suave y bien femenina de Anita. Las letras concienzudas, de rimas inteligentes, terminaron por atraer un público cada vez mayor: “siempre hemos tenido el interés de que nos escuche todo tipo de gente, nunca tuvimos prejuicios contra gente que no es Hip Hop. El público de Makiza es súper mezclado, tiene niños, pero también hay papás de niños y estudiantes y mucha gente que no escucha Hip Hop pero les gusta Makiza”.
Luego, para 1998, les llegó la hora de grabar y con sus propios ahorros sustentaron toda la producción y edición de su cinta “Vida Salvaje” de la que sólo hicieron quinientas copias. “Algunos no tenían mucha fe... –bromea Seo2- algunas, no vamos a decir quién. Pero yo tenía mucha fe, porque siempre que tocábamos, llenábamos”.
El éxito de aquella maketa fue instantáneo. No sólo Makiza se convirtió en el fenómeno underground del momento (si bien Anita aclara: “no sé si existe el underground”), mucha gente de la industria de la música se les empezó a acercar. Las compañías discográficas vieron, tal vez, en Makiza la posibilidad de multiplicar el éxito abrumador que Tiro de Gracia estaba teniendo en ese entonces (con 70 mil copias vendidas de su primer disco y giras internacionales), “ahí conocimos a nuestro manager actual, que nos ayudó mucho, hasta que llegamos a firmar contrato con la Sony y sacar nuestro disco”.
Anita – Siempre se nos cuestionó el haber firmado con una multinacional, pero no te lo dicen en la cara. Mucha gente se quejó, como que nos habíamos vendido. Hay músicos que para mí son buenísimos y están en multinacionales, están en un negocio, no sé... pienso en Manu Chao, en muchos grupos que están en multinacionales pero igual siguen diciendo lo que quieren.
DJ Squat - Es que hemos hecho siempre lo que hemos querido, entonces no nos importa lo que digan o piensen. Siempre hemos estado bien libres.
“Aerolíneas Makiza” fue el título de su segundo trabajo discográfico editado, y era, a su vez, un refrito de muchos de los tracks de “Vida Salvaje” más otros nuevos. Mejoró notablemente la calidad de sonido y presentación, como era de esperarse, y desaparecieron las letras rappeadas en francés, que tan bien quedaban en boca de Anita. Otro punto a destacar fue la agudización de la crítica política y social, que desembocó en la censura en las radios de su segundo corte de difusión “El paro”.
Anita - Yo creo que el Hip Hop en cada lugar tiene que tener una identidad cultural relacionada con el país donde se encuentre. Acá en Chile, como en Argentina, hay una historia política bastante fuerte y por eso creo que hay una gran influencia política en nuestras evocaciones... lo que no significa que tengamos una corriente dogmática, o de un partido, porque tampoco creo en los partidos. Pero sí creo en la justicia. Obviamente tenemos diferencias, porque si fuéramos todos iguales sería patético, Gastón, por ejemplo está inscripto para votar. Tenemos algunas diferencias, pero igual, dentro de los valores somos lo mismo. Y las letras son un reflejo de todo eso.
Seo2 - Nuestro mensaje en general, es aprender a focalizar la energía de una forma positiva, para mejorar lo que está alrededor tuyo. Nosotros criticamos pero siempre con fundamentos. La juventud tiene mucha energía y no sabe a donde tirarla, pelean entre ellos, van a fútbol... Hemos dicho muchas cosas y seguiremos diciendo muchas cosas, pero en resumen yo creo que esa es como la esencia.
Con 20 mil copias vendidas y un disco de oro, Makiza quedó tranquilo a la cabeza del movimiento Hip Hop chileno, tras la pérdida de prestigio y consiguiente separación de Tiro de Gracia. Así y todo, el éxito económico aún no ha golpeado a sus puertas. Anita dejó sus estudios universitarios y trabaja de lunes a viernes como camarera en un restaurante del centro. Seo2 trabaja en una oficina haciendo diseño gráfico y mantenimiento de redes. Sqaut asiste a la universidad, donde cursa la carrera de Publicidad y Cenzi abandonó Diseño Gráfico por la mitad.
Cenzi - Siempre hemos pensado que sería bacán poder vivir de esto. Pero mira... tenemos disco de oro pero igual tengo que andar en bici, tenemos que trabajar. Puedes vivir de la música... pero mal. Tenés que conformarte con poco.
Aterrizaje
¿Cuál será el nuevo escenario a conquistar? ¿A dónde se dirige desde ahora en más el avión de Aerolíneas Makiza? Todo parece indicar que la compañía apunta a trascender los límites locales y convertir a Makiza en un fenómeno a nivel latinoamericano.
Sin embargo, el aterrizaje se presenta con inconvenientes inesperados, los rumores de una posible separación son cada vez más insistentes entorno a Makiza, el alejamiento de Anita sería de una probabilidad bastante elevada, mientras tanto, todos mantienen sus carreras en paralelo con otros grupos y justo cuando el avión está ya dispuesto para dejar de hacer sólo vuelos de cabotaje, las posibilidades de un cambio de rumbo son cada vez más factibles. ¿Será este su último vuelo?
Bienvenidos a bordo de este vuelo, Aerolíneas Makiza les agradece por haber escogido sus servicios. Nuestra tripulación, encabezada por Seo2 y su copiloto Anita, los saludan atentamente y les desean un feliz viaje. Estaremos arribando al aeropuerto internacional de Santiago de Chile, en aproximadamente 180 líneas, así que le pedimos que se relajen, reclinen su asiento y observen con atención las indicaciones de nuestras azafatas para casos de emergencia. En minutos más se proyectará la película “Vida Salvaje” que esperamos sea de su agrado... Gracias nuevamente y buen viaje.
Despegue
La historia de Makiza no comienza en Chile sino mucho más lejos. Eran las épocas trágicas de Pinochet y Cristián Bórquez (Seo2) debía abandonar su tierra natal, la isla de Chiloé, para radicarse por tiempo indeterminado en Suiza. No muy lejos de allí, en Francia, nacía Ana María Tijoux, quién hasta su pubertad sólo conoció Chile por las referencias de su madre, una profesora de sociología. En Canadá le tocó criarse a Gastón Gabarró (Cenzi, el productor) y bien lejos de ahí, en la Isla Mauricio –Océano Indico- llegó al mundo el cuarto miembro de la banda, Jean Paul Hourton (actualmente conocido como DJ Squat).
Así de remotos son sus orígenes. Así de heterogéneas sus influencias. “Los países donde he vivido han unido sus matices” dice Seo2 en “La rosa de los vientos”, su primer gran éxito. Pero por más melange cultural que confluya en Makiza, todos tienen en común el ser hijos del exilio y el ser parte de una generación de chilenos marcada a fuego por la dictadura, el desarraigo... y sí, el Hip Hop. Porque el Hip Hop entró a Chile, con más fuerza que nunca tras la caída de Pinochet y se instaló en su juventud, con raíces tan fuertes como para, en pocos años, hacer de Santiago el epicentro del Hip Hop de habla hispana más importante del continente, ¿del mundo?.
Para 1997 el Hip Hop ya era en Chile moneda corriente en la juventud y se expandía por los suburbios a velocidades increíbles. Panteras Negras, Los Tetas, La Pozze Latina... todos habían tenido su momento de gloria, pero ninguno había alcanzado aún el éxito comercial masivo.
Seo2 - Yo en esa época tenía un grupo, a diferencia de los otros. Con Gastón y Squat ya hacíamos cosas juntos. La idea nació de Squat, que estaba en África, me mandó un fax donde decía “podríamos hacer un grupo con Gastón”. Paralelamente la Anita estaba trabajando en ese tiempo con Zaturno y hacía bases con Gastón. Y como eso no funcionó mucho, Zaturno se fue para Tiro de Gracia y nosotros la conocimos en esa época a ella, que estaba organizando fiestas Hip Hop. Había hecho una fiesta donde había contratado a Squat y ahí me la presentaron. Un día fui a la casa de Gastón y estaba Anita y dije “¡hagamos un tema!”. Rappeó la Anita y me dejó asombrado. Yo quedé con ganas de hacer temas con ella. Después de eso, que ya habíamos hecho una canción con Anita...
Anita - Yo hacía relaciones públicas y me conseguía muchísimos recitales mostrando a todos ese tema.
Seo 2 - ...llegó un día en que nos tuvimos que reunir los tres que ya estábamos en el grupo para discutir si la admitíamos a Anita o no y todos estuvimos de acuerdo, así que ahí empezamos a buscar un nombre y a Squat se le ocurrió Makiza.
Los comienzos de Makiza fueron dentro de la crew Demo Sapiens, de la que también formaban parte los, en ese entonces incipientes, Tiro de Gracia. Al poco tiempo Tiro de Gracia firmaría contrato con la multinacional EMI y desde ese entonces la historia del rap chileno nunca volvería a ser la misma. Tiro de Gracia logró lo que nunca nadie antes había logrado, llevó el rap a los sitios más recónditos de Chile, atrajo al movimiento a toda una generación de adolescentes y niñas, y puso la palabra Hip Hop en boca del público más plural y diverso.
Altitud: 10.000 m
Esa era la situación del campo de batalla cuando Makiza salió a la cancha y comenzó a hacer carrera en las tarimas.
Instantáneamente captaron la atención del público con su rap tranquilo, refinado, de bases melódicas con arreglos sutiles y la voz cálida, suave y bien femenina de Anita. Las letras concienzudas, de rimas inteligentes, terminaron por atraer un público cada vez mayor: “siempre hemos tenido el interés de que nos escuche todo tipo de gente, nunca tuvimos prejuicios contra gente que no es Hip Hop. El público de Makiza es súper mezclado, tiene niños, pero también hay papás de niños y estudiantes y mucha gente que no escucha Hip Hop pero les gusta Makiza”.
Luego, para 1998, les llegó la hora de grabar y con sus propios ahorros sustentaron toda la producción y edición de su cinta “Vida Salvaje” de la que sólo hicieron quinientas copias. “Algunos no tenían mucha fe... –bromea Seo2- algunas, no vamos a decir quién. Pero yo tenía mucha fe, porque siempre que tocábamos, llenábamos”.
El éxito de aquella maketa fue instantáneo. No sólo Makiza se convirtió en el fenómeno underground del momento (si bien Anita aclara: “no sé si existe el underground”), mucha gente de la industria de la música se les empezó a acercar. Las compañías discográficas vieron, tal vez, en Makiza la posibilidad de multiplicar el éxito abrumador que Tiro de Gracia estaba teniendo en ese entonces (con 70 mil copias vendidas de su primer disco y giras internacionales), “ahí conocimos a nuestro manager actual, que nos ayudó mucho, hasta que llegamos a firmar contrato con la Sony y sacar nuestro disco”.
Anita – Siempre se nos cuestionó el haber firmado con una multinacional, pero no te lo dicen en la cara. Mucha gente se quejó, como que nos habíamos vendido. Hay músicos que para mí son buenísimos y están en multinacionales, están en un negocio, no sé... pienso en Manu Chao, en muchos grupos que están en multinacionales pero igual siguen diciendo lo que quieren.
DJ Squat - Es que hemos hecho siempre lo que hemos querido, entonces no nos importa lo que digan o piensen. Siempre hemos estado bien libres.
“Aerolíneas Makiza” fue el título de su segundo trabajo discográfico editado, y era, a su vez, un refrito de muchos de los tracks de “Vida Salvaje” más otros nuevos. Mejoró notablemente la calidad de sonido y presentación, como era de esperarse, y desaparecieron las letras rappeadas en francés, que tan bien quedaban en boca de Anita. Otro punto a destacar fue la agudización de la crítica política y social, que desembocó en la censura en las radios de su segundo corte de difusión “El paro”.
Anita - Yo creo que el Hip Hop en cada lugar tiene que tener una identidad cultural relacionada con el país donde se encuentre. Acá en Chile, como en Argentina, hay una historia política bastante fuerte y por eso creo que hay una gran influencia política en nuestras evocaciones... lo que no significa que tengamos una corriente dogmática, o de un partido, porque tampoco creo en los partidos. Pero sí creo en la justicia. Obviamente tenemos diferencias, porque si fuéramos todos iguales sería patético, Gastón, por ejemplo está inscripto para votar. Tenemos algunas diferencias, pero igual, dentro de los valores somos lo mismo. Y las letras son un reflejo de todo eso.
Seo2 - Nuestro mensaje en general, es aprender a focalizar la energía de una forma positiva, para mejorar lo que está alrededor tuyo. Nosotros criticamos pero siempre con fundamentos. La juventud tiene mucha energía y no sabe a donde tirarla, pelean entre ellos, van a fútbol... Hemos dicho muchas cosas y seguiremos diciendo muchas cosas, pero en resumen yo creo que esa es como la esencia.
Con 20 mil copias vendidas y un disco de oro, Makiza quedó tranquilo a la cabeza del movimiento Hip Hop chileno, tras la pérdida de prestigio y consiguiente separación de Tiro de Gracia. Así y todo, el éxito económico aún no ha golpeado a sus puertas. Anita dejó sus estudios universitarios y trabaja de lunes a viernes como camarera en un restaurante del centro. Seo2 trabaja en una oficina haciendo diseño gráfico y mantenimiento de redes. Sqaut asiste a la universidad, donde cursa la carrera de Publicidad y Cenzi abandonó Diseño Gráfico por la mitad.
Cenzi - Siempre hemos pensado que sería bacán poder vivir de esto. Pero mira... tenemos disco de oro pero igual tengo que andar en bici, tenemos que trabajar. Puedes vivir de la música... pero mal. Tenés que conformarte con poco.
Aterrizaje
¿Cuál será el nuevo escenario a conquistar? ¿A dónde se dirige desde ahora en más el avión de Aerolíneas Makiza? Todo parece indicar que la compañía apunta a trascender los límites locales y convertir a Makiza en un fenómeno a nivel latinoamericano.
Sin embargo, el aterrizaje se presenta con inconvenientes inesperados, los rumores de una posible separación son cada vez más insistentes entorno a Makiza, el alejamiento de Anita sería de una probabilidad bastante elevada, mientras tanto, todos mantienen sus carreras en paralelo con otros grupos y justo cuando el avión está ya dispuesto para dejar de hacer sólo vuelos de cabotaje, las posibilidades de un cambio de rumbo son cada vez más factibles. ¿Será este su último vuelo?
PRIMER JAM ARGENTINO
Por Juan Data (publicado originalmente en laturma.com circa 1999)
Sólo seis días antes del evento me enteré de su existencia y mi primera impresión sincera fue que estaba destinado al irremediable fracaso. ¿Como van a organizar una joda de esas magnitudes y avisarle al público con sólo una semana de anticipación, sin prensa, sin publicidad, sin afiches, sin flyers...? Pensé. Pero claro, quienes lo organizaban, no eran otros que La Organización, (vaya paradoja!), y todos conocemos el poder de convocatoria incomparable que tiene esta gente.
Yo había visto eventos similares colapsar después de meses de promoción, miles de flyers a color en papel ilustración y avisos pagos en el Sí de Clarín. Los había visto, vivido y sufrido. Tal vez por eso, no tuve demasiadas expectativas cuando salí aquel mediodía rumbo al microcentro porteño, con la mochila cargada de revista y una cámara de fotos. Al llegar, vi la gente esperando en la puerta y me di cuenta de que estaba equivocado.
Camino a “La Reina” tuve que desviar mi rumbo para hacer una posta en el Hotel Plaza donde se alojaban mis entrañables amigos chilenos, con quienes había acordado encontrarme a las tres de la tarde para llevarlos hasta el lugar. Se me complicó un poco porque los muchachos había salido en otro de sus tours promocionales, esta vez con destino a la radio Energy, así que no pude más que dejarles una notita en la conserjería con la dirección y el horario del “1° Jam Argentino, 101% Hip Hop”.
En la puerta de la Reina me encontré con Mr Sur a quién le encomendé el sacar las fotos; poco a poco, vi caer a los chicos de La Plata, Taiz & Cray, Pato & Roy, Tortuga, Is Real vestida como una señorita (“can´t I dress like a girl sometimes?”) y demás galería de personajes (y super MC´s...). Una hora más tarde llegó la Traffic y en su interior estaban Juan Sativo, Lengua Dura y Zaturno, abrieron la puerta, pero quedaron adentro, y desde el interior de la camioneta fluían con notable sincronía el sonido del grabador de Zaturno y el olor dulzón y penetrante de la “melaza”.
Llegó la hora de entrar y ya casi todo el mundo estaba en su asunto, o sea, los graffiteros pintaban y los b-boys bailaban mientras desde la cabina Tortuga deleitaba a la feligresía con rimas ibéricas. El aire era denso como un caldo, producto obvio de la pintura en spray condensada, multiplicada por la deficiente ventilación del local. Taiz & Cray se quedaron con el paredón más grande, el más iluminado y el mejor ubicado, los demás se repartieron salomónicamente por los costados de la pista.
Mientras me divertía viendo cómo los Tiro de Gracia querían encarar (y transarse) a cuanto ser con más de un agujero entre las piernas caminase por ahí, Apolo me llamó a la cabina donde mi informó de mi trágico destino: tenía que ser jurado (ouch!).
Los b-boys seguían practicando sus piruetas cuando vi asomarse a muchos personajes de la escena, cuya presencia no me imaginaba en ese lugar, como los chicos de 9 Milímetros (hace tanto que no se los veía en la escena) o los de Comunidad que venían acompañados de adivinen quién?... Mr. Almada! Qué hacía ahí?, no me lo pregunten a mi.
Empezó el campeonato de baile y se presentaron cuatro grupos de 7 integrantes cada uno, cual rezaba el improvisado reglamento que habían escrito en una pizarra blanca. Los New Breakers abrieron juego, una cofradía de ignotos danzarines novatos, con buen estilo y destreza pero escasa experiencia en las pistas. Pelotón de Vuelo le siguió, allí confluían B-boys de distintas edades y estilos entre los que se destacaba el inquieto Willow, con su estilo extra expresivo que se ganó al jurado.
El turno le tocó a los Air Monsters y de entrada supe que estaban destinados a combatir por el podio. Abrieron con coreografías teatrales de la mano del inigualable Black Freak, un b-boy que, como pocos, sabe ganarse la simpatía de los concurrentes con un par de sus eclécticos movimientos de electro boogie. Robertón y el Colo también formaban parte de esta coalición y demostraron un tremendo avance en ambos casos, pero se guardaron lo mejor para el final. A su turno Robertón asombró a los desprevenidos leyendo el diario mientras hacía su giro de cabeza.
El postre del banquete era Aniquilación, algo así como las ligas mayores del b-boying argentino; si yo fuera director técnico y tuviese que armar un equipo para que represente al país bailado en el campeonato mundial de Alemania, sería algo muy parecido a Aniquilación. De entrada me incomodó un poco la situación, porque se sabía que podían (o debían) ganar por afano y me pareció casi una injusticia que se tuviesen que enfrentar con los grupos chicos. Aniquilación, además jugaba de local y tenía a todo el público de su lado. En sus filas contaban con el superoriginal Fresh con su estilo cada vez más complejo y exhibicionista (se sacó los lienzos mientras bailaba!); Mugre, el artífice máximo de los giros de cabeza; Jaime, la sorpresa del equipo; Davo y el Mendo, los marplatences, las armas secretas para tener la victoria asegurada; y Apolo, el personaje más carismático de la escena, líder de La Organización, tremendo MC y uno de los b-boys con más destreza que pude ver en mi vida (aunque hay que aceptar que le faltaba entrenamiento y en otras oportunidades se lo había visto lucirse con más maestría).
Por un momento deseé que Aniquilación cometiesen algún error imperdonable, o que los Air Monsters saltasen con alguna acrobacia asombrosa, y es que está en mi sangre el ponerme del lado de los más débiles, y como dije, la situación de “afano” me ponía muy incómoda, más sabiendo que yo iba a tener que tomar el micrófono y coronar a la troupe ganadora.
Fue en vano todo intento de inclinar la balanza para el otro lado, la precisión absoluta del Mendo en sus movimientos certeros, no dejó dudas de que el premio iba para él y su equipo. Pero lo que rescaté de la noche no fue el campeonato en sí ni sus ganadores, sino el espíritu de Hip Hop que se respiraba en el ambiente, la buena onda de los b-boys, que dieron todo de sí y se esforzaron por llegar a la cima (además no arrugaron aunque sabían contra quienes se iban a enfrentar), el público atento que aplaudió a todos como correspondía y la buena organización de La Organización (valga, de nuevo, la redundancia).
La noche terminó con una serie de rappeadas de micrófono libre donde tomaron la palabra Apolo y Mugre, Los Delincuentes del Sur, Comunidad, El Ejército Milenario (gran sorpresa gran), Tortuga, Is Real y la delegación de Senegal. Los de Tiro de Gracia que habían venido con la idea de tirarse una rimas en el micro, abandonaron el recinto minutos antes de la final.
Me volví a mi casa a las 11 de la noche con el estómago vacío y los bolsillos llenos (por las ventas de la revista), aunque claro, no podía usar esa guita para comer porque tenía deudas pendientes con la imprenta así que me tuve que aguantar hasta llegar a casa. Esa noche se hacía en la Tribu la fiesta regreso de las gloriosas “Hip Hop Reggae Party” del 98 y tenía la intención de ir pero el sueño me lo impidió.
Sólo seis días antes del evento me enteré de su existencia y mi primera impresión sincera fue que estaba destinado al irremediable fracaso. ¿Como van a organizar una joda de esas magnitudes y avisarle al público con sólo una semana de anticipación, sin prensa, sin publicidad, sin afiches, sin flyers...? Pensé. Pero claro, quienes lo organizaban, no eran otros que La Organización, (vaya paradoja!), y todos conocemos el poder de convocatoria incomparable que tiene esta gente.
Yo había visto eventos similares colapsar después de meses de promoción, miles de flyers a color en papel ilustración y avisos pagos en el Sí de Clarín. Los había visto, vivido y sufrido. Tal vez por eso, no tuve demasiadas expectativas cuando salí aquel mediodía rumbo al microcentro porteño, con la mochila cargada de revista y una cámara de fotos. Al llegar, vi la gente esperando en la puerta y me di cuenta de que estaba equivocado.
Camino a “La Reina” tuve que desviar mi rumbo para hacer una posta en el Hotel Plaza donde se alojaban mis entrañables amigos chilenos, con quienes había acordado encontrarme a las tres de la tarde para llevarlos hasta el lugar. Se me complicó un poco porque los muchachos había salido en otro de sus tours promocionales, esta vez con destino a la radio Energy, así que no pude más que dejarles una notita en la conserjería con la dirección y el horario del “1° Jam Argentino, 101% Hip Hop”.
En la puerta de la Reina me encontré con Mr Sur a quién le encomendé el sacar las fotos; poco a poco, vi caer a los chicos de La Plata, Taiz & Cray, Pato & Roy, Tortuga, Is Real vestida como una señorita (“can´t I dress like a girl sometimes?”) y demás galería de personajes (y super MC´s...). Una hora más tarde llegó la Traffic y en su interior estaban Juan Sativo, Lengua Dura y Zaturno, abrieron la puerta, pero quedaron adentro, y desde el interior de la camioneta fluían con notable sincronía el sonido del grabador de Zaturno y el olor dulzón y penetrante de la “melaza”.
Llegó la hora de entrar y ya casi todo el mundo estaba en su asunto, o sea, los graffiteros pintaban y los b-boys bailaban mientras desde la cabina Tortuga deleitaba a la feligresía con rimas ibéricas. El aire era denso como un caldo, producto obvio de la pintura en spray condensada, multiplicada por la deficiente ventilación del local. Taiz & Cray se quedaron con el paredón más grande, el más iluminado y el mejor ubicado, los demás se repartieron salomónicamente por los costados de la pista.
Mientras me divertía viendo cómo los Tiro de Gracia querían encarar (y transarse) a cuanto ser con más de un agujero entre las piernas caminase por ahí, Apolo me llamó a la cabina donde mi informó de mi trágico destino: tenía que ser jurado (ouch!).
Los b-boys seguían practicando sus piruetas cuando vi asomarse a muchos personajes de la escena, cuya presencia no me imaginaba en ese lugar, como los chicos de 9 Milímetros (hace tanto que no se los veía en la escena) o los de Comunidad que venían acompañados de adivinen quién?... Mr. Almada! Qué hacía ahí?, no me lo pregunten a mi.
Empezó el campeonato de baile y se presentaron cuatro grupos de 7 integrantes cada uno, cual rezaba el improvisado reglamento que habían escrito en una pizarra blanca. Los New Breakers abrieron juego, una cofradía de ignotos danzarines novatos, con buen estilo y destreza pero escasa experiencia en las pistas. Pelotón de Vuelo le siguió, allí confluían B-boys de distintas edades y estilos entre los que se destacaba el inquieto Willow, con su estilo extra expresivo que se ganó al jurado.
El turno le tocó a los Air Monsters y de entrada supe que estaban destinados a combatir por el podio. Abrieron con coreografías teatrales de la mano del inigualable Black Freak, un b-boy que, como pocos, sabe ganarse la simpatía de los concurrentes con un par de sus eclécticos movimientos de electro boogie. Robertón y el Colo también formaban parte de esta coalición y demostraron un tremendo avance en ambos casos, pero se guardaron lo mejor para el final. A su turno Robertón asombró a los desprevenidos leyendo el diario mientras hacía su giro de cabeza.
El postre del banquete era Aniquilación, algo así como las ligas mayores del b-boying argentino; si yo fuera director técnico y tuviese que armar un equipo para que represente al país bailado en el campeonato mundial de Alemania, sería algo muy parecido a Aniquilación. De entrada me incomodó un poco la situación, porque se sabía que podían (o debían) ganar por afano y me pareció casi una injusticia que se tuviesen que enfrentar con los grupos chicos. Aniquilación, además jugaba de local y tenía a todo el público de su lado. En sus filas contaban con el superoriginal Fresh con su estilo cada vez más complejo y exhibicionista (se sacó los lienzos mientras bailaba!); Mugre, el artífice máximo de los giros de cabeza; Jaime, la sorpresa del equipo; Davo y el Mendo, los marplatences, las armas secretas para tener la victoria asegurada; y Apolo, el personaje más carismático de la escena, líder de La Organización, tremendo MC y uno de los b-boys con más destreza que pude ver en mi vida (aunque hay que aceptar que le faltaba entrenamiento y en otras oportunidades se lo había visto lucirse con más maestría).
Por un momento deseé que Aniquilación cometiesen algún error imperdonable, o que los Air Monsters saltasen con alguna acrobacia asombrosa, y es que está en mi sangre el ponerme del lado de los más débiles, y como dije, la situación de “afano” me ponía muy incómoda, más sabiendo que yo iba a tener que tomar el micrófono y coronar a la troupe ganadora.
Fue en vano todo intento de inclinar la balanza para el otro lado, la precisión absoluta del Mendo en sus movimientos certeros, no dejó dudas de que el premio iba para él y su equipo. Pero lo que rescaté de la noche no fue el campeonato en sí ni sus ganadores, sino el espíritu de Hip Hop que se respiraba en el ambiente, la buena onda de los b-boys, que dieron todo de sí y se esforzaron por llegar a la cima (además no arrugaron aunque sabían contra quienes se iban a enfrentar), el público atento que aplaudió a todos como correspondía y la buena organización de La Organización (valga, de nuevo, la redundancia).
La noche terminó con una serie de rappeadas de micrófono libre donde tomaron la palabra Apolo y Mugre, Los Delincuentes del Sur, Comunidad, El Ejército Milenario (gran sorpresa gran), Tortuga, Is Real y la delegación de Senegal. Los de Tiro de Gracia que habían venido con la idea de tirarse una rimas en el micro, abandonaron el recinto minutos antes de la final.
Me volví a mi casa a las 11 de la noche con el estómago vacío y los bolsillos llenos (por las ventas de la revista), aunque claro, no podía usar esa guita para comer porque tenía deudas pendientes con la imprenta así que me tuve que aguantar hasta llegar a casa. Esa noche se hacía en la Tribu la fiesta regreso de las gloriosas “Hip Hop Reggae Party” del 98 y tenía la intención de ir pero el sueño me lo impidió.
TIRO DE GRACIA: Crónica de su visita a Argentina
Por Juan Data (originalmente publicado en laturma.com en julio de 1999)
Me levanté esa mañana preocupado porque no me acordaba exactamente dónde era la cita. Dos semanas atrás me había enterado de la sorpresiva visita de Tiro de Gracia gracias a su mánager con quién había arreglado telefónicamente una entrevista para algún momento de ese 9 de junio.
Siendo que me acuesto normalmente a las 2 o 3 de la mañana, estar levantado, cambiado, bañado y listo para salir a las 10 era todo una demostración de mi habilidad de madrugador. Desde el lunes que llamaba por teléfono a la compañía para verificar la dirección del hotel donde iban a estar, pero allí nadie me atendía. Desesperado y sobre la hora ese miércoles llamé a EMI y haciendo uso de subterfugios y estratagemas conseguí que me diesen el número de teléfono del hotel, con eso en mano, conseguir la dirección era pan comido.
Me aventuré al céntrico hospedaje suponiendo que la cita era allí, o con el deseo, al menos, de encontrarlos antes de que saliesen en su gira diaria por radios, canales y revistas.... promoción. Así llegué vestido de homie con capucha y pantalones baggy hasta el lujoso edificio de fachada blanca e interior dorado, donde me sentí un extraterrestre. Ingresé al salón principal de el hotel, con una idea clara, no iba a tener que acercarme a la recepción para hacer las preguntas, apenas me viesen vestido así me iban a mandar un mono que gentilmente me hiciese saber que estaba en el lugar equivocado, con un frío e irónico “buscaba a alguien, caballero?” (irónico por lo de caballero).
Tuve la suerte de que mientras pronunciaba el “llero” de caballero apareció tras las espaldas del mencionado simio un tipo con más pinta de chileno que de b-boy y supe que era mi salvación: “tu eres de la Moshpit?” me dijo y me sentí plenamente aliviado.
Me condujo hasta el restaurante del hotel donde “pronto los chicos bajarán a desayunar, se están levantando” y me senté a esperar con un pedido de café mediante a la bella camarera (la casa invitaba).
Apenas me puse a relojear mi entorno, lleno de enormes espejos, cuadros de marcos dorados, alfombras azules y obviamente los clásicos “yuppies” haciendo “lobby”, vi descender del ascensor a Lengua Dura y Juan Sativo que con una efusivo abrazo me recibieron “Cómo estás, tanto tiempo, bla, bla, bla...”.
La mesa se tuvo que fusionar con dos mesas más cuando siguieron cayendo el resto de la banda, mánagers incluidos. El desayuno, generoso en proteínas, constaba de huevos revueltos, jugos y ensaladas de fruta, café y tostadas. “Este lugar es una mierda” diría más tarde Zaturno, el último en despegarse de la almohada y el más escandaloso de los tres: bajó al restaurante con un grabador colgando de su brazo con la música sonando al tope.
Entre recuerdos, y preguntas del tipo “cómo anda todo por acá ?”, la conversación derivó, como era de esperarse en el nuevo disco que justamente tenían allí y “en exclusiva” me lo hicieron escuchar de punta a punta entes de editarse. El resultado no fue menos esperado, entre el volumen de la conversación que cada vez subía más y la música que salía del grabador intentando superar a las voces, el ruido de la mesa se tornó insoportable para el resto del hotel y no dudaron en mandarnos en dos oportunidades consecutivas a un mozo para que, con buenos modales, nos rogase nuestra ausencia.
Una vez ya en la calle la música volvió a subir de volumen, y sacamos unas fotos mientras esperamos que llegase la camioneta Traffic que los acompañaría durante su gira promocional diaria. Le comenté a Lengua sobre los embates graffiteros de las crews porteñas que cada vez abarcaban más terreno y el me dijo “allá en chile a los graffiteros ya los reconocen los pacos (carabineros) por su forma de vestir, con solo ir con pantalones anchos ya sos sospechoso y te pueden revisar, si te encuentran un tubo te tiran pintura en la cabeza”. Acá todavía se puede pintar tranquilo, todavía la policía no relaciona pantalones anchos con aerosol y eso es un alivio, no solo para nosotros, sino para los graffiteros extranjeros, que sabiendo de esto, visitan las costas argentinas como el caso de Zekis y su crew, los DVE, de Santiago.
Ellos estaban enterados de la visita de los DVE a Buenos Aires, los rumores se corren pronto en las escenas hip hopperas de todo el mundo. Cambiamos de tema, porque parece que con Zekis y su gente no estaban las cosas del todo bien, y es que, bueno, la popularidad y la sobreexposición mediática había colocado a los Tiro de Gracia en una posición, al menos incómoda, producto del recelo del mucha otra gente. Como pasa siempre. Sin embargo, esto parecía no molestarles mucho, “nosotros tocamos en todo el país, tenemos nuestro público” y claro, el éxito a demás de envidias les había traído viajes por el mundo entre los que cuentan a España.
España! Obviamente la conversación derivó en hablar del rap español que tanto estaba pegando en Chile y por estos lados empezaba a hacer estragos. Se enumeraron nombres como Frank T, La Gota Que Colma, Los Verdaderos Kreyentes De La Religión Del Hip Hop, Ari y CPV. Ya estábamos en la camioneta y segíamos hablando de las comparaciones de la lírica de Geronación cuando la mánager me miró y dijo “¿a dónde vamos?”
“Caballito!” fue mi respuesta instantánea. Camino al barrio de los graffitis, Lengua Dura y yo hablábamos de Rawkus y comentábamos los últimos lanzamientos, ellos habían escuchado ya el Soundbombing 2 antes de que saliese gracias a una amigo norteamericano, el editor de Stress. Yo me moría de ganas de escucharlo así que se me hacía agua la boca. Juan Sativo, mientras, asomaba la cabeza por la ventanilla de atrás e intercalaba entre sus aullidos y onomatopeyas, casi constantes, algún que otro “erótica!” dirigido a casi cualquier cosa con forma de mujer que caminase cerca de la camioneta.
Parada a mitad de camino. Compraron pilas para el grabador de Zaturno, que no dudó en pelar la clásica bolsita a penas tuvo oportunidad. Una vez en Caballito, nos dirigimos hacia los paredones de la convención de graffiti donde observaron el arte con atención y admiración. No les explico lo orgulloso que sentí cuando en plena recorrida por el lugar, pasó a pocos metros nuestros el vagón del tren Sarmiento que fue bendecido por los sprays de Lyte & Escher poco tiempo atrás, con un formidable “top to bottom” en plateado y negro.
De ahí nos fuimos a La Tribu, estación de FM porteña símbolo del underground y de fiestas Hip Hop Reggae. Allí respondieron, con admirable paciencia las preguntas poco originales de un periodista poco avezado en la materia. Son profesionales ya en el arte de responder...
Antes de la nota nos comimos unas empanadas de carne, que no venían mal, cuando el estómago empezaba a protestar alrededor de las 2 de la tarde. Mientras tanto, contemplábamos atónitos las tremendas redondeces pectorales de una señorita fotografiada por váyase a saber qué dichoso ser y en exposición en las paredes del recinto y recitábamos en castellano estrofas enteras del maestro KRS-1.
De regreso al hotel, pasamos por la puerta de uno de esos tenedores libres coreanos de la calle Corrientes a los que nadie en su sano juicio se entregaría por más hambre que tuviese. Nadie menos ellos, que obnubilados por la palabra “libre” hincharon como nenes caprichosos para que los llevasen a comer ahí (después me explicaron que en Chile no son comunes es tipo de restaurantes y entendí).
Antes tenían que ir al hotel. Les faltaba otra entrevista, esta era con un canal de televisión por cable que yo desconocía totalmente. Mientras esperaban que los representantes de dicho canal se hiciesen presentes en el lugar, cada uno se fue para su habitación y yo por una cuestión meramente azarosa terminé en la habitación de Zaturno, donde este me dejó escuchar las bases que él mismo había armado para una banda nueva que producía. Me comí medio paquete de galletitas Rex que tenía Zaturno en su cuarto mientras la mucama le hacía la cama y de fondo sonaba la música.
Pasó la entrevista (en la que se mofaron abiertamente de la ignorancia del periodista, tomándole el pelo e ironizando en sus respuestas... pero el chabón ni se dio cuenta) y pintó ir a comer al tenedor libre. Ya eran las cuatro de la tarde y mi estómago rezongaba como nunca, pero la comida ya fría del restaurante me espantó un poco así que comí lo mínimo indispensable para tirar hasta la 1 de la mañana (horario en que volví a mi casa), ellos en cambio se morfaron la vida y se levantaron para repetir, al menos tres veces cada uno. Terminado el almuerzo, me despedí porque ya se me había hecho la hora de entrar al laburo, y quedé en verlos al día siguiente en su recital de Buenos Aires News.
Casi cancelo mi visita “al news” como le dice la gente “bien”, debido a mi malestar estomacal, producto de aquella comilona. Pero, eso de salir de laburar a las 12 de la noche un jueves y tener un recital en un boliche lleno de perras, me tentó. Habiendo comido en el camino sólo una hamburguesa de las más baratas que venden en Mc’ Dollars, me mandé hacia el Paseo de la Infanta y como supuse que el recital empezaría tipo dos de la mañana, me fui caminando, para hacer tiempo.
Llegué cansado y resignado, con la calentura de no haber tenido un puto marcador o aerosol para decorar esa parte de la ciudad, tan pulcra que se me ofrecía generosamente sin policías a la vista. Una vez en la puerta debí enfrentar la pedantería de los patovas que, obviamente al verme vestido de pantalones anchos poca bola me iban a dar. Me acerqué a la entrada de los VIP’s donde un tipo armario con cara (inexpresiva, por cierto) me ignoró abiertamente durante largo rato, mientras canchereaba con unas cachorras de jugosos escotes. De adentro se escuchaba a Tiro de Gracia sonando y me avivé de que había llegado tarde por lo que me impacientó más el cinismo de esa bola de músculos. Le toqué el brazo, tímidamente y con cara de lástima, le pregunté por la chica esta, la mánager argentina del grupo, quién me había invitado. Se hizo el que no me escuchó, miró para otro lado, se quedó sin responder y al rato se dio vuelta y se puso a hablar con otro de su raza.
Resignación. A esperar. Mi paciencia de monje tibetano fue puesta a prueba nuevamente, mientras seguía escuchando como los temas pasaban y yo me estaba cagando de frío en la puerta. Se volvió hacia mi, se detuvo en mi vestimenta, y advirtió que me había sacado el pasamontañas que ocultaba mi verdadera identidad, ahí parece que me vio la cara de nene bueno (o boludo) y le pintó la compasión: “Vos buscabas a... ?”, “Sí, sí” me apresuré a decir, volvió a mirarme dudando y dijo: “está adentro, pasá y fijate si la encontrás”.
Regio. Una vez adentro me zambullí entre la maraña impenetrable de yuppies con cama solar y pelo con gel, y gatas de curvas generosas con toda la mercadería en vidriera.
Pensé, soy el único gil que vino a ver a TDG, nadie más tenía pinta de estar interesado en el Hip Hop. Me planté a unos metros del escenario y disfruté de los tres últimos temas del show, que dicho sea de pasa, fue uno de los mejores que les vi.
Empecé a recorrer al público con la mirada, algo impaciente, en busca de alguna cara conocida y ahí descubrí a tres fans (y/o grupies) del grupo coreando los temas y sacándoles fotos. Se distinguían muy bien del resto de las féminas presentes en el lugar, tenían unos cuantos centímetros menos de altura, unos cuantos más de circunferencia y varios colores no naturales en sus cabellos.
Al rato, a mis espaldas se me aparecen dos esbeltas siluetas de equipos deportivos Pumas y me saludan antes de que los reconozca, eran los Geo Ramma, ¿quién más?. Al toque los perdí de vista, pero minutos más tarde los volví a encontrar detrás del escenario, en la puerta de camarín, esperando por los tres MC´s chilenos. Ahí también estaban las tres damiselas.
Sonaba Dr Dre de fondo, esa era la pista “alternativa” del boliche. Lengua Dura fue el primero en asomar la cabeza y se mandó a bailar en seguida ante la mirada curiosa de toda la muchachada que rara vez habría visto como se baila el rap.
Fueron cayendo los demás, Valentino peló una botella de alto contenido etílico (y alto costo) y el Lengua se entró a encarar una morocha de suculenta figura sin éxito. Juan y Zaturno me invitaron a seguirlos cuando salieron por un rato del boliche para ir a escaviar afuera. Yo los seguí, pero me desvié cuando advertí que en la pista principal había un desfile de modas donde supuestamente podría ver porcentajes de epidermis femenina expuesta, mayores a los que me rodeaban.
Fue un fiasco, el desfile era de ropa “otoño/invierno” así que lo se llegó a pelar ni una transparencia que dejase adivinar las escarapelas de alguna de esas delgadas blondas. Volví a buscar al resto, pero ya los había perdido. Lengua se había ido con DJ Raf y los demás no habían regresado aún. Esperando reencontrarlos, me planté cerca de la puerta mientras me castigaba la vista contemplando a una negra hermosa bailando con un pantalón blanco tan ajustado que se notaba cómo el tremendo culazo que portaba hacía fuerza por emerger.
Al rato regresaron algo más alcoholizados y mientras discutían si nos íbamos o nos quedábamos, se prendieron en la autoflagelación psicológica de mirar bailar a la mulata. Eso fue hasta que encontraron un blanco mejor aún, una de esas promotoras que uno dice “de dónde las sacan?” vestida con mini-mini-minifalda y medias de red, estaba impunemente apoyada, unos metros más arriba que nosotros, sobre una baranda de acrílico transparente que desde nuestro ángulo de percepción, dejaba al descubierto toda la carga de altísimo voltaje erótico.
La misma Traffic, nos esperaba a la salida del boliche con el conductor -como corresponde- durmiendo. Subimos todos y nos fuimos, sin despedirnos de los Geo Ramma (no sé por qué) camino al Hotel. Zaturno, haciendo su papel de niño mimado de la banda, empezó a escandalizar el interior de la camioneta con sus agudos alaridos caprichosos, productos del hambre: “vamos a un mardonals (sic.)!”, “mánager conchetumadre cómprame una hamburguesina, sí?, consígueme un auspicio de una hamburguesina!”. Entre el chofer y quién les habla, los únicos dos que jugábamos de locales, tratamos de hacerlo entrar en razón explicándole gentilmente que en Buenos Aires no se podía ir a los fast food a las tres de la mañana. Sus gritos continuaron y a ellos se sumaron los de Juan Sativo que desde la última hilera de asientos profería insultos irreproducibles a su compañero de equipo y se reía, él mismo, de lo que salía de su boca.
Con excesos de “che, boludo” y “dale San Lorenzo” Juan intentaba, en vano, imitar la tonada argentina. Pato y yo estábamos en el medio y soportamos los chirridos de ambos hasta llegar al hotel. Momento en el que nuestros destinos se volvieron a distanciar ya que la siguiente -obvia- parada, era la cama.
Otra vez caminé por la ciudad de noche y otra vez me lamenté de no tener entre mis posesiones ni un aerosol.
No los volví a ver hasta el día del Jam en la reina, para lo que tendrán que leer la nota respectiva. El domingo, en La Diabla tocaron en un recital repleto de gente de hábitos saltarines y groupies de ropa interior humedecida. Una vez terminado el show me los reencontré en el improvisado V.I .P. donde no me dieron mucha bola ya que cada uno había pegado minita y estaban en plena etapa de flirteo mientras comían algún que otro chegusán de miga. Así llegó la hora de la despedida final y las promesas (siempre incumplidas) de viajes y visitas mutuas. Las despedidas son siempre tristes.
Me levanté esa mañana preocupado porque no me acordaba exactamente dónde era la cita. Dos semanas atrás me había enterado de la sorpresiva visita de Tiro de Gracia gracias a su mánager con quién había arreglado telefónicamente una entrevista para algún momento de ese 9 de junio.
Siendo que me acuesto normalmente a las 2 o 3 de la mañana, estar levantado, cambiado, bañado y listo para salir a las 10 era todo una demostración de mi habilidad de madrugador. Desde el lunes que llamaba por teléfono a la compañía para verificar la dirección del hotel donde iban a estar, pero allí nadie me atendía. Desesperado y sobre la hora ese miércoles llamé a EMI y haciendo uso de subterfugios y estratagemas conseguí que me diesen el número de teléfono del hotel, con eso en mano, conseguir la dirección era pan comido.
Me aventuré al céntrico hospedaje suponiendo que la cita era allí, o con el deseo, al menos, de encontrarlos antes de que saliesen en su gira diaria por radios, canales y revistas.... promoción. Así llegué vestido de homie con capucha y pantalones baggy hasta el lujoso edificio de fachada blanca e interior dorado, donde me sentí un extraterrestre. Ingresé al salón principal de el hotel, con una idea clara, no iba a tener que acercarme a la recepción para hacer las preguntas, apenas me viesen vestido así me iban a mandar un mono que gentilmente me hiciese saber que estaba en el lugar equivocado, con un frío e irónico “buscaba a alguien, caballero?” (irónico por lo de caballero).
Tuve la suerte de que mientras pronunciaba el “llero” de caballero apareció tras las espaldas del mencionado simio un tipo con más pinta de chileno que de b-boy y supe que era mi salvación: “tu eres de la Moshpit?” me dijo y me sentí plenamente aliviado.
Me condujo hasta el restaurante del hotel donde “pronto los chicos bajarán a desayunar, se están levantando” y me senté a esperar con un pedido de café mediante a la bella camarera (la casa invitaba).
Apenas me puse a relojear mi entorno, lleno de enormes espejos, cuadros de marcos dorados, alfombras azules y obviamente los clásicos “yuppies” haciendo “lobby”, vi descender del ascensor a Lengua Dura y Juan Sativo que con una efusivo abrazo me recibieron “Cómo estás, tanto tiempo, bla, bla, bla...”.
La mesa se tuvo que fusionar con dos mesas más cuando siguieron cayendo el resto de la banda, mánagers incluidos. El desayuno, generoso en proteínas, constaba de huevos revueltos, jugos y ensaladas de fruta, café y tostadas. “Este lugar es una mierda” diría más tarde Zaturno, el último en despegarse de la almohada y el más escandaloso de los tres: bajó al restaurante con un grabador colgando de su brazo con la música sonando al tope.
Entre recuerdos, y preguntas del tipo “cómo anda todo por acá ?”, la conversación derivó, como era de esperarse en el nuevo disco que justamente tenían allí y “en exclusiva” me lo hicieron escuchar de punta a punta entes de editarse. El resultado no fue menos esperado, entre el volumen de la conversación que cada vez subía más y la música que salía del grabador intentando superar a las voces, el ruido de la mesa se tornó insoportable para el resto del hotel y no dudaron en mandarnos en dos oportunidades consecutivas a un mozo para que, con buenos modales, nos rogase nuestra ausencia.
Una vez ya en la calle la música volvió a subir de volumen, y sacamos unas fotos mientras esperamos que llegase la camioneta Traffic que los acompañaría durante su gira promocional diaria. Le comenté a Lengua sobre los embates graffiteros de las crews porteñas que cada vez abarcaban más terreno y el me dijo “allá en chile a los graffiteros ya los reconocen los pacos (carabineros) por su forma de vestir, con solo ir con pantalones anchos ya sos sospechoso y te pueden revisar, si te encuentran un tubo te tiran pintura en la cabeza”. Acá todavía se puede pintar tranquilo, todavía la policía no relaciona pantalones anchos con aerosol y eso es un alivio, no solo para nosotros, sino para los graffiteros extranjeros, que sabiendo de esto, visitan las costas argentinas como el caso de Zekis y su crew, los DVE, de Santiago.
Ellos estaban enterados de la visita de los DVE a Buenos Aires, los rumores se corren pronto en las escenas hip hopperas de todo el mundo. Cambiamos de tema, porque parece que con Zekis y su gente no estaban las cosas del todo bien, y es que, bueno, la popularidad y la sobreexposición mediática había colocado a los Tiro de Gracia en una posición, al menos incómoda, producto del recelo del mucha otra gente. Como pasa siempre. Sin embargo, esto parecía no molestarles mucho, “nosotros tocamos en todo el país, tenemos nuestro público” y claro, el éxito a demás de envidias les había traído viajes por el mundo entre los que cuentan a España.
España! Obviamente la conversación derivó en hablar del rap español que tanto estaba pegando en Chile y por estos lados empezaba a hacer estragos. Se enumeraron nombres como Frank T, La Gota Que Colma, Los Verdaderos Kreyentes De La Religión Del Hip Hop, Ari y CPV. Ya estábamos en la camioneta y segíamos hablando de las comparaciones de la lírica de Geronación cuando la mánager me miró y dijo “¿a dónde vamos?”
“Caballito!” fue mi respuesta instantánea. Camino al barrio de los graffitis, Lengua Dura y yo hablábamos de Rawkus y comentábamos los últimos lanzamientos, ellos habían escuchado ya el Soundbombing 2 antes de que saliese gracias a una amigo norteamericano, el editor de Stress. Yo me moría de ganas de escucharlo así que se me hacía agua la boca. Juan Sativo, mientras, asomaba la cabeza por la ventanilla de atrás e intercalaba entre sus aullidos y onomatopeyas, casi constantes, algún que otro “erótica!” dirigido a casi cualquier cosa con forma de mujer que caminase cerca de la camioneta.
Parada a mitad de camino. Compraron pilas para el grabador de Zaturno, que no dudó en pelar la clásica bolsita a penas tuvo oportunidad. Una vez en Caballito, nos dirigimos hacia los paredones de la convención de graffiti donde observaron el arte con atención y admiración. No les explico lo orgulloso que sentí cuando en plena recorrida por el lugar, pasó a pocos metros nuestros el vagón del tren Sarmiento que fue bendecido por los sprays de Lyte & Escher poco tiempo atrás, con un formidable “top to bottom” en plateado y negro.
De ahí nos fuimos a La Tribu, estación de FM porteña símbolo del underground y de fiestas Hip Hop Reggae. Allí respondieron, con admirable paciencia las preguntas poco originales de un periodista poco avezado en la materia. Son profesionales ya en el arte de responder...
Antes de la nota nos comimos unas empanadas de carne, que no venían mal, cuando el estómago empezaba a protestar alrededor de las 2 de la tarde. Mientras tanto, contemplábamos atónitos las tremendas redondeces pectorales de una señorita fotografiada por váyase a saber qué dichoso ser y en exposición en las paredes del recinto y recitábamos en castellano estrofas enteras del maestro KRS-1.
De regreso al hotel, pasamos por la puerta de uno de esos tenedores libres coreanos de la calle Corrientes a los que nadie en su sano juicio se entregaría por más hambre que tuviese. Nadie menos ellos, que obnubilados por la palabra “libre” hincharon como nenes caprichosos para que los llevasen a comer ahí (después me explicaron que en Chile no son comunes es tipo de restaurantes y entendí).
Antes tenían que ir al hotel. Les faltaba otra entrevista, esta era con un canal de televisión por cable que yo desconocía totalmente. Mientras esperaban que los representantes de dicho canal se hiciesen presentes en el lugar, cada uno se fue para su habitación y yo por una cuestión meramente azarosa terminé en la habitación de Zaturno, donde este me dejó escuchar las bases que él mismo había armado para una banda nueva que producía. Me comí medio paquete de galletitas Rex que tenía Zaturno en su cuarto mientras la mucama le hacía la cama y de fondo sonaba la música.
Pasó la entrevista (en la que se mofaron abiertamente de la ignorancia del periodista, tomándole el pelo e ironizando en sus respuestas... pero el chabón ni se dio cuenta) y pintó ir a comer al tenedor libre. Ya eran las cuatro de la tarde y mi estómago rezongaba como nunca, pero la comida ya fría del restaurante me espantó un poco así que comí lo mínimo indispensable para tirar hasta la 1 de la mañana (horario en que volví a mi casa), ellos en cambio se morfaron la vida y se levantaron para repetir, al menos tres veces cada uno. Terminado el almuerzo, me despedí porque ya se me había hecho la hora de entrar al laburo, y quedé en verlos al día siguiente en su recital de Buenos Aires News.
Casi cancelo mi visita “al news” como le dice la gente “bien”, debido a mi malestar estomacal, producto de aquella comilona. Pero, eso de salir de laburar a las 12 de la noche un jueves y tener un recital en un boliche lleno de perras, me tentó. Habiendo comido en el camino sólo una hamburguesa de las más baratas que venden en Mc’ Dollars, me mandé hacia el Paseo de la Infanta y como supuse que el recital empezaría tipo dos de la mañana, me fui caminando, para hacer tiempo.
Llegué cansado y resignado, con la calentura de no haber tenido un puto marcador o aerosol para decorar esa parte de la ciudad, tan pulcra que se me ofrecía generosamente sin policías a la vista. Una vez en la puerta debí enfrentar la pedantería de los patovas que, obviamente al verme vestido de pantalones anchos poca bola me iban a dar. Me acerqué a la entrada de los VIP’s donde un tipo armario con cara (inexpresiva, por cierto) me ignoró abiertamente durante largo rato, mientras canchereaba con unas cachorras de jugosos escotes. De adentro se escuchaba a Tiro de Gracia sonando y me avivé de que había llegado tarde por lo que me impacientó más el cinismo de esa bola de músculos. Le toqué el brazo, tímidamente y con cara de lástima, le pregunté por la chica esta, la mánager argentina del grupo, quién me había invitado. Se hizo el que no me escuchó, miró para otro lado, se quedó sin responder y al rato se dio vuelta y se puso a hablar con otro de su raza.
Resignación. A esperar. Mi paciencia de monje tibetano fue puesta a prueba nuevamente, mientras seguía escuchando como los temas pasaban y yo me estaba cagando de frío en la puerta. Se volvió hacia mi, se detuvo en mi vestimenta, y advirtió que me había sacado el pasamontañas que ocultaba mi verdadera identidad, ahí parece que me vio la cara de nene bueno (o boludo) y le pintó la compasión: “Vos buscabas a... ?”, “Sí, sí” me apresuré a decir, volvió a mirarme dudando y dijo: “está adentro, pasá y fijate si la encontrás”.
Regio. Una vez adentro me zambullí entre la maraña impenetrable de yuppies con cama solar y pelo con gel, y gatas de curvas generosas con toda la mercadería en vidriera.
Pensé, soy el único gil que vino a ver a TDG, nadie más tenía pinta de estar interesado en el Hip Hop. Me planté a unos metros del escenario y disfruté de los tres últimos temas del show, que dicho sea de pasa, fue uno de los mejores que les vi.
Empecé a recorrer al público con la mirada, algo impaciente, en busca de alguna cara conocida y ahí descubrí a tres fans (y/o grupies) del grupo coreando los temas y sacándoles fotos. Se distinguían muy bien del resto de las féminas presentes en el lugar, tenían unos cuantos centímetros menos de altura, unos cuantos más de circunferencia y varios colores no naturales en sus cabellos.
Al rato, a mis espaldas se me aparecen dos esbeltas siluetas de equipos deportivos Pumas y me saludan antes de que los reconozca, eran los Geo Ramma, ¿quién más?. Al toque los perdí de vista, pero minutos más tarde los volví a encontrar detrás del escenario, en la puerta de camarín, esperando por los tres MC´s chilenos. Ahí también estaban las tres damiselas.
Sonaba Dr Dre de fondo, esa era la pista “alternativa” del boliche. Lengua Dura fue el primero en asomar la cabeza y se mandó a bailar en seguida ante la mirada curiosa de toda la muchachada que rara vez habría visto como se baila el rap.
Fueron cayendo los demás, Valentino peló una botella de alto contenido etílico (y alto costo) y el Lengua se entró a encarar una morocha de suculenta figura sin éxito. Juan y Zaturno me invitaron a seguirlos cuando salieron por un rato del boliche para ir a escaviar afuera. Yo los seguí, pero me desvié cuando advertí que en la pista principal había un desfile de modas donde supuestamente podría ver porcentajes de epidermis femenina expuesta, mayores a los que me rodeaban.
Fue un fiasco, el desfile era de ropa “otoño/invierno” así que lo se llegó a pelar ni una transparencia que dejase adivinar las escarapelas de alguna de esas delgadas blondas. Volví a buscar al resto, pero ya los había perdido. Lengua se había ido con DJ Raf y los demás no habían regresado aún. Esperando reencontrarlos, me planté cerca de la puerta mientras me castigaba la vista contemplando a una negra hermosa bailando con un pantalón blanco tan ajustado que se notaba cómo el tremendo culazo que portaba hacía fuerza por emerger.
Al rato regresaron algo más alcoholizados y mientras discutían si nos íbamos o nos quedábamos, se prendieron en la autoflagelación psicológica de mirar bailar a la mulata. Eso fue hasta que encontraron un blanco mejor aún, una de esas promotoras que uno dice “de dónde las sacan?” vestida con mini-mini-minifalda y medias de red, estaba impunemente apoyada, unos metros más arriba que nosotros, sobre una baranda de acrílico transparente que desde nuestro ángulo de percepción, dejaba al descubierto toda la carga de altísimo voltaje erótico.
La misma Traffic, nos esperaba a la salida del boliche con el conductor -como corresponde- durmiendo. Subimos todos y nos fuimos, sin despedirnos de los Geo Ramma (no sé por qué) camino al Hotel. Zaturno, haciendo su papel de niño mimado de la banda, empezó a escandalizar el interior de la camioneta con sus agudos alaridos caprichosos, productos del hambre: “vamos a un mardonals (sic.)!”, “mánager conchetumadre cómprame una hamburguesina, sí?, consígueme un auspicio de una hamburguesina!”. Entre el chofer y quién les habla, los únicos dos que jugábamos de locales, tratamos de hacerlo entrar en razón explicándole gentilmente que en Buenos Aires no se podía ir a los fast food a las tres de la mañana. Sus gritos continuaron y a ellos se sumaron los de Juan Sativo que desde la última hilera de asientos profería insultos irreproducibles a su compañero de equipo y se reía, él mismo, de lo que salía de su boca.
Con excesos de “che, boludo” y “dale San Lorenzo” Juan intentaba, en vano, imitar la tonada argentina. Pato y yo estábamos en el medio y soportamos los chirridos de ambos hasta llegar al hotel. Momento en el que nuestros destinos se volvieron a distanciar ya que la siguiente -obvia- parada, era la cama.
Otra vez caminé por la ciudad de noche y otra vez me lamenté de no tener entre mis posesiones ni un aerosol.
No los volví a ver hasta el día del Jam en la reina, para lo que tendrán que leer la nota respectiva. El domingo, en La Diabla tocaron en un recital repleto de gente de hábitos saltarines y groupies de ropa interior humedecida. Una vez terminado el show me los reencontré en el improvisado V.I .P. donde no me dieron mucha bola ya que cada uno había pegado minita y estaban en plena etapa de flirteo mientras comían algún que otro chegusán de miga. Así llegó la hora de la despedida final y las promesas (siempre incumplidas) de viajes y visitas mutuas. Las despedidas son siempre tristes.
Nación Hip Hop II - Eh! Discos
Por Juan Data (publicado originalmente en laturma.com circa 1999)
Almada contraataca. Y parecía que esta vez se venía con todo...
Nación Hip Hop 2 se queda a mitad de camino en todo. Las intenciones individuales de quienes participaron no las conozco, pero sÈ que muchos de los que ahí figuran pueden dar mucho más de lo que dieron. Empezando por el arte de tapa que es realmente vomitivo, hasta el peor graffiti de Cray es mil veces mejor que lo que hizo en esa tapa tan sobrecargada de clichés pintada para el orto en photoshop y dibujada en menos de dos horas. Por lo menos de algo sirve la tapa: ahuyenta a los verdaderos amantes del Hip Hop para no ser embaucados vilmente por un producto tan pero tan mediocre.
El contenido en la mayoría de los casos refleja la misma situación del arte. Natural Rap, por ejemplo se manda con un tema que no es, ni en pedo el mejor de su arsenal; bien podrían haber incluido alguno de los temitas más afrancesados con los que nos deleitaban últimamente pero no, se mandaron con un viejazo a la jump-jump lleno de puteadas... Algo parecido pasa con Alianza Latina que mandó un tema que ya es muy viejo, lo venían tocando desde hace más de un año y despuÈs de ese habían presentado temas mucho mejores y más atractivos musicalmente que ese monótono zumbido (ojo, me gustó la intro de Pizza Birra Faso). El tema de Alfa suena mejor en el cassette independiente que autoeditó que en este CD. Situación similar la de Impala que registra mejor sonido en grabaciones que le escuché caseras que en este disco. De los Comunidad y los Libres Bajo Palabra esperaba mucho más, sé que dan para más que eso. Con todos la situación, más o menos se repite... no voy a entrar en cada caso porque sería infinito.
La calidad de la grabación y presentación es peor que la del primer Nación Hip Hop y no es porque aquel haya sido bueno, pero por lo menos se le perdonaban los errores por ser un debut.
Lo que más rescaté? La base de Mike Dee sampleando Star Wars (a quién no le gustaría rappear sobre ella?), la letra de Alfa (aunque no sea nueva, es la única de todo el disco que vale la pena escuchar de punta a punta), los arreglos de Impala y las bandejas de Acido y la producción musical de Omega. Tengo que admitir que me sorprendieron los Delincuentes del Sur, sobre todo por la voz de chiquito que es espectacular y super clara.
Otra cosa. La pista de CD-Rom: Vieron alguna vez algo más al pedo que eso? Alguien me puede explicar de qué cabeza puede salir el incluir los agradecimientos en una pista virtual? Dios.... cuanta mediocridad.
Ahora entiendo por qué no salió por una compañía grande como el primer disco (iba a salir por DBN, decían...) ¿quién se iba a jugar a editar eso?
Para terminar, el tema de las promesas incumplidas. Un clásico del señor Almada. Supuestamente en septiembre tendrían que haber salido tres discos que ahí se anticipan y en octubre otro. Los que estamos en esto hace tiempo ya sabemos que esas son promesas hechas al viento y no nos ilusionamos, pero ¿Por qué jugar así con la esperanza de los pibes nuevos? Y la página de Internet, ¿alguien la encontró? No, no existe. En fin...
PD: Agradezco a Alfa, Golpe Bajo y Alianza Latina por acordarse de mí y la revista... y a Almada por dejarlos que me nombren.
Almada contraataca. Y parecía que esta vez se venía con todo...
Nación Hip Hop 2 se queda a mitad de camino en todo. Las intenciones individuales de quienes participaron no las conozco, pero sÈ que muchos de los que ahí figuran pueden dar mucho más de lo que dieron. Empezando por el arte de tapa que es realmente vomitivo, hasta el peor graffiti de Cray es mil veces mejor que lo que hizo en esa tapa tan sobrecargada de clichés pintada para el orto en photoshop y dibujada en menos de dos horas. Por lo menos de algo sirve la tapa: ahuyenta a los verdaderos amantes del Hip Hop para no ser embaucados vilmente por un producto tan pero tan mediocre.
El contenido en la mayoría de los casos refleja la misma situación del arte. Natural Rap, por ejemplo se manda con un tema que no es, ni en pedo el mejor de su arsenal; bien podrían haber incluido alguno de los temitas más afrancesados con los que nos deleitaban últimamente pero no, se mandaron con un viejazo a la jump-jump lleno de puteadas... Algo parecido pasa con Alianza Latina que mandó un tema que ya es muy viejo, lo venían tocando desde hace más de un año y despuÈs de ese habían presentado temas mucho mejores y más atractivos musicalmente que ese monótono zumbido (ojo, me gustó la intro de Pizza Birra Faso). El tema de Alfa suena mejor en el cassette independiente que autoeditó que en este CD. Situación similar la de Impala que registra mejor sonido en grabaciones que le escuché caseras que en este disco. De los Comunidad y los Libres Bajo Palabra esperaba mucho más, sé que dan para más que eso. Con todos la situación, más o menos se repite... no voy a entrar en cada caso porque sería infinito.
La calidad de la grabación y presentación es peor que la del primer Nación Hip Hop y no es porque aquel haya sido bueno, pero por lo menos se le perdonaban los errores por ser un debut.
Lo que más rescaté? La base de Mike Dee sampleando Star Wars (a quién no le gustaría rappear sobre ella?), la letra de Alfa (aunque no sea nueva, es la única de todo el disco que vale la pena escuchar de punta a punta), los arreglos de Impala y las bandejas de Acido y la producción musical de Omega. Tengo que admitir que me sorprendieron los Delincuentes del Sur, sobre todo por la voz de chiquito que es espectacular y super clara.
Otra cosa. La pista de CD-Rom: Vieron alguna vez algo más al pedo que eso? Alguien me puede explicar de qué cabeza puede salir el incluir los agradecimientos en una pista virtual? Dios.... cuanta mediocridad.
Ahora entiendo por qué no salió por una compañía grande como el primer disco (iba a salir por DBN, decían...) ¿quién se iba a jugar a editar eso?
Para terminar, el tema de las promesas incumplidas. Un clásico del señor Almada. Supuestamente en septiembre tendrían que haber salido tres discos que ahí se anticipan y en octubre otro. Los que estamos en esto hace tiempo ya sabemos que esas son promesas hechas al viento y no nos ilusionamos, pero ¿Por qué jugar así con la esperanza de los pibes nuevos? Y la página de Internet, ¿alguien la encontró? No, no existe. En fin...
PD: Agradezco a Alfa, Golpe Bajo y Alianza Latina por acordarse de mí y la revista... y a Almada por dejarlos que me nombren.
MustaFastApolo: La Santísima Trinidad
Por Juan Data (Originalmente publicado en Moshpit Posse #10, Buenos Aires, Noviembre 1998)
Caballito es el marco perfecto para reunir a estos tres luchadores del Hip Hop original. Los grafittis que quedaron de la convención que Rasta en parte promovió y organizó son el telón de fondo de sus cotidianas reuniones. Reuniones de "amigos que se preocupan por el Hip Hop" y buscan ser el germen de toda una movida de Hip Hop consciente en Argentina.
Son tres puristas. Nueva York es su punto de referencia inmediata a la hora de enumerar cualquier inspiración. A los tres les gusta además el raggamuffin y el rap francés. Aborrecen lo comercial y se mofan del gangsterismo y las pandillas. No son una banda, ni una posse, ellos prefieren que se los catalogue como una "Organización". Son Mustafá, Rasta y Apolo tres representativas figuras del undergroud porteño que se vislumbran como la esperanza nacional del Hip Hop verdadero.
Un punto en común los une: los tres afirman haberse iniciado de la mano de Hollywood y la gente de la vieja escuela refugiada en Caballito, aunque Rasta arriesga: "a mí nadie me enseñó nada, que no me vengan con eso, ellos me mostraron cómo era, me abrieron las puertas pero yo me esforcé sólo por averiguar las cosas".
Rasta es reconocido a nivel nacional como uno de los pioneros del Graffiti y uno de los escritores de paredes más activos de Buenos Aires. Se confiesa admirador de Os Gemeos y graffiteros norteamericanos como Twister. Con orgullo rememora las épocas en que tuvo la oportunidad de viajar a New York y graffitear con los grandes de la cuna del Hip Hop. Firmó paredes con el nombre de Sygs, Fasta, Fas y Rasta entre otros y en las crews de las que formó parte estuvieron Caverna, Tony y Joni.
En Buenos Aires se pueden ver sus obras a lo largo de la línea del tren Sarmiento y en boliches como La Negra y La Meka, en este último además pasa música y organiza las noches de pleno Hip Hop junto a Mustafá y Apolo. A nivel musical se dio a conocer primeramente junto a los Libres Bajo Palabra y se lo relacionó durante un tiempo con la gente de Zona Sur Clan una de las dos pandillas del lado sur del Conurbano Bonaerense, sin embargo hoy por hoy no se hace cargo para nada de la pose de gángster y dispara "Los gángsters son todos unos salames"
Mustafá es uno de los MC's más feroces y crudos del underground, purista hasta la médula, no admite ni por asomo nada de rap comercial, gangsteril, funky, ni fusionado; ni siquiera el Old School es de su agrado, obviamente tampoco le agradan las bandas nacionales. Bajo el título de "enviado de Alá" deja sus rimas con fuerza y lucidez sobre en micrófono en cuanto freestyle se le presente. A pesar de su agresividad y aparente falta de compasián es el más tranquilo y humilde de los tres y se preocupa realmente por la consciencia del Hip Hop. Entre sus anécdotas recurrentes se encuentra la de haber graffiteado un vagón del Sarmiento mientras este se había parado lejos de la estación... los guardas desde arriba del tren lo vieron y terminó en una comisaría por un día entero. El graffiti todavía se puede ver, aunque inconcluso...
El tercer miembro de la "organización" es Apolo, según muchos el mejor B-Boy de la nueva escuela. Se ganó su fama gracias a una tremenda agilidad y elasticidad demostrada en cuanto piso lustrado le permitió. Junto a Alfa parecÌan formar un dúo inseparable que dominaba toda la movida breaker de Buenos Aires. A comienzos de este año comenzaron a incursionar juntos en el rap formando el grupo "Guerreros Ancestrales" una mezcla de mística medieval y cultura old school que no llegó más allá de las fiestas underground. Sin embargo la mística se perdió y la unión se disolvió.
Un par de accidentes lo obligaron a abandonar el baile por imposibilidad física y no le quedó otra que dedicarse a pleno a perfeccionar sus cualidades líricas y su estilo vocal hasta llegar a ser hoy en día uno de los MC's más prometedores de la nueva camada con un excelente potencial lírico. Actualmente se está reincorporando a sus prácticas cotidianas de B-Boying aunque acepta que su estado y su nivel ya no es el que lo hizo famoso.
- Viéndolos desde afuera, ustedes parecen la encarnación de las distintas ramas del Hip Hop, un breaker, un MC y un graffitero... cualquiera diría que les falta un DJ nada más.
Apolo- A mí me gustaría ser DJ pero no tengo tiempo para dedicarme a eso también... soy DJ en la Meka pero sólo para pasar música... si pudiera me gustarÌa cubrir los cuatro elementos del Hip Hop.
- ¿Cómo grupo musical que pretenciones tienen?
Mustafá- Me gustaría llegar a la masividad pero nunca caer en lo comercial.
Apolo- Sería inútil salir ahora en la Argentina a hacer Hip Hop verdadero como hacemos nosotros, porque habría muy poca gente que lo entendería.
Rasta- Tendríamos que hacer algo comercial... y eso no nos importa.
- Durante la vieja escuela se dio mucho el elitismo en la escena Hip Hop argentina, la gente que tenía el conocimiento cierto de lo que era el Hip Hop se lo quedaba para sí mismo y sus amigos en vez de salir a difundirlo y fomentarlo. ¿Les parece que esto se revirtió y que ahora está todo un poco más abierto?
Apolo- Sigue habiendo mucha gente que sólo escucha rap dentro de sus casas y se quedan encerrados ahí y eso no es Hip Hop. Nosotros luchamos por el Hip Hop y nos preocupamos por imponer el movimiento y mostrar los cuatro elementos siempre.
Mustafá- Desde La Meka que es nuestro lugar, educamos a mucha gente.
Rasta- Hay mucha gente que se queda con la versión errónea de lo que es el Hip Hop, la que muestran las películas y los medios, y no se rompen el culo para saber realmente cómo es, si son reales se tendrÌan que preocupar, investigar, preguntar... así es como empezamos nosotros, yo una vez vi un graffiti que abajo decía Hip Hop, me gustó y desde entonces me rompí el culo por averiguar qué es el Hip Hop.
- Escuchándolos hablar cualquiera diría que ustedes están seguros de ser los que más saben de Hip Hop.
Rasta- Hay gente que sabe más de Hip Hop que nosotros y de la que me gustaría aprender... pero en otros países, acá me parece que más que yo...
Apolo- Yo no creo que nos las sepamos todas ni que tengamos la razón, pero sé que estamos bien encaminados, se que estamos en la posición correcta.
- ¿Cómo se toman el carácter competitivo del Hip Hop?
Rasta- Yo no compito con nadie, compito conmigo mismo, la competencia está en la autosuperación. Si hay estilos diferentes y personales es imposible decir que uno es mejor que otro. Si veo a alguien mejor que yo, voy a intentar aprender de él, no superarlo ni humillarlo.
- ¿Son bastante cerrados en cuanto a gustos musicales, no?
Rasta- Todos los que hacemos Hip Hop somos medio cerrados, escuchamos Hip Hop y nada más, por ahí algo de música negra como el Reggae, el Soul o el Funk. Pero lo que no me cabe ni ahÌ es la fusión del Rap con otros ritmos que no tienen nada que ver como el Metal, eso me parece una porquería.
- ¿Qué es lo más importante que hay que hacer por la escena local?
Rasta- A los que les interesa realmente el Hip Hop que se rompan el culo en serio, que se esfuercen y si no que no rompan las pelotas.
Apolo- El Hip Hop lo hace la gente que es Hip Hop, y Hip Hop son los que luchan, los que hacen algo por el Hip Hop, los demás son moda.
Mustafá- Acá nadie se esfuerza por mejorar el Hip Hop. Las bandas que están arriba no tienen un mensaje que enseñe, y la gente se conforma con eso, les exige poco.
Rasta- Tendría que haber un punto de encuentro de toda la escena, donde todos los que hacemos algo por el Hip Hop nos podamos reunir una vez por semana a conocernos, intercambiar ideas, debatir sobre el Hip Hop y organizar cosas. Eso es lo principal de lo que faltaría ahora.
Caballito es el marco perfecto para reunir a estos tres luchadores del Hip Hop original. Los grafittis que quedaron de la convención que Rasta en parte promovió y organizó son el telón de fondo de sus cotidianas reuniones. Reuniones de "amigos que se preocupan por el Hip Hop" y buscan ser el germen de toda una movida de Hip Hop consciente en Argentina.
Son tres puristas. Nueva York es su punto de referencia inmediata a la hora de enumerar cualquier inspiración. A los tres les gusta además el raggamuffin y el rap francés. Aborrecen lo comercial y se mofan del gangsterismo y las pandillas. No son una banda, ni una posse, ellos prefieren que se los catalogue como una "Organización". Son Mustafá, Rasta y Apolo tres representativas figuras del undergroud porteño que se vislumbran como la esperanza nacional del Hip Hop verdadero.
Un punto en común los une: los tres afirman haberse iniciado de la mano de Hollywood y la gente de la vieja escuela refugiada en Caballito, aunque Rasta arriesga: "a mí nadie me enseñó nada, que no me vengan con eso, ellos me mostraron cómo era, me abrieron las puertas pero yo me esforcé sólo por averiguar las cosas".
Rasta es reconocido a nivel nacional como uno de los pioneros del Graffiti y uno de los escritores de paredes más activos de Buenos Aires. Se confiesa admirador de Os Gemeos y graffiteros norteamericanos como Twister. Con orgullo rememora las épocas en que tuvo la oportunidad de viajar a New York y graffitear con los grandes de la cuna del Hip Hop. Firmó paredes con el nombre de Sygs, Fasta, Fas y Rasta entre otros y en las crews de las que formó parte estuvieron Caverna, Tony y Joni.
En Buenos Aires se pueden ver sus obras a lo largo de la línea del tren Sarmiento y en boliches como La Negra y La Meka, en este último además pasa música y organiza las noches de pleno Hip Hop junto a Mustafá y Apolo. A nivel musical se dio a conocer primeramente junto a los Libres Bajo Palabra y se lo relacionó durante un tiempo con la gente de Zona Sur Clan una de las dos pandillas del lado sur del Conurbano Bonaerense, sin embargo hoy por hoy no se hace cargo para nada de la pose de gángster y dispara "Los gángsters son todos unos salames"
Mustafá es uno de los MC's más feroces y crudos del underground, purista hasta la médula, no admite ni por asomo nada de rap comercial, gangsteril, funky, ni fusionado; ni siquiera el Old School es de su agrado, obviamente tampoco le agradan las bandas nacionales. Bajo el título de "enviado de Alá" deja sus rimas con fuerza y lucidez sobre en micrófono en cuanto freestyle se le presente. A pesar de su agresividad y aparente falta de compasián es el más tranquilo y humilde de los tres y se preocupa realmente por la consciencia del Hip Hop. Entre sus anécdotas recurrentes se encuentra la de haber graffiteado un vagón del Sarmiento mientras este se había parado lejos de la estación... los guardas desde arriba del tren lo vieron y terminó en una comisaría por un día entero. El graffiti todavía se puede ver, aunque inconcluso...
El tercer miembro de la "organización" es Apolo, según muchos el mejor B-Boy de la nueva escuela. Se ganó su fama gracias a una tremenda agilidad y elasticidad demostrada en cuanto piso lustrado le permitió. Junto a Alfa parecÌan formar un dúo inseparable que dominaba toda la movida breaker de Buenos Aires. A comienzos de este año comenzaron a incursionar juntos en el rap formando el grupo "Guerreros Ancestrales" una mezcla de mística medieval y cultura old school que no llegó más allá de las fiestas underground. Sin embargo la mística se perdió y la unión se disolvió.
Un par de accidentes lo obligaron a abandonar el baile por imposibilidad física y no le quedó otra que dedicarse a pleno a perfeccionar sus cualidades líricas y su estilo vocal hasta llegar a ser hoy en día uno de los MC's más prometedores de la nueva camada con un excelente potencial lírico. Actualmente se está reincorporando a sus prácticas cotidianas de B-Boying aunque acepta que su estado y su nivel ya no es el que lo hizo famoso.
- Viéndolos desde afuera, ustedes parecen la encarnación de las distintas ramas del Hip Hop, un breaker, un MC y un graffitero... cualquiera diría que les falta un DJ nada más.
Apolo- A mí me gustaría ser DJ pero no tengo tiempo para dedicarme a eso también... soy DJ en la Meka pero sólo para pasar música... si pudiera me gustarÌa cubrir los cuatro elementos del Hip Hop.
- ¿Cómo grupo musical que pretenciones tienen?
Mustafá- Me gustaría llegar a la masividad pero nunca caer en lo comercial.
Apolo- Sería inútil salir ahora en la Argentina a hacer Hip Hop verdadero como hacemos nosotros, porque habría muy poca gente que lo entendería.
Rasta- Tendríamos que hacer algo comercial... y eso no nos importa.
- Durante la vieja escuela se dio mucho el elitismo en la escena Hip Hop argentina, la gente que tenía el conocimiento cierto de lo que era el Hip Hop se lo quedaba para sí mismo y sus amigos en vez de salir a difundirlo y fomentarlo. ¿Les parece que esto se revirtió y que ahora está todo un poco más abierto?
Apolo- Sigue habiendo mucha gente que sólo escucha rap dentro de sus casas y se quedan encerrados ahí y eso no es Hip Hop. Nosotros luchamos por el Hip Hop y nos preocupamos por imponer el movimiento y mostrar los cuatro elementos siempre.
Mustafá- Desde La Meka que es nuestro lugar, educamos a mucha gente.
Rasta- Hay mucha gente que se queda con la versión errónea de lo que es el Hip Hop, la que muestran las películas y los medios, y no se rompen el culo para saber realmente cómo es, si son reales se tendrÌan que preocupar, investigar, preguntar... así es como empezamos nosotros, yo una vez vi un graffiti que abajo decía Hip Hop, me gustó y desde entonces me rompí el culo por averiguar qué es el Hip Hop.
- Escuchándolos hablar cualquiera diría que ustedes están seguros de ser los que más saben de Hip Hop.
Rasta- Hay gente que sabe más de Hip Hop que nosotros y de la que me gustaría aprender... pero en otros países, acá me parece que más que yo...
Apolo- Yo no creo que nos las sepamos todas ni que tengamos la razón, pero sé que estamos bien encaminados, se que estamos en la posición correcta.
- ¿Cómo se toman el carácter competitivo del Hip Hop?
Rasta- Yo no compito con nadie, compito conmigo mismo, la competencia está en la autosuperación. Si hay estilos diferentes y personales es imposible decir que uno es mejor que otro. Si veo a alguien mejor que yo, voy a intentar aprender de él, no superarlo ni humillarlo.
- ¿Son bastante cerrados en cuanto a gustos musicales, no?
Rasta- Todos los que hacemos Hip Hop somos medio cerrados, escuchamos Hip Hop y nada más, por ahí algo de música negra como el Reggae, el Soul o el Funk. Pero lo que no me cabe ni ahÌ es la fusión del Rap con otros ritmos que no tienen nada que ver como el Metal, eso me parece una porquería.
- ¿Qué es lo más importante que hay que hacer por la escena local?
Rasta- A los que les interesa realmente el Hip Hop que se rompan el culo en serio, que se esfuercen y si no que no rompan las pelotas.
Apolo- El Hip Hop lo hace la gente que es Hip Hop, y Hip Hop son los que luchan, los que hacen algo por el Hip Hop, los demás son moda.
Mustafá- Acá nadie se esfuerza por mejorar el Hip Hop. Las bandas que están arriba no tienen un mensaje que enseñe, y la gente se conforma con eso, les exige poco.
Rasta- Tendría que haber un punto de encuentro de toda la escena, donde todos los que hacemos algo por el Hip Hop nos podamos reunir una vez por semana a conocernos, intercambiar ideas, debatir sobre el Hip Hop y organizar cosas. Eso es lo principal de lo que faltaría ahora.
Entrevista a Quique Alcatena
Por Juan Data (originalmente publicada en el número 11 de la revista Ultimate Reports, Málaga, España, 2000)
Entrar al mundo de Quique Alcatena es entrar a una dimensión donde la magia y la mitología conviven entre los sueños y la realidad. Es encontrarse con un dibujante excepcional y por demás creativo.
Su obra, lejos de hacernos imaginar a un delirante con la percepción perturbada por los ácidos, nos hace sentir que estamos frente a una inagotable usina de conocimientos milenarios, como uno de esos viejos centenarios de barbas kilométricas que en los cuentos de hadas son el refugio del conocimiento ancestral.
Así es el verdadero Quique Alcatena (aunque le faltan muchos años para ser viejo y su barba sólo se mide en centímetros), una persona real de carne y hueso, que sin embargo parece salido del país de las maravillas de Alicia. Una mezcla de genttleman inglés con artista vanguardista de underground de quién uno imagina, debe vivir sólo como un ermitaño en un castillo medieval apartado de la ciudad. Y nos sorprende encontrarnos con un hombre casado, padre de familia tipo, que vive en un barrio céntrico de Buenos Aires. Así de contradictoria es su imagen y así de heterogéneo es su mundo interno.
Tal vez por eso sea un artista tan versátil como para trabajar al mismo tiempo para Italia, Francia y Estados Unidos sin dejar de lado nunca sus constantes emprendimientos para publicar en Argentina. Tal vez por eso genera la fascinación que genera en el mundillo del cómic vernáculo, pues uno puede tranquilamente esperar encontrarse con un soberbio rey de la historieta y se encuentra con un, por demás humilde y correcto caballero que, a pesar de su éxito mundial, no se sonroja por publicar una revistilla fotocopiada con cien ejemplares de tirada o colaborar ad honorem para cuanto fanzine le ofrezcan.
- ¿Cómo haces para tener éxito en un mercado tan estandarizado como el norteamericano, con un estilo tan poco convencional como el tuyo?
- Es que lo que hice para Estados Unidos, en general, no es tan poco convencional. Me adapto, primero porque los guiones no se prestan a hacer el delirio por el delirio mismo, entonces me atengo a dibujar lo que contribuye a la narración. Entonces, una historia muy puntual, de acción, con super-héroes que ya están muy fijados en la consciencia de la gente... me concentro en eso. La cosa más delirante y más imaginativa la vuelco más en los trabajos más personales.
- ¿Tienes que modificar tu estilo?
- No, el estilo es el mío. Un estilo mío pero más clásico. Nunca me dijeron que dibuje de alguna manera en especial. Siempre me dejaron hacer lo que yo quisiera, y dentro de los parámetros de cada guión, hice lo que yo quería.
- ¿Te sientes cómodo dibujando personajes de otros?
- Obvio que me gusta más hacer lo mío. Me divierte y me gusta dibujar los personajes que siempre me alucinaron de chico, pero una vez pasado el deslumbre inicial de decir “¡voy a dibujar a Flash!”, una vez que pasó ese gusto, ya está. No es que lo desprecie ese trabajo, o lo considere menor. Pero no es mío. No siento que Batman o Flash sean míos. Yo tengo más la consciencia de la historieta de autor. El trabajar con franquicias que no son propias...
- ¿Te pone límites creativos?
- Vos solo te los autoimponés inconscientemente. Quizás suene mezquino esto, quizás suene mal, pero se debe a que capaz, tuve una desilusión en su momento: poner mucha cosa personal en algo que, en última instancia, no es tuyo, es un poco bajoneante. Poner toda tu alma en algo que lo van a guardar otros, le van a sacar el jugo otros. No digo que haya que escatimar, pero tampoco regalar alegremente cosas que es mejor volcarlas en trabajos que te salieron de adentro.
- En un par de trabajos que hiciste para Estados Unidos sí tuviste la libertad de crear personajes, como aquel Elseworld de Linterna Verde o el Flash que estás haciendo ahora...
- Sí es cierto, te digo eso pero al mismo tiempo me contradigo. Para este número de Flash pude crear todo un panteón de personajes, pero bueno, yo se los regalé a DC, o se los vendí por un precio bastante irrisorio comparativamente. Por un lado estaba contento de crearlos, pero al mismo tiempo digo “los creé y nunca más voy a poder hacer una aventura de estos personajes, porque ya no son míos”. En este anual de Flash, la primera aventura es de Flash con estos personajes, pero en la segunda están los míos solos, o sea que la idea es mía, los personajes son míos y Dixon armó el guión, sobre un plot mío. Pero nunca más los voy a poder volver a usar libremente, salvo que a la DC se le ocurra hacer una continuación. Me di el gusto, pero al mismo tiempo decís “son buenas ideas y las tirás”.
- Por ahí pasa como con el Batman Pirata, que después de un par de años hicieron una nueva aventura.
- Puede ser, pero esto es más raro. Porque Batman es Batman.
- En esa obra también tuviste muchas posibilidades de crear y meter cosas bien tuyas.
- Sí, ese es un trabajo mío, totalmente de cero, es más, surgió a partir de un dibujo mío que yo le había mandado a Dixon. Yo le había hecho un dibujo de John Silver, el pirata de La Isla Del Tesoro y de ahí salió la idea de hacer algo ambientado en el caribe.
- Hubo intentos de continuarlo o hacerlo serie, ¿no?
- Sí, había una serie. Iba a estar el Pingüino, iba a estar Bane que era una especie de Hombre de la Máscara de Hierro. Batman volvía a Ingraterra a reclamar su título noviliario que se lo había robado el Pingüino y Bane era su ayudante. Pero bueno... quedó en el limbo. Tantas cosas quedaron en el limbo...
- ¿Qué otro trabajo te acuerdas que hayas hecho para Estados Unidos que te haya hecho sentir satisfecho?
- Los de Conan me gustaron bastante. Sin embargo, parece que mucho no gustaron allá. Pero hay que tener en cuenta que fueron muy mal impresos.
- Sobre todo los que salieron en color.
- Los de color eran imposibles de ver. Pero a los de blanco y negro también, les metían esos grises mal puestos que no ayudaban a hacer el trabajo lindo.
- Tienes un problema histórico con los coloristas...
- Porque yo trabajo para blanco y negro, no hay nada que hacer... Creo que la primera vez que hice un trabajo piola para color fue este Flash. Porque el original está bastante despojado en negros plenos y tramas, tengo la esperanza de que sea bien coloreado.
- Cuando hiciste la miniserie de los 4 Fantásticos para Marvel, la colorearon bastante bien.
- No estaba mal. Fue un lindo trabajo. Pero en general el resultado final, coloreado no se luce, no sé cómo la verá alguien que no conoce mis trabajos en blanco y negro... En Inglaterra por ejemplo han coloreado muchos trabajos míos, pero con colores planos y yo creo que es mucho más efectivo para mi tipo de dibujo. En Italia también algunas cosas las pintaron bien.
- Merlín, por ejemplo
- No lo de Merlín no, pero El Mago lo pintaron bien. Y después, bueno, están los trabajos que yo pinté que esos sí quedan bien, porque ya los hago pensando en cómo los voy a pintar y con qué colores. Es el caso de los trabajos que hice para Anteojito (revista infantil argentina en la que trabajó durante los 80’s) y ahora hice uno para Italia también coloreado, con guión de Robin Wood. Pero si me dan a elegir, prefiero blanco y negro, toda la vida. Me encanta. Para mi es irremplazable la fuerza, la sutileza y la subjetividad del blanco y negro.
- ¿A que adjudicas la preferencia especial que tiene el cómic under argentino por tí y por tu obra?
- Creo que más que nada por una cuestión afectiva. Porque creo que se dan cuenta que tengo pasión por la historieta como ellos. A lo mejor en gente de mi edad o más grande que yo, no es tan común. Acá era muy común trabajar de historietista. Era gente a la que le gustaba el dibujo por ahí, y hacía historieta como un trabajo. Pero a mi me gusta la historieta. El dibujo por el dibujo mismo mucho no me interesa. Dibujo siempre en función de los cuadros. Además tuve una relación muy cercana con el underground con las revistas Atiza y Hacha, de siempre estar en las convenciones... a mi me encanta eso. Yo creo que pasa más por una pasión compartida que por una predilección por mi obra desde lo artístico. Pasa por una cuestión de actitud. Es muy conmovedor ver a los pibes que con esfuerzo sacan sus fanzines y yo pienso que si estuviera en la situación de ellos haría lo mismo. Si yo hubiera nacido veinte años después sería un artista de fanzine. Yo agarré la última etapa de la historieta argentina que podías dedicarte a esto y vivir de la historieta. Los chicos de ahora no pueden darse ese lujo.
- ¿Cómo surgió lo de Atiza? ¿Cómo llega un dibujante profesional de renombre mundial a trabajar en un fanzine fotocopiado en 1997?
- Fue un intento medio trunco de continuar la revista Hacha (publicación independiente que había surgido de la unión de varios dibujantes argentinos entre los que también se encontraban Horacio Lalia y Leonardo Manco). Pero igual fue muy efímero, duró sólo dos números. No funcionó porque había muchos artistas con intereses incompatibles.
- ¿Pero no te parece que el hecho de que hayas tenido que trabajar en un fanzine, es un poco una radiografía de la crisis de la historieta tradicional argentina?
- Es probable. Es que por más que tenga trabajo para Europa o Estados Unidos, para mi es fundamental el lazo con el lector argentino. Yo, desde que no está la Skorpio en la calle, me siento como que no sé muy bien para qué público estoy trabajando. Para mi es muy importante trabajar para mi medio. A mi me gusta pasar por el kiosco y ver mi revista.
- ¿Ves alguna posibilidad de que vuelva a surgir una nueva explosión de la historieta nacional?
- Yo no sé si la historieta va a volver a ser masiva como fue una vez. No creo. En esa época, una editorial como Columba vendía 250 mil ejemplares de todas sus revistas, mensuales...Yo no sé bien donde se produjo el quiebre. Por un lado vos pensás “los chicos de ahora no se interesan tanto en la historieta” pero al mismo tiempo decís “pero los que leían masivamente las revistas de Columba no eran chicos, no dejaron la historietas por los juegos de computadora”. Es un público que se perdió en la nebulosa. Quizás porque no sabíamos darle cosas que lo retuviera...
- ¿La crisis, es de la historieta argentina en general, o de la historieta de autor en particular?
- Hay una crisis mundial de la historieta que es innegable, pero es inevitable también. Antes la historieta no tenía que competir con tantas propuestas diferentes como ahora. La historieta perdió mundialmente a su público consumidor masivo. Ahora está mucho más segmentizado. La pegan nada más los que hacen un comic que se aferra a un público en específico.
- Con esa teoría, los super-héroes clásicos tarde o temprano irían decantándose hasta quedarse sólo con el público fanático seguidor del personaje.
- Es lo que está pasando. Yo creo que a muchas revistas de super-héroes las siguen sacando nada más que para mantener la licencia abierta, para poder hacer merchandising, muñecos, video juegos... Yo he leído super-héroes de todas las épocas y antes tenían un encanto, una ingenuidad que ahora perdieron. No eran tan pretensiosas como ahora. Cuando se metieron con la continuidad y todo eso, dejaron la comprensión de la historia sólo para el seguidor fanático del título. Yo agarro una revista hoy de la JLA y no entiendo nada, y eso que estoy familiarizado con los personajes.
- ¿Cómo leíste el éxito masivo que tuvo el Cazador? Era una historieta de super-héroes exitosa hecha en argentina, cuando tanto la historieta argentina como la de super-héroes estaban en crisis.
- Era la excepción a la regla. Al público del Cazador ni le interesaba mucho la historieta, no era lector de historieta, era lector exclusivamente del Cazador. Fue un fenómeno interesante, pero de ningún modo yo lo pondría como uno de los hitos de la historieta nacional.
- ¿Hay algún super-héroe que te gustaría dibujar y que todavía no te ha tocado nunca?
- Sí, por ejemplo el Detective Marciano... Pero es como que ya se me pasó ese fetichismo por el personaje. Mis metas pasan por otro lado, por hacer historias propias, de autor.
Entrar al mundo de Quique Alcatena es entrar a una dimensión donde la magia y la mitología conviven entre los sueños y la realidad. Es encontrarse con un dibujante excepcional y por demás creativo.
Su obra, lejos de hacernos imaginar a un delirante con la percepción perturbada por los ácidos, nos hace sentir que estamos frente a una inagotable usina de conocimientos milenarios, como uno de esos viejos centenarios de barbas kilométricas que en los cuentos de hadas son el refugio del conocimiento ancestral.
Así es el verdadero Quique Alcatena (aunque le faltan muchos años para ser viejo y su barba sólo se mide en centímetros), una persona real de carne y hueso, que sin embargo parece salido del país de las maravillas de Alicia. Una mezcla de genttleman inglés con artista vanguardista de underground de quién uno imagina, debe vivir sólo como un ermitaño en un castillo medieval apartado de la ciudad. Y nos sorprende encontrarnos con un hombre casado, padre de familia tipo, que vive en un barrio céntrico de Buenos Aires. Así de contradictoria es su imagen y así de heterogéneo es su mundo interno.
Tal vez por eso sea un artista tan versátil como para trabajar al mismo tiempo para Italia, Francia y Estados Unidos sin dejar de lado nunca sus constantes emprendimientos para publicar en Argentina. Tal vez por eso genera la fascinación que genera en el mundillo del cómic vernáculo, pues uno puede tranquilamente esperar encontrarse con un soberbio rey de la historieta y se encuentra con un, por demás humilde y correcto caballero que, a pesar de su éxito mundial, no se sonroja por publicar una revistilla fotocopiada con cien ejemplares de tirada o colaborar ad honorem para cuanto fanzine le ofrezcan.
- ¿Cómo haces para tener éxito en un mercado tan estandarizado como el norteamericano, con un estilo tan poco convencional como el tuyo?
- Es que lo que hice para Estados Unidos, en general, no es tan poco convencional. Me adapto, primero porque los guiones no se prestan a hacer el delirio por el delirio mismo, entonces me atengo a dibujar lo que contribuye a la narración. Entonces, una historia muy puntual, de acción, con super-héroes que ya están muy fijados en la consciencia de la gente... me concentro en eso. La cosa más delirante y más imaginativa la vuelco más en los trabajos más personales.
- ¿Tienes que modificar tu estilo?
- No, el estilo es el mío. Un estilo mío pero más clásico. Nunca me dijeron que dibuje de alguna manera en especial. Siempre me dejaron hacer lo que yo quisiera, y dentro de los parámetros de cada guión, hice lo que yo quería.
- ¿Te sientes cómodo dibujando personajes de otros?
- Obvio que me gusta más hacer lo mío. Me divierte y me gusta dibujar los personajes que siempre me alucinaron de chico, pero una vez pasado el deslumbre inicial de decir “¡voy a dibujar a Flash!”, una vez que pasó ese gusto, ya está. No es que lo desprecie ese trabajo, o lo considere menor. Pero no es mío. No siento que Batman o Flash sean míos. Yo tengo más la consciencia de la historieta de autor. El trabajar con franquicias que no son propias...
- ¿Te pone límites creativos?
- Vos solo te los autoimponés inconscientemente. Quizás suene mezquino esto, quizás suene mal, pero se debe a que capaz, tuve una desilusión en su momento: poner mucha cosa personal en algo que, en última instancia, no es tuyo, es un poco bajoneante. Poner toda tu alma en algo que lo van a guardar otros, le van a sacar el jugo otros. No digo que haya que escatimar, pero tampoco regalar alegremente cosas que es mejor volcarlas en trabajos que te salieron de adentro.
- En un par de trabajos que hiciste para Estados Unidos sí tuviste la libertad de crear personajes, como aquel Elseworld de Linterna Verde o el Flash que estás haciendo ahora...
- Sí es cierto, te digo eso pero al mismo tiempo me contradigo. Para este número de Flash pude crear todo un panteón de personajes, pero bueno, yo se los regalé a DC, o se los vendí por un precio bastante irrisorio comparativamente. Por un lado estaba contento de crearlos, pero al mismo tiempo digo “los creé y nunca más voy a poder hacer una aventura de estos personajes, porque ya no son míos”. En este anual de Flash, la primera aventura es de Flash con estos personajes, pero en la segunda están los míos solos, o sea que la idea es mía, los personajes son míos y Dixon armó el guión, sobre un plot mío. Pero nunca más los voy a poder volver a usar libremente, salvo que a la DC se le ocurra hacer una continuación. Me di el gusto, pero al mismo tiempo decís “son buenas ideas y las tirás”.
- Por ahí pasa como con el Batman Pirata, que después de un par de años hicieron una nueva aventura.
- Puede ser, pero esto es más raro. Porque Batman es Batman.
- En esa obra también tuviste muchas posibilidades de crear y meter cosas bien tuyas.
- Sí, ese es un trabajo mío, totalmente de cero, es más, surgió a partir de un dibujo mío que yo le había mandado a Dixon. Yo le había hecho un dibujo de John Silver, el pirata de La Isla Del Tesoro y de ahí salió la idea de hacer algo ambientado en el caribe.
- Hubo intentos de continuarlo o hacerlo serie, ¿no?
- Sí, había una serie. Iba a estar el Pingüino, iba a estar Bane que era una especie de Hombre de la Máscara de Hierro. Batman volvía a Ingraterra a reclamar su título noviliario que se lo había robado el Pingüino y Bane era su ayudante. Pero bueno... quedó en el limbo. Tantas cosas quedaron en el limbo...
- ¿Qué otro trabajo te acuerdas que hayas hecho para Estados Unidos que te haya hecho sentir satisfecho?
- Los de Conan me gustaron bastante. Sin embargo, parece que mucho no gustaron allá. Pero hay que tener en cuenta que fueron muy mal impresos.
- Sobre todo los que salieron en color.
- Los de color eran imposibles de ver. Pero a los de blanco y negro también, les metían esos grises mal puestos que no ayudaban a hacer el trabajo lindo.
- Tienes un problema histórico con los coloristas...
- Porque yo trabajo para blanco y negro, no hay nada que hacer... Creo que la primera vez que hice un trabajo piola para color fue este Flash. Porque el original está bastante despojado en negros plenos y tramas, tengo la esperanza de que sea bien coloreado.
- Cuando hiciste la miniserie de los 4 Fantásticos para Marvel, la colorearon bastante bien.
- No estaba mal. Fue un lindo trabajo. Pero en general el resultado final, coloreado no se luce, no sé cómo la verá alguien que no conoce mis trabajos en blanco y negro... En Inglaterra por ejemplo han coloreado muchos trabajos míos, pero con colores planos y yo creo que es mucho más efectivo para mi tipo de dibujo. En Italia también algunas cosas las pintaron bien.
- Merlín, por ejemplo
- No lo de Merlín no, pero El Mago lo pintaron bien. Y después, bueno, están los trabajos que yo pinté que esos sí quedan bien, porque ya los hago pensando en cómo los voy a pintar y con qué colores. Es el caso de los trabajos que hice para Anteojito (revista infantil argentina en la que trabajó durante los 80’s) y ahora hice uno para Italia también coloreado, con guión de Robin Wood. Pero si me dan a elegir, prefiero blanco y negro, toda la vida. Me encanta. Para mi es irremplazable la fuerza, la sutileza y la subjetividad del blanco y negro.
- ¿A que adjudicas la preferencia especial que tiene el cómic under argentino por tí y por tu obra?
- Creo que más que nada por una cuestión afectiva. Porque creo que se dan cuenta que tengo pasión por la historieta como ellos. A lo mejor en gente de mi edad o más grande que yo, no es tan común. Acá era muy común trabajar de historietista. Era gente a la que le gustaba el dibujo por ahí, y hacía historieta como un trabajo. Pero a mi me gusta la historieta. El dibujo por el dibujo mismo mucho no me interesa. Dibujo siempre en función de los cuadros. Además tuve una relación muy cercana con el underground con las revistas Atiza y Hacha, de siempre estar en las convenciones... a mi me encanta eso. Yo creo que pasa más por una pasión compartida que por una predilección por mi obra desde lo artístico. Pasa por una cuestión de actitud. Es muy conmovedor ver a los pibes que con esfuerzo sacan sus fanzines y yo pienso que si estuviera en la situación de ellos haría lo mismo. Si yo hubiera nacido veinte años después sería un artista de fanzine. Yo agarré la última etapa de la historieta argentina que podías dedicarte a esto y vivir de la historieta. Los chicos de ahora no pueden darse ese lujo.
- ¿Cómo surgió lo de Atiza? ¿Cómo llega un dibujante profesional de renombre mundial a trabajar en un fanzine fotocopiado en 1997?
- Fue un intento medio trunco de continuar la revista Hacha (publicación independiente que había surgido de la unión de varios dibujantes argentinos entre los que también se encontraban Horacio Lalia y Leonardo Manco). Pero igual fue muy efímero, duró sólo dos números. No funcionó porque había muchos artistas con intereses incompatibles.
- ¿Pero no te parece que el hecho de que hayas tenido que trabajar en un fanzine, es un poco una radiografía de la crisis de la historieta tradicional argentina?
- Es probable. Es que por más que tenga trabajo para Europa o Estados Unidos, para mi es fundamental el lazo con el lector argentino. Yo, desde que no está la Skorpio en la calle, me siento como que no sé muy bien para qué público estoy trabajando. Para mi es muy importante trabajar para mi medio. A mi me gusta pasar por el kiosco y ver mi revista.
- ¿Ves alguna posibilidad de que vuelva a surgir una nueva explosión de la historieta nacional?
- Yo no sé si la historieta va a volver a ser masiva como fue una vez. No creo. En esa época, una editorial como Columba vendía 250 mil ejemplares de todas sus revistas, mensuales...Yo no sé bien donde se produjo el quiebre. Por un lado vos pensás “los chicos de ahora no se interesan tanto en la historieta” pero al mismo tiempo decís “pero los que leían masivamente las revistas de Columba no eran chicos, no dejaron la historietas por los juegos de computadora”. Es un público que se perdió en la nebulosa. Quizás porque no sabíamos darle cosas que lo retuviera...
- ¿La crisis, es de la historieta argentina en general, o de la historieta de autor en particular?
- Hay una crisis mundial de la historieta que es innegable, pero es inevitable también. Antes la historieta no tenía que competir con tantas propuestas diferentes como ahora. La historieta perdió mundialmente a su público consumidor masivo. Ahora está mucho más segmentizado. La pegan nada más los que hacen un comic que se aferra a un público en específico.
- Con esa teoría, los super-héroes clásicos tarde o temprano irían decantándose hasta quedarse sólo con el público fanático seguidor del personaje.
- Es lo que está pasando. Yo creo que a muchas revistas de super-héroes las siguen sacando nada más que para mantener la licencia abierta, para poder hacer merchandising, muñecos, video juegos... Yo he leído super-héroes de todas las épocas y antes tenían un encanto, una ingenuidad que ahora perdieron. No eran tan pretensiosas como ahora. Cuando se metieron con la continuidad y todo eso, dejaron la comprensión de la historia sólo para el seguidor fanático del título. Yo agarro una revista hoy de la JLA y no entiendo nada, y eso que estoy familiarizado con los personajes.
- ¿Cómo leíste el éxito masivo que tuvo el Cazador? Era una historieta de super-héroes exitosa hecha en argentina, cuando tanto la historieta argentina como la de super-héroes estaban en crisis.
- Era la excepción a la regla. Al público del Cazador ni le interesaba mucho la historieta, no era lector de historieta, era lector exclusivamente del Cazador. Fue un fenómeno interesante, pero de ningún modo yo lo pondría como uno de los hitos de la historieta nacional.
- ¿Hay algún super-héroe que te gustaría dibujar y que todavía no te ha tocado nunca?
- Sí, por ejemplo el Detective Marciano... Pero es como que ya se me pasó ese fetichismo por el personaje. Mis metas pasan por otro lado, por hacer historias propias, de autor.
El despertar de las larvas
Por Juan Data (publicado originalmente en el fanzine punk Tiempo de Cambio, circa 2000, Buenos Aires)
Ocurrió así. El Hip Hop en Argentina no se desarrolló como debía. A eso se debe, tal vez, su falta de prestigio. Si bien hoy el rap, como expresión musical, está mucho más respetado y mejor considerado que en las épocas de Jazzy Mel y el Hip Hop se hizo su lugarcito en el under, todavía debe enfrentar prejuicios varios, no siempre injustificados. Y no voy a saltar a refutar esos prejuicios ni voy a intentar convencerlos de convertirse al Hip Hop. Para nada.
Al contrario, voy a criticar al Hip Hop y contarles un poco, el por qué de su fracaso como escena under. O sea: ¿por qué el Hard Core o el Punk existen como escenas consolidadas y el Hip Hop no? ¿Por qué el Hip Hop como movimiento no tiene la credibilidad que se merece?
Bueno, yo todo lo que les voy a contar lo experimenté en carne propia. Yo edité un fanzine de Hip Hop entre 1996 y 99 e hice varias otras obras más para apoyar a un movimiento que nacía y crecía con fuerza (hice un video documental, monté una distro, edité material indepdentiente...). Yo creía en ese movimiento, y yo, que había seguido de cerca el surgimiento, apogeo y caída de la Buenos Aires Hard Core estaba convencido de que el Hip Hop como escena naciente a mediado de los 90’s (siempre tarde... el Hip Hop ya existía desde hacía veinte años) debía aprender de la experiencia de nuestros primos hermanos jarcors (¿y por qué no también de sus errores?) para llegar a fundar un movimiento sustentado en la autenticidad, la unión, el compañerismo y el impulso de la autogestión.
Nada. El Hip Hop en Argentina, como escena, resultó ser una farsa. Al toque me di cuenta de que había más actuación que realismo y que muchos que en el escenario se hacían los guachos malos gángsters después no tenían ni los huevos para enfrentarse a un mánager chupasangre que les manejaba la carrera a gusto e piaccere. Todos agachaban la cabeza. ¿O alguien se cree que Nación Hip Hop surgió de la iniciativa de las bandas que se propusieron unirse para salir adelante? Ni a palos. Fue toda una ficción pergeñada por una mentalidad comerciante marketinera, de un tipo que no tenía absolutamente nada que ver con el Hip Hop y que a costa de talento ajeno lucraba para beneficio propio y tomaba por idiotas a los músicos vendiéndoles chamuyos imposibles.
El Hip Hop que en otros países se había desarrollado a fuerza de empuje colectivo y que se caracterizaba por el activismo y compromiso de sus seguidores, en Argentina resultó ser una puesta en escena de lo más fantasiosa.
Yo pensé en ese entonces que tarde o temprano iban a abrir los ojos y se iban a poner las pilas y salir del estado larval dominante. Creí que así como yo había salido a hacer el primer fanzine del género, pronto iban a aparecer otros y luego saldrían sellos independientes, distros, ferias, radios barriales, centros culturales... todo lo que es habitual en una escena Hip Hop ya sea de Brasil, España, Italia o Chile, por nombrar algunos ejemplos.
Mis ilusiones a la larga se desvanecieron, me di cuenta que en realidad no era “el malo de la película” aquel tipo que congregaba a los grupos para tocar, grabar y llenarse sus bolsillos. El en realidad era un avivado que la estaba haciendo bien a la argentina y no tenía la culpa de la enfermiza situación. La culpa era de los mismos rapperos, y grupos que durmieron en los laureles dejándose manejar de la manera más vil y maquiavélica y nunca quisieron romper el cascarón para armarse una carrera en la música por su cuenta.
Tan acostumbrados estaban a sentarse en un sillón y fumarse un caño esperando que los llamasen para tocar en tal o cual lugar o dar una nota a algún medio, que les daba miedo cortar ese cordón umbilical y salir a la realidad. No sabían manejarse solos. No sabían armar una fecha, hacer volantes para promocionarla, llamar a los diarios para que figure, grabar un demo y venderlo. No sabían ni querían aprender, así que se quedaron cómodos en su sillón esperando que el teléfono vuelva a sonar... y si el teléfono en un año no sonaba, bueno, estaban un año sin tocar.
Semejante desencanto me llevó a dejar de sacar el fanzine, porque consideré que era gastar pólvora en chimangos. Un par de números antes del cierre apareció en el mundo del Hip Hop toda una nueva escena paralela a la de Nación Hip Hop, encabezada por un grupo conocido como La Organización, y vi en ellos la esperanza de una revolución hacia la independencia. Expresé mi claro favoritismo hacia esta nueva escuela en las páginas de mi revista que arengaban a las bandas a revelarse y optar por la autogestión y lo único que eso me trajo fueron problemas personales, amenazas y odio por parte de ciertas personas que estaban cómodas con las cosas como estaban.
En definitiva, las cosas no cambiaron mucho desde entonces. Pero por lo menos apareció gente nueva con ganas de hacer cosas y de moverse. Con ganas de organizar sus propios eventos y manejar sus propias carreras. Ahora estamos presenciando el despertar de las larvas y mi pronóstico es favorable. El Hip Hop en Argentina llegará pronto a establecerse y consolidarse como una escena auténtica y respetable. Tal vez entonces yo me ponga las pilas de nuevo y vuelva a sacar un fanizne...
Ocurrió así. El Hip Hop en Argentina no se desarrolló como debía. A eso se debe, tal vez, su falta de prestigio. Si bien hoy el rap, como expresión musical, está mucho más respetado y mejor considerado que en las épocas de Jazzy Mel y el Hip Hop se hizo su lugarcito en el under, todavía debe enfrentar prejuicios varios, no siempre injustificados. Y no voy a saltar a refutar esos prejuicios ni voy a intentar convencerlos de convertirse al Hip Hop. Para nada.
Al contrario, voy a criticar al Hip Hop y contarles un poco, el por qué de su fracaso como escena under. O sea: ¿por qué el Hard Core o el Punk existen como escenas consolidadas y el Hip Hop no? ¿Por qué el Hip Hop como movimiento no tiene la credibilidad que se merece?
Bueno, yo todo lo que les voy a contar lo experimenté en carne propia. Yo edité un fanzine de Hip Hop entre 1996 y 99 e hice varias otras obras más para apoyar a un movimiento que nacía y crecía con fuerza (hice un video documental, monté una distro, edité material indepdentiente...). Yo creía en ese movimiento, y yo, que había seguido de cerca el surgimiento, apogeo y caída de la Buenos Aires Hard Core estaba convencido de que el Hip Hop como escena naciente a mediado de los 90’s (siempre tarde... el Hip Hop ya existía desde hacía veinte años) debía aprender de la experiencia de nuestros primos hermanos jarcors (¿y por qué no también de sus errores?) para llegar a fundar un movimiento sustentado en la autenticidad, la unión, el compañerismo y el impulso de la autogestión.
Nada. El Hip Hop en Argentina, como escena, resultó ser una farsa. Al toque me di cuenta de que había más actuación que realismo y que muchos que en el escenario se hacían los guachos malos gángsters después no tenían ni los huevos para enfrentarse a un mánager chupasangre que les manejaba la carrera a gusto e piaccere. Todos agachaban la cabeza. ¿O alguien se cree que Nación Hip Hop surgió de la iniciativa de las bandas que se propusieron unirse para salir adelante? Ni a palos. Fue toda una ficción pergeñada por una mentalidad comerciante marketinera, de un tipo que no tenía absolutamente nada que ver con el Hip Hop y que a costa de talento ajeno lucraba para beneficio propio y tomaba por idiotas a los músicos vendiéndoles chamuyos imposibles.
El Hip Hop que en otros países se había desarrollado a fuerza de empuje colectivo y que se caracterizaba por el activismo y compromiso de sus seguidores, en Argentina resultó ser una puesta en escena de lo más fantasiosa.
Yo pensé en ese entonces que tarde o temprano iban a abrir los ojos y se iban a poner las pilas y salir del estado larval dominante. Creí que así como yo había salido a hacer el primer fanzine del género, pronto iban a aparecer otros y luego saldrían sellos independientes, distros, ferias, radios barriales, centros culturales... todo lo que es habitual en una escena Hip Hop ya sea de Brasil, España, Italia o Chile, por nombrar algunos ejemplos.
Mis ilusiones a la larga se desvanecieron, me di cuenta que en realidad no era “el malo de la película” aquel tipo que congregaba a los grupos para tocar, grabar y llenarse sus bolsillos. El en realidad era un avivado que la estaba haciendo bien a la argentina y no tenía la culpa de la enfermiza situación. La culpa era de los mismos rapperos, y grupos que durmieron en los laureles dejándose manejar de la manera más vil y maquiavélica y nunca quisieron romper el cascarón para armarse una carrera en la música por su cuenta.
Tan acostumbrados estaban a sentarse en un sillón y fumarse un caño esperando que los llamasen para tocar en tal o cual lugar o dar una nota a algún medio, que les daba miedo cortar ese cordón umbilical y salir a la realidad. No sabían manejarse solos. No sabían armar una fecha, hacer volantes para promocionarla, llamar a los diarios para que figure, grabar un demo y venderlo. No sabían ni querían aprender, así que se quedaron cómodos en su sillón esperando que el teléfono vuelva a sonar... y si el teléfono en un año no sonaba, bueno, estaban un año sin tocar.
Semejante desencanto me llevó a dejar de sacar el fanzine, porque consideré que era gastar pólvora en chimangos. Un par de números antes del cierre apareció en el mundo del Hip Hop toda una nueva escena paralela a la de Nación Hip Hop, encabezada por un grupo conocido como La Organización, y vi en ellos la esperanza de una revolución hacia la independencia. Expresé mi claro favoritismo hacia esta nueva escuela en las páginas de mi revista que arengaban a las bandas a revelarse y optar por la autogestión y lo único que eso me trajo fueron problemas personales, amenazas y odio por parte de ciertas personas que estaban cómodas con las cosas como estaban.
En definitiva, las cosas no cambiaron mucho desde entonces. Pero por lo menos apareció gente nueva con ganas de hacer cosas y de moverse. Con ganas de organizar sus propios eventos y manejar sus propias carreras. Ahora estamos presenciando el despertar de las larvas y mi pronóstico es favorable. El Hip Hop en Argentina llegará pronto a establecerse y consolidarse como una escena auténtica y respetable. Tal vez entonces yo me ponga las pilas de nuevo y vuelva a sacar un fanizne...
Monday, November 20, 2006
EL ANTICIPADO DEBUT DE LOS ABANDONED
Por Juan Data (originalmente publicado en LBEDigital.com)
Desde sus más tempranas apariciones en los escenarios del underground hispanoparlante angelino, Los Abandoned se han sabido distinguir del resto por su inimitable frescura y sorprendente originalidad. Cuatro años pasaron desde que la prensa especializada y la industria disquera los catalogase como la nueva gran promesa del rock en español made-in-usa. Ahora, después de dos exitosas producciones independientes y un single en vinilo, les llegó la hora de la verdad, la hora dar el gran paso y confirmar, con su anticipadísimo álbum debut, que son una de las mejores bandas bilingües que jamás hayan salido de aquella escena y la única con calidad de exportación.
Los Abandoned no es sólo, como se ha dicho, un grupo de art-school-post-punk que encandila por igual a music snobs y adolescentes aplaudidores de hits radiables, tampoco es simplemente la versión latina de una fusión entre Blondie y Talking Heads, Los Abandoned es ante todo, un grupo salido de Los Angeles, que a diferencia de la gran mayoría del resto de la escena, representa y le canta a Los Angeles, como ninguna otra banda lo había hecho desde los Red Hot Chili Peppers.
Luego de arrasar con en público mexicano en el festival Vive Latino por dos años consecutivos, darse el gusto de publicar su disco en Chile y girar por los escenarios más importantes de Los Estados Unidos teloneando a artistas de primera línea como Molotov y Café Tacvba, a Los Abandoned les quedaba sólo la deuda pendiente con su público de publicar su disco a nivel nacional y después de analizar propuestas de varios sellos -incluso multinacionales- optaron por Vapor Records, el sello de Neil Young.
“En el 2004 tocamos en South By Southwest y en ese festival fue cuando ellos nos vieron tocar en vivo,” recuerda Lady P. la chilena vocalista del grupo “y después de eso fueron a varios shows que tuvimos en The Echo durante todo ese verano, pero nunca se presentaron a nosotros, sólo nos estaban mirando y no fue sino hasta el final de ese verano que se nos acercaron a hablar y nos pidieron los datos de nuestra manager y desde ahí empezó. Luego la llamaron y le dijeron que querían firmarnos y eso. Tomó mucho tiempo después de ese primer encuentro porque empezamos a girar, así que lo dejamos en stand-by por un tiempo para poder ir a México”.
Mixtape es el título del que quedará para la posteridad como su primer trabajo oficial de estudio y continúa con la estética naif-minimalista y la línea de títulos genéricos anti-descriptivos de sus dos trabajos anteriores: Demotape (2002) y Self-Titled EP (2004). Aunque en este caso preciso, según Lady P., el título cobra mayor sentido por ser justamente un mix entre nuevas versiones de algunos clásicos de aquellos dos CD’s y varios nuevos: “mi opinión personal del disco es que está basado en el pasado, presente y futuro del grupo. Hay canciones que nosotros tocábamos mucho en vivo pero nunca las grabamos y después hay canciones completamente nuevas y también tenemos muchas canciones que no entraron. Pero el concepto inicial es porque se trata de un mix de canciones de diferentes estilos. Todas grabadas de maneras diferentes. En un momento yo dije: “you know guys? It’s like a mix-tape! It’s like a different band for every song.” Y ahí quedó el título.”
Aunque rebosante de satisfacción por la edición del tan esperado disco, Lady P. asegura que ya está “lista para la próxima”. Sea cual sea la próxima movida de este impredecible cuarteto multicultural (¿se titulará Second Album?) lo cierto es que Los Abandoned ya han hecho historia y para los que todavía no los han descubierto, Mixtape es un excelente portal para sumergirse en el maravilloso, surrealista y siempre bilingüe mundo de Los Abandoned.
ONCE PEGADITAS, NO CORRIDOS
MIX TAPE: CANCION POR CANCION
Stalk You: “Stalk You” y “Me quieren en Chile” son las únicas dos canciones que sobrevivieron de aquel primer Demotape, que los dio a conocer en la escena de Los Angeles allá por 2002. Buscando el contraste del efecto mixtape, Los Abandoned comienzan su disco con “la primera canción que yo escribí junto a Don Verde” y pegadita detrás viene...
A La Mode: “La última canción que escribimos y mi favorita del disco,” comenta Lady P. “Esas letras son muy surreales, pero más que nada se trata de uno tratando de encajar, no sólo por estar a la moda, sino también desde el punto de vista de la inmigración, uno necesita papeles para encajar”.
Conquistarte Bien: Otra de las nuevas, “Yo siempre estoy mucho con los chicos del grupo, tengo muy poco tiempo con mis amigas. Finalmente tuve una posibilidad de pasar un tiempo con mis amigas y yo tengo muchas amigas feministas, y yo las escuchaba hablar de política y dije: sería increíble poder tomar nuestros poderes femeninos que tenemos naturalmente y pode usar esa femenidad para resolver lo terrible que está pasando en el mundo ahora. No se trata de una mujer conquistando a un hombre, sino la mujer conquistando el lado oscuro de lo que pasa en el mundo”.
Van Nuys (Es Very Nice): Uno de los hits más pegajosamente irresistibles del disco es abiertamente “agridulce” e irónico (a nadie en su sano juicio se le ocurriría comparar a Van Nuys con el paraíso). “Cuando yo era súper pequeña fue ahí donde me crié,” comenta la cantante, “y es nice porque mi papá pudo tener un trabajo bueno, una casa con piscina, pero si lo comparas a lo que ellos tuvieron que dejar, Los Andes, Machu Pichu... eso es lo que hice con esa canción, mostrar ese contraste y lo que uno como latino tiene que dejar detrás para poder seguir acá en los Estados Unidos”.
Nada Mío Es Fake: El guitarrista Don Verde todavía tocaba con su banda anterior, Los Tijuana Bibles y allí estaba junto a Alex Flores (cantante de aquella agrupación) y Lady P. al finalizar un show, cuando una chica que se les acercó se presentó como Pam. “Ah, como Pam Anderson!” dijo Alex, a lo que ella replicó: “Sí, pero nada mío es fake” y el spanglish de la afirmación la transformó en una cita célebre que con el tiempo tomó forma de canción. “Ellos la habían grabado en un demo con la voz de Alex, pero yo les dije, algún día yo voy a cantar esa canción”. Y así fue.
Office Xmas Party: Fue el primer anticipo de lo que sería el álbum debut de Los Abandoned cuando para la navidad del 2005 salió junto al clásico “Electricidad” en un single de tirada reducida publicado en vinilo de siete pulgadas. “Esa canción la escribí yo en ukulele. Yo estaba viendo la película Cry Baby de John Waters y yo ya tenía la idea de hacer una canción sobre un amor que no puede existir y la película me inspiró mucho. De ahí surgió lo del romance de oficina”. El sonido se distancia tangencialmente del resto del álbum por ser la primera vez en que Los Abandoned, siguiendo el consejo del productor David Trunfio, dejaron los arreglos finales de la canción (cuerdas y violines) en manos de sesionistas.
Panic-Oh: Originalmente incluída en aquel Self-Titled EP del 2004, “Panic-Oh” es “básicamente un ataque de pánico. Un reflejo de lo que es la vida cotidiana en Los Angeles. El ritmo de vida acelerado de la ciudad, el tener que estar manejando todo el día de un lado al otro hasta que de repente el cuerpo ya no quiere más y entra en un estado de pánico”.
Heavy: Una de las composiciones más bellas del álbum, donde se transluce un nivel de sensibilidad poética inédito para el grupo. “Esa letra tomó tiempo, le tuve que dar mucho amor. Se trata de una relación que ha tenído mucho tiempo, que ha tenido mucha vida, pero que en un momento empieza a cambiar y uno piensa, ¿seguimos o terminamos porque el fuego ya se acabó? Es una experiencia común por la que casi todos pasamos en algún momento”.
Pantalón: Por primera vez, desde la fundación del grupo, Don Verde se anima a dar un paso al frente y agarrar el micrófono. “Lo tuvimos que dejar sólo para la grabación. Él tiene como su onda. Tenía que estar confortable,” comenta la vocalista chilena y agrega, “Escribimos esa canción hace tanto tiempo atrás, que ya ni me acuerdo cómo surgió la letra”
Me Quieren En Chile: Este reggae-punk-andino dejó marcado desde sus comienzos (aparecía en Canción Sampler, un demo inédito anterior a Demotape) el camino del eclecticismo e imprevisibilidad que el grupo tomaría de ahí en adelante. “La letra original fue un peoma de una amiga (Barbara Matas) que ella originalmente había escrito para un corto. Yo lo adapté a la forma de canción”.
State Of Affairs: “Es una canción de amor y de política,” explica Lady P. refiriendose a la composición de Don Verde que cierra la colección. “La idea surgió de un amigo personal del grupo que es alguien con mucho compromiso político y que una vez hizo un comentario sobre lo difícil que era conocer a alguien que compartiese sus ideales”.
Desde sus más tempranas apariciones en los escenarios del underground hispanoparlante angelino, Los Abandoned se han sabido distinguir del resto por su inimitable frescura y sorprendente originalidad. Cuatro años pasaron desde que la prensa especializada y la industria disquera los catalogase como la nueva gran promesa del rock en español made-in-usa. Ahora, después de dos exitosas producciones independientes y un single en vinilo, les llegó la hora de la verdad, la hora dar el gran paso y confirmar, con su anticipadísimo álbum debut, que son una de las mejores bandas bilingües que jamás hayan salido de aquella escena y la única con calidad de exportación.
Los Abandoned no es sólo, como se ha dicho, un grupo de art-school-post-punk que encandila por igual a music snobs y adolescentes aplaudidores de hits radiables, tampoco es simplemente la versión latina de una fusión entre Blondie y Talking Heads, Los Abandoned es ante todo, un grupo salido de Los Angeles, que a diferencia de la gran mayoría del resto de la escena, representa y le canta a Los Angeles, como ninguna otra banda lo había hecho desde los Red Hot Chili Peppers.
Luego de arrasar con en público mexicano en el festival Vive Latino por dos años consecutivos, darse el gusto de publicar su disco en Chile y girar por los escenarios más importantes de Los Estados Unidos teloneando a artistas de primera línea como Molotov y Café Tacvba, a Los Abandoned les quedaba sólo la deuda pendiente con su público de publicar su disco a nivel nacional y después de analizar propuestas de varios sellos -incluso multinacionales- optaron por Vapor Records, el sello de Neil Young.
“En el 2004 tocamos en South By Southwest y en ese festival fue cuando ellos nos vieron tocar en vivo,” recuerda Lady P. la chilena vocalista del grupo “y después de eso fueron a varios shows que tuvimos en The Echo durante todo ese verano, pero nunca se presentaron a nosotros, sólo nos estaban mirando y no fue sino hasta el final de ese verano que se nos acercaron a hablar y nos pidieron los datos de nuestra manager y desde ahí empezó. Luego la llamaron y le dijeron que querían firmarnos y eso. Tomó mucho tiempo después de ese primer encuentro porque empezamos a girar, así que lo dejamos en stand-by por un tiempo para poder ir a México”.
Mixtape es el título del que quedará para la posteridad como su primer trabajo oficial de estudio y continúa con la estética naif-minimalista y la línea de títulos genéricos anti-descriptivos de sus dos trabajos anteriores: Demotape (2002) y Self-Titled EP (2004). Aunque en este caso preciso, según Lady P., el título cobra mayor sentido por ser justamente un mix entre nuevas versiones de algunos clásicos de aquellos dos CD’s y varios nuevos: “mi opinión personal del disco es que está basado en el pasado, presente y futuro del grupo. Hay canciones que nosotros tocábamos mucho en vivo pero nunca las grabamos y después hay canciones completamente nuevas y también tenemos muchas canciones que no entraron. Pero el concepto inicial es porque se trata de un mix de canciones de diferentes estilos. Todas grabadas de maneras diferentes. En un momento yo dije: “you know guys? It’s like a mix-tape! It’s like a different band for every song.” Y ahí quedó el título.”
Aunque rebosante de satisfacción por la edición del tan esperado disco, Lady P. asegura que ya está “lista para la próxima”. Sea cual sea la próxima movida de este impredecible cuarteto multicultural (¿se titulará Second Album?) lo cierto es que Los Abandoned ya han hecho historia y para los que todavía no los han descubierto, Mixtape es un excelente portal para sumergirse en el maravilloso, surrealista y siempre bilingüe mundo de Los Abandoned.
ONCE PEGADITAS, NO CORRIDOS
MIX TAPE: CANCION POR CANCION
Stalk You: “Stalk You” y “Me quieren en Chile” son las únicas dos canciones que sobrevivieron de aquel primer Demotape, que los dio a conocer en la escena de Los Angeles allá por 2002. Buscando el contraste del efecto mixtape, Los Abandoned comienzan su disco con “la primera canción que yo escribí junto a Don Verde” y pegadita detrás viene...
A La Mode: “La última canción que escribimos y mi favorita del disco,” comenta Lady P. “Esas letras son muy surreales, pero más que nada se trata de uno tratando de encajar, no sólo por estar a la moda, sino también desde el punto de vista de la inmigración, uno necesita papeles para encajar”.
Conquistarte Bien: Otra de las nuevas, “Yo siempre estoy mucho con los chicos del grupo, tengo muy poco tiempo con mis amigas. Finalmente tuve una posibilidad de pasar un tiempo con mis amigas y yo tengo muchas amigas feministas, y yo las escuchaba hablar de política y dije: sería increíble poder tomar nuestros poderes femeninos que tenemos naturalmente y pode usar esa femenidad para resolver lo terrible que está pasando en el mundo ahora. No se trata de una mujer conquistando a un hombre, sino la mujer conquistando el lado oscuro de lo que pasa en el mundo”.
Van Nuys (Es Very Nice): Uno de los hits más pegajosamente irresistibles del disco es abiertamente “agridulce” e irónico (a nadie en su sano juicio se le ocurriría comparar a Van Nuys con el paraíso). “Cuando yo era súper pequeña fue ahí donde me crié,” comenta la cantante, “y es nice porque mi papá pudo tener un trabajo bueno, una casa con piscina, pero si lo comparas a lo que ellos tuvieron que dejar, Los Andes, Machu Pichu... eso es lo que hice con esa canción, mostrar ese contraste y lo que uno como latino tiene que dejar detrás para poder seguir acá en los Estados Unidos”.
Nada Mío Es Fake: El guitarrista Don Verde todavía tocaba con su banda anterior, Los Tijuana Bibles y allí estaba junto a Alex Flores (cantante de aquella agrupación) y Lady P. al finalizar un show, cuando una chica que se les acercó se presentó como Pam. “Ah, como Pam Anderson!” dijo Alex, a lo que ella replicó: “Sí, pero nada mío es fake” y el spanglish de la afirmación la transformó en una cita célebre que con el tiempo tomó forma de canción. “Ellos la habían grabado en un demo con la voz de Alex, pero yo les dije, algún día yo voy a cantar esa canción”. Y así fue.
Office Xmas Party: Fue el primer anticipo de lo que sería el álbum debut de Los Abandoned cuando para la navidad del 2005 salió junto al clásico “Electricidad” en un single de tirada reducida publicado en vinilo de siete pulgadas. “Esa canción la escribí yo en ukulele. Yo estaba viendo la película Cry Baby de John Waters y yo ya tenía la idea de hacer una canción sobre un amor que no puede existir y la película me inspiró mucho. De ahí surgió lo del romance de oficina”. El sonido se distancia tangencialmente del resto del álbum por ser la primera vez en que Los Abandoned, siguiendo el consejo del productor David Trunfio, dejaron los arreglos finales de la canción (cuerdas y violines) en manos de sesionistas.
Panic-Oh: Originalmente incluída en aquel Self-Titled EP del 2004, “Panic-Oh” es “básicamente un ataque de pánico. Un reflejo de lo que es la vida cotidiana en Los Angeles. El ritmo de vida acelerado de la ciudad, el tener que estar manejando todo el día de un lado al otro hasta que de repente el cuerpo ya no quiere más y entra en un estado de pánico”.
Heavy: Una de las composiciones más bellas del álbum, donde se transluce un nivel de sensibilidad poética inédito para el grupo. “Esa letra tomó tiempo, le tuve que dar mucho amor. Se trata de una relación que ha tenído mucho tiempo, que ha tenido mucha vida, pero que en un momento empieza a cambiar y uno piensa, ¿seguimos o terminamos porque el fuego ya se acabó? Es una experiencia común por la que casi todos pasamos en algún momento”.
Pantalón: Por primera vez, desde la fundación del grupo, Don Verde se anima a dar un paso al frente y agarrar el micrófono. “Lo tuvimos que dejar sólo para la grabación. Él tiene como su onda. Tenía que estar confortable,” comenta la vocalista chilena y agrega, “Escribimos esa canción hace tanto tiempo atrás, que ya ni me acuerdo cómo surgió la letra”
Me Quieren En Chile: Este reggae-punk-andino dejó marcado desde sus comienzos (aparecía en Canción Sampler, un demo inédito anterior a Demotape) el camino del eclecticismo e imprevisibilidad que el grupo tomaría de ahí en adelante. “La letra original fue un peoma de una amiga (Barbara Matas) que ella originalmente había escrito para un corto. Yo lo adapté a la forma de canción”.
State Of Affairs: “Es una canción de amor y de política,” explica Lady P. refiriendose a la composición de Don Verde que cierra la colección. “La idea surgió de un amigo personal del grupo que es alguien con mucho compromiso político y que una vez hizo un comentario sobre lo difícil que era conocer a alguien que compartiese sus ideales”.
Thursday, September 21, 2006
Rico Pabón: Rap Boricua, Del Bueno.
Por Juan Data (Originalmente publicado en LBEDigital.com, Estados Unidos, 2006)
Lo primero que se nos viene a la mente al pensar en raperos portorriqueños es el fenómeno global contemporáneo del reggaetón. Quizás los más aventurados en el hip hop piensen en Big Punisher, Fat Joe o algún otro MC de la gran manzana. A muy pocos, sin embargo, se les pasará por la cabeza considerar a la progresiva escena de hip hop underground de la Bahía de San Francisco como hogar de uno de los mejores nuevos talentos de la rima boricua.
A sus 32 años, Rico Pabón, está presentando su disco debut como rimador solista, Louder Than Fiction (Hard Knock Records, ’06), pero no es ningún novato en la matería. Asegura llevar más de 17 años en el hip hop y cuatro discos anteriores a este, que confirman su trayectoria en el under. Pero todos sus trabajos previos fueron con otras formaciones, ya sea con su grupo de rap Prophets of Rage o con la banda de jazz-funk-fusión-latina conocida actualmente como Agua Libre, pero antes llamada Omaya.
Rico nació en Queens, NY, hijo de una familia de salseros, pero se crió en Oakland California, ciudad cuya escena de hip hop ha parido a muchos de los mejores grupos de rap políticamente consciente de la actualidad (Blackalicious, Zion I, The Coup). Allí, junto a su hermano, manejan Sofrito, el único restaurante de comida tradicional portorriqueña en el este de la bahía. “cocinar y hacer música, eso es lo que hago”.
- ¿Cómo fue que te involucraste en el movimiento hip hop?
- La música es parte de mi vida desde siempre. Desde chico mis tíos me agarraban y me enseñaban a tocar en el clave ritmos tradicionales de conga, mambo, guaguancó... Así que la música estuvo siempre ahí. Pero por haber crecido en los Estados Unidos, siempre estuve en contacto con la música americana. Mi tía me introdujo desde chico a la música funk, Rick James, Prince... así fue como fui descubriendo esa música desde muy chico, creo que tenía cinco años cuando escuché hip hop por primera vez. A los nueve o diez ya me empecé a meter más, a través del break dance. Para mí, involucrarme en el hip hop fue algo muy natural porque el hip hop es el folklore de este país.
- ¿Dirías que tus influencias en cuanto a rap van más por el estilo de la costa este?
- Sí, por que a pesar de que me crié más en California que en New York, mis orígenes están en la costa este. Y en esa época, en los comienzos, era todo New York, no había mucho de west coast todavía. Entonces mis influencias primarias fueron definitivamente de artistas como Public Enemy, Big Daddy Kane, EPMD, aunque mi máxima inspiración fue KRS-One. Yo ya estaba familarizado con KRS One desde el ‘86, Criminal Minded, en esa época yo estaba en el Bronx, así que ese fue un clásico fundamental. Pero unos cuantos años más tarde, yo tendría quince o dieciseis años y escuché a KRS en la radio haciendo un freestyle y decía: “el hombre jamaiquino es africano, el hombre protorriqueños es también africano” y yo nunca había escuchado a nadie decir eso antes. Nunca había pensado en las raíces africanas de los portorriqueños. Así que agarré la enciclopedia y me puse a leer sobre la historia de mi gente y eso me abrió la cabeza y me obligó a ver todo desde otra perspectiva. Yo sabía tocar el clave, sabía de la salsa, el adobo y sasón, conocía la bandera de Puerto Rico, pero no sabía nada de quiénes éramos y por qué somos lo que somos. Eso me cambió en otra persona totalmente. Mi estilo, mi manera de vestir y de ver a la gente, todo cambió. Por eso soy muy consciente del poder que tiene el hip hop para cambiar la vida de la gente: ¡yo soy un ejemplo viviente de ese poder!
- ¿Reconoces como influencia a algún MC latino?
- Para mí fue siempre muy difícil encontrar un MC latino con el que me identificase. Había muy pocos y los que había... Me gusta Big Pun, por cómo usaba su voz a modo de instrumento de percusión. Pero yo lo que busco es MC’s que rimen con una visión más positiva de la vida, que tengan un mensaje que valga la pena escuchar. No me importa de qué nacionalidad son o el estilo que tienen. Si no tienen nada bueno para aportar no me llaman la atención.
- ¿Qué te parece el fenómeno actual del reggaetón?
- El reggaetón es enorme ahora. Pero en Puerto Rico el reggaetón ya está desde hace mucho más de diez años. Yo empecé a visitar Puerto Rico hace trece o catorce años, una vez al año, y desde entonces ya había reggaetón. No tengo mucha conexión con lo que pasa en en hip hop portorriqueño actualmente, pero lo que recuerdo de todas las veces que estuve allí, es que los raperos de hip hop estaban en una confrontación constante con la gente del reggaetón. Muchos artistas de hip hop defienden que lo que hacen es hip hop puro y rechazan el reggaetón, pero otros se debieron adaptar al reggaetón para poder hacer un poco de dinero y pagar sus cuentas, porque el hip hop no vende tanto como el reggaetón.
- ¿Cómo afecta el fenómeno del reggaetón a los raperos latinos en los Estados Unidos?
- Desde el crossover del reggaetón, mucha gente se está interesando en eso. Clubes, productores, me contactan y me piden hacer cosas de reggaetón. Me llama un productor y me dice, tengo un nuevo beat y tiene un poco de reggaetón, ¿quieres rimar sobre el? O me llama un organizador de eventos y me pide, canta esa canción que tienes que suena como reggaetón. Porque yo tengo canciones con mi prupo Agua Libre que tienen ritmo de dancehall y el reggaetón no es más que instrumentación de música house sobre un ritmo de dancehall. Entonces como suena parecido y como soy boricua y rapeo un poco en español dicen reggaetón.
- ¿Te parece que el éxito másivo del reggaetón puede ayudar de alguna manera al rap latino?
- Mi respuesta puede ser tanto afirmativa como negativa. Sí, creo que desde un punto de vista optimista puede ser que genere más interés en los artistas latinos. Si la gente está buscando reggaetón y llega hasta mi música, para mí es mejor porque puede que se interesen en mi hip hop. No voy a hacer un disco entero de reggaetón sólo porque eso es lo que vende ahora. Yo voy a seguir haciendo mi hip hop real de raíces old school. Pero el lado mío que te quiere contestar que no, es el lado que sabe que rítmicamente y líricamente el reggaetón es muy diferente del hip hop. Por lo que he visto hasta ahora de reggaetón, y no digo que sea un experto en este género, no hay mucha conciencia en las letras del reggaetón. Creo que si los artistas quiciesen, podrían hacer letras un poco más conscientes pero su única meta es hacer a la gente bailar y punto y cumplen con esa funsión. Pero el contenido es hueco. No te deja pensando en nada. En mucho del hip hop comercial de hoy en día pasa lo mismo. Es sólo para sacudir el culo y no pensar en lo que está sucediendo en el mundo. Así que no estoy diciendo que el hip hop sea totalmente puro y esté libre de culpas, porque también está lleno de vicios.
Lo primero que se nos viene a la mente al pensar en raperos portorriqueños es el fenómeno global contemporáneo del reggaetón. Quizás los más aventurados en el hip hop piensen en Big Punisher, Fat Joe o algún otro MC de la gran manzana. A muy pocos, sin embargo, se les pasará por la cabeza considerar a la progresiva escena de hip hop underground de la Bahía de San Francisco como hogar de uno de los mejores nuevos talentos de la rima boricua.
A sus 32 años, Rico Pabón, está presentando su disco debut como rimador solista, Louder Than Fiction (Hard Knock Records, ’06), pero no es ningún novato en la matería. Asegura llevar más de 17 años en el hip hop y cuatro discos anteriores a este, que confirman su trayectoria en el under. Pero todos sus trabajos previos fueron con otras formaciones, ya sea con su grupo de rap Prophets of Rage o con la banda de jazz-funk-fusión-latina conocida actualmente como Agua Libre, pero antes llamada Omaya.
Rico nació en Queens, NY, hijo de una familia de salseros, pero se crió en Oakland California, ciudad cuya escena de hip hop ha parido a muchos de los mejores grupos de rap políticamente consciente de la actualidad (Blackalicious, Zion I, The Coup). Allí, junto a su hermano, manejan Sofrito, el único restaurante de comida tradicional portorriqueña en el este de la bahía. “cocinar y hacer música, eso es lo que hago”.
- ¿Cómo fue que te involucraste en el movimiento hip hop?
- La música es parte de mi vida desde siempre. Desde chico mis tíos me agarraban y me enseñaban a tocar en el clave ritmos tradicionales de conga, mambo, guaguancó... Así que la música estuvo siempre ahí. Pero por haber crecido en los Estados Unidos, siempre estuve en contacto con la música americana. Mi tía me introdujo desde chico a la música funk, Rick James, Prince... así fue como fui descubriendo esa música desde muy chico, creo que tenía cinco años cuando escuché hip hop por primera vez. A los nueve o diez ya me empecé a meter más, a través del break dance. Para mí, involucrarme en el hip hop fue algo muy natural porque el hip hop es el folklore de este país.
- ¿Dirías que tus influencias en cuanto a rap van más por el estilo de la costa este?
- Sí, por que a pesar de que me crié más en California que en New York, mis orígenes están en la costa este. Y en esa época, en los comienzos, era todo New York, no había mucho de west coast todavía. Entonces mis influencias primarias fueron definitivamente de artistas como Public Enemy, Big Daddy Kane, EPMD, aunque mi máxima inspiración fue KRS-One. Yo ya estaba familarizado con KRS One desde el ‘86, Criminal Minded, en esa época yo estaba en el Bronx, así que ese fue un clásico fundamental. Pero unos cuantos años más tarde, yo tendría quince o dieciseis años y escuché a KRS en la radio haciendo un freestyle y decía: “el hombre jamaiquino es africano, el hombre protorriqueños es también africano” y yo nunca había escuchado a nadie decir eso antes. Nunca había pensado en las raíces africanas de los portorriqueños. Así que agarré la enciclopedia y me puse a leer sobre la historia de mi gente y eso me abrió la cabeza y me obligó a ver todo desde otra perspectiva. Yo sabía tocar el clave, sabía de la salsa, el adobo y sasón, conocía la bandera de Puerto Rico, pero no sabía nada de quiénes éramos y por qué somos lo que somos. Eso me cambió en otra persona totalmente. Mi estilo, mi manera de vestir y de ver a la gente, todo cambió. Por eso soy muy consciente del poder que tiene el hip hop para cambiar la vida de la gente: ¡yo soy un ejemplo viviente de ese poder!
- ¿Reconoces como influencia a algún MC latino?
- Para mí fue siempre muy difícil encontrar un MC latino con el que me identificase. Había muy pocos y los que había... Me gusta Big Pun, por cómo usaba su voz a modo de instrumento de percusión. Pero yo lo que busco es MC’s que rimen con una visión más positiva de la vida, que tengan un mensaje que valga la pena escuchar. No me importa de qué nacionalidad son o el estilo que tienen. Si no tienen nada bueno para aportar no me llaman la atención.
- ¿Qué te parece el fenómeno actual del reggaetón?
- El reggaetón es enorme ahora. Pero en Puerto Rico el reggaetón ya está desde hace mucho más de diez años. Yo empecé a visitar Puerto Rico hace trece o catorce años, una vez al año, y desde entonces ya había reggaetón. No tengo mucha conexión con lo que pasa en en hip hop portorriqueño actualmente, pero lo que recuerdo de todas las veces que estuve allí, es que los raperos de hip hop estaban en una confrontación constante con la gente del reggaetón. Muchos artistas de hip hop defienden que lo que hacen es hip hop puro y rechazan el reggaetón, pero otros se debieron adaptar al reggaetón para poder hacer un poco de dinero y pagar sus cuentas, porque el hip hop no vende tanto como el reggaetón.
- ¿Cómo afecta el fenómeno del reggaetón a los raperos latinos en los Estados Unidos?
- Desde el crossover del reggaetón, mucha gente se está interesando en eso. Clubes, productores, me contactan y me piden hacer cosas de reggaetón. Me llama un productor y me dice, tengo un nuevo beat y tiene un poco de reggaetón, ¿quieres rimar sobre el? O me llama un organizador de eventos y me pide, canta esa canción que tienes que suena como reggaetón. Porque yo tengo canciones con mi prupo Agua Libre que tienen ritmo de dancehall y el reggaetón no es más que instrumentación de música house sobre un ritmo de dancehall. Entonces como suena parecido y como soy boricua y rapeo un poco en español dicen reggaetón.
- ¿Te parece que el éxito másivo del reggaetón puede ayudar de alguna manera al rap latino?
- Mi respuesta puede ser tanto afirmativa como negativa. Sí, creo que desde un punto de vista optimista puede ser que genere más interés en los artistas latinos. Si la gente está buscando reggaetón y llega hasta mi música, para mí es mejor porque puede que se interesen en mi hip hop. No voy a hacer un disco entero de reggaetón sólo porque eso es lo que vende ahora. Yo voy a seguir haciendo mi hip hop real de raíces old school. Pero el lado mío que te quiere contestar que no, es el lado que sabe que rítmicamente y líricamente el reggaetón es muy diferente del hip hop. Por lo que he visto hasta ahora de reggaetón, y no digo que sea un experto en este género, no hay mucha conciencia en las letras del reggaetón. Creo que si los artistas quiciesen, podrían hacer letras un poco más conscientes pero su única meta es hacer a la gente bailar y punto y cumplen con esa funsión. Pero el contenido es hueco. No te deja pensando en nada. En mucho del hip hop comercial de hoy en día pasa lo mismo. Es sólo para sacudir el culo y no pensar en lo que está sucediendo en el mundo. Así que no estoy diciendo que el hip hop sea totalmente puro y esté libre de culpas, porque también está lleno de vicios.
Sidestepper Anticipa Su Nuevo Disco
Por Juan Data (Originalmente publicado en LBEDigital.com, Estados Unidos, 2006)
La historia de Sidestepppers es la de un inglés y su descubrimiento y apasionamiento por la música latina. En 1992, Richard Blair se desempeñaba como ingeniero de grabación de Peter Gabriel en los estudios de Real World. Allí fue que conoció a la cantante de cumbia tradicional colombiana Totó La Momposina “y ella, bien hospitalaria como buena colombiana, me invitó a pasear por Colombia en 1993. Yo fui con planes de quedarme un mes o dos y acabé quedándome tres años y así fue como comenzó la historia...”
La historia continúa con un disco debut en 1997 del cual se imprimieron sólo mil copias. “Ni yo tengo una,” bromea Blair. More Grip, publicado en el año 2000 fue el álbum que impulsó a Sidestepper internacionalmente y tres años más tarde, su 3am (In Beats We Trust) los confirmó como líderes de la avanzada latintrónica.
El nuevo capítulo de su historia ya fue inaugurado en Colombia. Continental es el título de su más reciente trabajo, del cual aquí, por ahora, sólo se consiguen sus singles por internet. El disco no se publicará por estos lados sino hasta octubre próximo, “todavía estoy trabajando en él,” explica el londinense, “el disco será mezclado de manera diferente para el mercado americano”. Mientras tanto, Richard Blair y su banda de colombianos siguen arrasando con los escenarios californianos en sus recurrentes visitas y anticipándonos la irresistible fiesta que se viene.
- Por lo visto este nuevo disco viene con grandes cambios para Sidestepper.
- Sí. Esta banda con la que nos estamos presentando se formó en 2003. Llevamos tres años tocando juntos. Y por primera ves tenemos tocando en el escenario a la misma banda que grabó el disco en el estudio. Esa es una diferencia enorme con respecto a los trabajos anteriores. Todos los músicos con los que estamos tocando ahora aparecen en el disco nuevo y sus personalidades se dejan ver. Es un proceso diferente, lleva mucho más tiempo de compartir y conocer a las personas, ver qué estilo les va mejor para su voz...
- ¿De qué manera afectó esto a la composición?
- Bueno, esta vez hasta escribimos canciones para un vocalista en específico, lo cual nunca habíamos hecho antes. Yo me dedico básicamente a la música e Iván Benavides escribe las letras de las canciones. Este álbum está mucho más basado en las canciones, casi por accidente. Tuvimos problemas trayendo el Protools a Colombia y eso nos retrasó por cuatro meses, pero nos impulsó a componer de una manera mucho más analógica. Como resultado, el disco es mucho más orgánico. Yo también quería transportar parte de la experiencia de tocar con la banda en vivo al disco. Los discos anteriores fueron discos de estudio que luego se adaptaron para ser tocados en vivo.
- En sus comienzos Sidestepper iba más por el lado del drum & bass, luego pasó a ser más chill-out. ¿Hacia dónde va ahora el sonido de Sidestepper?
- Más hacia el afrobeat, afrocolombiano. Las armonías de las canciones estuvieron está vez a cargo del guitarrista que está muy metido en lo que es la música africana así que eso influenció mucho el sonido.
- ¿Cómo se formó esta nueva banda?
- El cantante, Janio, está desde 2000. Agregamos a dos chicas, Erika y Gloria. Erika salió salió de Popstars, la versión colombiana de American Idol, donde Iván era uno de los jueces. Ella quedó entre los diez finalistas. Gracias a dios no ganó porque las chicas que ganaron sacaron un disco que anduvo más o menos y después no pasó nada. Su premio no oficial fue formar parte de Sidestepper. Gloria es de la costa pacífica de Colombia y tiene su propia banda, ella rapea y esbribe sus propios raps. La encontraron a través de una audicion que hicieron para reemplazar al cantente anterior, que se había alejado para seguir con su carrera en solitario. Tiene mucho carisma y personalidad.
- ¿A qué crees que se debe la fascinación de tantos músicos británicos por la música latina?
- Alguien dijo una vez que cuando la gente se dedica a hacer música dance, se olvidan de ponerle la música. Es puro ritmo electrónico. Y lo que aprendí en Colombia, y que todavía estoy aprendiendo, es el fáctor diversión y la presencia humana en la fiesta. La forma en la que tocan en Colombia, deja entrever que los músicos se están divirtiendo al hacerlo y eso es algo que naturalmente te levanta el ánimo al escucharlo. Esa es la sensación que tratamos de reproducir con Sidestepper y a eso agregarle por debajo una base electrónica fuerte y sólida. Eso es lo que la música dance debería ser.
- ¿De dónde surgió la idea de repartir instrumentos musicales entre el público durante sus shows?
- Eso es algo que le vi hacer a Andrea Echeverri, una gran amiga. Yo mezclé su primer disco y fuimos amigos por muchos años. Yo era el sonidista de Aterciopelados en Bogotá antes de que se hiciesen famosos y vi lo que Andrea estaba haciendo, repartiendo instrumentos entre el público y eso se me hizo como la cosa más maravillosa, porque rompe con la barrera entre el público y la banda. Especialmente con los silbatos, hay algo como tribal en ese isntrumento, como de shamán. Además es como el mensaje de decirle a la gente que realmente estamos felices de estar ahí tocando para ellos, nos estamos divirtiendo realmente al tocar. La fiesta empieza en el escenario y desde ahí pal público. Es como una cosa de buenos modales casi, uno va a una casa ajena y trae algo, un postre, un alguito para regalar a la gente. Eso ayuda a romper el hielo y es un momento de verdad muy bonito.
La historia de Sidestepppers es la de un inglés y su descubrimiento y apasionamiento por la música latina. En 1992, Richard Blair se desempeñaba como ingeniero de grabación de Peter Gabriel en los estudios de Real World. Allí fue que conoció a la cantante de cumbia tradicional colombiana Totó La Momposina “y ella, bien hospitalaria como buena colombiana, me invitó a pasear por Colombia en 1993. Yo fui con planes de quedarme un mes o dos y acabé quedándome tres años y así fue como comenzó la historia...”
La historia continúa con un disco debut en 1997 del cual se imprimieron sólo mil copias. “Ni yo tengo una,” bromea Blair. More Grip, publicado en el año 2000 fue el álbum que impulsó a Sidestepper internacionalmente y tres años más tarde, su 3am (In Beats We Trust) los confirmó como líderes de la avanzada latintrónica.
El nuevo capítulo de su historia ya fue inaugurado en Colombia. Continental es el título de su más reciente trabajo, del cual aquí, por ahora, sólo se consiguen sus singles por internet. El disco no se publicará por estos lados sino hasta octubre próximo, “todavía estoy trabajando en él,” explica el londinense, “el disco será mezclado de manera diferente para el mercado americano”. Mientras tanto, Richard Blair y su banda de colombianos siguen arrasando con los escenarios californianos en sus recurrentes visitas y anticipándonos la irresistible fiesta que se viene.
- Por lo visto este nuevo disco viene con grandes cambios para Sidestepper.
- Sí. Esta banda con la que nos estamos presentando se formó en 2003. Llevamos tres años tocando juntos. Y por primera ves tenemos tocando en el escenario a la misma banda que grabó el disco en el estudio. Esa es una diferencia enorme con respecto a los trabajos anteriores. Todos los músicos con los que estamos tocando ahora aparecen en el disco nuevo y sus personalidades se dejan ver. Es un proceso diferente, lleva mucho más tiempo de compartir y conocer a las personas, ver qué estilo les va mejor para su voz...
- ¿De qué manera afectó esto a la composición?
- Bueno, esta vez hasta escribimos canciones para un vocalista en específico, lo cual nunca habíamos hecho antes. Yo me dedico básicamente a la música e Iván Benavides escribe las letras de las canciones. Este álbum está mucho más basado en las canciones, casi por accidente. Tuvimos problemas trayendo el Protools a Colombia y eso nos retrasó por cuatro meses, pero nos impulsó a componer de una manera mucho más analógica. Como resultado, el disco es mucho más orgánico. Yo también quería transportar parte de la experiencia de tocar con la banda en vivo al disco. Los discos anteriores fueron discos de estudio que luego se adaptaron para ser tocados en vivo.
- En sus comienzos Sidestepper iba más por el lado del drum & bass, luego pasó a ser más chill-out. ¿Hacia dónde va ahora el sonido de Sidestepper?
- Más hacia el afrobeat, afrocolombiano. Las armonías de las canciones estuvieron está vez a cargo del guitarrista que está muy metido en lo que es la música africana así que eso influenció mucho el sonido.
- ¿Cómo se formó esta nueva banda?
- El cantante, Janio, está desde 2000. Agregamos a dos chicas, Erika y Gloria. Erika salió salió de Popstars, la versión colombiana de American Idol, donde Iván era uno de los jueces. Ella quedó entre los diez finalistas. Gracias a dios no ganó porque las chicas que ganaron sacaron un disco que anduvo más o menos y después no pasó nada. Su premio no oficial fue formar parte de Sidestepper. Gloria es de la costa pacífica de Colombia y tiene su propia banda, ella rapea y esbribe sus propios raps. La encontraron a través de una audicion que hicieron para reemplazar al cantente anterior, que se había alejado para seguir con su carrera en solitario. Tiene mucho carisma y personalidad.
- ¿A qué crees que se debe la fascinación de tantos músicos británicos por la música latina?
- Alguien dijo una vez que cuando la gente se dedica a hacer música dance, se olvidan de ponerle la música. Es puro ritmo electrónico. Y lo que aprendí en Colombia, y que todavía estoy aprendiendo, es el fáctor diversión y la presencia humana en la fiesta. La forma en la que tocan en Colombia, deja entrever que los músicos se están divirtiendo al hacerlo y eso es algo que naturalmente te levanta el ánimo al escucharlo. Esa es la sensación que tratamos de reproducir con Sidestepper y a eso agregarle por debajo una base electrónica fuerte y sólida. Eso es lo que la música dance debería ser.
- ¿De dónde surgió la idea de repartir instrumentos musicales entre el público durante sus shows?
- Eso es algo que le vi hacer a Andrea Echeverri, una gran amiga. Yo mezclé su primer disco y fuimos amigos por muchos años. Yo era el sonidista de Aterciopelados en Bogotá antes de que se hiciesen famosos y vi lo que Andrea estaba haciendo, repartiendo instrumentos entre el público y eso se me hizo como la cosa más maravillosa, porque rompe con la barrera entre el público y la banda. Especialmente con los silbatos, hay algo como tribal en ese isntrumento, como de shamán. Además es como el mensaje de decirle a la gente que realmente estamos felices de estar ahí tocando para ellos, nos estamos divirtiendo realmente al tocar. La fiesta empieza en el escenario y desde ahí pal público. Es como una cosa de buenos modales casi, uno va a una casa ajena y trae algo, un postre, un alguito para regalar a la gente. Eso ayuda a romper el hielo y es un momento de verdad muy bonito.
SKA CUBANO: Dando clase de historia
Por Juan Data (Originalmente publicado en LBEDigital.com, Estados Unidos, 2006)
Los latinos estamos más que familiarizados con la música ska. Desde Los Fabulosos Cadillacs en adelante, pasando por Maldita Vecindad, Los De Abajo, Desorden Público, La Vela Puerca, hasta King Changó, la fusión de ska con ritmos tradicionales centro y sudamericanos ha sido prácticamente una constante por casi dos décadas. Por eso es que de entrada no nos sorprende un grupo que se propone mostrarnos una versión cubana del ska.
La sorpresa llega más tarde, cuando nos enteramos que dicho grupo es en realidad originario de Inglaterra y que, paradógicamente, nos invita a un paseo por la historia de esta música caribeña desde sus orígenes en Jamaica, buscando el eslabón perdido de la conexión Jamaica-Cuba. Su intención es escribir una versión alternativa de la historia, en una línea de tiempo improbablemente paralela, en la que Cuba no sufrió el aislamiento del resto de las islas del Caribe y aquel intercambio que existía entre músicos de una y otra isla hasta los años cincuenta se mantuvo intacto. En otras palabras: ¿Cómo sonaría la música ska si se hubiese desarrollado en Cuba?
Esa es la premisa inicial de Ska Cubano, un grupo que surgió como un proyecto experimental paralelo de Natty Bo, reconocido historiador de la música ska y cantante del grupo TopCats (uno de los nombres principales de la escena ska londinense contemporánea) quién invitado por el productor Peter A. Scott, se aventuró hasta Santiago De Cuba en una exploración musical-arqueológica.
A diferencia de la mayoría de la escena de ska británico, Natty Bo se interesó desde siempre más por las raíces originales del género que por la versión popularizada en los finales de los 70’s y comienzos de los 80’s por lo que se dio en llamar la segunda ola del ska, con grupos como Madness y The Specials (la tercera ola fue en los 90’s en Estados Unidos con Mighty Mighty Boostones, Rancid, No Doubt...).
Eso es justamente lo que distancia enormemente a Ska Cubano del sin fin de grupos de ska latinoamericano, ya que estos últimos en su mayoría se sumaron al ska a partir de la segunda ola, influenciados por los grupos londinenses que fusinaban el género con el punk de la época y luego le agregaron sobre eso el elemento latino a su música. Natty Bo recorrió el camino a la inversa y partiendo del ska original de los 60’s, invitó a músicos cubanos y al cantante sonero Beny Billy a tocar ska -un ritmo para ellos desconocido- como si el ska hubiese continuado su desarrollo natural en cuba, de la mano del son, la rumba, el mambo y el cha-cha-cha. “Yo me imaginé cómo sería el ska si se tocase en Cuba y a partir de ahí creamos el concepto de un grupo cubano de ska”.
“Desde que era muy chico, crecí escuchando mucho blues y jazz,” recuerda Natty Bo, un londinense de 40 años de edad y origen judío al que cuesta imaginarse interesado en la música latina, “luego reggae y de ahí al ska, el ska original jamaiquino, como The Skatalites. Cuando era adolescente escuché por un tiempo el ska inglés que estaba de moda en esa época, el two-tone influenciado por el punk, pero después volví a enfocarme en el ska original y a investigar su historia.”
El interés por el elemento latino en el ska, llegó más tarde, buscando las influencias originales de los primeros músicos de ska jamaiquinos. “Donde yo crecí no se escuchaba, ni se conocía prácticamente nada de música cubana, conocía quizás un poco de cha-cha-cha, Pérez Prado, el mambo... No era la música cubana lo que me interesaba particularmente, sino su historia, las conexiones con otros estilos musicales, en especial africanos, en sus orígenes. En algunas cosas de los Skatalites se podían advertir ciertas influencias cubanas, por ejemplo, tienen temas con ritmo de mambo. Yo siempre fui un coleccionista de discos viejos y así que empecé a buscar discos que se pareciesen a eso. Así llegué a Benny Moré, la cumbia colombiana...”
¡Ay Caramba! Es el título de su primer trabajo en publicarse en los Estados Unidos, a través del sello Cumbancha y fue grabado en su totalidad en un estudio análogo en Cuba, con músicos invitados locales, por lo que si bien la apuesta es innovadora, es sonido es clásico y hasta retro, combinando composiciones propias con covers de temas populares. “Ensayamos mucho allá cuando fuimos a grabar el disco y nos juntábamos a tocar en las calles con músicos locales y la gente se reunía a vernos improvisar,” comenta Natty quién asegura que su mayor deseo es ir de gira a Cuba a presentarse formalmente en un escenario con Ska Cubano.
- ¿Eres conciente de que el ska es uno de los ritmos más populares en Latinoamérica y que hay cientos de bandas que vienen desde hace años fusionando el género con ritmos latinos?
- Sí, sí, hay muchísimas bandas de ska latino, lo sé. Me viene a la mente ahora Desorden Público, de hace un tiempo. No he visto mucho, pero sí sé de su existencia. En su mayoría combinan el ska con ritmos latinos pero desde otra perspectiva, porque sus influencias primarias de ska son del ska-punk inglés que es mucho más rápido que el ska
original. Entonces suenan totalmente distintas a lo que intentamos hacer nosotros.
Los latinos estamos más que familiarizados con la música ska. Desde Los Fabulosos Cadillacs en adelante, pasando por Maldita Vecindad, Los De Abajo, Desorden Público, La Vela Puerca, hasta King Changó, la fusión de ska con ritmos tradicionales centro y sudamericanos ha sido prácticamente una constante por casi dos décadas. Por eso es que de entrada no nos sorprende un grupo que se propone mostrarnos una versión cubana del ska.
La sorpresa llega más tarde, cuando nos enteramos que dicho grupo es en realidad originario de Inglaterra y que, paradógicamente, nos invita a un paseo por la historia de esta música caribeña desde sus orígenes en Jamaica, buscando el eslabón perdido de la conexión Jamaica-Cuba. Su intención es escribir una versión alternativa de la historia, en una línea de tiempo improbablemente paralela, en la que Cuba no sufrió el aislamiento del resto de las islas del Caribe y aquel intercambio que existía entre músicos de una y otra isla hasta los años cincuenta se mantuvo intacto. En otras palabras: ¿Cómo sonaría la música ska si se hubiese desarrollado en Cuba?
Esa es la premisa inicial de Ska Cubano, un grupo que surgió como un proyecto experimental paralelo de Natty Bo, reconocido historiador de la música ska y cantante del grupo TopCats (uno de los nombres principales de la escena ska londinense contemporánea) quién invitado por el productor Peter A. Scott, se aventuró hasta Santiago De Cuba en una exploración musical-arqueológica.
A diferencia de la mayoría de la escena de ska británico, Natty Bo se interesó desde siempre más por las raíces originales del género que por la versión popularizada en los finales de los 70’s y comienzos de los 80’s por lo que se dio en llamar la segunda ola del ska, con grupos como Madness y The Specials (la tercera ola fue en los 90’s en Estados Unidos con Mighty Mighty Boostones, Rancid, No Doubt...).
Eso es justamente lo que distancia enormemente a Ska Cubano del sin fin de grupos de ska latinoamericano, ya que estos últimos en su mayoría se sumaron al ska a partir de la segunda ola, influenciados por los grupos londinenses que fusinaban el género con el punk de la época y luego le agregaron sobre eso el elemento latino a su música. Natty Bo recorrió el camino a la inversa y partiendo del ska original de los 60’s, invitó a músicos cubanos y al cantante sonero Beny Billy a tocar ska -un ritmo para ellos desconocido- como si el ska hubiese continuado su desarrollo natural en cuba, de la mano del son, la rumba, el mambo y el cha-cha-cha. “Yo me imaginé cómo sería el ska si se tocase en Cuba y a partir de ahí creamos el concepto de un grupo cubano de ska”.
“Desde que era muy chico, crecí escuchando mucho blues y jazz,” recuerda Natty Bo, un londinense de 40 años de edad y origen judío al que cuesta imaginarse interesado en la música latina, “luego reggae y de ahí al ska, el ska original jamaiquino, como The Skatalites. Cuando era adolescente escuché por un tiempo el ska inglés que estaba de moda en esa época, el two-tone influenciado por el punk, pero después volví a enfocarme en el ska original y a investigar su historia.”
El interés por el elemento latino en el ska, llegó más tarde, buscando las influencias originales de los primeros músicos de ska jamaiquinos. “Donde yo crecí no se escuchaba, ni se conocía prácticamente nada de música cubana, conocía quizás un poco de cha-cha-cha, Pérez Prado, el mambo... No era la música cubana lo que me interesaba particularmente, sino su historia, las conexiones con otros estilos musicales, en especial africanos, en sus orígenes. En algunas cosas de los Skatalites se podían advertir ciertas influencias cubanas, por ejemplo, tienen temas con ritmo de mambo. Yo siempre fui un coleccionista de discos viejos y así que empecé a buscar discos que se pareciesen a eso. Así llegué a Benny Moré, la cumbia colombiana...”
¡Ay Caramba! Es el título de su primer trabajo en publicarse en los Estados Unidos, a través del sello Cumbancha y fue grabado en su totalidad en un estudio análogo en Cuba, con músicos invitados locales, por lo que si bien la apuesta es innovadora, es sonido es clásico y hasta retro, combinando composiciones propias con covers de temas populares. “Ensayamos mucho allá cuando fuimos a grabar el disco y nos juntábamos a tocar en las calles con músicos locales y la gente se reunía a vernos improvisar,” comenta Natty quién asegura que su mayor deseo es ir de gira a Cuba a presentarse formalmente en un escenario con Ska Cubano.
- ¿Eres conciente de que el ska es uno de los ritmos más populares en Latinoamérica y que hay cientos de bandas que vienen desde hace años fusionando el género con ritmos latinos?
- Sí, sí, hay muchísimas bandas de ska latino, lo sé. Me viene a la mente ahora Desorden Público, de hace un tiempo. No he visto mucho, pero sí sé de su existencia. En su mayoría combinan el ska con ritmos latinos pero desde otra perspectiva, porque sus influencias primarias de ska son del ska-punk inglés que es mucho más rápido que el ska
original. Entonces suenan totalmente distintas a lo que intentamos hacer nosotros.
MANU CHAO: Vocero de los inmigrantes ilegales.
Por Juan Data (Originalmente publicado en El Mensajero, San Francisco, 2006)
Allí por el año 1992, conmemorando el quinto centenario del descubrimiento Europeo de América, un barco repleto de artistas franceses se lanzó a las aguas del Atlántico con una misión, que los latinoamericanos descubriesen la música y las artes de Francia. El proyecto se llamó Cargo 92 y dentro de los músicos que allí se embarcaron estaba la banda Mano Negra.
El impacto que Mano Negra tuvo en la música latinoamericana fue brutal y sus consecuencias siguen siendo evidentes hasta nuestros días. La agrupación, liderada por este simpático francés de padres españoles llamado Manu Chao, fue esencial en el proceso de emancipación del rock latino, que hasta entonces no era más que una copia traducida del rock angloparlante. Manu Chao y los suyos cambiaron de una vez y para siempre la manera de hacer y entender el rock latino al enseñarle a las nuevas generaciones de músicos a no avergonzarse de sus raíces y explorar su folklore en busca de influencias auténticas y originales.
Actualmente Manu Chao, convertido en solista, es uno de los músicos más reconocidos del planeta. Con su banda, Radio Bemba, ha recorrido los confines de este mundo y recolectado infintas sonoridades, melodías y experiencias que hacen a su identidad musical tan única, revolucionaria y global. Desde el año 2001 que Manu Chao no visitaba los Estados Unidos y hacían por lo menos quince años que no se presentaba en la Bahía de San Francisco, por eso, su show del pasado 28 de Julio en Berkeley fue uno de los más esperados de los últimos tiempos.
“A donde sea que voy siempre me preguntan lo mismo: ¿por qué me tarde tanto tiempo en regresar?” comentó Manu en la conferencia de prensa previa a su show, “y es que lamentablemente no puedo estar en todos los lugares que quiciera al mismo tiempo. Tampoco nos gusta hacer giras interminables de un año o dos, como hacen otros artistas. Nosotros giramos por un mes, un mes y medio y luego descansamos. El peor enemigo del rock es la rutina” .
Conocido como el vocero mundial de los nómadas e inmigrantes clandestinos, la opinión de este incansable trotamundos con respecto a tema de la imigración es más que oportuna en un momento como el actual: “No es un fenómeno de aquí únicamente. En Europa está sucediendo exactamente lo mismo con los africanos. Es algo que se está dando simultáneamente en todo el mundo. Todos los días mueren personas ahogadas cruzando el Mediterráneo. Los políticos se llenan la boca diciendo que se debe acabar con la inmigración clandestina, pero no hacen nada, porque los que mandan no son los políticos sino la economía y la economía del primer mundo se nutre de la mano de obra barata de los clandestinos. A la economía le conviene que sigan siendo clandestinos para poder seguir explotándolos”.
Manu Chao es también famoso por su dedicación a las causas sociales y su abierto apoyo a grupos revolucionarios como el EZLN de México, de quienes flameó una bandera durante la mitad de su show. Preguntado sobre su visión de la situación política que se vive actualmente en Sudamérica, donde gobiernos de varios países se inclinan cada vez más hacia la izquierda, comentó: “Es una luz. Lo que se está viendo ahora en Latinoamérica es una señal positiva sin duda, pero los cambios son lentos, no se van a ver en un año o dos, hay que esperar al menos diez años. Además el poder que tienen los políticos para hacer cambios reales es cada vez más limitado. Los que marcan las reglas del juego son las grandes coporaciones económicas multinacionales. Los políticos sólo pueden hacer pequeños cambios aquí y allá mientras no afecten a la economía global que viene impuesta desde arriba”.
Por último se refirió al mundial de fútbol pasado: “A mí me gusta el buen fútbol. El juego bonito. Más allá de las banderas y las nacionalidades. El mundial me da un poco de miedo por esa cosa de enfrentamiento fanático entre naciones. Tengo pasaporte Francés y pasaporte Español, pero no le voy a ningún país,” dijo el músico que siempre se presenta en vivo con camisetas de equipos de fútbol del tecer mundo y hasta le ha dedicado una canción a Diego Maradona, “tuve la oportunidad de conocerlo el año pasado. El director de cine Emir Kusturica está trabajando en un proyecto de una película sobre él y me invitó a colaborar con una canción y ya la hice, veremos si queda. Yo soy un gran admirador de los dos, Maradona y Kusturica”.
Allí por el año 1992, conmemorando el quinto centenario del descubrimiento Europeo de América, un barco repleto de artistas franceses se lanzó a las aguas del Atlántico con una misión, que los latinoamericanos descubriesen la música y las artes de Francia. El proyecto se llamó Cargo 92 y dentro de los músicos que allí se embarcaron estaba la banda Mano Negra.
El impacto que Mano Negra tuvo en la música latinoamericana fue brutal y sus consecuencias siguen siendo evidentes hasta nuestros días. La agrupación, liderada por este simpático francés de padres españoles llamado Manu Chao, fue esencial en el proceso de emancipación del rock latino, que hasta entonces no era más que una copia traducida del rock angloparlante. Manu Chao y los suyos cambiaron de una vez y para siempre la manera de hacer y entender el rock latino al enseñarle a las nuevas generaciones de músicos a no avergonzarse de sus raíces y explorar su folklore en busca de influencias auténticas y originales.
Actualmente Manu Chao, convertido en solista, es uno de los músicos más reconocidos del planeta. Con su banda, Radio Bemba, ha recorrido los confines de este mundo y recolectado infintas sonoridades, melodías y experiencias que hacen a su identidad musical tan única, revolucionaria y global. Desde el año 2001 que Manu Chao no visitaba los Estados Unidos y hacían por lo menos quince años que no se presentaba en la Bahía de San Francisco, por eso, su show del pasado 28 de Julio en Berkeley fue uno de los más esperados de los últimos tiempos.
“A donde sea que voy siempre me preguntan lo mismo: ¿por qué me tarde tanto tiempo en regresar?” comentó Manu en la conferencia de prensa previa a su show, “y es que lamentablemente no puedo estar en todos los lugares que quiciera al mismo tiempo. Tampoco nos gusta hacer giras interminables de un año o dos, como hacen otros artistas. Nosotros giramos por un mes, un mes y medio y luego descansamos. El peor enemigo del rock es la rutina” .
Conocido como el vocero mundial de los nómadas e inmigrantes clandestinos, la opinión de este incansable trotamundos con respecto a tema de la imigración es más que oportuna en un momento como el actual: “No es un fenómeno de aquí únicamente. En Europa está sucediendo exactamente lo mismo con los africanos. Es algo que se está dando simultáneamente en todo el mundo. Todos los días mueren personas ahogadas cruzando el Mediterráneo. Los políticos se llenan la boca diciendo que se debe acabar con la inmigración clandestina, pero no hacen nada, porque los que mandan no son los políticos sino la economía y la economía del primer mundo se nutre de la mano de obra barata de los clandestinos. A la economía le conviene que sigan siendo clandestinos para poder seguir explotándolos”.
Manu Chao es también famoso por su dedicación a las causas sociales y su abierto apoyo a grupos revolucionarios como el EZLN de México, de quienes flameó una bandera durante la mitad de su show. Preguntado sobre su visión de la situación política que se vive actualmente en Sudamérica, donde gobiernos de varios países se inclinan cada vez más hacia la izquierda, comentó: “Es una luz. Lo que se está viendo ahora en Latinoamérica es una señal positiva sin duda, pero los cambios son lentos, no se van a ver en un año o dos, hay que esperar al menos diez años. Además el poder que tienen los políticos para hacer cambios reales es cada vez más limitado. Los que marcan las reglas del juego son las grandes coporaciones económicas multinacionales. Los políticos sólo pueden hacer pequeños cambios aquí y allá mientras no afecten a la economía global que viene impuesta desde arriba”.
Por último se refirió al mundial de fútbol pasado: “A mí me gusta el buen fútbol. El juego bonito. Más allá de las banderas y las nacionalidades. El mundial me da un poco de miedo por esa cosa de enfrentamiento fanático entre naciones. Tengo pasaporte Francés y pasaporte Español, pero no le voy a ningún país,” dijo el músico que siempre se presenta en vivo con camisetas de equipos de fútbol del tecer mundo y hasta le ha dedicado una canción a Diego Maradona, “tuve la oportunidad de conocerlo el año pasado. El director de cine Emir Kusturica está trabajando en un proyecto de una película sobre él y me invitó a colaborar con una canción y ya la hice, veremos si queda. Yo soy un gran admirador de los dos, Maradona y Kusturica”.
KINKY- LOS REYES DE LA FIESTA
Por Juan Data (Originalmente publicado en LBEDigital.com, Estados Unidos, 2006)
Si el segundo disco después de un debut exitoso, es el disco más difícil en la evolución de una banda, el tercero ha de ser la reafirmación definitiva del estilo y la personalidad del grupo.
Kinky nació como una propuesta original y exitosa y se expandió a la velocidad de la luz, llegando a sitios donde ninguna otra agrupación de música con base en Latinoamérica había llegado anteriormente (bandas de sonido de películas de Hollywoods, programas de televisión, anuncios comerciales...). Su segundo trabajo de estudio, Atlas, pegó un giro quizás demasiado abrupto y por muchos incomprendido: los que esperaban más música electrónica bailable con arreglos norteños, se encontraron en cambio un disco de canciones con estructura más rockera. Ahora les llegó la hora del tercero y es su deber confirmarse como lo que en esencia son, una de lás mejores party-bands que jamás hayan salido de México y, obviamente, el mejor producto de exportación de la música latina para la audiencia anglosajona.
Reina, tal el nombre de este nuevo disco, logra sus dos cometidos y a nivel sonoro, se ubica sabiamente a mitad de camino entre Kinky y Atlas. “Nosotros teníamos como la intención de retomar un poco la raíz electrónica y dance sobre todo,” comenta Gil Cerezo, el vocalista del grupo, “y pues el amor también por hacer canciones en la estructura que hicimos en Atlas. Entonces creo que surgió una conjugación conveniente de lo que eran los dos discos y como que no pierde nunca la identidad de Kinky. Atlas, a algunos le pareció bueno, a otros malo. A lo mejor el cambio fue muy radical para un segundo disco. En este tercero como que ya se asentó todo lo que era Kinky”.
A diferencia de sus dos álbumes anteriores, registrados para el sello inglés Sonic 360 bajo la producción de Chris Allison, Reina fue grabado de manera independiente, con la producción a cargo del mismo grupo y en su estudio propio en Los Angeles, California. Esto les dio más tiempo y espacio para experimentar con nuevas técnicas e invitar a músicos amigos que pasaban de visita: Ely Guerra (a quién la prensa del corazón relacionó con el cantante de Kinky en su momento) hace coros en una canción y también se cuelan Colin Hay, líder de Men At Work y Rick Muñoz, acordeonista de los norteños Los Intocables (a quienes Kinky ya se habían dado el lujo de remixar).
El regreso a la predominancia del sonido del acoredeón fue una de las claves de Reina. Fue gracias a esa fusión de acordeón con beats de house, que Kinky sorprendió a miles cuando hace cinco años atrás debutó con “Cornman”. Atlas, sin embargo, no tenía ni un tema que ocupase el lugar de aquel primer hit y quizás por eso, en Reina se lo despacharon en la primera canción, “Sister Twisted”. “Ulises se compró uno de los rancheros,” comenta Gil en relación al Ulises Lozano, tecladista y acordeonista del grupo, “es diferente a los acordeones más tangueros, los de rancheros son de botones en vez de teclas de piano y tienen otro sonido. Como estuvimos ahí un año sin tourear, Ulises se dedicó a aprender a tocar el acoredeón norteño. Y por eso salió más ahí a relucir”.
También, en este nuevo disco, se luce más al bajo, con sus grooves de funk, como los que escuchamos en “Más” otro de sus primeros hits. “Siempre ha sido una parte importante dentro del sonido de Kinky,” explica Carlos Chairez. guitarrista. “La composición se basa mucho en grooves. En este disco se siente mucho. No sólo es el bajo en sí sino también muchos sintetizadores análogos”. La única ausencia notable, a comparación del primer trabajo, es la de las tornamesas, que, a cargo de Gilberto Cerezo, le habían aportado al Kinky primigenio un guiño de originalidad inesperado, “es algo que fue quedando en el pasado y ya no es parte fundamental en el sonido de Kinky”.
Reina, cuyo nombre hace referencia a las fiestas de quinceañeras (“en México las fiestas de quinceañera son una exageración total en todos los sentidos y nosotros queríamos mostrar un poco esa idea”), sale a la venta casi en simultáneo con un disco de “rarities” publicado en tirada limitada por Sonic 360, sello con el que rompieron relaciones después de su segundo trabajo. “Son temas que habían quedado descartados de los discos anteriores y remezclas que quedaron en el catálogo de Sonic 360”. Pero ellos parecen no tenerle miedo a tener que competir con sí mismos, con su nuevo disco oficial que lanzaron a través de su propio sello, Kin-Kon y distribuirán en los Estados Unidos a través de Netwerk.
Así y todo, la clave del éxito de Kinky, estará siempre en sus impecables presentaciones en vivo, donde derrochan energía y eso, según nos explica Gil, no ha cambiado ni va a cambiar, sino que por el contrario, con el tiempo “nos estamos volviendo cada vez mas punk, cuando destruímos las cosas (risas). Nos gusta mucho el descontrol, el ruido. En vivo es mucho más noisy que el disco.” Y se nota. Kinky es una banda que vale la pena experimentar en sus dos versiones.
Si el segundo disco después de un debut exitoso, es el disco más difícil en la evolución de una banda, el tercero ha de ser la reafirmación definitiva del estilo y la personalidad del grupo.
Kinky nació como una propuesta original y exitosa y se expandió a la velocidad de la luz, llegando a sitios donde ninguna otra agrupación de música con base en Latinoamérica había llegado anteriormente (bandas de sonido de películas de Hollywoods, programas de televisión, anuncios comerciales...). Su segundo trabajo de estudio, Atlas, pegó un giro quizás demasiado abrupto y por muchos incomprendido: los que esperaban más música electrónica bailable con arreglos norteños, se encontraron en cambio un disco de canciones con estructura más rockera. Ahora les llegó la hora del tercero y es su deber confirmarse como lo que en esencia son, una de lás mejores party-bands que jamás hayan salido de México y, obviamente, el mejor producto de exportación de la música latina para la audiencia anglosajona.
Reina, tal el nombre de este nuevo disco, logra sus dos cometidos y a nivel sonoro, se ubica sabiamente a mitad de camino entre Kinky y Atlas. “Nosotros teníamos como la intención de retomar un poco la raíz electrónica y dance sobre todo,” comenta Gil Cerezo, el vocalista del grupo, “y pues el amor también por hacer canciones en la estructura que hicimos en Atlas. Entonces creo que surgió una conjugación conveniente de lo que eran los dos discos y como que no pierde nunca la identidad de Kinky. Atlas, a algunos le pareció bueno, a otros malo. A lo mejor el cambio fue muy radical para un segundo disco. En este tercero como que ya se asentó todo lo que era Kinky”.
A diferencia de sus dos álbumes anteriores, registrados para el sello inglés Sonic 360 bajo la producción de Chris Allison, Reina fue grabado de manera independiente, con la producción a cargo del mismo grupo y en su estudio propio en Los Angeles, California. Esto les dio más tiempo y espacio para experimentar con nuevas técnicas e invitar a músicos amigos que pasaban de visita: Ely Guerra (a quién la prensa del corazón relacionó con el cantante de Kinky en su momento) hace coros en una canción y también se cuelan Colin Hay, líder de Men At Work y Rick Muñoz, acordeonista de los norteños Los Intocables (a quienes Kinky ya se habían dado el lujo de remixar).
El regreso a la predominancia del sonido del acoredeón fue una de las claves de Reina. Fue gracias a esa fusión de acordeón con beats de house, que Kinky sorprendió a miles cuando hace cinco años atrás debutó con “Cornman”. Atlas, sin embargo, no tenía ni un tema que ocupase el lugar de aquel primer hit y quizás por eso, en Reina se lo despacharon en la primera canción, “Sister Twisted”. “Ulises se compró uno de los rancheros,” comenta Gil en relación al Ulises Lozano, tecladista y acordeonista del grupo, “es diferente a los acordeones más tangueros, los de rancheros son de botones en vez de teclas de piano y tienen otro sonido. Como estuvimos ahí un año sin tourear, Ulises se dedicó a aprender a tocar el acoredeón norteño. Y por eso salió más ahí a relucir”.
También, en este nuevo disco, se luce más al bajo, con sus grooves de funk, como los que escuchamos en “Más” otro de sus primeros hits. “Siempre ha sido una parte importante dentro del sonido de Kinky,” explica Carlos Chairez. guitarrista. “La composición se basa mucho en grooves. En este disco se siente mucho. No sólo es el bajo en sí sino también muchos sintetizadores análogos”. La única ausencia notable, a comparación del primer trabajo, es la de las tornamesas, que, a cargo de Gilberto Cerezo, le habían aportado al Kinky primigenio un guiño de originalidad inesperado, “es algo que fue quedando en el pasado y ya no es parte fundamental en el sonido de Kinky”.
Reina, cuyo nombre hace referencia a las fiestas de quinceañeras (“en México las fiestas de quinceañera son una exageración total en todos los sentidos y nosotros queríamos mostrar un poco esa idea”), sale a la venta casi en simultáneo con un disco de “rarities” publicado en tirada limitada por Sonic 360, sello con el que rompieron relaciones después de su segundo trabajo. “Son temas que habían quedado descartados de los discos anteriores y remezclas que quedaron en el catálogo de Sonic 360”. Pero ellos parecen no tenerle miedo a tener que competir con sí mismos, con su nuevo disco oficial que lanzaron a través de su propio sello, Kin-Kon y distribuirán en los Estados Unidos a través de Netwerk.
Así y todo, la clave del éxito de Kinky, estará siempre en sus impecables presentaciones en vivo, donde derrochan energía y eso, según nos explica Gil, no ha cambiado ni va a cambiar, sino que por el contrario, con el tiempo “nos estamos volviendo cada vez mas punk, cuando destruímos las cosas (risas). Nos gusta mucho el descontrol, el ruido. En vivo es mucho más noisy que el disco.” Y se nota. Kinky es una banda que vale la pena experimentar en sus dos versiones.
GUSTAVO CERATI DE GIRA POR LOS ESTADOS UNIDOS
Por Juan Data (originalmente publicado en El Mensajero, San Francisco, 2006)
Hablar de Gustavo Cerati es hablar de uno de los pilares fundamentales sobre los que se ha construido el rock de toda Latinoamérica durante las últimas dos décadas. Estando al frente de Soda Stereo, fue el responsable principal de la expansión del género por países donde o era un fenómeno subterráneo o directamente no existía.
A partir de la ruptura del trío original de Buenos Aires en 1997, Gustavo se embarcó en una carrera solista que tuvo su apogeo dos años más tarde con la edición del insuperable Bocanada. Luego vino Siempre Es Hoy (recibido con críticas dispares por la prensa y los fans) y ahora es el turno de Ahí Vamos. Entre medio, y también en paralelo con esos tres álbumes, Cerati se mantuvo ocupado produciendo a otros artistas (Shakira fue la más reciente), elaborando oscuros proyectos de música electrónica (Ocio y Plan V), diseñando la banda de sonido de una película (+ Bien) y hasta se dio el gusto de grabar versiones de sus mejores composiciones con una orquesta sinfónica.
Actualmente se encuentra de gira por los Estados Unidos, presentando su último trabajo oficial de estudio. La semana pasada se presentó en el Central Park de New York frente a una colorida multitud de latinos de todas partes que le corearon al unísono su ya clásico estribillo “gracias por venir” de la canción “Puente”. Pero antes de eso se sentó unos miuntos a charlar en exclusiva con El Mensajero y esto es lo que nos contó.
EM- En tu nuevo disco, Ahí Vamos, hay como un regreso al sonido tradicional de Soda Stereo. ¿A qué se debe este mirar hacia atrás, después de haber estado en la vanguardia con Bocanada?
GC- Yo siempre dije que no era vanguardia, yo creo que se creyeron un cuento que nunca fue. Lo que pasa es que en relación a otras músicas que suenan por ahí, parece que lo mío fuera vanguardia. Pero a mí me parece que es como faltarle el respeto a los que realmente hacen vanguardia, gente que expande los límites de la música con cosas insospechadas. Gente que ni siquiera está dentro de la esfera del pop como estoy yo. Pero me gusta incorporar un poco de esos elementos en mi música. Lo que pasa que en este disco lo que quice, más que un regreso, que no lo siento tan así aunque hay algo de eso también, lo que quice fue tratar de simplificar todo. De alguna manera lograr un disco clásico de rock. Eso es lo que buscaba. Eso me parece conciliatorio con muchas épocas mías anteriores, pero también tiene que ver con una evolución. Cuando grabé Bocanada, yo me estaba tratando de alejar del sonido de Soda Stereo después de la separación. Es como cuando rompiste con una novia que era rubia y estás buscando una morocha. Y era la posibilidad para mí de bucear en otros océanos. En este disco me liberé un poco de todos esos prejuicios, dije ¿por qué no?
EM- ¿Quedó atrás tu fascinación con la música electrónica?
GC- No, no hay nada que yo sienta que haya dejado atrás definitivamente. Es como cuando la gente me pregunta por Soda Stereo, es muy difícil ponerse en esa actitud de decir “ya fue, no hay más nada”, no sabés a dónde te va a llevar la vida. Todo eso convive en mí. No es que ahora reniegue de la electrónica porque hice un disco de rock. También hay una parte mía que explora por esos lugares y que va a seguir haciéndolo seguro.
EM- ¿Cómo fue tu experiencia como productor de artistas como Leo García, Nicole y Shakira?
GC- Es como un aprendizaje, ¿no? Especialmente lo que hice con Leo García, que es un artista al que admiro muchísimo. Lo de Nicole fue en una época en la que yo intentaba escaparme de Soda Stereo. En ese momento estaba viviendo en Chile y... ¡la culpa de todo la tienen mis hijos, la verdad es esa! Tanto Nicole como Shakira, a mis hijos les gustaban mucho, entonces es un mandato muy ferte que tus hijos te digan eso. Te llama Shakira y te dice ¿querés producir un disco? Y tus hijos están “dale, dale”. Si bien son músicas muy diferentes y a lo mejor parecen mundos no muy conciliables, yo aprendo mucho de eso. Shakira me resultó, además, una persona muy dulce, muy agradable y me dio toda la libertad.
EM- Es innegable la influencia que ha tenido Soda Stereo sobre casi todo el rock latino. ¿Crees que esa influencia sigue expandiéndose con tu carrera solista?
GC- No sé si se da de la misma manera, porque Soda Stereo desencadenó un impacto masivo muy poderoso y despertó mucho los deseos de adolescentes de Latinoamérica de hacer música. En ese sentido, Soda Stereo funcionó realmente como un disparador. Yo me acuerdo de llegar a Colombia, a Venezuela o a México, donde si bien ya había música de rock, no tenía la preponderancia que tenía en Argentina. Había rock, pero como escondido detrás de un velo de lo poco popular. Soda Stereo movió toda esa cosa. Es mucha la gente que todavía hoy me dice, yo gracias a Soda Stereo me dediqué a la música. Supongo que también pasará conmigo en algún aspecto pero no lo sé muy bien. Me gusta que lo que yo haga inspire. Hay artistas realmente importantes que me dicen lo importante que fue para ellos la influencia de Soda y eso para mí está buenísimo.
EM- Nuevamente estás de gira por los Estados Unidos y otra vez San Francisco quedó fuera del mapa del tour.
GC- No tengo idea por qué. Yo también me pregunto eso y no entiendo muy bien por qué. San Francisco es una ciudad que me encanta y donde hay muchos latinos también. Pero obviamente no depende de que yo diga vamos a tocar en San Francisco, tiene que haber un productor interesado, así que si conocen a uno díganle...
Hablar de Gustavo Cerati es hablar de uno de los pilares fundamentales sobre los que se ha construido el rock de toda Latinoamérica durante las últimas dos décadas. Estando al frente de Soda Stereo, fue el responsable principal de la expansión del género por países donde o era un fenómeno subterráneo o directamente no existía.
A partir de la ruptura del trío original de Buenos Aires en 1997, Gustavo se embarcó en una carrera solista que tuvo su apogeo dos años más tarde con la edición del insuperable Bocanada. Luego vino Siempre Es Hoy (recibido con críticas dispares por la prensa y los fans) y ahora es el turno de Ahí Vamos. Entre medio, y también en paralelo con esos tres álbumes, Cerati se mantuvo ocupado produciendo a otros artistas (Shakira fue la más reciente), elaborando oscuros proyectos de música electrónica (Ocio y Plan V), diseñando la banda de sonido de una película (+ Bien) y hasta se dio el gusto de grabar versiones de sus mejores composiciones con una orquesta sinfónica.
Actualmente se encuentra de gira por los Estados Unidos, presentando su último trabajo oficial de estudio. La semana pasada se presentó en el Central Park de New York frente a una colorida multitud de latinos de todas partes que le corearon al unísono su ya clásico estribillo “gracias por venir” de la canción “Puente”. Pero antes de eso se sentó unos miuntos a charlar en exclusiva con El Mensajero y esto es lo que nos contó.
EM- En tu nuevo disco, Ahí Vamos, hay como un regreso al sonido tradicional de Soda Stereo. ¿A qué se debe este mirar hacia atrás, después de haber estado en la vanguardia con Bocanada?
GC- Yo siempre dije que no era vanguardia, yo creo que se creyeron un cuento que nunca fue. Lo que pasa es que en relación a otras músicas que suenan por ahí, parece que lo mío fuera vanguardia. Pero a mí me parece que es como faltarle el respeto a los que realmente hacen vanguardia, gente que expande los límites de la música con cosas insospechadas. Gente que ni siquiera está dentro de la esfera del pop como estoy yo. Pero me gusta incorporar un poco de esos elementos en mi música. Lo que pasa que en este disco lo que quice, más que un regreso, que no lo siento tan así aunque hay algo de eso también, lo que quice fue tratar de simplificar todo. De alguna manera lograr un disco clásico de rock. Eso es lo que buscaba. Eso me parece conciliatorio con muchas épocas mías anteriores, pero también tiene que ver con una evolución. Cuando grabé Bocanada, yo me estaba tratando de alejar del sonido de Soda Stereo después de la separación. Es como cuando rompiste con una novia que era rubia y estás buscando una morocha. Y era la posibilidad para mí de bucear en otros océanos. En este disco me liberé un poco de todos esos prejuicios, dije ¿por qué no?
EM- ¿Quedó atrás tu fascinación con la música electrónica?
GC- No, no hay nada que yo sienta que haya dejado atrás definitivamente. Es como cuando la gente me pregunta por Soda Stereo, es muy difícil ponerse en esa actitud de decir “ya fue, no hay más nada”, no sabés a dónde te va a llevar la vida. Todo eso convive en mí. No es que ahora reniegue de la electrónica porque hice un disco de rock. También hay una parte mía que explora por esos lugares y que va a seguir haciéndolo seguro.
EM- ¿Cómo fue tu experiencia como productor de artistas como Leo García, Nicole y Shakira?
GC- Es como un aprendizaje, ¿no? Especialmente lo que hice con Leo García, que es un artista al que admiro muchísimo. Lo de Nicole fue en una época en la que yo intentaba escaparme de Soda Stereo. En ese momento estaba viviendo en Chile y... ¡la culpa de todo la tienen mis hijos, la verdad es esa! Tanto Nicole como Shakira, a mis hijos les gustaban mucho, entonces es un mandato muy ferte que tus hijos te digan eso. Te llama Shakira y te dice ¿querés producir un disco? Y tus hijos están “dale, dale”. Si bien son músicas muy diferentes y a lo mejor parecen mundos no muy conciliables, yo aprendo mucho de eso. Shakira me resultó, además, una persona muy dulce, muy agradable y me dio toda la libertad.
EM- Es innegable la influencia que ha tenido Soda Stereo sobre casi todo el rock latino. ¿Crees que esa influencia sigue expandiéndose con tu carrera solista?
GC- No sé si se da de la misma manera, porque Soda Stereo desencadenó un impacto masivo muy poderoso y despertó mucho los deseos de adolescentes de Latinoamérica de hacer música. En ese sentido, Soda Stereo funcionó realmente como un disparador. Yo me acuerdo de llegar a Colombia, a Venezuela o a México, donde si bien ya había música de rock, no tenía la preponderancia que tenía en Argentina. Había rock, pero como escondido detrás de un velo de lo poco popular. Soda Stereo movió toda esa cosa. Es mucha la gente que todavía hoy me dice, yo gracias a Soda Stereo me dediqué a la música. Supongo que también pasará conmigo en algún aspecto pero no lo sé muy bien. Me gusta que lo que yo haga inspire. Hay artistas realmente importantes que me dicen lo importante que fue para ellos la influencia de Soda y eso para mí está buenísimo.
EM- Nuevamente estás de gira por los Estados Unidos y otra vez San Francisco quedó fuera del mapa del tour.
GC- No tengo idea por qué. Yo también me pregunto eso y no entiendo muy bien por qué. San Francisco es una ciudad que me encanta y donde hay muchos latinos también. Pero obviamente no depende de que yo diga vamos a tocar en San Francisco, tiene que haber un productor interesado, así que si conocen a uno díganle...
Tuesday, July 11, 2006
Babasónicos: Tan Freaks y Tan Populares
Por Juan Data (Originalmente Publicado en LBEDigital.com, 2006)
Babasónicos han sido siempre una rareza en el bestiario del rock latino. Lo más inexplicable del fenómeno, sin embargo, quizás sea la manera en que alcanzaron el éxito masivo. ¿Cómo una banda que se caracterizó históricamente por ser los bichos raros, inclasificables, de la vanguardia underground argentina, llegó a convertirse en una de las más populares del país sin cambiar radicalmente su fórmula ni “normalizar” su rareza?
Si analizamos su discografía, veremos que entre Miami (uno de sus discos más injustamente pasados por alto en su momento) y Jessico (el que los consagró y les abrió las puertas del mainstream) no hubo ningún abismal cambio en cuanto a la propuesta estilística. Queda entonces la teoría de que ellos no cambiaron, pero sí cambió el público que, repentinamente empezó a entenderlos y apreciarlos y quedará para futuros estudios sociológicos la explicación de tan peculiar fenómeno.
Sin duda adelantados a su tiempo, los Babasónicos dicen ser los mismos excéntricos de hace quince años y que la fórmula para seguir sorprendiendo con cada disco está en sorprenderse a sí mismos. De eso hablamos con Diego Rodríguez, mejor conocido como Uma-T, guitarristas y hermano de Adrián Dárgelos, la voz y la cara de la rareza babasónica
- ¿Cómo analizas la evolución que hubo entre Jessico y su disco más reciente, Anoche?
- En realidad es una evolución más o menos natural. La banda, cambia disco a disco, de una manera radical, porque lo que intentamos es sorprendernos a nosotros mismos. Después de estar constantemente haciendo canciones desde hace tantos años, lo que más nos cuesta es lograr la sorpresa con nosotros mismos. Eso nos da el indicio de que evolucionamos porque la verdad que cuando el artista se queda estancado en un ritmo, un tipo de canción o melodía, se empieza a aburrir. Yo creo que lo más difícil de estos últimos tres discos es que después de haber hecho tantos, lograr hacer uno diferente y que sea bueno, que sea lindo de escuchar para nosostros es muy difícil.
- ¿A qué se debe que se hayan decidido por un sonido, si se quiere, más rockero?
- Anoche es más rustico y rockero porque lo pensamos así, es un disco que fue pensado o casi diseñado para tocarlo en vivo, nos parecía que lo que mejor estábamos haciendo en vivo era un swing dinámico entre nosotros que no tenía nada que ver con máquinas o sequencers, como a pura sangre. Eso cambia de raíz la forma de componer, termina generando una obra mucho más dinámica y como te decía más rockera.
- ¿No es contradictorio que sea este el camino escogido cuando su mayor éxito alcanzado fue con Jessico, el disco más electrónico y dance de la banda?
- Es algo que se va dando y nos vamos dando cuenta cuando empezamos a tocar el disco en vivo. Por ejemplo, Anoche te hace tocar de una forma diferente y eso después te cambia para la composición del próximo.
- En los 90’s ser Babasónicos era sinónimo de alternatividad, de posmodernidad. ¿Qué significa para ustedes ser Babasónicos en este punto de su carrera, aceptación masiva mediante?
- Yo lo que siento es lo mismo del principio, en cuanto a que nosotros seguimos explorando la mejor canción posible, la que más nos guste, la que más pegue y ahonde en la mentalidad de las personas. Los grandes temas que logran un cambio en los demás, marcan una epoca y cada vez que los escuchás te remiten a toda una época, porque el artista te llevó a ese lugar. Lo que tratamos de hacer es discos que después se tranformen en clásicos. Me encantaría que un disco nuestro sea un clásico del rock nacional. Y poco a poco creo que lo vamos logrando. En nuestro pasado teníamos poca fama, pero nunca nos interesó la fama. Ahora lo que tenemos no es estrictamente fama, sino que somos más populares que es algo mucho más lindo; ser un artista popular. Después de haber pasado por todas las otras situaciones ¿no?, después de haber sido del under, contraculturales, pasar a ser de las bandas más grandes del circuito, a ser una de las más chicas del mainstream y de ahí a ser ahora una banda ya prácticamente masiva...
- ¿Este cambio del underground al mainstream, sienten que los limita de alguna manera, que les infiere alguna clase de responsabilidad extra o los obliga a madurar?
- No, porque como te decía, lo más difícil es sorprenderse a uno mismo que es el juez más difícil de todos y nosotros no claudicamos en eso. Hacer una cosa que no nos gusta, solo por ser vanguardista, es horrible. A veces las bandas después de hacer un disco muy exitoso se tiran a hacer un disco difícil, que no lo entiende nadie y tiene muy pocas ventas. Nosotros ya lo hicimos eso, ya tuvimos nuestro disco difícil, ya experimentamos con todo, los sonidos, los espacios con silencio... Ahora estamos experimentando con melodías que tocan cosas dentro del cuerpo de las personas. Que los obliga a bailar y los obliga a pensar en algo... lograr la hipnosis. Somos una banda que escucha mucha música y lo mismo que nos causa a nosotros la música, es lo que queremos causarle a los demás.
- Hablando de experimentación, en el pasado se les ha dado por experimentar con cuanto género musical se cruzó en su camino, del rap a la bossa nova y del disco al metal. De Jessico en adelante pareciera que esa búsqueda se terminó y encontraron finalmente el estilo babasónico puro. ¿Es así?
- Sí, lo que sucede con estos últimos discos es que tocamos tanta cantidad de shows que sabemos cuales ritmos nos favorecen a la dinámica y dónde podemos lograr esa hipnosis, cuando arriba del escenario más que una persona, somos personajes en trance. Hemos logrado divisar cuáles son los ritmos que nos favorecen a ese punto. Eso fue lo que creo que nos pasó. Fue un cambio muy natural y la forma en que nos fue aceptando el medio también fue muy natural.
- Cada uno de los últimos tres discos fue clasificado por la prensa como el mejor disco de su carrera. ¿Ustedes comparten esa sensación de constante apogeo?
- Nosotros preferiríamos no sacar un disco si no es el mejor que sacamos hasta el momento. En realidad no es el mejor, sino el que más nos gusta. Un disco bueno o un disco malo no lo juzga la ventas o la prensa, lo juzga el que uno lo escuche y le pueda entrar. Es muy difícil, porque hay discos muy bien tocados que son horribles ¿o no?
Babasónicos han sido siempre una rareza en el bestiario del rock latino. Lo más inexplicable del fenómeno, sin embargo, quizás sea la manera en que alcanzaron el éxito masivo. ¿Cómo una banda que se caracterizó históricamente por ser los bichos raros, inclasificables, de la vanguardia underground argentina, llegó a convertirse en una de las más populares del país sin cambiar radicalmente su fórmula ni “normalizar” su rareza?
Si analizamos su discografía, veremos que entre Miami (uno de sus discos más injustamente pasados por alto en su momento) y Jessico (el que los consagró y les abrió las puertas del mainstream) no hubo ningún abismal cambio en cuanto a la propuesta estilística. Queda entonces la teoría de que ellos no cambiaron, pero sí cambió el público que, repentinamente empezó a entenderlos y apreciarlos y quedará para futuros estudios sociológicos la explicación de tan peculiar fenómeno.
Sin duda adelantados a su tiempo, los Babasónicos dicen ser los mismos excéntricos de hace quince años y que la fórmula para seguir sorprendiendo con cada disco está en sorprenderse a sí mismos. De eso hablamos con Diego Rodríguez, mejor conocido como Uma-T, guitarristas y hermano de Adrián Dárgelos, la voz y la cara de la rareza babasónica
- ¿Cómo analizas la evolución que hubo entre Jessico y su disco más reciente, Anoche?
- En realidad es una evolución más o menos natural. La banda, cambia disco a disco, de una manera radical, porque lo que intentamos es sorprendernos a nosotros mismos. Después de estar constantemente haciendo canciones desde hace tantos años, lo que más nos cuesta es lograr la sorpresa con nosotros mismos. Eso nos da el indicio de que evolucionamos porque la verdad que cuando el artista se queda estancado en un ritmo, un tipo de canción o melodía, se empieza a aburrir. Yo creo que lo más difícil de estos últimos tres discos es que después de haber hecho tantos, lograr hacer uno diferente y que sea bueno, que sea lindo de escuchar para nosostros es muy difícil.
- ¿A qué se debe que se hayan decidido por un sonido, si se quiere, más rockero?
- Anoche es más rustico y rockero porque lo pensamos así, es un disco que fue pensado o casi diseñado para tocarlo en vivo, nos parecía que lo que mejor estábamos haciendo en vivo era un swing dinámico entre nosotros que no tenía nada que ver con máquinas o sequencers, como a pura sangre. Eso cambia de raíz la forma de componer, termina generando una obra mucho más dinámica y como te decía más rockera.
- ¿No es contradictorio que sea este el camino escogido cuando su mayor éxito alcanzado fue con Jessico, el disco más electrónico y dance de la banda?
- Es algo que se va dando y nos vamos dando cuenta cuando empezamos a tocar el disco en vivo. Por ejemplo, Anoche te hace tocar de una forma diferente y eso después te cambia para la composición del próximo.
- En los 90’s ser Babasónicos era sinónimo de alternatividad, de posmodernidad. ¿Qué significa para ustedes ser Babasónicos en este punto de su carrera, aceptación masiva mediante?
- Yo lo que siento es lo mismo del principio, en cuanto a que nosotros seguimos explorando la mejor canción posible, la que más nos guste, la que más pegue y ahonde en la mentalidad de las personas. Los grandes temas que logran un cambio en los demás, marcan una epoca y cada vez que los escuchás te remiten a toda una época, porque el artista te llevó a ese lugar. Lo que tratamos de hacer es discos que después se tranformen en clásicos. Me encantaría que un disco nuestro sea un clásico del rock nacional. Y poco a poco creo que lo vamos logrando. En nuestro pasado teníamos poca fama, pero nunca nos interesó la fama. Ahora lo que tenemos no es estrictamente fama, sino que somos más populares que es algo mucho más lindo; ser un artista popular. Después de haber pasado por todas las otras situaciones ¿no?, después de haber sido del under, contraculturales, pasar a ser de las bandas más grandes del circuito, a ser una de las más chicas del mainstream y de ahí a ser ahora una banda ya prácticamente masiva...
- ¿Este cambio del underground al mainstream, sienten que los limita de alguna manera, que les infiere alguna clase de responsabilidad extra o los obliga a madurar?
- No, porque como te decía, lo más difícil es sorprenderse a uno mismo que es el juez más difícil de todos y nosotros no claudicamos en eso. Hacer una cosa que no nos gusta, solo por ser vanguardista, es horrible. A veces las bandas después de hacer un disco muy exitoso se tiran a hacer un disco difícil, que no lo entiende nadie y tiene muy pocas ventas. Nosotros ya lo hicimos eso, ya tuvimos nuestro disco difícil, ya experimentamos con todo, los sonidos, los espacios con silencio... Ahora estamos experimentando con melodías que tocan cosas dentro del cuerpo de las personas. Que los obliga a bailar y los obliga a pensar en algo... lograr la hipnosis. Somos una banda que escucha mucha música y lo mismo que nos causa a nosotros la música, es lo que queremos causarle a los demás.
- Hablando de experimentación, en el pasado se les ha dado por experimentar con cuanto género musical se cruzó en su camino, del rap a la bossa nova y del disco al metal. De Jessico en adelante pareciera que esa búsqueda se terminó y encontraron finalmente el estilo babasónico puro. ¿Es así?
- Sí, lo que sucede con estos últimos discos es que tocamos tanta cantidad de shows que sabemos cuales ritmos nos favorecen a la dinámica y dónde podemos lograr esa hipnosis, cuando arriba del escenario más que una persona, somos personajes en trance. Hemos logrado divisar cuáles son los ritmos que nos favorecen a ese punto. Eso fue lo que creo que nos pasó. Fue un cambio muy natural y la forma en que nos fue aceptando el medio también fue muy natural.
- Cada uno de los últimos tres discos fue clasificado por la prensa como el mejor disco de su carrera. ¿Ustedes comparten esa sensación de constante apogeo?
- Nosotros preferiríamos no sacar un disco si no es el mejor que sacamos hasta el momento. En realidad no es el mejor, sino el que más nos gusta. Un disco bueno o un disco malo no lo juzga la ventas o la prensa, lo juzga el que uno lo escuche y le pueda entrar. Es muy difícil, porque hay discos muy bien tocados que son horribles ¿o no?
Bitman & Roban: Ladrones de Guante Blanco
Por Juan Data (Originalmente Publicado en LBEDigital.com, 2006)
Bitman & Roban, no sólo son la banda con el nombre más ingenioso que jamás se le haya ocurrido a un artista de hip hop latinoamericano, también son la avanzada de la escena chilena en cuanto a la introducción de este tipo de música en los Estados Unidos. Gracias al nuevo sello independiente Nacional Records, Bitman y Roban se han convertido en el primer grupo de hip hop chileno en tener su disco publicado en este país, lo cual tiene especial importancia si tenemos en consideración que Chile cuenta con una de las escenas de hip hop más ricas y más aventuradas en cuanto a la exploración musical de toda Latinoamerica.
Ahora bien, cuando hablamos de hip hop aquí para explicar a Bitman & Roban lo hacemos refiriéndonos a la definición tradicional/histórica del hip hop: música compuesta con tornamesas en base al reciclaje de trozos de música ya existente de artistas varios con un groove de funk como eje central y sobre la que, no necesariamente, pero pueden subirse al micrófono MC’s invitados a despachar sus rimas. En otras palabras, Bitman & Roban sí son hip hop, pero absolutamente nada tienen que ver con la concepción contemporánea distorsionada del rap corporativizado (bling-bling, gangsterismo, machismo, etc.) por lo cual es comprensible que a la hora de catalogarlos muchas veces se los haya denominado como música electrónica, lounge, down-tempo, break beat u otros neologísmos de esa clase.
Bitman & Roban surge en Santiago de Chile en el año ‘99 de la unión de DJ Bitman y Christian Powditch. Bitman, también conocido como José Bravo, pero para sus amigos Toto, nació hace 31 años en Arica, la ciudad más al norte de Chile. “Desde chico siempre me había gustado pasar música en las fiestas. Siempre hice música de manera punk, sin estudiar mucho, nada en realidad, aprendiendo de oído. Cuando llegué a Santiago, en el año ‘97, al año siguiente ya tenía mis tornamesas y ya tenía contacto con todos los grupos de hip hop de la escena”.
Christian Powditch, por su parte, venía de la música electrónica, había participado en el proyecto Plan V de Gustavo Cerati pre-Bocanada. “El vivía muy cerca de donde yo tenía mi estudio así que pasaba casi todos los días y empezamos a hacer música de una manera... sampleando, sampleando y después lo empezamos a ordenar. El venía de la vertiente electrónica pura y esa fue un poco la mezcla que en ese momento acá en chile por lo menos llamó mucho la atención porque se sabía algo de electronica y se sabía algo de hip hop, pero las dos cosas juntas era algo que acá no había.”
En el año 2000 sacaron su primer disco “Hurtos” al que le siguió dos años más tarde “Robar Es Natural” el cual fue nominado ese mismo año en los premios de La Banda Elástica dentro de la categoría de mejor disco importado/no publicado en los Estados Unidos (el ganador de esa categoría fue Gotan Project cuyo álbum debut fue finalmente lanzado al mercado un par de meses más tarde). A continuación le tocó a Bitman el turno de lanzarse como solista con su disco Sunset Beats, para luego volver a reunirse con Roban, que ahora ya no era sólo Christian Powditch, sino toda una banda de ladrones profesionales y sacar el tercer disco: “Música Para Después Del Almuerzo”.
-A pesar de los cambios de formación y de que ya dejaron hace rato de ser un simple dúo, siguen manteniendo el nombre de Bitman & Roban.
Bitman- Nosotros dos seguimos siempre a la cabeza, en este disco yo un poco más porque decidí atribuirme la producción del disco. Después de que sacamos “Robar es Natural” yo hice un disco solitario y en ese momento ya estaba trabajando con Roberto Titae Lindl, que es el bajista de Los Tres y con el baterista de Los Tetas para tocar en vivo. Y así fue como empezó a crecer un poco el núcleo y ahí nos dimos cuenta de que en vivo cambiaba mucho la cosa cuando había dos, tres, cuatro personas más arriba del escenario, por lo tanto yo ya no podía volver atrás y así nos converitmos en una orquesta porque esto ya no es una banda, hoy día llegamos a ser diez o doce personas arriba del escenario y es algo demasiado potente, muy bueno.
-Esto, me imagino, debe haber afectado también la manera de componer.
Bitman -Claro, al principio todo era samplers y si faltaba algo lo sampleábamos y lo poníamos. Hoy día dejamos mucho espacio, el sampler es sólo como el eje central nomás, es una guía solamente, pero lo demás está todo tocado. El tema de los samplers se mantiene intacto, la gente logra seguir reconociendo los samplers. Pero todo el color que tiene el disco está dado gracias a cómo están grabados los intrumentos.
- Parte del concepto original de Bitman & Roban era el utilizar sampleos de sonidos bien fáciles de reconocer, de artistas muy populares. ¿Esto les ha traído alguna clase de inconveniente legal por el tema de la violación del copyright?
Bitman -No todavía. No sé hasta que punto van a encontrar a un grupo gracioso y simpático para escuchar y cuándo vamos a cruzar esa linea de llegar a ser ya un grupo peligroso. Hasta ahora no hemos tenido ningún problema. Creo que el hecho de haber sacado el disco “Robar es Natural”, que traía a Lionel Richie cantando en una canción... estoy seguro que la gente que está a cargo de sus derechos no ha escuchado esa canción. Tampoco ha sido editado en otras partes fuera de Chile, o sea, es un trabajo que nos dio a conocer en términos de difusión, pero no creo que sea factible sacarlo afuera. Por eso que el disco este último, claro, tiene algunos samplers, pero son bastante inofensivos, son de grupos conocidos (Kool & The Gang, Kurtis Blow...), pero han sido utilizados de una manera bastante inocente. Y tampoco el tema se nutre al cien por ciento de los samplers. Yo creo que si los mismos artistas que grabaron esos temas escucharan lo que se hizo, aprobarían de todas maneras su uso, porque en el fondo nosotros estamos haciendo algo distinto. No nos estamos colgando de esos samplers para hacer música, lo estamos usando porque es algo que forma parte del patrimonio musical mundial. Nada más que eso. Como un artista gráfico que trabaja con fotografías de distintos autores y hace un collage de tal manera que nadie puede decir nada porque se está haciendo algo nuevo.
- Hiciste varios remixes para diferentes artistas. Quizás el más reconocido sea la versión de “Putita” que hiciste para el disco de remezclas de Babasónicos.
Bitman- Lo de Babasónicos surgió a través del sello de acá, tuve la suerte de conocerlos porque me invitaron a su camarín antes de salir a tocar, ya que estaba por hacerles un remix. También he estado trabajando con los Plastilina Mosh. Estuve haciendo remixes también para gente de acá como Makiza. A Los Tetas siempre les hice remixes de todos sus discos. También remixé a Angel Parra Trío, en un tema que hicieron, Café con Leche, y a Rock Hudson que es otra banda de acá. Hago también bastante música para publicidad, televisión y algunos soundtracks de películas... para poder vivir de la música ¿no? sin tener que convertirme en el Daddy Yankee.
- ¿Cuál es la relación de Bitman & Roban con el hip hop chileno? ¿Se consideran parte de esa escena?
Bitman- Estamos ligados a la escena hip hop pero de una manera bastante especial. Todos saben que Bitman & Roban es un grupo que suena hip hop, pero que no es un grupo de rapperos. Entonces hay un gran respeto en todos los ámbitos de la música porque nosotros tocamos un poco de todo y eso es lo interesante que tiene este grupo. El eje central es el funk, pero usamos samplers de todo tipo, no nos limitamos a eso, sampleamos a José Feliciano, Alberto Cortez, no importa, de todo tipo de música
- ¿Cómo ves al hip hop chileno a nivel de exportación?
Bitman- Hay muy buen hip hop acá. Hay mucho en todos lados... en cada país con su identidad, es un fenómeno global. Hoy puede salir un grupo famoso de hip hop árabe, mañana uno chino y pasado uno chileno. Entonces en el mercado internacional, la entrada es muy pequeña para tanta gente que hay. Los que llegan son los que hacen algo un poco más interesante que se diferencia de la gran mayoría. Muchos que hacen hip hop acá, tratan de sonar como 50 Cents, entonces nunca van a llegar a pegar en Estados Unidos porque de eso ya hay de sobra. Pero yo creo que también hay mucha gente que está haciendo cosas muy interesantes, pero todo basado en la mezcla de cosas, de hacer algo que vaya más allá del hip hop.
Bitman & Roban, no sólo son la banda con el nombre más ingenioso que jamás se le haya ocurrido a un artista de hip hop latinoamericano, también son la avanzada de la escena chilena en cuanto a la introducción de este tipo de música en los Estados Unidos. Gracias al nuevo sello independiente Nacional Records, Bitman y Roban se han convertido en el primer grupo de hip hop chileno en tener su disco publicado en este país, lo cual tiene especial importancia si tenemos en consideración que Chile cuenta con una de las escenas de hip hop más ricas y más aventuradas en cuanto a la exploración musical de toda Latinoamerica.
Ahora bien, cuando hablamos de hip hop aquí para explicar a Bitman & Roban lo hacemos refiriéndonos a la definición tradicional/histórica del hip hop: música compuesta con tornamesas en base al reciclaje de trozos de música ya existente de artistas varios con un groove de funk como eje central y sobre la que, no necesariamente, pero pueden subirse al micrófono MC’s invitados a despachar sus rimas. En otras palabras, Bitman & Roban sí son hip hop, pero absolutamente nada tienen que ver con la concepción contemporánea distorsionada del rap corporativizado (bling-bling, gangsterismo, machismo, etc.) por lo cual es comprensible que a la hora de catalogarlos muchas veces se los haya denominado como música electrónica, lounge, down-tempo, break beat u otros neologísmos de esa clase.
Bitman & Roban surge en Santiago de Chile en el año ‘99 de la unión de DJ Bitman y Christian Powditch. Bitman, también conocido como José Bravo, pero para sus amigos Toto, nació hace 31 años en Arica, la ciudad más al norte de Chile. “Desde chico siempre me había gustado pasar música en las fiestas. Siempre hice música de manera punk, sin estudiar mucho, nada en realidad, aprendiendo de oído. Cuando llegué a Santiago, en el año ‘97, al año siguiente ya tenía mis tornamesas y ya tenía contacto con todos los grupos de hip hop de la escena”.
Christian Powditch, por su parte, venía de la música electrónica, había participado en el proyecto Plan V de Gustavo Cerati pre-Bocanada. “El vivía muy cerca de donde yo tenía mi estudio así que pasaba casi todos los días y empezamos a hacer música de una manera... sampleando, sampleando y después lo empezamos a ordenar. El venía de la vertiente electrónica pura y esa fue un poco la mezcla que en ese momento acá en chile por lo menos llamó mucho la atención porque se sabía algo de electronica y se sabía algo de hip hop, pero las dos cosas juntas era algo que acá no había.”
En el año 2000 sacaron su primer disco “Hurtos” al que le siguió dos años más tarde “Robar Es Natural” el cual fue nominado ese mismo año en los premios de La Banda Elástica dentro de la categoría de mejor disco importado/no publicado en los Estados Unidos (el ganador de esa categoría fue Gotan Project cuyo álbum debut fue finalmente lanzado al mercado un par de meses más tarde). A continuación le tocó a Bitman el turno de lanzarse como solista con su disco Sunset Beats, para luego volver a reunirse con Roban, que ahora ya no era sólo Christian Powditch, sino toda una banda de ladrones profesionales y sacar el tercer disco: “Música Para Después Del Almuerzo”.
-A pesar de los cambios de formación y de que ya dejaron hace rato de ser un simple dúo, siguen manteniendo el nombre de Bitman & Roban.
Bitman- Nosotros dos seguimos siempre a la cabeza, en este disco yo un poco más porque decidí atribuirme la producción del disco. Después de que sacamos “Robar es Natural” yo hice un disco solitario y en ese momento ya estaba trabajando con Roberto Titae Lindl, que es el bajista de Los Tres y con el baterista de Los Tetas para tocar en vivo. Y así fue como empezó a crecer un poco el núcleo y ahí nos dimos cuenta de que en vivo cambiaba mucho la cosa cuando había dos, tres, cuatro personas más arriba del escenario, por lo tanto yo ya no podía volver atrás y así nos converitmos en una orquesta porque esto ya no es una banda, hoy día llegamos a ser diez o doce personas arriba del escenario y es algo demasiado potente, muy bueno.
-Esto, me imagino, debe haber afectado también la manera de componer.
Bitman -Claro, al principio todo era samplers y si faltaba algo lo sampleábamos y lo poníamos. Hoy día dejamos mucho espacio, el sampler es sólo como el eje central nomás, es una guía solamente, pero lo demás está todo tocado. El tema de los samplers se mantiene intacto, la gente logra seguir reconociendo los samplers. Pero todo el color que tiene el disco está dado gracias a cómo están grabados los intrumentos.
- Parte del concepto original de Bitman & Roban era el utilizar sampleos de sonidos bien fáciles de reconocer, de artistas muy populares. ¿Esto les ha traído alguna clase de inconveniente legal por el tema de la violación del copyright?
Bitman -No todavía. No sé hasta que punto van a encontrar a un grupo gracioso y simpático para escuchar y cuándo vamos a cruzar esa linea de llegar a ser ya un grupo peligroso. Hasta ahora no hemos tenido ningún problema. Creo que el hecho de haber sacado el disco “Robar es Natural”, que traía a Lionel Richie cantando en una canción... estoy seguro que la gente que está a cargo de sus derechos no ha escuchado esa canción. Tampoco ha sido editado en otras partes fuera de Chile, o sea, es un trabajo que nos dio a conocer en términos de difusión, pero no creo que sea factible sacarlo afuera. Por eso que el disco este último, claro, tiene algunos samplers, pero son bastante inofensivos, son de grupos conocidos (Kool & The Gang, Kurtis Blow...), pero han sido utilizados de una manera bastante inocente. Y tampoco el tema se nutre al cien por ciento de los samplers. Yo creo que si los mismos artistas que grabaron esos temas escucharan lo que se hizo, aprobarían de todas maneras su uso, porque en el fondo nosotros estamos haciendo algo distinto. No nos estamos colgando de esos samplers para hacer música, lo estamos usando porque es algo que forma parte del patrimonio musical mundial. Nada más que eso. Como un artista gráfico que trabaja con fotografías de distintos autores y hace un collage de tal manera que nadie puede decir nada porque se está haciendo algo nuevo.
- Hiciste varios remixes para diferentes artistas. Quizás el más reconocido sea la versión de “Putita” que hiciste para el disco de remezclas de Babasónicos.
Bitman- Lo de Babasónicos surgió a través del sello de acá, tuve la suerte de conocerlos porque me invitaron a su camarín antes de salir a tocar, ya que estaba por hacerles un remix. También he estado trabajando con los Plastilina Mosh. Estuve haciendo remixes también para gente de acá como Makiza. A Los Tetas siempre les hice remixes de todos sus discos. También remixé a Angel Parra Trío, en un tema que hicieron, Café con Leche, y a Rock Hudson que es otra banda de acá. Hago también bastante música para publicidad, televisión y algunos soundtracks de películas... para poder vivir de la música ¿no? sin tener que convertirme en el Daddy Yankee.
- ¿Cuál es la relación de Bitman & Roban con el hip hop chileno? ¿Se consideran parte de esa escena?
Bitman- Estamos ligados a la escena hip hop pero de una manera bastante especial. Todos saben que Bitman & Roban es un grupo que suena hip hop, pero que no es un grupo de rapperos. Entonces hay un gran respeto en todos los ámbitos de la música porque nosotros tocamos un poco de todo y eso es lo interesante que tiene este grupo. El eje central es el funk, pero usamos samplers de todo tipo, no nos limitamos a eso, sampleamos a José Feliciano, Alberto Cortez, no importa, de todo tipo de música
- ¿Cómo ves al hip hop chileno a nivel de exportación?
Bitman- Hay muy buen hip hop acá. Hay mucho en todos lados... en cada país con su identidad, es un fenómeno global. Hoy puede salir un grupo famoso de hip hop árabe, mañana uno chino y pasado uno chileno. Entonces en el mercado internacional, la entrada es muy pequeña para tanta gente que hay. Los que llegan son los que hacen algo un poco más interesante que se diferencia de la gran mayoría. Muchos que hacen hip hop acá, tratan de sonar como 50 Cents, entonces nunca van a llegar a pegar en Estados Unidos porque de eso ya hay de sobra. Pero yo creo que también hay mucha gente que está haciendo cosas muy interesantes, pero todo basado en la mezcla de cosas, de hacer algo que vaya más allá del hip hop.
GECKO TURNER: Tu Próximo Favorito
Por Juan Data (originalmente publicado en LBEDigital.com, 2006)
De vez en cuando llega a nuestras manos un disco tan refrescante e innovador que uno se pregunta ¿dónde estaba este artista escondido todo este tiempo? ¿cómo puede ser que no hayamos oído hablar antes de alguien tan bueno?
Gecko Turner no estaba exactamente escondido, sino que en su España natal ya tenía cierto renombre y trayectoria con proyectos anteriores como Perroflauta y The Animal Crackers, pero no fue hasta su reciente debut solista que saltó al mapa de la música internacional.
Original de la provincia de Extremadura, de “un pueblecito que está a unos setenta, ochenta kilómetros de Badajoz. Justito en la frontera con Portugal,” Gecko se crió escuchando música afroamericana, en oposición al flamenco reinante de la zona. El blues y el soul de hecho, forman el esqueleto “afromeño” sobre el que se erige su primer disco, Guapapasea (Quango, 2006) que abre con una sorpresiva reinterpretación traducida de un clásico de Bob Dylan: “Subterrean Homesick Blues”.
Pero a medida que los temas van pasando, el espectro sonoro se va inflitrando de percusiones de samba brasileña, grooves de bajos funky, melodías y atmósferas caribeñas (balanceándose entre Jamaica y Cuba) lo cual, sumado a las letras trilingües (español, portugués e inglés), llenas de guiños ingeniosos, con algo de contenido social y mucho slang acuñado por el propio cantante, nos hacen pensar en un suerte de Manu Chao, aunque un tanto más cool y relajado y mucho menos punk.
- ¿Qué clase de nombre es Gecko Turner para un artista español? Uno se esperaría Manolo García...
- Es un pseudónimo con el que me quedé. Cuando tuve que registrar mi primera canción en la sociedad de autores, rellenando los papelitos, había un hueco a donde te ponían pseudónimo y tal y yo puse Gecko Turner, sin pensar pues que me iba a quedar para siempre. Quizás la idea fue porque yo siempre escribía más canciones en inglés... bueno, en los últimos años me estuve abriendo un poco más a escribir en castellano. Pero por mi formación, derivada del blues, el jazz, el rock, cuando empecé a hacer songwriting lo hacía en inglés. Así que me parecía más adecuado afrontar mi carrera musical con un pseudónimo como Gecko Turner en lugar de mi nombre real que es Fernando Gabriel Echave Peláez. No sé, al final la cosa parece que fue cuajando y aquí estoy.
- Mencionabas que tus principales influencias son anglosajonas, lo cual es evidente al escuchar tu música, también son muy claras las influencias brasileñas, ¿pero qué influencias reconoces de música en español?
- Bueno, yo cuando empecé a tocar, como te dije, mi máxima influencia era el blues y todos sus derivados. Pero con el tiempo tuve ocasión de escuchar y apasionarme con otras músicas que no son de raíz anglosajona como puede ser la música brasileña o cubana. Además he trabajado durante los últimos diez años con muchos músicos brasileños y cubanos que viven aquí y a través de ellos tuve mi principal aprendizaje de esas músicas.
- ¿Pero hay algún artista de habla hispana que te haya influenciado en tu manera de componer las canciones en castellano?
- Seguro que sí... Pero imagínate a un jovencito a las orillas del Mississippi que de repente se le diera por sacar discos de flamenco. Bueno, a mí me pasa un poco al revés. Yo donde vivo es una ciudad muy flamenca, muy relacionada con esa música y a mí fíjate, me acabó capturando el blues, el soul, el funk y bueno...
- ¿Cómo te cae que cataloguen tu música como world music?
- Es un saco tan grande que cabe todo y como todos formamos parte de este “world” de alguna manera somos world music también. Pero yo tampoco es que haga únicamente música soul o funky sino que también tengo inquietudes por rollos de onda cubana, reggae, brasileña... entonces a mucha gente le resulta más fácil ubicarme dentro de lo que se ha dado en llamar world music pero que ahí caben un montón de estilos y de artistas de los más diversos.
- ¿Te sientes parte del movimiento musical que en España se dio en llamar el “mestizaje”?
- También es otra etiqueta con la que me han solido definir, pero yo la verdad que eso del mestizaje... es verdad que es una tendencia que se ha generalizado demasiado últimamente, hasta el punto de que yo creo que hay muchas cosas que se intentan mestizar de una manera artificiosa y no le veo el punto. Pero al mismo tiempo te digo que hay cosas que por su propio peso natural caen bien, como no sé, hay ritmos reggae que tienen un parecido increíble con unos tipos de ritmos de flamenco y tal, ¿no? Entonces te das cuenta de que hay cosas que por su propio peso de pueden mestizar y queda interesante. Pero es como todo, cada uno hace lo que puede y hay gente que tiene más escrúpulos y otros menos.
- Se te ha comparado bastante con Manu Chao, ¿qué sentimientos te despierta dicha comparación?
- Bueno, por un lado me halaga porque es una personalidad dentro de la música de los últimos años en todo el mundo y más allá de lo musical también, es un personaje con mucho carisma dentro de lo social. A mí me parece que tiene que ser un tipo muy interesante pero la verdad es que musicalmente yo creo que no tengo mucho que ver con este hombre. Es como lo que hablábamos antes del world music y el mestizaje, a la gente le gusta agarrarse de referencias, pero yo personalmente nunca me he puesto a escuchar un disco de Manu Chao, ni me atrae especialmente. De todos modos, que me comparen con él no deja de ser positivo.
- En España se acaba de estrenar tu segundo disco, ¿qué nos puedes adelantar de él? - Bueno, supongo que tendré que ir con un delay de un año al menos porque allí ahora recién sale el primer disco que salió aquí hace un par de años. Creo que lo lógico será esperar hasta el año siguiente. Te puedo decir que el título es Chandalismo Ilustrado y que he tenido mucho más tiempo y muchos más medios para hacerlo, porque lo hice ya sabiendo que se iba a editar; cosa que no me ocurrió con el primer álbum, que fue una maqueta que yo me grabé como pude y que hasta que no lo tuve todo terminado no tuve la opción de dar con un sello.
- Para terminar, explícame un poco esas terminologías propias que usas en tus letras. ¿Qué significa, por ejemplo, “guapapasea”?
- Es una palabra que me tomé la licencia de inventar a base de juntar otras dos palabras: guapa y pasea. Entonces cuando estoy trabajando en la canción esta que se llama “$45,000 Guapapasea”, en el estribillo decía “guapa pasea” y se me ocurrió que podría ser una palabra nueva. Es un poco lo que significan las dos palabras: belleza andante.
- ¿Y la expresión “tener un limon en la cabeza” es también de tu autoría?
- Sí. Se me metió en la cabeza esa idea y empecé a escribir como loco un montón de rimas y todas las acababa con que si te pasa tal cosa o tal otra, échate un poquito de limón en la cabeza, si te preocupa tal aspecto de la vida, échate un poquito de limón en la cabeza y si no vives como quieres, pues, échate un poquito de limón en la cabeza. Es como una muletilla que suena simpática y yo la dejo un poco abierta a que cada uno interprete lo que quiera. Echarte limón en la cabeza es como si fuera una solución a cualquier tipo de males, para toda situación. También se puede intepretar como que tengo una manera de pensar un poquito ácida.
De vez en cuando llega a nuestras manos un disco tan refrescante e innovador que uno se pregunta ¿dónde estaba este artista escondido todo este tiempo? ¿cómo puede ser que no hayamos oído hablar antes de alguien tan bueno?
Gecko Turner no estaba exactamente escondido, sino que en su España natal ya tenía cierto renombre y trayectoria con proyectos anteriores como Perroflauta y The Animal Crackers, pero no fue hasta su reciente debut solista que saltó al mapa de la música internacional.
Original de la provincia de Extremadura, de “un pueblecito que está a unos setenta, ochenta kilómetros de Badajoz. Justito en la frontera con Portugal,” Gecko se crió escuchando música afroamericana, en oposición al flamenco reinante de la zona. El blues y el soul de hecho, forman el esqueleto “afromeño” sobre el que se erige su primer disco, Guapapasea (Quango, 2006) que abre con una sorpresiva reinterpretación traducida de un clásico de Bob Dylan: “Subterrean Homesick Blues”.
Pero a medida que los temas van pasando, el espectro sonoro se va inflitrando de percusiones de samba brasileña, grooves de bajos funky, melodías y atmósferas caribeñas (balanceándose entre Jamaica y Cuba) lo cual, sumado a las letras trilingües (español, portugués e inglés), llenas de guiños ingeniosos, con algo de contenido social y mucho slang acuñado por el propio cantante, nos hacen pensar en un suerte de Manu Chao, aunque un tanto más cool y relajado y mucho menos punk.
- ¿Qué clase de nombre es Gecko Turner para un artista español? Uno se esperaría Manolo García...
- Es un pseudónimo con el que me quedé. Cuando tuve que registrar mi primera canción en la sociedad de autores, rellenando los papelitos, había un hueco a donde te ponían pseudónimo y tal y yo puse Gecko Turner, sin pensar pues que me iba a quedar para siempre. Quizás la idea fue porque yo siempre escribía más canciones en inglés... bueno, en los últimos años me estuve abriendo un poco más a escribir en castellano. Pero por mi formación, derivada del blues, el jazz, el rock, cuando empecé a hacer songwriting lo hacía en inglés. Así que me parecía más adecuado afrontar mi carrera musical con un pseudónimo como Gecko Turner en lugar de mi nombre real que es Fernando Gabriel Echave Peláez. No sé, al final la cosa parece que fue cuajando y aquí estoy.
- Mencionabas que tus principales influencias son anglosajonas, lo cual es evidente al escuchar tu música, también son muy claras las influencias brasileñas, ¿pero qué influencias reconoces de música en español?
- Bueno, yo cuando empecé a tocar, como te dije, mi máxima influencia era el blues y todos sus derivados. Pero con el tiempo tuve ocasión de escuchar y apasionarme con otras músicas que no son de raíz anglosajona como puede ser la música brasileña o cubana. Además he trabajado durante los últimos diez años con muchos músicos brasileños y cubanos que viven aquí y a través de ellos tuve mi principal aprendizaje de esas músicas.
- ¿Pero hay algún artista de habla hispana que te haya influenciado en tu manera de componer las canciones en castellano?
- Seguro que sí... Pero imagínate a un jovencito a las orillas del Mississippi que de repente se le diera por sacar discos de flamenco. Bueno, a mí me pasa un poco al revés. Yo donde vivo es una ciudad muy flamenca, muy relacionada con esa música y a mí fíjate, me acabó capturando el blues, el soul, el funk y bueno...
- ¿Cómo te cae que cataloguen tu música como world music?
- Es un saco tan grande que cabe todo y como todos formamos parte de este “world” de alguna manera somos world music también. Pero yo tampoco es que haga únicamente música soul o funky sino que también tengo inquietudes por rollos de onda cubana, reggae, brasileña... entonces a mucha gente le resulta más fácil ubicarme dentro de lo que se ha dado en llamar world music pero que ahí caben un montón de estilos y de artistas de los más diversos.
- ¿Te sientes parte del movimiento musical que en España se dio en llamar el “mestizaje”?
- También es otra etiqueta con la que me han solido definir, pero yo la verdad que eso del mestizaje... es verdad que es una tendencia que se ha generalizado demasiado últimamente, hasta el punto de que yo creo que hay muchas cosas que se intentan mestizar de una manera artificiosa y no le veo el punto. Pero al mismo tiempo te digo que hay cosas que por su propio peso natural caen bien, como no sé, hay ritmos reggae que tienen un parecido increíble con unos tipos de ritmos de flamenco y tal, ¿no? Entonces te das cuenta de que hay cosas que por su propio peso de pueden mestizar y queda interesante. Pero es como todo, cada uno hace lo que puede y hay gente que tiene más escrúpulos y otros menos.
- Se te ha comparado bastante con Manu Chao, ¿qué sentimientos te despierta dicha comparación?
- Bueno, por un lado me halaga porque es una personalidad dentro de la música de los últimos años en todo el mundo y más allá de lo musical también, es un personaje con mucho carisma dentro de lo social. A mí me parece que tiene que ser un tipo muy interesante pero la verdad es que musicalmente yo creo que no tengo mucho que ver con este hombre. Es como lo que hablábamos antes del world music y el mestizaje, a la gente le gusta agarrarse de referencias, pero yo personalmente nunca me he puesto a escuchar un disco de Manu Chao, ni me atrae especialmente. De todos modos, que me comparen con él no deja de ser positivo.
- En España se acaba de estrenar tu segundo disco, ¿qué nos puedes adelantar de él? - Bueno, supongo que tendré que ir con un delay de un año al menos porque allí ahora recién sale el primer disco que salió aquí hace un par de años. Creo que lo lógico será esperar hasta el año siguiente. Te puedo decir que el título es Chandalismo Ilustrado y que he tenido mucho más tiempo y muchos más medios para hacerlo, porque lo hice ya sabiendo que se iba a editar; cosa que no me ocurrió con el primer álbum, que fue una maqueta que yo me grabé como pude y que hasta que no lo tuve todo terminado no tuve la opción de dar con un sello.
- Para terminar, explícame un poco esas terminologías propias que usas en tus letras. ¿Qué significa, por ejemplo, “guapapasea”?
- Es una palabra que me tomé la licencia de inventar a base de juntar otras dos palabras: guapa y pasea. Entonces cuando estoy trabajando en la canción esta que se llama “$45,000 Guapapasea”, en el estribillo decía “guapa pasea” y se me ocurrió que podría ser una palabra nueva. Es un poco lo que significan las dos palabras: belleza andante.
- ¿Y la expresión “tener un limon en la cabeza” es también de tu autoría?
- Sí. Se me metió en la cabeza esa idea y empecé a escribir como loco un montón de rimas y todas las acababa con que si te pasa tal cosa o tal otra, échate un poquito de limón en la cabeza, si te preocupa tal aspecto de la vida, échate un poquito de limón en la cabeza y si no vives como quieres, pues, échate un poquito de limón en la cabeza. Es como una muletilla que suena simpática y yo la dejo un poco abierta a que cada uno interprete lo que quiera. Echarte limón en la cabeza es como si fuera una solución a cualquier tipo de males, para toda situación. También se puede intepretar como que tengo una manera de pensar un poquito ácida.
Larry Clark: El Eterno Adolescente
(Entrevista publicada originalmente en LBEDigital.com, 2006)
Un fotógrafo y director de cine, veterano de la guerra de Viet Nam, nacido y criado en Oklahoma, se anima a hacer una película sobre los adolescentes latinos en Los Angeles. Parece la premisa de un chiste, pero no. Larry Clark logró retratar con inédito realismo a un segmento de la juventud latina de los Estados Unidos sobre el que nadie se interesó hasta el momento. Wassup Rockers es una película única en su tipo y representa una visión por demás original de lo que significa ser latino en este país.
- ¿Cómo fue que surgió tu interés en este grupo de adolescentes latinos de Los Angeles?
- Conocí a los chicos en el skate-park de Venice Beach en julio del 2003, hace casi tres años. Kico creo que tenía trece años y Porky tendría catorce o quince. Estaba tomando fotos de skaters para una revista francesa y ellos estaban ahí. Me llamó mucho la atención su estilo, las zapatillas todas gastadas, las camisas cayéndose a pedazos, el pelo largo... definitivamente tenían estilo. Entonces nos pusimos a hablar, les pregunté si podía tomarles fotos y dijeron que sí y los acabé siguiendo hasta South Central, donde conocí a Jonathan y al resto de los chicos y con ellos anduvimos por todo Los Angeles tomando fotos. Un par de meses más tarde me los volví a encontrar y les mostré la revista con sus fotos y ellos querían ir a andar en skate de nuevo así que fuimos y ahí me empecé a enterar realmente cómo era su vida en South Central, lo que me pareció muy interesante. Todo el tema de la presión para seguir los patrones y la moda gangsta que ellos rechazaban. Ellos no fuman, no toman, sólo quieren divertirse. Son sólo chicos. Así fue como empezó todo. Después de eso estuvimos reuniéndonos cada sábado durante un año o más y me fui enterando de sus historias que después terminaron conformando la historia de esta película.
- ¿Tu principal motivación al concevir esta película fue contar una historia o hacer un estudio sociológico?
- El comentario social está siempre presente, obviamente, el hecho de enfocarme en sujetos tan inusuales y recrear sus vidas lo hace casi como un documental. La aventura, la historia, aparece luego, como consecuencia de lo otro. En este caso en particular lo que más me interesaba era capturar la reacción de la gente blanca y rica de Los Angeles frente a estos chicos y creo que logramos mostrarlo de una manera bastante honesta.
- Es una pregunta obligada pero ¿a qué se debe tu fascinación con los adolescentes como personajes constantes en todas tus películas?
- Bueno creo que la adolescencia es una parte tan importante de nuestras vidas, son los años formativos que casi dictan lo que uno será al llegar a la adultez. Empecé a interesarme desde que yo mismo era un adolescente y les tomaba fotos a mis amigos. En 1971 publiqué mi primer libro de fotos, llamado Tulsa, donde recopilaba esas fotos. Y eso se terminó convirtiendo en mi especialidad. Cuando hice mi primera película, Kids, yo quería hacer una película sobre la cultura juvenil de ese momento, no sobre mí y mi interés se concentró en los skaters.
- Habiendo pasado tanto tiempo con estos chicos me imagino que habrás aprendido mucho de su cultura, ¿qué fue lo que más te llamó la atención?
- Sí, todo para mí era una novedad. Desde la manera en que caminan, hablan, o se visten hasta, tu sabes, el desafío que significa para ellos cada día viviendo en ese lugar. Fue un choque cultural muy interesante porque no hay gente blanca en South Central. Son todos negros o latinos. Yo le decía a mis amigos que iba a South Central y me decían que estaba loco que me iban a matar. La mayoría de la gente blanca que vive en Los Angeles nunca estuvo en South Central. Así son las políticas raciales del ghetto. Pero la mayoría de los chicos que nacen y se crían ahí no quieren formar parte de pandillas y sus padres no quieren que formen parte de pandillas, son chicos y sólo quieren ser chicos. Pero es muy difícil.
-¿Qué porcentaje del contenido de la película fue improvisación?
- Hay mucha improvisación pero guiada por mí. Yo tenía la historia ya planeada, basada en cosas que ellos me habían contado o que yo había visto conviviendo con ellos. Pero a la hora de los diálogos yo les decía, hablen de esto o aquellos y ellos lo hacían con sus propias palabras. No son actores así que lo más complicado, mi trabajo, era hacerlos sentirse cómodos y hablar con naturaleza.
-¿Cuál fue la reacción de las familias de estos chicos cuando se enteraron de que alguien quería hacer una película sobre sus vidas?
- Muchas veces no creyeron que la película realmente iba a suceder porque llevó mucho tiempo conseguir el dinero para financiarla, así que no se lo tomaban muy en serio.
- ¿Estuviste involucrado en la selección de la banda de sonido?
-Sí, sí, son todas bandas locales sin contrato, son bandas de garage. Los chicos mismos me las presentaros, me hicieron interesarme en ese estilo de música. Hay bandas muy buenas como South Central Riot Squad, Los Basics, The Remains, The Retaliates y The Revolts que es la banda de Jonathan.
- Kids lanzó a la fama a actrices como Rosario Dawson y Chloë Sevigny, ¿crees que alguno de los chicos de Wassup Rockers tiene oportunidades de convertirse en estrella de cine?
- Sí, estoy trabajando ahora mismo en un guión de una nueva película para Jonathan y Kico y esta vez no va a ser sobre ellos, sino que los va a tener representando papeles.
- El tema del sexo entre menores de edad es un tabú para el cine de Hollywood pero ha estado siempre presente en casi todas tus películas, ¿a qué se debe?
- No lo sé, es un tema que encuentro muy importante porque los chicos están muy presionados para tener sexo cada vez a más temprana edad. Esa es la cultura en la que vivimos. Es parte de la vida real de los adolescentes. Pero las películas de Hollywood... en general no se ocupan de temas que dejen a la gente pensando. Yo veo una película de esas y a los tres días ya me la olvidé por completo. Creo que mucho de lo de Wassup Rockers va a quedar en la memoria de los que la vean.
Un fotógrafo y director de cine, veterano de la guerra de Viet Nam, nacido y criado en Oklahoma, se anima a hacer una película sobre los adolescentes latinos en Los Angeles. Parece la premisa de un chiste, pero no. Larry Clark logró retratar con inédito realismo a un segmento de la juventud latina de los Estados Unidos sobre el que nadie se interesó hasta el momento. Wassup Rockers es una película única en su tipo y representa una visión por demás original de lo que significa ser latino en este país.
- ¿Cómo fue que surgió tu interés en este grupo de adolescentes latinos de Los Angeles?
- Conocí a los chicos en el skate-park de Venice Beach en julio del 2003, hace casi tres años. Kico creo que tenía trece años y Porky tendría catorce o quince. Estaba tomando fotos de skaters para una revista francesa y ellos estaban ahí. Me llamó mucho la atención su estilo, las zapatillas todas gastadas, las camisas cayéndose a pedazos, el pelo largo... definitivamente tenían estilo. Entonces nos pusimos a hablar, les pregunté si podía tomarles fotos y dijeron que sí y los acabé siguiendo hasta South Central, donde conocí a Jonathan y al resto de los chicos y con ellos anduvimos por todo Los Angeles tomando fotos. Un par de meses más tarde me los volví a encontrar y les mostré la revista con sus fotos y ellos querían ir a andar en skate de nuevo así que fuimos y ahí me empecé a enterar realmente cómo era su vida en South Central, lo que me pareció muy interesante. Todo el tema de la presión para seguir los patrones y la moda gangsta que ellos rechazaban. Ellos no fuman, no toman, sólo quieren divertirse. Son sólo chicos. Así fue como empezó todo. Después de eso estuvimos reuniéndonos cada sábado durante un año o más y me fui enterando de sus historias que después terminaron conformando la historia de esta película.
- ¿Tu principal motivación al concevir esta película fue contar una historia o hacer un estudio sociológico?
- El comentario social está siempre presente, obviamente, el hecho de enfocarme en sujetos tan inusuales y recrear sus vidas lo hace casi como un documental. La aventura, la historia, aparece luego, como consecuencia de lo otro. En este caso en particular lo que más me interesaba era capturar la reacción de la gente blanca y rica de Los Angeles frente a estos chicos y creo que logramos mostrarlo de una manera bastante honesta.
- Es una pregunta obligada pero ¿a qué se debe tu fascinación con los adolescentes como personajes constantes en todas tus películas?
- Bueno creo que la adolescencia es una parte tan importante de nuestras vidas, son los años formativos que casi dictan lo que uno será al llegar a la adultez. Empecé a interesarme desde que yo mismo era un adolescente y les tomaba fotos a mis amigos. En 1971 publiqué mi primer libro de fotos, llamado Tulsa, donde recopilaba esas fotos. Y eso se terminó convirtiendo en mi especialidad. Cuando hice mi primera película, Kids, yo quería hacer una película sobre la cultura juvenil de ese momento, no sobre mí y mi interés se concentró en los skaters.
- Habiendo pasado tanto tiempo con estos chicos me imagino que habrás aprendido mucho de su cultura, ¿qué fue lo que más te llamó la atención?
- Sí, todo para mí era una novedad. Desde la manera en que caminan, hablan, o se visten hasta, tu sabes, el desafío que significa para ellos cada día viviendo en ese lugar. Fue un choque cultural muy interesante porque no hay gente blanca en South Central. Son todos negros o latinos. Yo le decía a mis amigos que iba a South Central y me decían que estaba loco que me iban a matar. La mayoría de la gente blanca que vive en Los Angeles nunca estuvo en South Central. Así son las políticas raciales del ghetto. Pero la mayoría de los chicos que nacen y se crían ahí no quieren formar parte de pandillas y sus padres no quieren que formen parte de pandillas, son chicos y sólo quieren ser chicos. Pero es muy difícil.
-¿Qué porcentaje del contenido de la película fue improvisación?
- Hay mucha improvisación pero guiada por mí. Yo tenía la historia ya planeada, basada en cosas que ellos me habían contado o que yo había visto conviviendo con ellos. Pero a la hora de los diálogos yo les decía, hablen de esto o aquellos y ellos lo hacían con sus propias palabras. No son actores así que lo más complicado, mi trabajo, era hacerlos sentirse cómodos y hablar con naturaleza.
-¿Cuál fue la reacción de las familias de estos chicos cuando se enteraron de que alguien quería hacer una película sobre sus vidas?
- Muchas veces no creyeron que la película realmente iba a suceder porque llevó mucho tiempo conseguir el dinero para financiarla, así que no se lo tomaban muy en serio.
- ¿Estuviste involucrado en la selección de la banda de sonido?
-Sí, sí, son todas bandas locales sin contrato, son bandas de garage. Los chicos mismos me las presentaros, me hicieron interesarme en ese estilo de música. Hay bandas muy buenas como South Central Riot Squad, Los Basics, The Remains, The Retaliates y The Revolts que es la banda de Jonathan.
- Kids lanzó a la fama a actrices como Rosario Dawson y Chloë Sevigny, ¿crees que alguno de los chicos de Wassup Rockers tiene oportunidades de convertirse en estrella de cine?
- Sí, estoy trabajando ahora mismo en un guión de una nueva película para Jonathan y Kico y esta vez no va a ser sobre ellos, sino que los va a tener representando papeles.
- El tema del sexo entre menores de edad es un tabú para el cine de Hollywood pero ha estado siempre presente en casi todas tus películas, ¿a qué se debe?
- No lo sé, es un tema que encuentro muy importante porque los chicos están muy presionados para tener sexo cada vez a más temprana edad. Esa es la cultura en la que vivimos. Es parte de la vida real de los adolescentes. Pero las películas de Hollywood... en general no se ocupan de temas que dejen a la gente pensando. Yo veo una película de esas y a los tres días ya me la olvidé por completo. Creo que mucho de lo de Wassup Rockers va a quedar en la memoria de los que la vean.
Thursday, March 02, 2006
Blue Scholars: Rindiendo examen
Por Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2005)
La ciudad de Seattle, al norte de la costa oeste norteamericana, en el estado de Washignton, se ha hecho célebre en el múndo de la música, durante la primera mitad de los 90’s, por ser la cuna de lo que se dio en llamar el rock alternativo. Con una única excepción, Seattle no ha producido hasta el momento artistas de hip hop de relevancia a nivel nacional ni internacional. Esa única excepción fue Sir Mix-A-Lot, quién en los primeros años de la década pasada y emulando el sonido del rap entonces característico de Miami, Florida, tuvo sus quince minutos de fama con uno de los mayores himnos obligatorios de todos los karaokes de ahí en adelante: “Baby got butt”
Trece años más tarde, la heterogénea escena hip hop de Seattle todavía lucha por quitarse de encima aquel estigma y demostrarle al resto del país –y el mundo- que tiene artistas de calidad para competir mano a mano con los de cualquiera de las otras ciudades tradicionalmente productoras de buen rap. Entre ellos Blue Schollars.
Con una formación básica de grupo de rap, un MC y un DJ, letras inteligentes, ágiles flows y ritmos que apuntan a un sonido clásico pero con técnicas de producción poco convencionales, este dúo formado por dos estudiantes de la Universidad de Seattle se ha propuesto con su debut homónimo, producido de manera independiente, poner definitivamente a su ciudad en el mapa del hip hop. Y tienen con qué, basta con escuchar su primer single: “Freewheelin” .
“Muchos de los de mi generación nos metimos en el hip hop más o menos al mismo tiempo, en los 80’s, cuando el hip hop se empezó a expandir a nivel nacional,” recuerda Geologic, descendiente de filipinos, quién tuvo su paso por el breakdance y las batallas de freestyle. “Pero no fue sino hasta los primeros 90’s que me empecé a enfocar de lleno en el hip hop y a escribir mis primeras letras influenciado principalmente por Nas, KRS One, Rakim, Chuck D, 2 Pac y más tarde Mos Def y Aceyalone”.
Sabzi, DJ y productor de beats de ascendencia iraní, se inició como baterista de punk-rock, de ahí lo variado y poco convencional de sus técnicas de sampleo y uso de la instrumentación en vivo. “Nos conocimos estudiando en la misma universidad en Washington. El estudiaba economía y yo historia. Pero nos conocimos porque formábamos parte de una misma organización que se encargaba de promover shows de hip hop para todas las edades, porque en esa época todos los eventos de hip hop que se llevaban a cabo en Seattle eran para mayores de 21. Entonces organizamos varios shows, muchos con artistas locales, algunos con gente como Mos Def, Jurassic 5. Y bueno, los dos estábamos involucrados en este proyecto pero no nos conocíamos directamente, teníamos un amigo en común, que dicho sea de paso, ahora es nuestro manager. El sabía que yo rimaba y que Sabzi producía bases, así que sugirió que hiciésemos algo juntos. Y así fue como empezamos. Con un estudio casero, rapeando para nuestros amigos, grabando maquetas... y pasó por lo menos un año así hasta que empezamos a trabajar en lo que sería nuestro álbum”.
Así fue como surgió Blue Scholars, cuyo nombre es un juego de palabras entre “blue collar” (cuello azul: término con el que se suele referirse a las clases trabajadoras no clasificadas en oposición a los profesionales de cuello blanco) y “scholars” (estudiantes, escolares). “Grabamos el disco totalmente independiente, con equipos prestados, usando el estudio de grabación de la universidad y la habitación de Sabzi”.
HHN- ¿A qué se debe el que no hayan incluido artistas invitados en el disco?
G- A mí como fan del rap, siempre me molestó cuando escuchas un disco nuevo y está plagado de invitados. En vez de ser un disco del artista es un disco de colaboraciones. Pero todos los discos de rap que a mi me gustan de los comienzos de los 90’s, o la mayoría, eran de un artista solo, sin ninguna colaboración, o quizás una, pero bien justificada, no por razones comerciales. Eso es lo que yo quiero escuchar de un artista, especialmente si se trata de su primer álbum. Quizás en el futuro tengamos alguna colaboración, pero nuestra intención era en este disco mostrar lo que somos y hacemos nosotros, sin colgarnos de la fama de nadie para sustentar la credibilidad.
HHN- ¿Cómo está la escena hip hop de Seattle hoy en día para competir a nivel nacional?
G- Mucha gente no lo sabe, pero Seattle siempre tuvo una escena de hip hop muy fuerte desde los comienzos de los 80’s. Fue la primera ciudad de la costa oeste, no Los Angeles, ni San Francisco, en tener un programa de radio dedicado enteramente al hip hop. Siempre hubo también una escena muy fuerte de breakdance. El problema es que se conoce a Seattle sólo por Sir Mix-A-Lot. Hubo muchos otros artistas muy buenos que sólo se conocen a nivel local porque nunca fueron firmados por una multinacional. A los sellos discográficos lo único que les interesó de Seattle es el punk rock y grunge. Hay muchos artistas de hip hop de Seattle a los que no les cayó muy bien que sea Sir Mix-A-Lot el MC más conocido de esta ciudad. Otros esperaban que a través de su éxito él ayudase a otros artistas locales a salir adelante a nivel nacional y eso nunca pasó. Es una frustración para nosotros que Seattle sólo sea conocida por eso. Hasta el día de hoy, donde sea que viajamos por los Estados Unidos, cuando decimos que somos de Seattle lo único que conocen de nuestra ciudad es la movida de rock alternativo... y Sir Mix-A-Lot.
La ciudad de Seattle, al norte de la costa oeste norteamericana, en el estado de Washignton, se ha hecho célebre en el múndo de la música, durante la primera mitad de los 90’s, por ser la cuna de lo que se dio en llamar el rock alternativo. Con una única excepción, Seattle no ha producido hasta el momento artistas de hip hop de relevancia a nivel nacional ni internacional. Esa única excepción fue Sir Mix-A-Lot, quién en los primeros años de la década pasada y emulando el sonido del rap entonces característico de Miami, Florida, tuvo sus quince minutos de fama con uno de los mayores himnos obligatorios de todos los karaokes de ahí en adelante: “Baby got butt”
Trece años más tarde, la heterogénea escena hip hop de Seattle todavía lucha por quitarse de encima aquel estigma y demostrarle al resto del país –y el mundo- que tiene artistas de calidad para competir mano a mano con los de cualquiera de las otras ciudades tradicionalmente productoras de buen rap. Entre ellos Blue Schollars.
Con una formación básica de grupo de rap, un MC y un DJ, letras inteligentes, ágiles flows y ritmos que apuntan a un sonido clásico pero con técnicas de producción poco convencionales, este dúo formado por dos estudiantes de la Universidad de Seattle se ha propuesto con su debut homónimo, producido de manera independiente, poner definitivamente a su ciudad en el mapa del hip hop. Y tienen con qué, basta con escuchar su primer single: “Freewheelin” .
“Muchos de los de mi generación nos metimos en el hip hop más o menos al mismo tiempo, en los 80’s, cuando el hip hop se empezó a expandir a nivel nacional,” recuerda Geologic, descendiente de filipinos, quién tuvo su paso por el breakdance y las batallas de freestyle. “Pero no fue sino hasta los primeros 90’s que me empecé a enfocar de lleno en el hip hop y a escribir mis primeras letras influenciado principalmente por Nas, KRS One, Rakim, Chuck D, 2 Pac y más tarde Mos Def y Aceyalone”.
Sabzi, DJ y productor de beats de ascendencia iraní, se inició como baterista de punk-rock, de ahí lo variado y poco convencional de sus técnicas de sampleo y uso de la instrumentación en vivo. “Nos conocimos estudiando en la misma universidad en Washington. El estudiaba economía y yo historia. Pero nos conocimos porque formábamos parte de una misma organización que se encargaba de promover shows de hip hop para todas las edades, porque en esa época todos los eventos de hip hop que se llevaban a cabo en Seattle eran para mayores de 21. Entonces organizamos varios shows, muchos con artistas locales, algunos con gente como Mos Def, Jurassic 5. Y bueno, los dos estábamos involucrados en este proyecto pero no nos conocíamos directamente, teníamos un amigo en común, que dicho sea de paso, ahora es nuestro manager. El sabía que yo rimaba y que Sabzi producía bases, así que sugirió que hiciésemos algo juntos. Y así fue como empezamos. Con un estudio casero, rapeando para nuestros amigos, grabando maquetas... y pasó por lo menos un año así hasta que empezamos a trabajar en lo que sería nuestro álbum”.
Así fue como surgió Blue Scholars, cuyo nombre es un juego de palabras entre “blue collar” (cuello azul: término con el que se suele referirse a las clases trabajadoras no clasificadas en oposición a los profesionales de cuello blanco) y “scholars” (estudiantes, escolares). “Grabamos el disco totalmente independiente, con equipos prestados, usando el estudio de grabación de la universidad y la habitación de Sabzi”.
HHN- ¿A qué se debe el que no hayan incluido artistas invitados en el disco?
G- A mí como fan del rap, siempre me molestó cuando escuchas un disco nuevo y está plagado de invitados. En vez de ser un disco del artista es un disco de colaboraciones. Pero todos los discos de rap que a mi me gustan de los comienzos de los 90’s, o la mayoría, eran de un artista solo, sin ninguna colaboración, o quizás una, pero bien justificada, no por razones comerciales. Eso es lo que yo quiero escuchar de un artista, especialmente si se trata de su primer álbum. Quizás en el futuro tengamos alguna colaboración, pero nuestra intención era en este disco mostrar lo que somos y hacemos nosotros, sin colgarnos de la fama de nadie para sustentar la credibilidad.
HHN- ¿Cómo está la escena hip hop de Seattle hoy en día para competir a nivel nacional?
G- Mucha gente no lo sabe, pero Seattle siempre tuvo una escena de hip hop muy fuerte desde los comienzos de los 80’s. Fue la primera ciudad de la costa oeste, no Los Angeles, ni San Francisco, en tener un programa de radio dedicado enteramente al hip hop. Siempre hubo también una escena muy fuerte de breakdance. El problema es que se conoce a Seattle sólo por Sir Mix-A-Lot. Hubo muchos otros artistas muy buenos que sólo se conocen a nivel local porque nunca fueron firmados por una multinacional. A los sellos discográficos lo único que les interesó de Seattle es el punk rock y grunge. Hay muchos artistas de hip hop de Seattle a los que no les cayó muy bien que sea Sir Mix-A-Lot el MC más conocido de esta ciudad. Otros esperaban que a través de su éxito él ayudase a otros artistas locales a salir adelante a nivel nacional y eso nunca pasó. Es una frustración para nosotros que Seattle sólo sea conocida por eso. Hasta el día de hoy, donde sea que viajamos por los Estados Unidos, cuando decimos que somos de Seattle lo único que conocen de nuestra ciudad es la movida de rock alternativo... y Sir Mix-A-Lot.
Friday, December 16, 2005
SHANE: La Realidad Supera La Fricción
Por Juan Data (Originalmente publicado en La Cosa, Buenos Aires, 2005)
Hablamos con la pionera del “Reality Porn,” Shane, la actriz porno convertida en productora y directora que además, nos confesó, tiene un fetiche muy particular... ¡por los petes argentinos!
Las Chicas Sólo Quieren Divertirse
Seymore Butts es un director de porno reconocido tanto entre los aficionados a esta industria como entre el público masivo. Lleva más una década produciendo y dirigiendo sus propias películas desde el Valle de San Fernando, la tierra prometida del porno, al norte de Los Angeles, pero su salto a la fama, sin embargo, no llegó hasta hace un par de años cuando se le ocurrió hacer de su propia vida un reality show para la cadena de cable Showtime. Family Business, durante sus dos temporadas, retrató la intimidad un director de porno y su familia -en especial su madre y su tío- que siguiendo las leyes del “Hágalo Usted Mismo” montó un imperio de la pornografía desde el garage de su casa.
No es de sorprender entonces que Shane, haya seguido los pasos de Seymore, ya que estuvieron formalmente comprometidos por un buen tiempo y fue de la mano del Señor Butts, que la señorita de quién hoy nos ocupamos, descubrió el maravilloso universo de las tres equis en versión “reality”.
“Cuando estaba haciendo películas con Seymore,” nos cuenta la californiana, “me llegaban muchas cartas de fans que me decían que les gustaba mi manera de ser tan espontánea. Porque era yo misma frente a las cámaras. Entonces se me ocurrió filmar una escena donde cada uno sea simplemente uno mismo y hacer cosas divertidas, alejarnos un poco de la vorágine de Los Angeles y simplemente salir de joda, divertirnos...”
Así fue como surgió el revolucionario concepto de Shane’s World: porno sin guión donde las chicas llevan la batuta y la única regla es pasarla bien y divertirse. El mundo de Shane fue una bocanada de aire fresco para una industria porno predominantemente machista donde el papel de las mujeres era siempre el de sometidas. Hasta 1996, cuando salió el primer volumen de la serie, prácticamente no había porno que mostrase a las chicas divirtiéndose a su manera y realmente disfrutando de lo que están haciendo. Shane juntaba un grupo de actrices porno de segunda línea y las llevaba a escenarios no convencionales para el género, la playa, el desierto, la nieve, un boliche... persiguiéndolas todo el tiempo con una cámara para capturar sus reacciones y en especial sus interacciones con extraños agenos al porno: hombres comunes y corrientes que sólo pasaban por ahí y, de rebote, se acabaron llevando una mamada de una pornstar.
La idea no era en un ciento por ciento original, admite Shane, “eso en realidad lo intrudujo John Stagliano, Buttman. Yo cómo que trato de robar ideas de Mtv, pero no les cuentes a ellos... (risas)”. Y es cierto, el mundo de Shane se parece más a The Real World de Mtv que a las series del padre del gonzo, John Stagliano: "Ahora todos hablan de gonzo pero para mi no es gonzo, es reality... ¿Qué es gonzo? ¡Ni idea!”
- ¿Creés que el concepto de Shane’s World sirvió para alentar a las mujeres a liberarse y ver al porno de otra manera?
- Sí, como porductora y directora de mi propia línea creo que inspiré a muchas otras chicas. Hoy, todas lo están haciendo, pero en ese entonces no era tan común. Y también creo que es una clase de porno más amigable para la audiencia femenina porque las actrices básicamente hacen lo que quieren y la pasan bien a su manera.
La Conexión Argentina
Al momento de empezar la entrevista, Shane nos pregunta para que medio es y ante nuestra respuesta, reacciona sorprendida: “¿Argentina? ¡Mi marido es argentino!” A sus treinta y cinco años, Shane está formalmente retirada del porno como actriz y enfocada en su labor de esposa y madre de dos hijos.
Después de casarse vendió la licencia de su innovadora serie a la compañía New Sensations y se retiró por un par de años para dedicarse a su nueva familia. La línea de Shane’s World, en nuevas manos, se convirtió en un éxito arrasador, especialmente después del lanzamiento de College Invasion, la memorable sub-serie donde las actrices porno invaden fiestas de las fraternidades universitarias y acaban teniendo sexo con estudiantes alcoholizados. Shane ya no controla el mundo de Shane y ese mundo ahora incluye también una línea de juguetes sexuales que llevan su nombre. Quizás por eso, viendo el éxito que Shane’s World había conseguido tras su partida, el año pasado se animó a regresar al mundo del entretenimiento para adultos y lanzó una nueva serie: Shane’s TV.
En su primero y hasta ahora único volumen, Shane’s TV sigue mayormente el concepto impuesto por su antecesor aunque se enfoca más en el girl-on-girl. Para esta película Shane convocó a una decena de actrices a jugar en el fondo de una casa con pileta durante una tarde de verano, mientras la anfitriona se mantiene lejos de cualquier contacto sexual en su papel de maestra de ceremonias. Sólo se ve un hombre en toda la película: Shane se queja ante la cámara que desde que está casada no puede andar mamándole la verga a extraños, como solía hacer en sus viejas producciones, así que la manda a su amiga Holly a que levante un surfer de las playas de Malibu y le haga el favor en su nombre. Según nos confesó Shane, el suertudo, a quién no se le ve la cara en toda la escena, no era nada menos que su esposo argentino de quién dice “no es actor porno pero está muy bien dotado”. Después comenta: “Es un músico, por eso no pudimos mostrar su cara... es el baterista de Orgy (grupo industrial que se hizo famoso a mediado de los 90’s con un cover de New Order)”
- ¿Cómo lo conociste?
- En una cita a ciegas... sí, una cita a ciegas, qué vergüenza, ¿no?
- ¿Tu mirado mira las pornos que hiciste en el pasado con otros hombres?
- Solía molestarle. No le gustaba. Ahora que estuvimos casados por un buen rato ya no creo que le importe. Además lo puse a editar mis videos viejos para subirlos a mi nuevo website (shane.tv) y no le molesta, es más, le calienta, ¡está caliente todo el tiempo!
- ¿Ya te llevó a Argentina?
- No, todavía no, pero quiero ir. Ya voy a ir pronto.
- ¿Qué opinás de la nueva serie de Shane’s World despues de tu partida?
- No he visto ni una, así que no te podría decir. El porno te corrompe el cerebro, yo no miro porno, sólo lo hago... (risas)
- ¿Qué es lo que más extrañás de Shane’s World?
- ¡Extraño tener sexo con otras personas que no sean mi esposo! (risas) ¡Se lo recuerdo todo el tiempo! ¿Qué quiero para mi cumpleaños? ¡Una pija! ¡Otra pija! ¡Una de verdad, conectada a un hombre de verdad!
- Contanos una de las anécdotas más locas que te hayan sucedido mientras filmaban Shane’s World.
- En el volumen uno, se nos quedó la casa rodante en el medio del desierto de Mojave, no teníamos duchas así que teníamos que ir por camino de tierra hasta unas duchas públicas y creeme, las pornstars no están felices cuando eso sucede. Todos estaban ahí por tres días, comiéndose mi comida. Pensamos que habíamos encontrado un cuerpo muerto en los arbustos y lo movimos y se despertó de golpe y resultó ser un inmigrante ilegal que había cruzado la frontera de México a pie y se había deshidratado.
- ¿Y le diste una mamada de bienvenida a los Estados Unidos?
- No, de la nada salió el camión de migraciones y se lo llevaron, no sé cómo ni de donde salieron.
Hablamos con la pionera del “Reality Porn,” Shane, la actriz porno convertida en productora y directora que además, nos confesó, tiene un fetiche muy particular... ¡por los petes argentinos!
Las Chicas Sólo Quieren Divertirse
Seymore Butts es un director de porno reconocido tanto entre los aficionados a esta industria como entre el público masivo. Lleva más una década produciendo y dirigiendo sus propias películas desde el Valle de San Fernando, la tierra prometida del porno, al norte de Los Angeles, pero su salto a la fama, sin embargo, no llegó hasta hace un par de años cuando se le ocurrió hacer de su propia vida un reality show para la cadena de cable Showtime. Family Business, durante sus dos temporadas, retrató la intimidad un director de porno y su familia -en especial su madre y su tío- que siguiendo las leyes del “Hágalo Usted Mismo” montó un imperio de la pornografía desde el garage de su casa.
No es de sorprender entonces que Shane, haya seguido los pasos de Seymore, ya que estuvieron formalmente comprometidos por un buen tiempo y fue de la mano del Señor Butts, que la señorita de quién hoy nos ocupamos, descubrió el maravilloso universo de las tres equis en versión “reality”.
“Cuando estaba haciendo películas con Seymore,” nos cuenta la californiana, “me llegaban muchas cartas de fans que me decían que les gustaba mi manera de ser tan espontánea. Porque era yo misma frente a las cámaras. Entonces se me ocurrió filmar una escena donde cada uno sea simplemente uno mismo y hacer cosas divertidas, alejarnos un poco de la vorágine de Los Angeles y simplemente salir de joda, divertirnos...”
Así fue como surgió el revolucionario concepto de Shane’s World: porno sin guión donde las chicas llevan la batuta y la única regla es pasarla bien y divertirse. El mundo de Shane fue una bocanada de aire fresco para una industria porno predominantemente machista donde el papel de las mujeres era siempre el de sometidas. Hasta 1996, cuando salió el primer volumen de la serie, prácticamente no había porno que mostrase a las chicas divirtiéndose a su manera y realmente disfrutando de lo que están haciendo. Shane juntaba un grupo de actrices porno de segunda línea y las llevaba a escenarios no convencionales para el género, la playa, el desierto, la nieve, un boliche... persiguiéndolas todo el tiempo con una cámara para capturar sus reacciones y en especial sus interacciones con extraños agenos al porno: hombres comunes y corrientes que sólo pasaban por ahí y, de rebote, se acabaron llevando una mamada de una pornstar.
La idea no era en un ciento por ciento original, admite Shane, “eso en realidad lo intrudujo John Stagliano, Buttman. Yo cómo que trato de robar ideas de Mtv, pero no les cuentes a ellos... (risas)”. Y es cierto, el mundo de Shane se parece más a The Real World de Mtv que a las series del padre del gonzo, John Stagliano: "Ahora todos hablan de gonzo pero para mi no es gonzo, es reality... ¿Qué es gonzo? ¡Ni idea!”
- ¿Creés que el concepto de Shane’s World sirvió para alentar a las mujeres a liberarse y ver al porno de otra manera?
- Sí, como porductora y directora de mi propia línea creo que inspiré a muchas otras chicas. Hoy, todas lo están haciendo, pero en ese entonces no era tan común. Y también creo que es una clase de porno más amigable para la audiencia femenina porque las actrices básicamente hacen lo que quieren y la pasan bien a su manera.
La Conexión Argentina
Al momento de empezar la entrevista, Shane nos pregunta para que medio es y ante nuestra respuesta, reacciona sorprendida: “¿Argentina? ¡Mi marido es argentino!” A sus treinta y cinco años, Shane está formalmente retirada del porno como actriz y enfocada en su labor de esposa y madre de dos hijos.
Después de casarse vendió la licencia de su innovadora serie a la compañía New Sensations y se retiró por un par de años para dedicarse a su nueva familia. La línea de Shane’s World, en nuevas manos, se convirtió en un éxito arrasador, especialmente después del lanzamiento de College Invasion, la memorable sub-serie donde las actrices porno invaden fiestas de las fraternidades universitarias y acaban teniendo sexo con estudiantes alcoholizados. Shane ya no controla el mundo de Shane y ese mundo ahora incluye también una línea de juguetes sexuales que llevan su nombre. Quizás por eso, viendo el éxito que Shane’s World había conseguido tras su partida, el año pasado se animó a regresar al mundo del entretenimiento para adultos y lanzó una nueva serie: Shane’s TV.
En su primero y hasta ahora único volumen, Shane’s TV sigue mayormente el concepto impuesto por su antecesor aunque se enfoca más en el girl-on-girl. Para esta película Shane convocó a una decena de actrices a jugar en el fondo de una casa con pileta durante una tarde de verano, mientras la anfitriona se mantiene lejos de cualquier contacto sexual en su papel de maestra de ceremonias. Sólo se ve un hombre en toda la película: Shane se queja ante la cámara que desde que está casada no puede andar mamándole la verga a extraños, como solía hacer en sus viejas producciones, así que la manda a su amiga Holly a que levante un surfer de las playas de Malibu y le haga el favor en su nombre. Según nos confesó Shane, el suertudo, a quién no se le ve la cara en toda la escena, no era nada menos que su esposo argentino de quién dice “no es actor porno pero está muy bien dotado”. Después comenta: “Es un músico, por eso no pudimos mostrar su cara... es el baterista de Orgy (grupo industrial que se hizo famoso a mediado de los 90’s con un cover de New Order)”
- ¿Cómo lo conociste?
- En una cita a ciegas... sí, una cita a ciegas, qué vergüenza, ¿no?
- ¿Tu mirado mira las pornos que hiciste en el pasado con otros hombres?
- Solía molestarle. No le gustaba. Ahora que estuvimos casados por un buen rato ya no creo que le importe. Además lo puse a editar mis videos viejos para subirlos a mi nuevo website (shane.tv) y no le molesta, es más, le calienta, ¡está caliente todo el tiempo!
- ¿Ya te llevó a Argentina?
- No, todavía no, pero quiero ir. Ya voy a ir pronto.
- ¿Qué opinás de la nueva serie de Shane’s World despues de tu partida?
- No he visto ni una, así que no te podría decir. El porno te corrompe el cerebro, yo no miro porno, sólo lo hago... (risas)
- ¿Qué es lo que más extrañás de Shane’s World?
- ¡Extraño tener sexo con otras personas que no sean mi esposo! (risas) ¡Se lo recuerdo todo el tiempo! ¿Qué quiero para mi cumpleaños? ¡Una pija! ¡Otra pija! ¡Una de verdad, conectada a un hombre de verdad!
- Contanos una de las anécdotas más locas que te hayan sucedido mientras filmaban Shane’s World.
- En el volumen uno, se nos quedó la casa rodante en el medio del desierto de Mojave, no teníamos duchas así que teníamos que ir por camino de tierra hasta unas duchas públicas y creeme, las pornstars no están felices cuando eso sucede. Todos estaban ahí por tres días, comiéndose mi comida. Pensamos que habíamos encontrado un cuerpo muerto en los arbustos y lo movimos y se despertó de golpe y resultó ser un inmigrante ilegal que había cruzado la frontera de México a pie y se había deshidratado.
- ¿Y le diste una mamada de bienvenida a los Estados Unidos?
- No, de la nada salió el camión de migraciones y se lo llevaron, no sé cómo ni de donde salieron.
PESCOZADA, EL DESPERTAR DEL RAP SALVADOREÑO
By Juan Data (Originalmente publicado en Hip Hop Nation, España, 2005)
El rap en castellano ha dado ya ricos frutos a lo largo de casi toda Latinoamérica. Pero cada país que se fue sumando al mapamundi del hip hop, lo hizo a su modo y a su debido tiempo. Chile, Cuba, México, Brasil... cuentan desde hace años con sus escenas maduras y estables, poseedoras de una identidad nacional propia. Ahora, se agrega un país más a la lista: El Salvador acaba de dar a luz su primer disco de rap local con calidad de exportación, se trata de El Teatro Plebeyo, del dúo original de Chalatenango conocido como Pescozada.
Débil Estar y Fat Lui, los dos miembros del grupo (que supo ser un trío en sus orígenes), no son debutantes en este campo. Llevan ya tres discos en su haber (uno bajo el nombre de Dialectos Nativos, un proyecto paralelo bilingüe con la participación de Joaquín Santos, MC hijo de salvadoreños nacido y criado en California), pero es con El Treatro Plebeyo que planean hacer su desembarco oficial a nivel internacional empezando por los Estados Unidos, donde la comunidad de inmigrantes salvadoreños está mucho más familiarizada con la cultura hip hop que sus compatriotas en su tierra natal.
Fat Lui: Hablar de Pescozada en El Salvador, es hablar de ícono principal de hip hop.
Débil Estar: El hip hop en El Salvador, como poryecto serio, no existía antes de Pescozada. Modestia aparte, me atrevería a decir que somos los primeros en este país y en gran parte de Centroamérica. No hay cultura hip hop aquí. Hay algunos b-boys como mucho son unos 50, pero no hay una escena consolidada. Por eso es un desafío bastante grande para nosotros. Además está el fenómeno de las pandillas que vinieron importadas de Estados Unidos en los años 90’s, y trajeron consigo el gangsta rap y de ahí quedó la estigmatización del género que está socialmente mal visto. Así que debimos luchar contra eso y mostrarle a la gente que el hip hop es mucho más complejo y más grande que el gangsta rap.
FL: Hasta hace tres años nos seguían clasificando como pandilleros.
HHN: ¿Qué significa el nombre Pescozada?
FL: Pescozada surgió de una reunión familiar entre amigos. Queríamos darle un toque bien salvadoreño y expresar mucho en una sola palabra.
DE: En nuestro modismo, Pescozada significa un golpe contundente en la cara, un puño cerrado que te impacta. ¿Por qué Pescozada? Porque es algo que tiene que dolerte y quedarte marcado, que no se te olvide. La lírica y la música de Pescozada pegan fuerte.
Las letras de Pescozada no se diferencian demasiado del común de los grupos de rap en español existentes, aunque no abundan demasiado en competición ni los juegos de palabras y sí se enfocan un poco más en la denuncia social y lo festivo (mujeres, alcohol, etc). Fat Lui tiene un marcado estilo old school, con una personalidad fuerte y una voz impactante que se luce más a gusto, sin embargo, cuando se animan a jugar sobre un ritmo de reggaetón, pero en general su labor principal está en dar apoyo logístico a Débil Estar, el verdadero talento detrás de las rimas y el versátil maestro del flow.
FL: Tratamos de darle a la gente experiencias del diario vivir, de la vida urbana.
DE: Por mi parte yo veo al grupo como un rescate de identidad, porque nosotros los centroamericanos no tenemos un hip hop que nos represente, tenemos otros géneros músicales. Así que nosotros estamos luchando por levantar dos culturas, la cultura hip hop y la cultura centroamericana. Son dos retos bien grandes. Nosotros estamos tratando de construir de la nada una escena hip hop con identidad salvadoreña y centroamericana.
Pero lo que llama más la atención de Pescozada no es la parte vocal sino la producción musical. Omnionn es un productor salvadoreño radicado en la Bahía de San Francisco (trabajó en el pasado con Hieroglyphics y comparte estudio actualmente con Zion I) que descubrió el talento en bruto de Pescozada en sus comienzos y se ofreció a darles una mano con la producción, grabación y edición de su material. Los resultados en cuanto a la calidad de la mezcla y el nivel de detallismo en los beats ponen a Pescozada en clara ventaja frente a la gran mayoría de los grupos de rap latinoamericanos que en general no cuentan con las herramientas para alcanzar esa calidad de sonido.
En El Teatro Plebeyo Omnionn produce la mayoría de los beats y superviza la mezcla pero también colaboran otros productores como el boliviano Andino (que había participado en el disco debut del argentino Mustafá) y Sean T (nombre reconocido en el underground de Oakland), entre otros.
También hay varias colaboraciones de diferentes MC’s en este disco. Algunos de origen salvadoreño como Joaquín Santos, Rob West (gangsta rapper del sur de California) y los Reyes del Bajo Mundo (grupo de salvadoreños radicados en New York que encabezan el movimiento de “rap en español” en los Estados Unidos). También aportan su talento los argentinos Frost (del Sindicato Argentino del Hip Hop) y Apolo 11 y desde España mandan sus versos Mic’ky y El As para el tema que da título al disco.
DE: Yo respeto mucho el movimiento español. Nos encantaría poder ir de gira allí y tocar con SFDK y Violadores. Yo creo que la cultura hip hop se ha adaptado de una manera bien característica a la cultura española y eso es lo que nosotros buscamos con nuestro rap salvadoreño.
HHN: ¿Cómo ven desde su lugar el nacimiento de una escena hip hop en El Salvador?
FL: Nosotros le apostamos a un cien por ciento a que eso se va a dar.
DE: Yo creo que la escena se va a formar, quizás no mañana, pero ya tenemos señales, como el website elsalvadorrap.com, gente dentro del Salvador que está haciendo hip hop como Real Academia, Los Caballeros del Tiempo, y otros artistas que nosotros hemos tratado de promover.
HHN: ¿Y qué es lo que caracteriza al rap salvadoreño del resto del rap latino?
FL: El salvadoreño se caracteriza por ser guerrero.
DE: Yo creo que el hip hop centroamericano tiene que ser combativo. Aunque a nuestra gente le gusta divertirse mucho, también tiene características combativas, rebeldes. Nosotros nacimos en el departamento más guerrillero del país, donde la guerrilla entró a la ciudad como Juan por su casa. Y nosotros nos criamos durante la guerra, en especial Fat Lui. Eso nos ha influenciado a nosotros y a toda la sociedad. Salvador es uno de los países más violentos y más armados de Latinoamérica. No podemos hablar de que esto se haya terminado de la noche a la mañana con la firma de un papel.
HHN: ¿Cómo ven al rap salvadoreño a nivel de exportación para el resto de Latinoamerica y España?
FL: Es muy difícil entrar a esos mercados donde la gente está solamente esperando lo que viene de Estados Unidos.
DE: Yo creo que a la vez también tenemos la facilidad de que es algo novedoso, de que nadie escuchó rap salvadoreño antes y los que son fanáticos del hip hop, como yo, siempre estamos abiertos a escuchar cosas de otros países. Yo soy muy abierto y escucho lo mismo un disco de rap francés o chileno. Así que en ese nivel lo veo fácil.
El rap en castellano ha dado ya ricos frutos a lo largo de casi toda Latinoamérica. Pero cada país que se fue sumando al mapamundi del hip hop, lo hizo a su modo y a su debido tiempo. Chile, Cuba, México, Brasil... cuentan desde hace años con sus escenas maduras y estables, poseedoras de una identidad nacional propia. Ahora, se agrega un país más a la lista: El Salvador acaba de dar a luz su primer disco de rap local con calidad de exportación, se trata de El Teatro Plebeyo, del dúo original de Chalatenango conocido como Pescozada.
Débil Estar y Fat Lui, los dos miembros del grupo (que supo ser un trío en sus orígenes), no son debutantes en este campo. Llevan ya tres discos en su haber (uno bajo el nombre de Dialectos Nativos, un proyecto paralelo bilingüe con la participación de Joaquín Santos, MC hijo de salvadoreños nacido y criado en California), pero es con El Treatro Plebeyo que planean hacer su desembarco oficial a nivel internacional empezando por los Estados Unidos, donde la comunidad de inmigrantes salvadoreños está mucho más familiarizada con la cultura hip hop que sus compatriotas en su tierra natal.
Fat Lui: Hablar de Pescozada en El Salvador, es hablar de ícono principal de hip hop.
Débil Estar: El hip hop en El Salvador, como poryecto serio, no existía antes de Pescozada. Modestia aparte, me atrevería a decir que somos los primeros en este país y en gran parte de Centroamérica. No hay cultura hip hop aquí. Hay algunos b-boys como mucho son unos 50, pero no hay una escena consolidada. Por eso es un desafío bastante grande para nosotros. Además está el fenómeno de las pandillas que vinieron importadas de Estados Unidos en los años 90’s, y trajeron consigo el gangsta rap y de ahí quedó la estigmatización del género que está socialmente mal visto. Así que debimos luchar contra eso y mostrarle a la gente que el hip hop es mucho más complejo y más grande que el gangsta rap.
FL: Hasta hace tres años nos seguían clasificando como pandilleros.
HHN: ¿Qué significa el nombre Pescozada?
FL: Pescozada surgió de una reunión familiar entre amigos. Queríamos darle un toque bien salvadoreño y expresar mucho en una sola palabra.
DE: En nuestro modismo, Pescozada significa un golpe contundente en la cara, un puño cerrado que te impacta. ¿Por qué Pescozada? Porque es algo que tiene que dolerte y quedarte marcado, que no se te olvide. La lírica y la música de Pescozada pegan fuerte.
Las letras de Pescozada no se diferencian demasiado del común de los grupos de rap en español existentes, aunque no abundan demasiado en competición ni los juegos de palabras y sí se enfocan un poco más en la denuncia social y lo festivo (mujeres, alcohol, etc). Fat Lui tiene un marcado estilo old school, con una personalidad fuerte y una voz impactante que se luce más a gusto, sin embargo, cuando se animan a jugar sobre un ritmo de reggaetón, pero en general su labor principal está en dar apoyo logístico a Débil Estar, el verdadero talento detrás de las rimas y el versátil maestro del flow.
FL: Tratamos de darle a la gente experiencias del diario vivir, de la vida urbana.
DE: Por mi parte yo veo al grupo como un rescate de identidad, porque nosotros los centroamericanos no tenemos un hip hop que nos represente, tenemos otros géneros músicales. Así que nosotros estamos luchando por levantar dos culturas, la cultura hip hop y la cultura centroamericana. Son dos retos bien grandes. Nosotros estamos tratando de construir de la nada una escena hip hop con identidad salvadoreña y centroamericana.
Pero lo que llama más la atención de Pescozada no es la parte vocal sino la producción musical. Omnionn es un productor salvadoreño radicado en la Bahía de San Francisco (trabajó en el pasado con Hieroglyphics y comparte estudio actualmente con Zion I) que descubrió el talento en bruto de Pescozada en sus comienzos y se ofreció a darles una mano con la producción, grabación y edición de su material. Los resultados en cuanto a la calidad de la mezcla y el nivel de detallismo en los beats ponen a Pescozada en clara ventaja frente a la gran mayoría de los grupos de rap latinoamericanos que en general no cuentan con las herramientas para alcanzar esa calidad de sonido.
En El Teatro Plebeyo Omnionn produce la mayoría de los beats y superviza la mezcla pero también colaboran otros productores como el boliviano Andino (que había participado en el disco debut del argentino Mustafá) y Sean T (nombre reconocido en el underground de Oakland), entre otros.
También hay varias colaboraciones de diferentes MC’s en este disco. Algunos de origen salvadoreño como Joaquín Santos, Rob West (gangsta rapper del sur de California) y los Reyes del Bajo Mundo (grupo de salvadoreños radicados en New York que encabezan el movimiento de “rap en español” en los Estados Unidos). También aportan su talento los argentinos Frost (del Sindicato Argentino del Hip Hop) y Apolo 11 y desde España mandan sus versos Mic’ky y El As para el tema que da título al disco.
DE: Yo respeto mucho el movimiento español. Nos encantaría poder ir de gira allí y tocar con SFDK y Violadores. Yo creo que la cultura hip hop se ha adaptado de una manera bien característica a la cultura española y eso es lo que nosotros buscamos con nuestro rap salvadoreño.
HHN: ¿Cómo ven desde su lugar el nacimiento de una escena hip hop en El Salvador?
FL: Nosotros le apostamos a un cien por ciento a que eso se va a dar.
DE: Yo creo que la escena se va a formar, quizás no mañana, pero ya tenemos señales, como el website elsalvadorrap.com, gente dentro del Salvador que está haciendo hip hop como Real Academia, Los Caballeros del Tiempo, y otros artistas que nosotros hemos tratado de promover.
HHN: ¿Y qué es lo que caracteriza al rap salvadoreño del resto del rap latino?
FL: El salvadoreño se caracteriza por ser guerrero.
DE: Yo creo que el hip hop centroamericano tiene que ser combativo. Aunque a nuestra gente le gusta divertirse mucho, también tiene características combativas, rebeldes. Nosotros nacimos en el departamento más guerrillero del país, donde la guerrilla entró a la ciudad como Juan por su casa. Y nosotros nos criamos durante la guerra, en especial Fat Lui. Eso nos ha influenciado a nosotros y a toda la sociedad. Salvador es uno de los países más violentos y más armados de Latinoamérica. No podemos hablar de que esto se haya terminado de la noche a la mañana con la firma de un papel.
HHN: ¿Cómo ven al rap salvadoreño a nivel de exportación para el resto de Latinoamerica y España?
FL: Es muy difícil entrar a esos mercados donde la gente está solamente esperando lo que viene de Estados Unidos.
DE: Yo creo que a la vez también tenemos la facilidad de que es algo novedoso, de que nadie escuchó rap salvadoreño antes y los que son fanáticos del hip hop, como yo, siempre estamos abiertos a escuchar cosas de otros países. Yo soy muy abierto y escucho lo mismo un disco de rap francés o chileno. Así que en ese nivel lo veo fácil.
Friday, October 21, 2005
Zion I y el futuro del hip hop
Por Juan Data (Publicado Originalmente en Hip Hop Nation, España, 2005)
Zion I surgió de la fértil escena de la Bahía de San Francisco cuando ésta se encontraba a punto de ebullición. Hacia finales de los 90’s con la fiebre del hip hop underground en expansión, todo parecía indicar que la Bahía se perfilaba como una fuente inagotable de hip hop progresivo: Hieroglyphics, Quannum Projects, Rasco y Planet Asia, Bahamadia, Automator... marcaban la pauta del hip hop más aventurado artísitcamente. Sin embargo, cinco años después –y con la excepción de Automator gracias a su proyecto Gorillaz- todavía falta que un artista del área de la bahía pegue el gran salto y lleve su éxito de costa a costa de los Estados Unidos.
MC Zion nació hace 32 años en Filadelfia y en palabras suyas “viví por todos lados en los Estados Unidos pero defino al área de la Bahía como mi hogar porque es donde viví más tiempo”. Asistió a la universidad en Atlanta, Georgia y allí fue donde conoció a Amp Live, original de San Antonio, Texas, culpable de los beats del dúo. Los dos empezaron a tocar en el cirtuito universitario y después pasaron a los escenarios locales pero no fue sino hasta que se mudaron a Oakland a finales de la década pasada que se ganaron su merecido reconocimiento en el submundo del hip hop underground.
Su primer single, que incluía las canciones “Rap degreez” y “Inner light” los colocó instantaneamente en el ojo del huracán que se gestaba en ese entonces en esa zona. Los beats infectados de drum & bass y sonidos etéreos y electrónicos hacían que su música sonase a experimental y futurista. La siempre progresiva San Francisco los recibió con los brazos abiertos. En el año 2000 editaron su primer trabajo de estudio, Mind Over Matter que continuaba en aquella línea de exploración hacia el futuro del hip hop por los caminos de la electrónica y no les fue nada mal. Dos años más tarde sacaron su segundo álbum Deep Water Slang 2.0 que desgraciadamente pasó casi inadvertido por el mundo del hip hop, debido a una mediocre campaña de promoción, pero al menos dejó un tema con pasta de himno underground inmortal “Tha Drill”.
Para su tercer disco entonces optaron por el camino de la independencia y cómo tantos otros artistas de su zona que percibieron la pérdida de interés de las disqueras multinacionales por el hip hop generado en en Norte de California (tierra de donde en el pasado han salido artistas exitosos y tan disímiles como Too $Hort, 2Pac y MC Hammer) y fundaron su propio sello: Live Up.
- True & Living es el título del nuevo álbum y lo primero que me llama la atención al escucharlo es la ausencia notoria de ese elemento de experimentación electrónica que abundaba en los beats de sus primeros días y un cambio hacia un sonido de hip hop si se quiere más clásico o convencional. ¿A qué se debe esto?
Amp Live: Yo creo que con Zion I en cada álbum intentamos hacer algo diferente, entonces, ya sabes, en éste quicimos hacer algo más clásico. Pero a mí todavía me mola el drum & bass, acabo de terminar un CD mío que va todo en esa línea (Electrowonderland Vol. 1), pero en términos del grupo creo que avanzamos hacia otra clase de sonido. Además, la escena del drum & bass medio como se que murió. Cuando salimos parecía que estaba en un momento a punto de explotar pero luego se pasó. Todavía sigue teniendo sus fans y todavía hay algunos fans que esperan ese sonido de Zion I, pero en una escala mayor creo que ya pasó.
Para este disco se consiguieron unas cuantas colaboraciones con artistas de primera línea. ¿Cómo surgieron y cómo fue trabajar con ellos?
Zion: A Talib Kweli habíamos intentado invitarlo para nuestro disco anterior pero no funcionó. Su manager era nuestro manager en cuando todavía estábamos en Atlanta así que de ahí surgió la conexión. Así que bueno, para este disco, lo arreglamos con mucho tiempo de anticipación para que sucediese. Con Gift Of Gab fue más fácil porque Blackalicious trabajan en el estudio de aquí al lado así que los vemos todo el tiempo. Para lo de Aesop Rock nos fuimos a New York el verano pasado y nos estábamos quedando en casa de un amigo en común así que nos cruzamos varias veces. Y con Del (The Funky Homosapien) estuvimos de tour por un tiempo juntos a lo largo de toda California. Así que con excepción de Talib, la mayoría salieron espontánemente de gente con la que nos frecuentamos. Pero no grabamos en el mismo estudio con ninguno de ellos. Yo escribí mi verso, grabé mi voz y se los mandé para que ellos hicieran lo suyo. Cada uno tiene sus horarios imposibles entre grabaciones y tours así que es muy difícil combinar para estar en el mismo estudio.
Acaban de regresar de una gira por Japón y sé que anduvieron también por Europa y Brasil. ¿Comparten con otros artistas independientes de aquí la sensación de que el hip hop underground es más aceptado fuera que dentro de los Estados Unidos?
Z: No lo sé, no creo, yo siento que somos muy bien recibidos por el público de aquí. En ciertos lugares hay mucho aprecio para Zion I en otros... no tanto. Pero creo que en general, en Europa están más abiertos a escuchar nuevas propuestas. Aquí la gente viene a verte en posición de “a ver qué tienes para ofrecernos de diferente, ya he visto de todo” es como que están esperando que les pruebes algo. Hay más competencia y tantos artistas y tantos años de hip hop... es como que es imposible salir con algo nuevo. Ya está todo visto. En Europa, en cambio, todavía está esa inocencia refrescante de lo novedoso.
¿Qué tan difícil es hacer algo innovador en el hip hop de nuestros días?
AL: Es bastante difícil porque mucho ya está hecho. Creo que ahora para nosotros se trata más bien de refinar la calidad. Todo está hecho ya. Puedes hacer algo que sea un poquito distinto, pero hoy por hoy el hip hop creo que está en un momento cíclico de estancamiento, donde todo ya está hecho.
Z: Yo creo que aún cuando salgas con algo totalmente nuevo, es igualmente difícil porque no siento que la gente ahora esté dispuesta a escuchar algo que rompa todos los esquemas. Debería ser algo muy excepcional, excelente. Los medios de comunicación como que alimentan a la gente siempre con lo mismo y el público entonces está acostumbrados a esa fórmula. Incluso a nivel underground hay fórmulas que son difíciles de romper. Así que sí, yo creo que es muy difícil salir con algo nuevo, pero no creo que sea totalmente imposible.
En su nuevo disco tienen una canción dedicada a la escena de la Bahía de San Francisco. Ustedes, a pesar de no ser originales de aquí dicen representar a esta escena. Mi pregunta es ¿en cuánto les ha influído la Bahía a la hora de formar lo que Zion I es hoy?
Z: No nos ha influenciado en la formación del grupo, porque Zion I nació en Atlanta en un momento histórico completamente diferente. Pero creo que como grupo independiente, como sello, como show en directo... la Bahía nos ha dado mucho. Además, la comunidad de aquí nos ha recibido muy bien y apoya mucho nuestra música. Entonces, creo que básicamente nos dio un lugar donde plantar nuestras semillas, que traíamos desde Atlanta, pero recién ahora están dando frutos, aquí es donde han echado raíces. Ahora en cuanto a estilos... no creo que nos haya influenciado tanto, creo que mantenemos nuestro estilo desde las épocas en que hacíamos música en la universidad de Atlanta. Hemos evolucionado, claro, pero no creo que mi estilo se haya adaptado a la Bahía.
¿Viajando por los Estados Unidos, han notado alguna diferencia entre la escena de aquí con otras escenas?
Z: Hasta cierto punto sí, porque aquí todavía puedes ser independiente y vivir de tu música y en muchas otras ciudades a las que vamos, vemos a muchos artistas locales que no pueden vivir de lo que hacen. Aquí somos varios los que hemos logrado ese nivel de independencia con éxito, los de Quannum (Blackalicious, Lyrics Born, DJ Shadow), Living Legends, Hieroglyphics... En otros lugares parece que no es tan sencillo como aquí. Tenemos la suerte de estar aquí y ser aceptados como parte de esta escena.
Volviendo al disco nuevo, el primer corte de difusión es “Bird’s Eye View” una canción de amor dedicada no a una mujer sino a la cultura hip hop, un tema bastante recurrente en sus obras. ¿Qué es lo que les hace sentirse tan a gusto con esta cultura?
Z: Yo creo que somos hip hop real. Yo creo que el hip hop real es arte, es necesidad y también provocación y yo creo que todo eso está en Zion I. Lo que más me identifica de esta cultura es la necesidad de siempre ser originales, únicos. No creo que el hip hop se defina real en base a cierto estilo de ritmos o de maneras de rapear. Creo que va más bien por la intención y el espíritu que tu le pones a la música. Hablamos mucho sobre la cultura porque la amo, me fascina y nos ha ayudado mucho. A veces los medios nos llevan a pensar que la cultura hip hop es algo que no es, cadenas de oro, autos... no creo que tenga que ver nada con eso. Lo que succede es que la cultura fue absorvida por el negocio de la sociedad capitalista, pero la realidad es que los chicos lo hacen por amor, porque prefieren estar bailando break o pintando una pared en vez de ir a robar o matar a alguien.
¿Crees que el hablar mucho de hip hop en tus letras pueda limitar tus oyentes a un selecto grupo de fans ortodoxos del genero ya que el público más masivo no se identifica con esa manera de ver la cultura?
Z: No. Yo creo que cualquier persona que ame la música va a sentir ese amor por la cultura del que hablo. Además no sólo hablamos de hip hop en las letras, lo que hacemos es mucho más abarcativo en cuanto a contenidos. El hip hop es sólo un aspecto y está ahí porque eso es lo que somos y eso es lo que hacemos. Pero en general nuestras canciones son sobre emociones humanas con las que cualquiera puede identificarse, no sólo los b-boys. Muchas mujeres que no son necesariamente DJ’s, ni graffiteras, ni b-girls también aprecian nuestra música.
Otro tema presente es el contenido político de sus letras. ¿Cómo llevan lo del compromiso a causas políticas fuera de la música, en la vida cotidiana?
Z: ¿Sabes? Solía considerarme totalmente apolítico, pero no creo que eso tampoco esté bien. A mi sólo me importa la gente, las minorías explotadas, negros, latinos, de aquí y del resto del mundo también. No defiendo los ideales de ningún partido, no me defino demócrata, ni republicano, pero sí sé que no me gusta George Bush. No formo parte de ningún grupo de militancia o activismo político. Pero cada vez que nos invitan a un show a beneficio de una causa justa lo hacemos porque es nuestra manera de ayudar.
Explícame el sentido de la letra de “Stranger in my home”, la canción que haces con Gift of Gab de Blackalicious.
Z: “Stranger in my home” es sobre... bueno la idea básica es... yo sé que a Gift of Gab también le toca el tema personalmente y es por eso que lo invité para esta canción. Habíamos hablado de este tema con él antes, así que pensé que era la persona ideal para la canción. Básicamente se trata de cómo cambió el público del hip hop. Cuando yo era chico a comienzos y mediados de los 80’s, escuchar esta música era cosa de negros y latinos únicamente. Si había algún chico blanco era porque el tío venía del ghetto y estaba afiliado a la vida de pandillas, vivía como negros. Así era el hip hop en donde yo crecí, en la escuela, en la universidad... era sólo cosa de gente de color. A mediado de los 90’s empezó a cambiar, cada vez había más y más chicos blancos de los suburbios acercándose al hip hop. Hoy en día cuando tocamos en directo lo hacemos para una gran mayoría de blancos. Yo diría que entre el sesenta y el setenta por ciento de la gente que nos viene a ver es blanca. Así que la canción de lo que trata es de ese fenómeno que nos deja como ¡wow! ¡Es todo tan diferente!
¿Crees que ese fenómeno sea necesariamente negativo?
Z: No, no digo que esté mal. Sólo que me llama mucho la atención. Lo que yo veo mal, por ejemplo, es cuando Eminem explotó a nivel masivo y de repente todas las compañías discográficas estaban desesperadas buscando al nuevo raper blanco. A nadie le importaba más lo que hacían los negros. Antes ser negro y rapero era cool, ahora es un cliché. Ser un rapero negro es como cualquier cosa, ya está visto, cualquiera puede hacerlo. Pero si eres blanco y sabes rapear bien, eso es lo que está caliente ahora. Eso es lo que la gente está esperando. Así que la canción no hace más que mostrar cómo han cambiado las cosas en ese sentido. Ayer lo que hacíamos era cool, ahora ya no lo es más. Es como sucedió con el rock n’ roll, una vez que triunfó Elvis las compañías dejaron de buscar a músicos de rock negros. Los negros pasaron a ser obsoletos en el rock después de un tiempo. Eso es lo que nos preocupa. Siempre hubo blancos comprando los discos de rap, pero antes no se veía este fenómeno tan de frente, quizás lo escuchaban a escondidas, ahora está más aceptado a nivel masivo y también en el underground, si te fijas los artistas independientes que más discos están vendiendo son Atmosphere, Aesop Rock, El-P... No es nuestra intención alienar a nuestro público, amamos a nuestro público, así que este es un tema que debemos tratar con delicadeza. Es algo que simplemente quería llamar a la atención, sin criticar, ni hacer enojar a nadie.
Zion I surgió de la fértil escena de la Bahía de San Francisco cuando ésta se encontraba a punto de ebullición. Hacia finales de los 90’s con la fiebre del hip hop underground en expansión, todo parecía indicar que la Bahía se perfilaba como una fuente inagotable de hip hop progresivo: Hieroglyphics, Quannum Projects, Rasco y Planet Asia, Bahamadia, Automator... marcaban la pauta del hip hop más aventurado artísitcamente. Sin embargo, cinco años después –y con la excepción de Automator gracias a su proyecto Gorillaz- todavía falta que un artista del área de la bahía pegue el gran salto y lleve su éxito de costa a costa de los Estados Unidos.
MC Zion nació hace 32 años en Filadelfia y en palabras suyas “viví por todos lados en los Estados Unidos pero defino al área de la Bahía como mi hogar porque es donde viví más tiempo”. Asistió a la universidad en Atlanta, Georgia y allí fue donde conoció a Amp Live, original de San Antonio, Texas, culpable de los beats del dúo. Los dos empezaron a tocar en el cirtuito universitario y después pasaron a los escenarios locales pero no fue sino hasta que se mudaron a Oakland a finales de la década pasada que se ganaron su merecido reconocimiento en el submundo del hip hop underground.
Su primer single, que incluía las canciones “Rap degreez” y “Inner light” los colocó instantaneamente en el ojo del huracán que se gestaba en ese entonces en esa zona. Los beats infectados de drum & bass y sonidos etéreos y electrónicos hacían que su música sonase a experimental y futurista. La siempre progresiva San Francisco los recibió con los brazos abiertos. En el año 2000 editaron su primer trabajo de estudio, Mind Over Matter que continuaba en aquella línea de exploración hacia el futuro del hip hop por los caminos de la electrónica y no les fue nada mal. Dos años más tarde sacaron su segundo álbum Deep Water Slang 2.0 que desgraciadamente pasó casi inadvertido por el mundo del hip hop, debido a una mediocre campaña de promoción, pero al menos dejó un tema con pasta de himno underground inmortal “Tha Drill”.
Para su tercer disco entonces optaron por el camino de la independencia y cómo tantos otros artistas de su zona que percibieron la pérdida de interés de las disqueras multinacionales por el hip hop generado en en Norte de California (tierra de donde en el pasado han salido artistas exitosos y tan disímiles como Too $Hort, 2Pac y MC Hammer) y fundaron su propio sello: Live Up.
- True & Living es el título del nuevo álbum y lo primero que me llama la atención al escucharlo es la ausencia notoria de ese elemento de experimentación electrónica que abundaba en los beats de sus primeros días y un cambio hacia un sonido de hip hop si se quiere más clásico o convencional. ¿A qué se debe esto?
Amp Live: Yo creo que con Zion I en cada álbum intentamos hacer algo diferente, entonces, ya sabes, en éste quicimos hacer algo más clásico. Pero a mí todavía me mola el drum & bass, acabo de terminar un CD mío que va todo en esa línea (Electrowonderland Vol. 1), pero en términos del grupo creo que avanzamos hacia otra clase de sonido. Además, la escena del drum & bass medio como se que murió. Cuando salimos parecía que estaba en un momento a punto de explotar pero luego se pasó. Todavía sigue teniendo sus fans y todavía hay algunos fans que esperan ese sonido de Zion I, pero en una escala mayor creo que ya pasó.
Para este disco se consiguieron unas cuantas colaboraciones con artistas de primera línea. ¿Cómo surgieron y cómo fue trabajar con ellos?
Zion: A Talib Kweli habíamos intentado invitarlo para nuestro disco anterior pero no funcionó. Su manager era nuestro manager en cuando todavía estábamos en Atlanta así que de ahí surgió la conexión. Así que bueno, para este disco, lo arreglamos con mucho tiempo de anticipación para que sucediese. Con Gift Of Gab fue más fácil porque Blackalicious trabajan en el estudio de aquí al lado así que los vemos todo el tiempo. Para lo de Aesop Rock nos fuimos a New York el verano pasado y nos estábamos quedando en casa de un amigo en común así que nos cruzamos varias veces. Y con Del (The Funky Homosapien) estuvimos de tour por un tiempo juntos a lo largo de toda California. Así que con excepción de Talib, la mayoría salieron espontánemente de gente con la que nos frecuentamos. Pero no grabamos en el mismo estudio con ninguno de ellos. Yo escribí mi verso, grabé mi voz y se los mandé para que ellos hicieran lo suyo. Cada uno tiene sus horarios imposibles entre grabaciones y tours así que es muy difícil combinar para estar en el mismo estudio.
Acaban de regresar de una gira por Japón y sé que anduvieron también por Europa y Brasil. ¿Comparten con otros artistas independientes de aquí la sensación de que el hip hop underground es más aceptado fuera que dentro de los Estados Unidos?
Z: No lo sé, no creo, yo siento que somos muy bien recibidos por el público de aquí. En ciertos lugares hay mucho aprecio para Zion I en otros... no tanto. Pero creo que en general, en Europa están más abiertos a escuchar nuevas propuestas. Aquí la gente viene a verte en posición de “a ver qué tienes para ofrecernos de diferente, ya he visto de todo” es como que están esperando que les pruebes algo. Hay más competencia y tantos artistas y tantos años de hip hop... es como que es imposible salir con algo nuevo. Ya está todo visto. En Europa, en cambio, todavía está esa inocencia refrescante de lo novedoso.
¿Qué tan difícil es hacer algo innovador en el hip hop de nuestros días?
AL: Es bastante difícil porque mucho ya está hecho. Creo que ahora para nosotros se trata más bien de refinar la calidad. Todo está hecho ya. Puedes hacer algo que sea un poquito distinto, pero hoy por hoy el hip hop creo que está en un momento cíclico de estancamiento, donde todo ya está hecho.
Z: Yo creo que aún cuando salgas con algo totalmente nuevo, es igualmente difícil porque no siento que la gente ahora esté dispuesta a escuchar algo que rompa todos los esquemas. Debería ser algo muy excepcional, excelente. Los medios de comunicación como que alimentan a la gente siempre con lo mismo y el público entonces está acostumbrados a esa fórmula. Incluso a nivel underground hay fórmulas que son difíciles de romper. Así que sí, yo creo que es muy difícil salir con algo nuevo, pero no creo que sea totalmente imposible.
En su nuevo disco tienen una canción dedicada a la escena de la Bahía de San Francisco. Ustedes, a pesar de no ser originales de aquí dicen representar a esta escena. Mi pregunta es ¿en cuánto les ha influído la Bahía a la hora de formar lo que Zion I es hoy?
Z: No nos ha influenciado en la formación del grupo, porque Zion I nació en Atlanta en un momento histórico completamente diferente. Pero creo que como grupo independiente, como sello, como show en directo... la Bahía nos ha dado mucho. Además, la comunidad de aquí nos ha recibido muy bien y apoya mucho nuestra música. Entonces, creo que básicamente nos dio un lugar donde plantar nuestras semillas, que traíamos desde Atlanta, pero recién ahora están dando frutos, aquí es donde han echado raíces. Ahora en cuanto a estilos... no creo que nos haya influenciado tanto, creo que mantenemos nuestro estilo desde las épocas en que hacíamos música en la universidad de Atlanta. Hemos evolucionado, claro, pero no creo que mi estilo se haya adaptado a la Bahía.
¿Viajando por los Estados Unidos, han notado alguna diferencia entre la escena de aquí con otras escenas?
Z: Hasta cierto punto sí, porque aquí todavía puedes ser independiente y vivir de tu música y en muchas otras ciudades a las que vamos, vemos a muchos artistas locales que no pueden vivir de lo que hacen. Aquí somos varios los que hemos logrado ese nivel de independencia con éxito, los de Quannum (Blackalicious, Lyrics Born, DJ Shadow), Living Legends, Hieroglyphics... En otros lugares parece que no es tan sencillo como aquí. Tenemos la suerte de estar aquí y ser aceptados como parte de esta escena.
Volviendo al disco nuevo, el primer corte de difusión es “Bird’s Eye View” una canción de amor dedicada no a una mujer sino a la cultura hip hop, un tema bastante recurrente en sus obras. ¿Qué es lo que les hace sentirse tan a gusto con esta cultura?
Z: Yo creo que somos hip hop real. Yo creo que el hip hop real es arte, es necesidad y también provocación y yo creo que todo eso está en Zion I. Lo que más me identifica de esta cultura es la necesidad de siempre ser originales, únicos. No creo que el hip hop se defina real en base a cierto estilo de ritmos o de maneras de rapear. Creo que va más bien por la intención y el espíritu que tu le pones a la música. Hablamos mucho sobre la cultura porque la amo, me fascina y nos ha ayudado mucho. A veces los medios nos llevan a pensar que la cultura hip hop es algo que no es, cadenas de oro, autos... no creo que tenga que ver nada con eso. Lo que succede es que la cultura fue absorvida por el negocio de la sociedad capitalista, pero la realidad es que los chicos lo hacen por amor, porque prefieren estar bailando break o pintando una pared en vez de ir a robar o matar a alguien.
¿Crees que el hablar mucho de hip hop en tus letras pueda limitar tus oyentes a un selecto grupo de fans ortodoxos del genero ya que el público más masivo no se identifica con esa manera de ver la cultura?
Z: No. Yo creo que cualquier persona que ame la música va a sentir ese amor por la cultura del que hablo. Además no sólo hablamos de hip hop en las letras, lo que hacemos es mucho más abarcativo en cuanto a contenidos. El hip hop es sólo un aspecto y está ahí porque eso es lo que somos y eso es lo que hacemos. Pero en general nuestras canciones son sobre emociones humanas con las que cualquiera puede identificarse, no sólo los b-boys. Muchas mujeres que no son necesariamente DJ’s, ni graffiteras, ni b-girls también aprecian nuestra música.
Otro tema presente es el contenido político de sus letras. ¿Cómo llevan lo del compromiso a causas políticas fuera de la música, en la vida cotidiana?
Z: ¿Sabes? Solía considerarme totalmente apolítico, pero no creo que eso tampoco esté bien. A mi sólo me importa la gente, las minorías explotadas, negros, latinos, de aquí y del resto del mundo también. No defiendo los ideales de ningún partido, no me defino demócrata, ni republicano, pero sí sé que no me gusta George Bush. No formo parte de ningún grupo de militancia o activismo político. Pero cada vez que nos invitan a un show a beneficio de una causa justa lo hacemos porque es nuestra manera de ayudar.
Explícame el sentido de la letra de “Stranger in my home”, la canción que haces con Gift of Gab de Blackalicious.
Z: “Stranger in my home” es sobre... bueno la idea básica es... yo sé que a Gift of Gab también le toca el tema personalmente y es por eso que lo invité para esta canción. Habíamos hablado de este tema con él antes, así que pensé que era la persona ideal para la canción. Básicamente se trata de cómo cambió el público del hip hop. Cuando yo era chico a comienzos y mediados de los 80’s, escuchar esta música era cosa de negros y latinos únicamente. Si había algún chico blanco era porque el tío venía del ghetto y estaba afiliado a la vida de pandillas, vivía como negros. Así era el hip hop en donde yo crecí, en la escuela, en la universidad... era sólo cosa de gente de color. A mediado de los 90’s empezó a cambiar, cada vez había más y más chicos blancos de los suburbios acercándose al hip hop. Hoy en día cuando tocamos en directo lo hacemos para una gran mayoría de blancos. Yo diría que entre el sesenta y el setenta por ciento de la gente que nos viene a ver es blanca. Así que la canción de lo que trata es de ese fenómeno que nos deja como ¡wow! ¡Es todo tan diferente!
¿Crees que ese fenómeno sea necesariamente negativo?
Z: No, no digo que esté mal. Sólo que me llama mucho la atención. Lo que yo veo mal, por ejemplo, es cuando Eminem explotó a nivel masivo y de repente todas las compañías discográficas estaban desesperadas buscando al nuevo raper blanco. A nadie le importaba más lo que hacían los negros. Antes ser negro y rapero era cool, ahora es un cliché. Ser un rapero negro es como cualquier cosa, ya está visto, cualquiera puede hacerlo. Pero si eres blanco y sabes rapear bien, eso es lo que está caliente ahora. Eso es lo que la gente está esperando. Así que la canción no hace más que mostrar cómo han cambiado las cosas en ese sentido. Ayer lo que hacíamos era cool, ahora ya no lo es más. Es como sucedió con el rock n’ roll, una vez que triunfó Elvis las compañías dejaron de buscar a músicos de rock negros. Los negros pasaron a ser obsoletos en el rock después de un tiempo. Eso es lo que nos preocupa. Siempre hubo blancos comprando los discos de rap, pero antes no se veía este fenómeno tan de frente, quizás lo escuchaban a escondidas, ahora está más aceptado a nivel masivo y también en el underground, si te fijas los artistas independientes que más discos están vendiendo son Atmosphere, Aesop Rock, El-P... No es nuestra intención alienar a nuestro público, amamos a nuestro público, así que este es un tema que debemos tratar con delicadeza. Es algo que simplemente quería llamar a la atención, sin criticar, ni hacer enojar a nadie.
Blood Of Abraham: La tardía segunda aparición de los profetas
Por Juan Data (Publicado originalmente en Hip Hop Nation, España, 2005)
Más de diez años pasaron desde la primera aparición de Benyad y Mazik en el panorama del hip hop estadounidense y mucho ha cambiado desde entonces. Future Profists había sido su primero y hasta ahora único disco, lanzado en 1993, para sorpresa de muchos, por nada menos que Ruthless Records, emblema del gangsta rap de la época con Eazy E a la cabeza. Y la sorpresa recaía en que se trataba de dos muchachos blancos, educados y suburbanos que para colmo se confesaban abiertamente judíos, algo que en el globalizado y étnicamente heterogeneo hip hop de hoy en día no asusta a nadie, pero en aquel entonces era toda una novedad.
Después de la muerte de Eazy E y la consiguiente disolución del sello, Blood of Abraham se perdió en el olvido, quedando sólo para los más memoriosos como un buen grupo que podría haber sido mucho más grande si las condiciones hubiesen sido otras.
Benyad, sin embargo, no se alejó por completo del hip hop y desarrolló una interesante carrera como director de videos (entre otros dirigió a Nas y Gangstarr) y en el 2000 se volvió a reunir con su compañero Mazik para un intento fallido de resucitar a Abraham. De aquel intento quedó un disco trunco que recién vio la luz en el 2005, se trata de Eyedollartree (juego de palabras entre “idolatría” y “ojo-dólar-árbol”) publicado por Basement Records y para muchos fans nuevos del hip hop pasará desapercibido, lo cual es una pena porque se trata de un excelente trabajo lleno de originalidad y estilo, cargado de letras inteligentes y con una producción musical memorable. De todo eso y más conversamos con Benyad.
- ¿Cuál es la historia detrás del retraso en la salida de Eyedollartree?
- Lo en el año 2000 y estábamos con esta compañía llamada Atomic Pop, pero poco antes de que el álbum se publicase, nos cambiaron varias condiciones del contrato y nosotros dijimos que o lo hacíamos como estaba acordado o nos íbamos y nos llevábamos nuestro disco para lanzarlo por otra discográfica. Entonces nos dejaron ir y poco tiempo después la compañía quebró y desapareció, así que nos salimos justo a tiempo. Nosotros nos quedamos con los masters y en la búsqueda de alguien que quiciese publicarlo hasta que encontramos a la gente de Basement Records que estaban interesados. Pero en el medio pasaron cinco años, porque estábamos trabajando en otras cosas y ocupados con nuestros proyectos personales. Yo estaba dirigiendo videos y haciendo comerciales para televisión y juntos hacemos música para comerciales también. El tiempo pasó y el álbum seguía ahí durmiendo, pero todavía era un gran disco y era una pena que no saliese. Fue más que nada por amor a la música que decidimos sacarlo, por todo el trabajo que nos costó hacerlo en su momento y porque creemos que es un gran disco y la gente tiene que escucharlo. Definitivamente no fue por dinero que lo hicimos, ya que nuestra carrera trabajando para comerciales es mucho más lucrativa que el hip hop y no necesitábamos de esto.
- Vender un disco que tiene cinco años de viejo, en un movimiento efímero y pasajero como el hip hop, no debe ser cosa fácil. ¿Qué piensas al respecto?
- Creo que mucho ha cambiado en el hip hop hoy. En cuanto al sonido puede que algunos digan que suena un poco pasado de moda en algún que otro tema, pero creo que en general la producción que hicimos es bastante perenne porque no se ata a ningún estilo del momento, sino que va más bien hacia lo clásico. Las letras tampoco perdieron actualidad porque no hablamos de cosas del momento, ni usamos palabras de slang que estaban de moda ese verano y hablamos de asuntos que siguen siendo actuales.
- ¿Se plantearon esto como un regreso formal del grupo o simplemente querían lanzar el disco y basta?
- La idea era sólo sacar el disco y después veremos lo que suceda. Hace tres años que no tocamos en directo y ahora que sale el disco tenemos planeadas algunas presentaciones. En un mes vamos a tocar con De La Soul y Common. La idea básicamente fue: saquemos el disco y si vemos que hay demanda del público, volvemos a tocar. No es que estemos apostando todo a eso porque tenemos muchas otras cosas que nos mantienen ocupados en nuestras vidas. Con un sólo comercial que haga para la televisión gano más dinero que estando de gira con el grupo por cuatro meses.
- ¿Crees que en el hip hop contemporáneo hay lugar para grupos de hace más de diez años para regresar y captar la atención del público?
- No creo que vayamos a tener ninguna clase de éxito a nivel masivo. El público que nos sigue a nosotros es más bien underground, de culto. En realidad es más la gente que nos conoce de nombre que los que realmente escucharon o se acuerdan de nuestra música. Yo creo que nuestro disco musicalmente es mucho mejor que el 99% del rap que está a la venta hoy en día. Todo el tiempo y el trabajo que le dedicamos a la producción... nadie está grabando canciones así ahora, con semejante nivel de detalles en la producción. Entonces, yo no planeo competir con 50 Cents, simplemente darle la oportunidad a gente que nos conoce o tiene curiosidad, de escuchar un buen disco de rap y después veremos qué pasa. Es más bien como un experimento.
- Con respecto a la producción, es algo que me llamó mucho la atención al escuchar el disco, ¿cómo trabajaron y con quienes?
- En general la mayoría de los temas los armamos entre nostros y Will.I.Am de los Black Eyed Peas. Con él ya tenemos una relación de larga data. Antes de ser quienes son hoy, Black Eyed Peas grabó sus primeros dos álbumes en el estudio de mi casa. Así que la cooperación ha sido mutua entre los dos grupos. Empezamos con un MPC 3000 y después lo pasamos a Protools, combinando muchos samples extraños y a eso le agregamos músicos sesionistas en vivo tocando sobre las secuencias programadas, así que el sonido es muy particular, nunca suena como un loop repetido al infinito.
- Además de Will.I.Am también aparece Kool Keith en el álbum. ¿Cómo surgió esa colaboración?
- Siempre fuimos admiradores de él y de casualidad nos lo encontramos un día en una tienda de discos de Hollywood y nos pusimos a hablar y cuando saliamos de la disquería lo vimos en la calle tratando de parar un taxi y le dijimos: “hey, esto es Los Angeles, nadie toma taxis aquí” así que le ofrecimos llevarlo a su hotel en nuestro coche y desde ahí quedamos amigos. En el camino le hicimos escuchar algunas canciones y le gustaron, así que de ahí salió la invitación a participar en el disco.
- Volviendo atrás en la historia de Blood of Abraham, a ustedes les tocó vivir la época de oro del gangsta rap de la mano de Eazy E. Me imagino que deben guardar muchos recuerdos de esa época.
- Oh sí, tenemos muchísimas anécdotas increíbles de esa época. Eazy E era un gran tipo, muy buena onda y gracias a él estuvimos expuestos a cosas que de otra manera jamás hubiesemos experimentado. Fuimos a muchas fiestas con él, tocamos en muchos conciertos con él, imagínate, nosotros dos chicos judios rodeados de todos estos gangsta rappers cuando el gangsta rap estaba en su apogeo. Eazy E siempre se mantuvo muy cercano a nosotros y nos entendía y le gustaba nuestra actitud así que fue una tragedia enorme para nosotros cuando murió de la manera que murió. En muchos shows nos tocó abrir para él y era loquísimo, nosotros dos en el escenario y éramos los únicos dos blancos en todo el lugar... Un par de veces llegamos a una sala de conciertos en un lugar como Texas y donde Eazy E tocaba, atraía a toda la juventud marginal de la zona entonces se formaba un público bastante difícil y un par de veces escuchamos disparos afuera del concierto...
- ¿Es cierto que Mazik vivía en la casa de Eazy E en ese entonces?
- Sí, es totalmente cierto, Eazy tenía creo que dos o tres casas, una de ellas en Calabazas (localidad californiana en los suburbios de Los Angeles) cercana a la casa de Dre, en un barrio cerrado y Mazik en esta época estaba casi recién llegado de Las Vegas y Eazy le ofreció que se quedase ahí, porque prácticamente no usaba esa casa para nada, a veces aparecía los fines de semana para usar la piscina. Así que nos la pasábamos de fiesta en esa casa enorme. Creo que Mazik vivió ahí por casi tres años.
- ¿Cómo ves el hip hop ahora a compración de lo que era en aquella epoca?
- Bueno, para empezar el hip hop ahora es gigante, es mucho más grande de lo que nunca fue. Y en una escala global es la música mayoritaria de la juventud. Ahora en cuanto a la calidad musical, creo que en general lo que se hace ahora no es mejor que lo de antes, es peor incluso. Pero desde un punto de vista comercial es mucho más grande, hay muchos más intereses corporativos en juego. Ya era un fenómeno grande en aquel entonces, estaba empezando a notarse, pero ni nos imaginábamos las dimensiones que iba a alcanzar hoy en día. Hoy por hoy es la cultura juvenil dominante a nivel mundial, yo he viajado por todos lados, Brasil, Cuba, Africa, Francia... todos los países tienen su hip hop ahora.
- A eso justamente iba mi siguiente pregunta, ya que nuestra revista se lee en España y Latinoamérica, ¿Has tenido alguna clase de contacto con el rap latino?
- No creo haber escuchado nada de España, pero definitivamente he eschucado y visto bastante en Latinoamérica. Principalmente en Brasil. Estuve allí varias veces trabajando en videos y cada vez que voy me vuelvo con gran cantidad de música increíble. Ese funk de las favelas, como lo llaman en Río, creo que es lo que se va a venir, todos los DJ’s de aquí están cada vez más interesados en lo que está saliendo de Brasil.
- Cuando salieron con su primer disco captaron mucha atención del mercado por ser blancos y en especial judíos. Ahora el panorama es otro y eso ya no asusta a nadie.
- Sí, creo que en cierto sentido estábamos un poco adelantados a nuestra época. Definitivamente creo que es algo mucho más común hoy en día. Cuando nosotros salimos los únicos otros artistas blancos que había en el hip hop eran los Beastie Boys, 3rd Base, Everlast y listo, y bueno Vanilla Ice y toda esa mierda... En ese entonces era todo un tema ser blancos en el hip hop y nos perjudicó más de lo que nos ayudó. Ahora ya no hacen tanto drama, sobre todo después de Eminem, está lleno de raperos blancos, especialmente en el underground, El-P, Aesop Rock, son muchísimos y así es como siempre debió ser.
- Siendo que se definen judíos desde su nombre, me llama la atención que no hayan abordado en ninguna canción el tema del conflicto Israel-Palestina.
- No, nunca me interesó incluir esos temas en nuestra música. No me interesa la religión desde un punto de vista político, sino meramente por el lado espirtitual. Nuestra filosofía desde el punto de vista espiritual es más bien como budista. Yo viajé por todos lados, nací en Israel, me crié en Nigeria y si hay algo que aprendí es que la gente es igual en todos lados más allá de las religiones y que las religiones en vez de unificar, dividen a la gente, así que estamos en contra de las religiones organizadas.
Más de diez años pasaron desde la primera aparición de Benyad y Mazik en el panorama del hip hop estadounidense y mucho ha cambiado desde entonces. Future Profists había sido su primero y hasta ahora único disco, lanzado en 1993, para sorpresa de muchos, por nada menos que Ruthless Records, emblema del gangsta rap de la época con Eazy E a la cabeza. Y la sorpresa recaía en que se trataba de dos muchachos blancos, educados y suburbanos que para colmo se confesaban abiertamente judíos, algo que en el globalizado y étnicamente heterogeneo hip hop de hoy en día no asusta a nadie, pero en aquel entonces era toda una novedad.
Después de la muerte de Eazy E y la consiguiente disolución del sello, Blood of Abraham se perdió en el olvido, quedando sólo para los más memoriosos como un buen grupo que podría haber sido mucho más grande si las condiciones hubiesen sido otras.
Benyad, sin embargo, no se alejó por completo del hip hop y desarrolló una interesante carrera como director de videos (entre otros dirigió a Nas y Gangstarr) y en el 2000 se volvió a reunir con su compañero Mazik para un intento fallido de resucitar a Abraham. De aquel intento quedó un disco trunco que recién vio la luz en el 2005, se trata de Eyedollartree (juego de palabras entre “idolatría” y “ojo-dólar-árbol”) publicado por Basement Records y para muchos fans nuevos del hip hop pasará desapercibido, lo cual es una pena porque se trata de un excelente trabajo lleno de originalidad y estilo, cargado de letras inteligentes y con una producción musical memorable. De todo eso y más conversamos con Benyad.
- ¿Cuál es la historia detrás del retraso en la salida de Eyedollartree?
- Lo en el año 2000 y estábamos con esta compañía llamada Atomic Pop, pero poco antes de que el álbum se publicase, nos cambiaron varias condiciones del contrato y nosotros dijimos que o lo hacíamos como estaba acordado o nos íbamos y nos llevábamos nuestro disco para lanzarlo por otra discográfica. Entonces nos dejaron ir y poco tiempo después la compañía quebró y desapareció, así que nos salimos justo a tiempo. Nosotros nos quedamos con los masters y en la búsqueda de alguien que quiciese publicarlo hasta que encontramos a la gente de Basement Records que estaban interesados. Pero en el medio pasaron cinco años, porque estábamos trabajando en otras cosas y ocupados con nuestros proyectos personales. Yo estaba dirigiendo videos y haciendo comerciales para televisión y juntos hacemos música para comerciales también. El tiempo pasó y el álbum seguía ahí durmiendo, pero todavía era un gran disco y era una pena que no saliese. Fue más que nada por amor a la música que decidimos sacarlo, por todo el trabajo que nos costó hacerlo en su momento y porque creemos que es un gran disco y la gente tiene que escucharlo. Definitivamente no fue por dinero que lo hicimos, ya que nuestra carrera trabajando para comerciales es mucho más lucrativa que el hip hop y no necesitábamos de esto.
- Vender un disco que tiene cinco años de viejo, en un movimiento efímero y pasajero como el hip hop, no debe ser cosa fácil. ¿Qué piensas al respecto?
- Creo que mucho ha cambiado en el hip hop hoy. En cuanto al sonido puede que algunos digan que suena un poco pasado de moda en algún que otro tema, pero creo que en general la producción que hicimos es bastante perenne porque no se ata a ningún estilo del momento, sino que va más bien hacia lo clásico. Las letras tampoco perdieron actualidad porque no hablamos de cosas del momento, ni usamos palabras de slang que estaban de moda ese verano y hablamos de asuntos que siguen siendo actuales.
- ¿Se plantearon esto como un regreso formal del grupo o simplemente querían lanzar el disco y basta?
- La idea era sólo sacar el disco y después veremos lo que suceda. Hace tres años que no tocamos en directo y ahora que sale el disco tenemos planeadas algunas presentaciones. En un mes vamos a tocar con De La Soul y Common. La idea básicamente fue: saquemos el disco y si vemos que hay demanda del público, volvemos a tocar. No es que estemos apostando todo a eso porque tenemos muchas otras cosas que nos mantienen ocupados en nuestras vidas. Con un sólo comercial que haga para la televisión gano más dinero que estando de gira con el grupo por cuatro meses.
- ¿Crees que en el hip hop contemporáneo hay lugar para grupos de hace más de diez años para regresar y captar la atención del público?
- No creo que vayamos a tener ninguna clase de éxito a nivel masivo. El público que nos sigue a nosotros es más bien underground, de culto. En realidad es más la gente que nos conoce de nombre que los que realmente escucharon o se acuerdan de nuestra música. Yo creo que nuestro disco musicalmente es mucho mejor que el 99% del rap que está a la venta hoy en día. Todo el tiempo y el trabajo que le dedicamos a la producción... nadie está grabando canciones así ahora, con semejante nivel de detalles en la producción. Entonces, yo no planeo competir con 50 Cents, simplemente darle la oportunidad a gente que nos conoce o tiene curiosidad, de escuchar un buen disco de rap y después veremos qué pasa. Es más bien como un experimento.
- Con respecto a la producción, es algo que me llamó mucho la atención al escuchar el disco, ¿cómo trabajaron y con quienes?
- En general la mayoría de los temas los armamos entre nostros y Will.I.Am de los Black Eyed Peas. Con él ya tenemos una relación de larga data. Antes de ser quienes son hoy, Black Eyed Peas grabó sus primeros dos álbumes en el estudio de mi casa. Así que la cooperación ha sido mutua entre los dos grupos. Empezamos con un MPC 3000 y después lo pasamos a Protools, combinando muchos samples extraños y a eso le agregamos músicos sesionistas en vivo tocando sobre las secuencias programadas, así que el sonido es muy particular, nunca suena como un loop repetido al infinito.
- Además de Will.I.Am también aparece Kool Keith en el álbum. ¿Cómo surgió esa colaboración?
- Siempre fuimos admiradores de él y de casualidad nos lo encontramos un día en una tienda de discos de Hollywood y nos pusimos a hablar y cuando saliamos de la disquería lo vimos en la calle tratando de parar un taxi y le dijimos: “hey, esto es Los Angeles, nadie toma taxis aquí” así que le ofrecimos llevarlo a su hotel en nuestro coche y desde ahí quedamos amigos. En el camino le hicimos escuchar algunas canciones y le gustaron, así que de ahí salió la invitación a participar en el disco.
- Volviendo atrás en la historia de Blood of Abraham, a ustedes les tocó vivir la época de oro del gangsta rap de la mano de Eazy E. Me imagino que deben guardar muchos recuerdos de esa época.
- Oh sí, tenemos muchísimas anécdotas increíbles de esa época. Eazy E era un gran tipo, muy buena onda y gracias a él estuvimos expuestos a cosas que de otra manera jamás hubiesemos experimentado. Fuimos a muchas fiestas con él, tocamos en muchos conciertos con él, imagínate, nosotros dos chicos judios rodeados de todos estos gangsta rappers cuando el gangsta rap estaba en su apogeo. Eazy E siempre se mantuvo muy cercano a nosotros y nos entendía y le gustaba nuestra actitud así que fue una tragedia enorme para nosotros cuando murió de la manera que murió. En muchos shows nos tocó abrir para él y era loquísimo, nosotros dos en el escenario y éramos los únicos dos blancos en todo el lugar... Un par de veces llegamos a una sala de conciertos en un lugar como Texas y donde Eazy E tocaba, atraía a toda la juventud marginal de la zona entonces se formaba un público bastante difícil y un par de veces escuchamos disparos afuera del concierto...
- ¿Es cierto que Mazik vivía en la casa de Eazy E en ese entonces?
- Sí, es totalmente cierto, Eazy tenía creo que dos o tres casas, una de ellas en Calabazas (localidad californiana en los suburbios de Los Angeles) cercana a la casa de Dre, en un barrio cerrado y Mazik en esta época estaba casi recién llegado de Las Vegas y Eazy le ofreció que se quedase ahí, porque prácticamente no usaba esa casa para nada, a veces aparecía los fines de semana para usar la piscina. Así que nos la pasábamos de fiesta en esa casa enorme. Creo que Mazik vivió ahí por casi tres años.
- ¿Cómo ves el hip hop ahora a compración de lo que era en aquella epoca?
- Bueno, para empezar el hip hop ahora es gigante, es mucho más grande de lo que nunca fue. Y en una escala global es la música mayoritaria de la juventud. Ahora en cuanto a la calidad musical, creo que en general lo que se hace ahora no es mejor que lo de antes, es peor incluso. Pero desde un punto de vista comercial es mucho más grande, hay muchos más intereses corporativos en juego. Ya era un fenómeno grande en aquel entonces, estaba empezando a notarse, pero ni nos imaginábamos las dimensiones que iba a alcanzar hoy en día. Hoy por hoy es la cultura juvenil dominante a nivel mundial, yo he viajado por todos lados, Brasil, Cuba, Africa, Francia... todos los países tienen su hip hop ahora.
- A eso justamente iba mi siguiente pregunta, ya que nuestra revista se lee en España y Latinoamérica, ¿Has tenido alguna clase de contacto con el rap latino?
- No creo haber escuchado nada de España, pero definitivamente he eschucado y visto bastante en Latinoamérica. Principalmente en Brasil. Estuve allí varias veces trabajando en videos y cada vez que voy me vuelvo con gran cantidad de música increíble. Ese funk de las favelas, como lo llaman en Río, creo que es lo que se va a venir, todos los DJ’s de aquí están cada vez más interesados en lo que está saliendo de Brasil.
- Cuando salieron con su primer disco captaron mucha atención del mercado por ser blancos y en especial judíos. Ahora el panorama es otro y eso ya no asusta a nadie.
- Sí, creo que en cierto sentido estábamos un poco adelantados a nuestra época. Definitivamente creo que es algo mucho más común hoy en día. Cuando nosotros salimos los únicos otros artistas blancos que había en el hip hop eran los Beastie Boys, 3rd Base, Everlast y listo, y bueno Vanilla Ice y toda esa mierda... En ese entonces era todo un tema ser blancos en el hip hop y nos perjudicó más de lo que nos ayudó. Ahora ya no hacen tanto drama, sobre todo después de Eminem, está lleno de raperos blancos, especialmente en el underground, El-P, Aesop Rock, son muchísimos y así es como siempre debió ser.
- Siendo que se definen judíos desde su nombre, me llama la atención que no hayan abordado en ninguna canción el tema del conflicto Israel-Palestina.
- No, nunca me interesó incluir esos temas en nuestra música. No me interesa la religión desde un punto de vista político, sino meramente por el lado espirtitual. Nuestra filosofía desde el punto de vista espiritual es más bien como budista. Yo viajé por todos lados, nací en Israel, me crié en Nigeria y si hay algo que aprendí es que la gente es igual en todos lados más allá de las religiones y que las religiones en vez de unificar, dividen a la gente, así que estamos en contra de las religiones organizadas.
GETTING KINKY WITH IT
By Juan Data (Publicado originalmente en la revista Fuego, USA 2005. Nota: la versión publicada incluye sólo siete de los diez puntos)
If there should be such a thing as a manual on how to be a successful Latin band in the Anglo-speaking world, it should be authored by this young Mexican band called Kinky.
1. Form a band with college-educated world-traveled Mexican musicians. “I studied music in Boston,” recalls Ulises Lozano, and that’s actually where he first met with Carlos Chaírez. Keyboard and guitar players respectively, they became the foundation for what would end up being Kinky. “Back in Monterrey, I went to business school,” adds Ulises, who stills wears his businessmen attire on stage as his trademark. “I bought so many suits, and then I had to quit my job to go on tour... so I found a better use for them”.
2. Win a new talents contest in the US, and consequently land a recording deal with a British record label (Sonic 360). OK, this one might not be a very easy task, especially if you are competing at the Latin American Music Conference, in New York, with other bands from all over the continent, trying to break into the American market.
3. Release a groundbreaking self-titled debut. Before their first album came out, they were already getting airplay on many college radios across the country. But they conquered England first with their contagious live performances, so when they came back to the US, the international buzz was already launched.
4. Work with an acclaimed producer. Forget about Emilio Estefan, aim higher, get somebody like, let’s say, Chris Allison (The Beta Band, Coldplay) and it will ease you up the way into the CD players of the snob Anglo music critics.
5. Sound unique. Come out with a totally new style mixing rock, house music, Mexican folk, cumbia and Brazilian percussions with smart lyrics. Kinky are the living proof that you can sound Latin and make people dance without being cheesy.
6. Be metrosexual. When in front of a camera or a live audience, don’t forget to take good care of your looks. “We laugh about it, it’s cool, but we’ve been called metrosexual already and yeah, we are”. Have a hot Latin stud in tight pants and cowboy hat playing the bass. This, besides dragging lots of girls to your shows, will also guarantee some gay audience appeal. “César (the bass player), is a real cowboy guy, he always listen to folk music, he even likes to be in the rodeo. Look, he’s listening to rancheras right now!”
7. Do some remixes for world famous artist. “We try to choose just a few from all the remixes that artists ask us to do. We don’t like to do just a remix of a song. We like to give it another kind of approach to the song. Make a Kinky version of it.” Not just avant-guard Latin rockers like Gustavo Cerati and Babasónicos; Placebo just got remixed by Kinky, and also Carlos Santana in an amazing new version of “Oye como va” (original of Tito Puente).
8. Get played in the soundtrack for movies and TV shows. Alias, 2 Fast 2 Furious, Nip/Tuck, Kingpin, they all have something in common: some Kinky tune playing in the background. “Tony Scott, the director of Men On Fire wanted to include some of our music in his movie and he came out with the idea for “Oye como va”. It’s a great song and it just worked out perfectly for us”.
9. Keep your lyrics bilingual. Appeal to both audiences. “In the first album we already had many songs in English, the thing is that for the second we just developed them more, we incorporated more lyrics,” explains Ulises. “We play for whoever likes the music and in our shows you’ll see all type of people, Mexican, Americans, Asians...”
10. Throw the best live shows. Kinky and Atlas, their two records, sound pretty good, but you can’t go back to listening them on CD once you experienced them live. Kinky has the most energetic live performance in the Latin music universe. Period. “ We improvise a lot, we let things a little bit free. We really enjoy playing live. We have a lot of fun.”
Bonus track: Get the singer of the band to date a Mexican rock diva, like Ely Guerra, forming the most hip couple in the Spanish-speaking half of the planet.
If there should be such a thing as a manual on how to be a successful Latin band in the Anglo-speaking world, it should be authored by this young Mexican band called Kinky.
1. Form a band with college-educated world-traveled Mexican musicians. “I studied music in Boston,” recalls Ulises Lozano, and that’s actually where he first met with Carlos Chaírez. Keyboard and guitar players respectively, they became the foundation for what would end up being Kinky. “Back in Monterrey, I went to business school,” adds Ulises, who stills wears his businessmen attire on stage as his trademark. “I bought so many suits, and then I had to quit my job to go on tour... so I found a better use for them”.
2. Win a new talents contest in the US, and consequently land a recording deal with a British record label (Sonic 360). OK, this one might not be a very easy task, especially if you are competing at the Latin American Music Conference, in New York, with other bands from all over the continent, trying to break into the American market.
3. Release a groundbreaking self-titled debut. Before their first album came out, they were already getting airplay on many college radios across the country. But they conquered England first with their contagious live performances, so when they came back to the US, the international buzz was already launched.
4. Work with an acclaimed producer. Forget about Emilio Estefan, aim higher, get somebody like, let’s say, Chris Allison (The Beta Band, Coldplay) and it will ease you up the way into the CD players of the snob Anglo music critics.
5. Sound unique. Come out with a totally new style mixing rock, house music, Mexican folk, cumbia and Brazilian percussions with smart lyrics. Kinky are the living proof that you can sound Latin and make people dance without being cheesy.
6. Be metrosexual. When in front of a camera or a live audience, don’t forget to take good care of your looks. “We laugh about it, it’s cool, but we’ve been called metrosexual already and yeah, we are”. Have a hot Latin stud in tight pants and cowboy hat playing the bass. This, besides dragging lots of girls to your shows, will also guarantee some gay audience appeal. “César (the bass player), is a real cowboy guy, he always listen to folk music, he even likes to be in the rodeo. Look, he’s listening to rancheras right now!”
7. Do some remixes for world famous artist. “We try to choose just a few from all the remixes that artists ask us to do. We don’t like to do just a remix of a song. We like to give it another kind of approach to the song. Make a Kinky version of it.” Not just avant-guard Latin rockers like Gustavo Cerati and Babasónicos; Placebo just got remixed by Kinky, and also Carlos Santana in an amazing new version of “Oye como va” (original of Tito Puente).
8. Get played in the soundtrack for movies and TV shows. Alias, 2 Fast 2 Furious, Nip/Tuck, Kingpin, they all have something in common: some Kinky tune playing in the background. “Tony Scott, the director of Men On Fire wanted to include some of our music in his movie and he came out with the idea for “Oye como va”. It’s a great song and it just worked out perfectly for us”.
9. Keep your lyrics bilingual. Appeal to both audiences. “In the first album we already had many songs in English, the thing is that for the second we just developed them more, we incorporated more lyrics,” explains Ulises. “We play for whoever likes the music and in our shows you’ll see all type of people, Mexican, Americans, Asians...”
10. Throw the best live shows. Kinky and Atlas, their two records, sound pretty good, but you can’t go back to listening them on CD once you experienced them live. Kinky has the most energetic live performance in the Latin music universe. Period. “ We improvise a lot, we let things a little bit free. We really enjoy playing live. We have a lot of fun.”
Bonus track: Get the singer of the band to date a Mexican rock diva, like Ely Guerra, forming the most hip couple in the Spanish-speaking half of the planet.
RON JEREMY: CUESTION DE TAMAÑO
Por Juan Data (Publicado originalmente en La Cosa, Buenos Aires, 2005)
“El tamaño importa no”, le dice Yoda a Luke en los pantanos de Dagobah. Ron Jeremy, en una galaxia más cercana, es la demostración encarnada de que el tamaño sí importa, de hecho, lleva más de tres décadas y mil setecientas películas acumulando fama y fortuna a costa de eso: su tamaño.
Medida por medida
No podés decir que no conocés a Ron Jeremy. Si sólo viste tres películas porno en tu vida, una con certeza lo incluía en su elenco y no se trata justamente de un tipo de rasgos fáciles de olvidar. Aún en el caso extremo en que no hayas visto ni una porno –ojo que mentir es tan pecado como pajearse- muy probablemente sepas de quién se trata este señor o al menos su cara te resulte familiar. Y es que Ron Jeremy, como ningún otro, trascendió del mundillo del porno para convertirse en todo un ícono de la cultura pop americana. Películas de Hollywood, videos de rock, entregas de premios, fiestas de la farándula, reality shows... Ron Jeremy, también conocido como “The Hedgehog”, se las ha ingeniado para infiltrarse en las altas esferas del show business y todo gracias a un único gran talento: cargar entre sus piernas con un miembro de veinticuatro centímetros y medio de largo en erección.
“John Holmes era el único que me ganaba,” cuenta Ron, recreando una imaginaria competencia de extensión fálica entre actores porno de la vieja guardia. Pero John Holmes se quemó solo, adicto a la cocaína, el poder y el dinero fácil, acabó metiéndose en problemas con la mafia que lo llevaron a prisión para, años más tarde morir de sida, sólo, pobre y olvidado. Ron es uno de los pocos, sino el único, de aquella generación que sobrevivió y sigue activo en el porno. Pasó del pretencioso cine para adultos en 16 milímietros de los 70’s, al video triple equis de los 80’s, sobrevivió en los 90’s la transición –internet mediante- del porno con guión al gonzo (subgénero dominante hoy en día) y en la primera década del dos mil, aunque se lo vea más vestido en las pantallas de MTV que en bolas en los DVD’s de la sección condicionada, sigue dirigiendo y “actuando” en varias producciones de la compañía Metro, con la que tiene contrato de semi-exclusividad (algo común en las actrices, no así en sus partenaires masculinos).
“¿Y Lexington Steele?” le preguntamos, haciendo referencia al famoso actor porno afroamericano de las once pulgadas. “Bueno,” se excusa, “de los de ahora él es el único que me gana... y con Rocco Siffredi estamos parejos, yo la tengo un poco más larga, él la tiene más gruesa”.
Hablar abiertamente del tamaño de su pene es un lugar común para este gordito judio original de New York. Basta con que uno toque el tema para que salga con sus respuestas preprogramadas que suenan más a rutinas de comediante que a contestaciones de entrevistado. Y es que últimamente, ante el declive en su nivel de empleo, ha recurrido también al curro de presentarse solo con un micrófono, frente a la clásica pared de ladrillos a la vista de los cafés norteamericanos, haciendo su mediocre show de “stand-up comedy”.
- En tus comienzos solías chupártela a vos mismo en varias películas, algunos envidiosos criticaron ese acto como de tendencia homosexual.
- Eddie Murphy hizo toda una rutina sobre eso. Decía que chupártela no es gay, a menos que acabes en tu cara, ahí sí que ya es gay. Igual que si te metés la pija en tu propio culo.
Sexópata profesional
A Ron le tocó encamarse a las más deseadas estrellas de la pornografía audiovisual. Desde su debut en 1978 con Vanessa del Río, hasta nuestros días, los lejendarios veinticuatro centímetros y medio de caño recortado han entrado y salido de las húmedas profundidades de más de “cuatro mil mujeres” (según sus cáculos más recientes). Enumera a Christy Canyon y Tabitha Stevens entre sus favoritas y a más de una le tocó hacerla debutar también.
- En una entrevista reciente, Ginger Lynn dice que tuvo su primera escena con vos y que entonces pensó “si puedo hacerlo con Ron Jeremy, puedo hacerlo con cualquiera”.
- No es justo que diga eso, si yo era flaco en esa época. Cuando trabajé con ella estaba en buena forma. Eso lo dijo después de que subí de peso.
- Fuiste uno de los que trabajó con Traci Lords, cuando todavía era menor de edad. ¿Qué recordás de aquella época?
- Era una chica hermosa. Ella ya estaba haciendo porno desde hacía un año y medio, más o menos, cuando me tocó trabajar con ella. No me tocó en sus comienzos. Otros tipos estuvieron con ella cuando era realmente muy chica. Cuando le tocó conmigo ya estaba por cumplir los 18.
- ¿Cuántos años tenías vos?
- Y... yo empecé a los 25, así que tendría unos 26 en ese entonces.
- Empezaste a los 25. ¿Con cuántas mujeres habías estado antes?
- Probablemente unas docientas, me iba bastante bien...
Eternamente soltero y sin apuros, pasados sus cincuenta años, Ron se asume adicto al sexo y no desperdicia oportunidad. Durante la entrevista se acercan chicas con edad suficiente para ser sus nietas y le piden autógrafos, él les firma las tetas y les anota la dirección del hotel donde está parando y el número de habitación: “¿Por qué no se dan una vuelta más tarde?”
- ¿Extrañás los comienzos de los 90’s cuando filmabas dos o tres películas por semana?
- No necesariamente, me gusta como ha evolucionado mi carrera hasta estos días. A medida que me fui poniendo más viejo y más gordo, me fui haciendo más y más famoso y me encanta estar frente a las cámaras.
- ¿Cómo alcanzaste ese estatus de ícono popular masivo?
- Videos de música, MTV, muchas bandas de rock me nombran en sus canciones, he hecho muchas cosas para los chicos, el público más joven, universitario... Esos son los que después crecen, pero a mí ya me conocen desde chicos, desde antes de empezar a ver porno.
- Hablando de público universitario, hiciste un video para la serie College Invasion de Shane’s World. ¿Cómo fue esa experiencia?
- Fue muy divertido. Los chicos son fabulosos. Tuve mucho sexo muy bueno fuera de cámaras con las estudiantes.
- ¿Se te acercaban las chicas a pedirte qeu les muestres tu herramienta de trabajo?
- Sí, así es como empieza la cosa usualmente. ¿Puedo verla? ¿Puedo tocarla? Y así es como sucede...
El legado del maestro
Por su apariencia física, uno diría que Ron Jeremy pertenece más a un oscuro y sucio bar de camioneros en la ruta, que al glamour de un set de filmación de Hollywood. Pero si algo ha demostrado este antihéroe del porno es que las apariencias engañan. Así como lo ven, antes de lanzarse en su carrera de sex-symbol (cuando su novia de aquel entonces mandó una foto suya en bolas a la revista Playgirl), Ron Jeremy, o quizás debamos decir David Elliot, era un maestro de escuela especial para chicos con problemas.
Pero su sueño fue siempre ser actor: “Me encanta actuar, siempre me gustó. Siempre disfruto estar frente a las cámaras”. Al poco tiempo de hacerse un nombre en el porno, Ron empezó a trabajar en papeles menores en películas aptas para todo público. Desde su debut en una cinta titulda C.O.D. en 1981, Ron no ha parado de colarse en varias producciones cinematográficas como Detroit Rock City, 54, The Wickeds y Spun. Además, su nombre aparece en los créditos de Nueve Semanas y Media y Juegos de Placer, no cómo actor sino como consultor. Y quizás una de sus intervenciones extra-porno más curiosas haya sido en Orgazmo, de Trey Parker pre-South Park, en 1997, donde también participan las actrices porno Juli Ashton y Chasey Lain.
Además de actuar, Ron Jeremy también incurrió con éxito en la dirección. En 1993, cuando todavía estaba fresco el escándalo de Lorena Bobbit, Ron contrató a su marido, John, para actuar en una porno y mostrarle al mundo que su miembro, amputado y vuelto a cocer, estaba en perfecto funcionamiento. John Bobbit Uncut fue el título de aquella producción que batió todos los records de ventas hasta entonces y abrió el camino para un nuevo subgénero: el “celebrity porn” que tanto rédito ha dado luego con Pamela Anderson y Paris Hilton.
- Muchos de los hombres del porno de tu generación se hicieron productores y abrieron sus propias compañías. ¿Por qué vos no seguiste ese camino?
- Muchos, la mayoría en realidad, no fueron a ninguna parte, desaparecieron. Sólo un puñado sobrevivieron así, John Stagliano, Max Hardcore, John Leslie, Ed Powers, pero un montón se esfumaron. A mí me gusta trabajar para otros, no me interesa mucho lo de la producción. Es mucho trabajo, muy agotador, después siempre acabás metiéndote en problemas legales, o yendo preso. Ser dueño de la compañía significa muchos dolores de cabeza.
- ¿Se te acercan los actores más jóvenes a pedirte consejos?
- ¡Todos! Muchos hoy en día toman Viagra, ya no necesitan de mis consejos. Yo les digo que no tomen, pero todos toman Viagra. El problema es que si empiezan tomando Viagra en el comienzo de sus carreras, después se acostumbran y tienen que seguir tomando para siempre o ya no se les para más.
- ¿Cuál era tu secreto en las épocas pre-viagra?
- Una buena mano suave y mucha imaginación.
“El tamaño importa no”, le dice Yoda a Luke en los pantanos de Dagobah. Ron Jeremy, en una galaxia más cercana, es la demostración encarnada de que el tamaño sí importa, de hecho, lleva más de tres décadas y mil setecientas películas acumulando fama y fortuna a costa de eso: su tamaño.
Medida por medida
No podés decir que no conocés a Ron Jeremy. Si sólo viste tres películas porno en tu vida, una con certeza lo incluía en su elenco y no se trata justamente de un tipo de rasgos fáciles de olvidar. Aún en el caso extremo en que no hayas visto ni una porno –ojo que mentir es tan pecado como pajearse- muy probablemente sepas de quién se trata este señor o al menos su cara te resulte familiar. Y es que Ron Jeremy, como ningún otro, trascendió del mundillo del porno para convertirse en todo un ícono de la cultura pop americana. Películas de Hollywood, videos de rock, entregas de premios, fiestas de la farándula, reality shows... Ron Jeremy, también conocido como “The Hedgehog”, se las ha ingeniado para infiltrarse en las altas esferas del show business y todo gracias a un único gran talento: cargar entre sus piernas con un miembro de veinticuatro centímetros y medio de largo en erección.
“John Holmes era el único que me ganaba,” cuenta Ron, recreando una imaginaria competencia de extensión fálica entre actores porno de la vieja guardia. Pero John Holmes se quemó solo, adicto a la cocaína, el poder y el dinero fácil, acabó metiéndose en problemas con la mafia que lo llevaron a prisión para, años más tarde morir de sida, sólo, pobre y olvidado. Ron es uno de los pocos, sino el único, de aquella generación que sobrevivió y sigue activo en el porno. Pasó del pretencioso cine para adultos en 16 milímietros de los 70’s, al video triple equis de los 80’s, sobrevivió en los 90’s la transición –internet mediante- del porno con guión al gonzo (subgénero dominante hoy en día) y en la primera década del dos mil, aunque se lo vea más vestido en las pantallas de MTV que en bolas en los DVD’s de la sección condicionada, sigue dirigiendo y “actuando” en varias producciones de la compañía Metro, con la que tiene contrato de semi-exclusividad (algo común en las actrices, no así en sus partenaires masculinos).
“¿Y Lexington Steele?” le preguntamos, haciendo referencia al famoso actor porno afroamericano de las once pulgadas. “Bueno,” se excusa, “de los de ahora él es el único que me gana... y con Rocco Siffredi estamos parejos, yo la tengo un poco más larga, él la tiene más gruesa”.
Hablar abiertamente del tamaño de su pene es un lugar común para este gordito judio original de New York. Basta con que uno toque el tema para que salga con sus respuestas preprogramadas que suenan más a rutinas de comediante que a contestaciones de entrevistado. Y es que últimamente, ante el declive en su nivel de empleo, ha recurrido también al curro de presentarse solo con un micrófono, frente a la clásica pared de ladrillos a la vista de los cafés norteamericanos, haciendo su mediocre show de “stand-up comedy”.
- En tus comienzos solías chupártela a vos mismo en varias películas, algunos envidiosos criticaron ese acto como de tendencia homosexual.
- Eddie Murphy hizo toda una rutina sobre eso. Decía que chupártela no es gay, a menos que acabes en tu cara, ahí sí que ya es gay. Igual que si te metés la pija en tu propio culo.
Sexópata profesional
A Ron le tocó encamarse a las más deseadas estrellas de la pornografía audiovisual. Desde su debut en 1978 con Vanessa del Río, hasta nuestros días, los lejendarios veinticuatro centímetros y medio de caño recortado han entrado y salido de las húmedas profundidades de más de “cuatro mil mujeres” (según sus cáculos más recientes). Enumera a Christy Canyon y Tabitha Stevens entre sus favoritas y a más de una le tocó hacerla debutar también.
- En una entrevista reciente, Ginger Lynn dice que tuvo su primera escena con vos y que entonces pensó “si puedo hacerlo con Ron Jeremy, puedo hacerlo con cualquiera”.
- No es justo que diga eso, si yo era flaco en esa época. Cuando trabajé con ella estaba en buena forma. Eso lo dijo después de que subí de peso.
- Fuiste uno de los que trabajó con Traci Lords, cuando todavía era menor de edad. ¿Qué recordás de aquella época?
- Era una chica hermosa. Ella ya estaba haciendo porno desde hacía un año y medio, más o menos, cuando me tocó trabajar con ella. No me tocó en sus comienzos. Otros tipos estuvieron con ella cuando era realmente muy chica. Cuando le tocó conmigo ya estaba por cumplir los 18.
- ¿Cuántos años tenías vos?
- Y... yo empecé a los 25, así que tendría unos 26 en ese entonces.
- Empezaste a los 25. ¿Con cuántas mujeres habías estado antes?
- Probablemente unas docientas, me iba bastante bien...
Eternamente soltero y sin apuros, pasados sus cincuenta años, Ron se asume adicto al sexo y no desperdicia oportunidad. Durante la entrevista se acercan chicas con edad suficiente para ser sus nietas y le piden autógrafos, él les firma las tetas y les anota la dirección del hotel donde está parando y el número de habitación: “¿Por qué no se dan una vuelta más tarde?”
- ¿Extrañás los comienzos de los 90’s cuando filmabas dos o tres películas por semana?
- No necesariamente, me gusta como ha evolucionado mi carrera hasta estos días. A medida que me fui poniendo más viejo y más gordo, me fui haciendo más y más famoso y me encanta estar frente a las cámaras.
- ¿Cómo alcanzaste ese estatus de ícono popular masivo?
- Videos de música, MTV, muchas bandas de rock me nombran en sus canciones, he hecho muchas cosas para los chicos, el público más joven, universitario... Esos son los que después crecen, pero a mí ya me conocen desde chicos, desde antes de empezar a ver porno.
- Hablando de público universitario, hiciste un video para la serie College Invasion de Shane’s World. ¿Cómo fue esa experiencia?
- Fue muy divertido. Los chicos son fabulosos. Tuve mucho sexo muy bueno fuera de cámaras con las estudiantes.
- ¿Se te acercaban las chicas a pedirte qeu les muestres tu herramienta de trabajo?
- Sí, así es como empieza la cosa usualmente. ¿Puedo verla? ¿Puedo tocarla? Y así es como sucede...
El legado del maestro
Por su apariencia física, uno diría que Ron Jeremy pertenece más a un oscuro y sucio bar de camioneros en la ruta, que al glamour de un set de filmación de Hollywood. Pero si algo ha demostrado este antihéroe del porno es que las apariencias engañan. Así como lo ven, antes de lanzarse en su carrera de sex-symbol (cuando su novia de aquel entonces mandó una foto suya en bolas a la revista Playgirl), Ron Jeremy, o quizás debamos decir David Elliot, era un maestro de escuela especial para chicos con problemas.
Pero su sueño fue siempre ser actor: “Me encanta actuar, siempre me gustó. Siempre disfruto estar frente a las cámaras”. Al poco tiempo de hacerse un nombre en el porno, Ron empezó a trabajar en papeles menores en películas aptas para todo público. Desde su debut en una cinta titulda C.O.D. en 1981, Ron no ha parado de colarse en varias producciones cinematográficas como Detroit Rock City, 54, The Wickeds y Spun. Además, su nombre aparece en los créditos de Nueve Semanas y Media y Juegos de Placer, no cómo actor sino como consultor. Y quizás una de sus intervenciones extra-porno más curiosas haya sido en Orgazmo, de Trey Parker pre-South Park, en 1997, donde también participan las actrices porno Juli Ashton y Chasey Lain.
Además de actuar, Ron Jeremy también incurrió con éxito en la dirección. En 1993, cuando todavía estaba fresco el escándalo de Lorena Bobbit, Ron contrató a su marido, John, para actuar en una porno y mostrarle al mundo que su miembro, amputado y vuelto a cocer, estaba en perfecto funcionamiento. John Bobbit Uncut fue el título de aquella producción que batió todos los records de ventas hasta entonces y abrió el camino para un nuevo subgénero: el “celebrity porn” que tanto rédito ha dado luego con Pamela Anderson y Paris Hilton.
- Muchos de los hombres del porno de tu generación se hicieron productores y abrieron sus propias compañías. ¿Por qué vos no seguiste ese camino?
- Muchos, la mayoría en realidad, no fueron a ninguna parte, desaparecieron. Sólo un puñado sobrevivieron así, John Stagliano, Max Hardcore, John Leslie, Ed Powers, pero un montón se esfumaron. A mí me gusta trabajar para otros, no me interesa mucho lo de la producción. Es mucho trabajo, muy agotador, después siempre acabás metiéndote en problemas legales, o yendo preso. Ser dueño de la compañía significa muchos dolores de cabeza.
- ¿Se te acercan los actores más jóvenes a pedirte consejos?
- ¡Todos! Muchos hoy en día toman Viagra, ya no necesitan de mis consejos. Yo les digo que no tomen, pero todos toman Viagra. El problema es que si empiezan tomando Viagra en el comienzo de sus carreras, después se acostumbran y tienen que seguir tomando para siempre o ya no se les para más.
- ¿Cuál era tu secreto en las épocas pre-viagra?
- Una buena mano suave y mucha imaginación.
Mika Tan: Desmintiendo el cuento chino
Por Juan Data (Publicado originalmente en La Cosa, Buenos Aires, 2005)
Mika Tan se propuso salvar el honor de sus antepasados y para ello quiere demostrar públicamente que no es cierto eso de las reducidas dimensiones de los palitos chinos.
En el mundillo del porno de hoy en día, con sobreoferta de actrices asiáticas (¿la moda del momento? ¿las nuevas rubias?) se les complica a las chicas destacarse, hacerse de un nombre y alcanzar el deseado status de porn-stars. Mika Tan no está entre las actrices de primera línea, ni tiene contrato de exclusividad con ninguna de las grandes productoras, pero se ha ganado su lugar en la constelación porno a fuerza de simpatía, perseverancia y –literalmente- romperse el culo trabajando. Ahora, como tantas otras de su generación, se propuso dar el gran salto y tomar la sartén por el mango, se compró su propia cámara y anunció que se pasaba a la dirección y producción de películas. Y ojo que viene con ideas interesantes...
De modelo a porn-star
Hija de madre taiwanesa y padre japonés, efectivo de la marina norteamericana, Mika nació hace veintisiete años en Hawaii y pasó la mayor parte de su infancia en la base naval de San Diego, California. Apenas acabó sus estudios universitarios (¡en bioquímica!) se mudó a Los Angeles en busca de fama y fortuna. “Desde los doce años que venía modelando, pero con ropa... también modelé desnuda para escuelas de arte. Después me mudé a Los Angeles con la idea de seguir trabajando como modelo pero fue muy difícil, a todos los castings donde iba, me querían coger. Y yo no tengo ningún problema con la desnudez ni nada de eso, entonces pensé si voy a tener que encamarme gente para conseguir trabajo, más vale que ese sea mi trabajo. Tenía veinte años y estaba frustrada con mi carrera, imaginate, más de una vez tuve que darle una mamada a algún director de casting ¡y así y todo no conseguía el trabajo!”
Mika estaba casada en ese entonces con un militar norteamericano, entonces cuando le surgió la posibilidad de hacer porno, aceptó participar sólo en escenas con chicas. Aunque claro, ese no es el rol mejor pagado en esta industria, así que con el tiempo se animó a filmar su primera escena heterosexual... con su marido. “Cuando tenía ya veintiuno fuimos con mi marido de aquel entonces, a filmar nuestra primera escena para una porno. Creo que se llamaba First Impressions o Fresh Asian Sex Sluts, una de esas dos”.
- ¿O sea que, al contrario de la mayoría, no tuviste tu debut con Ed Powers?
- Con Ed tuve mi primer anal.
- ¿Cómo fue eso?
- Yo tenía mucho miedo. Nunca había tenido nada en mi culo antes.
- ¿Nunca? ¿Ni con tu esposo?
- No, nada, nunca, intenté unos días antes con un consolador, como para hacerme a la idea. Y Ed Powers me dijo “no te preocupes, que la tengo chiquita, no te va a doler tanto”. Hasta ese entonces sólo venía haciendo escenas con mi marido, pero él no tuvo problemas de que fuese con Ed Powers, no se sintió intimidado (risas). Pero bueno, después de eso nos empezaron a llamar para trabajar por separado y ahí fue cuando la relación se empezó a derrumbar, principalmente porque él empezó a tener sexo con otras chicas fuera de la industria. Es raro, pero la regla es que, en cámara y por dinero podés tener sexo con todas las personas que quieras, porque es por trabajo... pero eso no te da permiso para levantarte a alguien en un bar y llevarlo a la cama. Yo lo veo como algo muy diferente, por el tema de las emociones y creo que la mayoría de la gente que está en este negocio lo entiende de esa manera también.
- Por eso siempre terminan saliendo con gente que también está involucrada en el porno.
- Es muy difícil salir con alguien cuando estás en esta profesión. Es como, “adiós cariño, te amo, pero me voy a coger a alguien y vuelvo”. Es muy difícil a menos que los dos estemos haciendo lo mismo. Por eso tenés a tantas pornstars que acaban casándose con camarógrafos, directores, productores o actores de porno, alguien que entienda que porno es algo que uno hace y no algo que uno es.
Gajes del oficio
Después del ocaso del primer matrimonio, que desembocó en un embarazo interrumpido, Mika Tan se tomó unas cortas vacasiones y volvió al porno con más fuerza que nunca (con el tiempo se terminó casando con otro actor porno: Alec Knight). Esta etapa coincidió con el auge de actrices asiáticas en el cine condicionado, así que la competencia la llevó a expandir su currículum animándose a actos cada vez más extremos. “Me gusta el sexo duro, sucio,” asegura Mika, y es fácil creerle al ver sus trabajos más recientes. También incurrió en el sadomasoquismo y el bondage (fetiche que consiste en inmovilizar el cuerpo de la víctima atándolo como fiambre, muy común en Japón).
- ¿Te tocó hacer escenas de doble penetración?
- En ATM City (Acid Rain, 2004) fue la última vez que hice doble penetración. De hecho, la última escena anal que hice, porque me rompieron el culo y acabé en el hospital. ¡68 mil dólares me terminó saliendo la joda!
- ¿Cómo se hace para que literalmente te rompan el culo?
- ¡Se rompió! Tuvieron que darme siete puntadas en el colon. Sucede que a veces en este negocio entre los hombres hay como mucha competición, por esa cosa machista de quién la tiene más grande, ¿no? Sobre todo cuando es una escena con dos hombres a la vez, entonces como el otro la tenía mucho más grande, este que me la estaba dando por atrás, para compensar me empezó a dar más y más duro, hasta que me lastimó.
- ¿Hiciste gang-bangs?
- No, nunca hice un gang-bang propiamente dicho. Tuve sexo con hasta cuatro tipos a la vez, pero eso no lo considero gang-bang.
- Ahora que la doble penetración ya no asusta a nadie, la moda del momento parece ser el doble anal, ¿lo has intentado?
- No me parece que sea sexy y para serte sincera, no creo que tenga espacio para dos a la vez en el mismo agujero. Intenté una vez en una escena para Skeeter Kerkove pero fue imposible y eso que no eran muy grandes. Era tan doloroso que ni siquiera podía simular que lo estaba disfrutando.
Y de actriz a directora
Después de la operación, Mika Tan debió tomarse unos seis meses de descanso, tiempo que aprovechó para escribir un libro sobre los secretos de una carrera exitosa en el porno: “Yo entré sin un agente, por mi cuenta y no quiero que las chicas nuevas cometan los mismos errores que yo cometí. Hay muchos códigos de protocolo en este negocio, cosas que podés y no podés hacer. Y bueno, consejos para que no te caguen con el dinero, cómo hacer para que te paguen y cosas así; porque si bien no es un negocio sucio en general, está lleno de chantas y estafadores. Ahora estoy buscando alguien que me publique el libro”.
Conocedora de los secretos de la industria, Mika sabe muy bien que el dinero no está en la actuación sino en la dirección y producción de películas, así que siguiendo los pasos de actrices como Belladonna, Shane, Jewel De Nyle y un innumerable excétera, decidió abrir su propia compañía productora y ya hizo público su primer proyecto, poco menos que revolucionario, que sin duda va a dar que hablar.
- Tu primer proyecto como directora es de lo más ambicioso: hacer, por primera vez en la historia del porno norteamericano, una película donde todos los hombres sean de origen asiático.
- Estuve en este negocio por ya casi ocho años y a veces me llegan cartas de fans enojados que me dicen “¿por qué despreciás a los hombres asiáticos así? ¿Cuál es tu problema con los hombres asiáticos que sólo cogés con negros y blancos?” Y yo pensaba: es que no hay ningún hombre asiático en el porno. Voy a filmar un gonzo ahora en un par de meses que va a ser mi debut y para el año que viene tengo planeada una producción de alto presupuesto: una sátira de Kill Bill.
- ¿Cuánto sale producir una porno?
- Bueno, la que estoy por hacer ahora, que es un gonzo de bajo presupuesto, le calculo unos quince mil dólares. No tiene nada de decorados, ni vestuario y para el catering compraremos algunas de esas bandejas surtidas del supermercado (risas).
- ¿Las chicas también van a ser todas asiáticas?
- No, tenemos un par de rubias y latinas. ¡Eso nunca se vio en porno! La idea surgió de una encuesta que hice en mi website (www.mikatan.com) donde muchos de mis fans asiáticos decían que querían ver eso, hombres asiáticos con mujeres blancas. Espero que esto ayude a contrarestar los rumores de que todos los hombres asiáticos la tienen chiquita. En mi experiencia personal, todos lo hombres con los que salí antes de entrar al porno, fueron asiáticos y puedo afirmar que no todos son tan pequeños. En el casting que tuve para la película, vino un taiwanés que tenía nueve pulgadas y media, pero no quería que se viese su cara en la película, quería salir con una máscara y así no sirve porque yo quiero que se vea que es asiático. Ese fue un problema muy común, tuvimos dos castings y se presentaron ciento cuarenta personas y la mayoría tienen ese problema, son tímidos o tienen miedo de que vean sus caras en cámara. Ahora entendí por qué no se hacían películas con hombres asiáticos en Estados Unidos, no es por el problema del tamaño, sino por la timidez.
- ¿Por qué creés que los hombres están tan intimidados mientras que las chicas orientales entran y salen del porno como si nada?
- Creo que es por una cosa cultural. En las familias asiáticas, los padres ponen muchísima presión sobre sus hijos varones para que sean exitosos en sus carreras, en sus estudios, económicamente. Y después está el tema de que muchos son muy religiosos, ¿sabés?
- ¿Vos no tuviste problemas con tu familia?
- No, para nada, mi abuela tenía una casa de masajes, así que imaginate. Me crié rodeada de prostitutas. Ayer la llevé a mi mamá a una de mis presentaciones y ella dice que lo que le preocupa es que me lastime como me pasó la otra vez, pero con el tema del sexo no tiene ningún drama.
Mika Tan se propuso salvar el honor de sus antepasados y para ello quiere demostrar públicamente que no es cierto eso de las reducidas dimensiones de los palitos chinos.
En el mundillo del porno de hoy en día, con sobreoferta de actrices asiáticas (¿la moda del momento? ¿las nuevas rubias?) se les complica a las chicas destacarse, hacerse de un nombre y alcanzar el deseado status de porn-stars. Mika Tan no está entre las actrices de primera línea, ni tiene contrato de exclusividad con ninguna de las grandes productoras, pero se ha ganado su lugar en la constelación porno a fuerza de simpatía, perseverancia y –literalmente- romperse el culo trabajando. Ahora, como tantas otras de su generación, se propuso dar el gran salto y tomar la sartén por el mango, se compró su propia cámara y anunció que se pasaba a la dirección y producción de películas. Y ojo que viene con ideas interesantes...
De modelo a porn-star
Hija de madre taiwanesa y padre japonés, efectivo de la marina norteamericana, Mika nació hace veintisiete años en Hawaii y pasó la mayor parte de su infancia en la base naval de San Diego, California. Apenas acabó sus estudios universitarios (¡en bioquímica!) se mudó a Los Angeles en busca de fama y fortuna. “Desde los doce años que venía modelando, pero con ropa... también modelé desnuda para escuelas de arte. Después me mudé a Los Angeles con la idea de seguir trabajando como modelo pero fue muy difícil, a todos los castings donde iba, me querían coger. Y yo no tengo ningún problema con la desnudez ni nada de eso, entonces pensé si voy a tener que encamarme gente para conseguir trabajo, más vale que ese sea mi trabajo. Tenía veinte años y estaba frustrada con mi carrera, imaginate, más de una vez tuve que darle una mamada a algún director de casting ¡y así y todo no conseguía el trabajo!”
Mika estaba casada en ese entonces con un militar norteamericano, entonces cuando le surgió la posibilidad de hacer porno, aceptó participar sólo en escenas con chicas. Aunque claro, ese no es el rol mejor pagado en esta industria, así que con el tiempo se animó a filmar su primera escena heterosexual... con su marido. “Cuando tenía ya veintiuno fuimos con mi marido de aquel entonces, a filmar nuestra primera escena para una porno. Creo que se llamaba First Impressions o Fresh Asian Sex Sluts, una de esas dos”.
- ¿O sea que, al contrario de la mayoría, no tuviste tu debut con Ed Powers?
- Con Ed tuve mi primer anal.
- ¿Cómo fue eso?
- Yo tenía mucho miedo. Nunca había tenido nada en mi culo antes.
- ¿Nunca? ¿Ni con tu esposo?
- No, nada, nunca, intenté unos días antes con un consolador, como para hacerme a la idea. Y Ed Powers me dijo “no te preocupes, que la tengo chiquita, no te va a doler tanto”. Hasta ese entonces sólo venía haciendo escenas con mi marido, pero él no tuvo problemas de que fuese con Ed Powers, no se sintió intimidado (risas). Pero bueno, después de eso nos empezaron a llamar para trabajar por separado y ahí fue cuando la relación se empezó a derrumbar, principalmente porque él empezó a tener sexo con otras chicas fuera de la industria. Es raro, pero la regla es que, en cámara y por dinero podés tener sexo con todas las personas que quieras, porque es por trabajo... pero eso no te da permiso para levantarte a alguien en un bar y llevarlo a la cama. Yo lo veo como algo muy diferente, por el tema de las emociones y creo que la mayoría de la gente que está en este negocio lo entiende de esa manera también.
- Por eso siempre terminan saliendo con gente que también está involucrada en el porno.
- Es muy difícil salir con alguien cuando estás en esta profesión. Es como, “adiós cariño, te amo, pero me voy a coger a alguien y vuelvo”. Es muy difícil a menos que los dos estemos haciendo lo mismo. Por eso tenés a tantas pornstars que acaban casándose con camarógrafos, directores, productores o actores de porno, alguien que entienda que porno es algo que uno hace y no algo que uno es.
Gajes del oficio
Después del ocaso del primer matrimonio, que desembocó en un embarazo interrumpido, Mika Tan se tomó unas cortas vacasiones y volvió al porno con más fuerza que nunca (con el tiempo se terminó casando con otro actor porno: Alec Knight). Esta etapa coincidió con el auge de actrices asiáticas en el cine condicionado, así que la competencia la llevó a expandir su currículum animándose a actos cada vez más extremos. “Me gusta el sexo duro, sucio,” asegura Mika, y es fácil creerle al ver sus trabajos más recientes. También incurrió en el sadomasoquismo y el bondage (fetiche que consiste en inmovilizar el cuerpo de la víctima atándolo como fiambre, muy común en Japón).
- ¿Te tocó hacer escenas de doble penetración?
- En ATM City (Acid Rain, 2004) fue la última vez que hice doble penetración. De hecho, la última escena anal que hice, porque me rompieron el culo y acabé en el hospital. ¡68 mil dólares me terminó saliendo la joda!
- ¿Cómo se hace para que literalmente te rompan el culo?
- ¡Se rompió! Tuvieron que darme siete puntadas en el colon. Sucede que a veces en este negocio entre los hombres hay como mucha competición, por esa cosa machista de quién la tiene más grande, ¿no? Sobre todo cuando es una escena con dos hombres a la vez, entonces como el otro la tenía mucho más grande, este que me la estaba dando por atrás, para compensar me empezó a dar más y más duro, hasta que me lastimó.
- ¿Hiciste gang-bangs?
- No, nunca hice un gang-bang propiamente dicho. Tuve sexo con hasta cuatro tipos a la vez, pero eso no lo considero gang-bang.
- Ahora que la doble penetración ya no asusta a nadie, la moda del momento parece ser el doble anal, ¿lo has intentado?
- No me parece que sea sexy y para serte sincera, no creo que tenga espacio para dos a la vez en el mismo agujero. Intenté una vez en una escena para Skeeter Kerkove pero fue imposible y eso que no eran muy grandes. Era tan doloroso que ni siquiera podía simular que lo estaba disfrutando.
Y de actriz a directora
Después de la operación, Mika Tan debió tomarse unos seis meses de descanso, tiempo que aprovechó para escribir un libro sobre los secretos de una carrera exitosa en el porno: “Yo entré sin un agente, por mi cuenta y no quiero que las chicas nuevas cometan los mismos errores que yo cometí. Hay muchos códigos de protocolo en este negocio, cosas que podés y no podés hacer. Y bueno, consejos para que no te caguen con el dinero, cómo hacer para que te paguen y cosas así; porque si bien no es un negocio sucio en general, está lleno de chantas y estafadores. Ahora estoy buscando alguien que me publique el libro”.
Conocedora de los secretos de la industria, Mika sabe muy bien que el dinero no está en la actuación sino en la dirección y producción de películas, así que siguiendo los pasos de actrices como Belladonna, Shane, Jewel De Nyle y un innumerable excétera, decidió abrir su propia compañía productora y ya hizo público su primer proyecto, poco menos que revolucionario, que sin duda va a dar que hablar.
- Tu primer proyecto como directora es de lo más ambicioso: hacer, por primera vez en la historia del porno norteamericano, una película donde todos los hombres sean de origen asiático.
- Estuve en este negocio por ya casi ocho años y a veces me llegan cartas de fans enojados que me dicen “¿por qué despreciás a los hombres asiáticos así? ¿Cuál es tu problema con los hombres asiáticos que sólo cogés con negros y blancos?” Y yo pensaba: es que no hay ningún hombre asiático en el porno. Voy a filmar un gonzo ahora en un par de meses que va a ser mi debut y para el año que viene tengo planeada una producción de alto presupuesto: una sátira de Kill Bill.
- ¿Cuánto sale producir una porno?
- Bueno, la que estoy por hacer ahora, que es un gonzo de bajo presupuesto, le calculo unos quince mil dólares. No tiene nada de decorados, ni vestuario y para el catering compraremos algunas de esas bandejas surtidas del supermercado (risas).
- ¿Las chicas también van a ser todas asiáticas?
- No, tenemos un par de rubias y latinas. ¡Eso nunca se vio en porno! La idea surgió de una encuesta que hice en mi website (www.mikatan.com) donde muchos de mis fans asiáticos decían que querían ver eso, hombres asiáticos con mujeres blancas. Espero que esto ayude a contrarestar los rumores de que todos los hombres asiáticos la tienen chiquita. En mi experiencia personal, todos lo hombres con los que salí antes de entrar al porno, fueron asiáticos y puedo afirmar que no todos son tan pequeños. En el casting que tuve para la película, vino un taiwanés que tenía nueve pulgadas y media, pero no quería que se viese su cara en la película, quería salir con una máscara y así no sirve porque yo quiero que se vea que es asiático. Ese fue un problema muy común, tuvimos dos castings y se presentaron ciento cuarenta personas y la mayoría tienen ese problema, son tímidos o tienen miedo de que vean sus caras en cámara. Ahora entendí por qué no se hacían películas con hombres asiáticos en Estados Unidos, no es por el problema del tamaño, sino por la timidez.
- ¿Por qué creés que los hombres están tan intimidados mientras que las chicas orientales entran y salen del porno como si nada?
- Creo que es por una cosa cultural. En las familias asiáticas, los padres ponen muchísima presión sobre sus hijos varones para que sean exitosos en sus carreras, en sus estudios, económicamente. Y después está el tema de que muchos son muy religiosos, ¿sabés?
- ¿Vos no tuviste problemas con tu familia?
- No, para nada, mi abuela tenía una casa de masajes, así que imaginate. Me crié rodeada de prostitutas. Ayer la llevé a mi mamá a una de mis presentaciones y ella dice que lo que le preocupa es que me lastime como me pasó la otra vez, pero con el tema del sexo no tiene ningún drama.
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